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音乐类论文:高校师范类音乐教育论文
国内高师音乐教育现状
1.培养目标不明确
培养目标是各级各类学校根据其自身性质特点对培养对象的特殊要求。艺术类院校专业的培养目标是选拔培养专业技能的人才，以发展学生的专业技能素质为主，所以以往的音乐艺术类专业招生时对学生的大学前的专业教育要求比较高，学生上大学之前就要求要具备一定能力的专业要求，并在考试中经过层层筛选，择优录取。而师范类学校音乐教育的培养目标是为了培养合格的音乐教师，要求培养“一专多能”的复合型人才。高师音乐教育的目的是学生毕业后能够担任中小学的音乐教育及艺术实践的指导。教育的出发点就是能够使学生充分了解中小学音乐教育的授课特点，理解教学内容和使用适当的教学方法，调动学生的主动性，激发学生对音乐的兴趣。但是目前高校师范类音乐专业仍然大多都是沿用专业音乐院校的课程设置，学生在平时学习中往往只重视自己的主修专业课而轻视对其他学科的学习。尤其是技能专业方向的学生，相当一部分高师音乐教育专业培养出来的学生专业性虽然很强，但是知识技能结构单一，专业知识与教学能力严重脱节，不能够将相关的音乐知识和技能转化为教学行为方式，这就违背了音乐教育本来的目的。比如说在即兴钢琴伴奏方面，很多学生都是有很大欠缺的，有些学生或许钢琴功底并不差，但是在应聘的时候却连一首很简单的小歌曲都不能伴奏。现在的中小学音乐课最主要的还是对学生音乐爱好兴趣的培养，要求教师掌握多方面的学科知识，学校对教师的专业课水平要求不是很高，但要求教师对只要跟音乐类相关的学科声乐舞蹈、合唱、器乐等都应有所了解，所掌握的知识并不要求样样精通，但知识结构必须多元化。这样一来师范院校的毕业生就无法胜任学校多元化的教学和丰富多彩的课外活动，这也是音乐师范毕业生就业困难的一个重要原因。
2.“教”与“学”的态度是关键
首先，教师是教学过程的组织者，学生学习的指导者、促进者、帮助者，在教学过程中，教师的教学态度是影响学生学习的一个关键因素。随着办学层次的提高，要求高师音乐教师不仅要有过硬的专业技术和教学能力，还要有一定的理论研究和科研能力。高师音乐教师(特别是技能技巧专业教师)不同于其他专业教师，他们除了与其他专业教师所共有的专业知识和教育知识以外，还有技能性部分，而技能性部分只有不断地学习和训练才能使专业水平得到保持和提高。但是，由于扩大招生规模，学生人数剧增，教师课时量大大增加，造成师资力量的严重缺乏，使很多教师没有足够的时间和精力认真备课，因而不能认真搞好教学，只能应付剧增的课时，严重影响了教学质量。而且，现在在高校中的科研及数量也都直接跟教师的工资奖金挂钩，有的教师为了搞科研、写论文，在教学上马马虎虎，应付教学，也会影响教学质量，有的即使论文出来了，也像空中楼阁、纸上谈兵，离教学实际越来越远。音乐界还普遍存在对于学习上实行一对一单人授课的小课形式，音乐类教师普遍都带有一些私人学生，而且上课费用不低。一些学校教师待遇比较低，教师上一节学校计划任务内课的课时费要远远低于上一节小课的课时费，巨额差距之下，教师难免在学校工作与私人上课之间产生时间上的矛盾，违反爱岗敬业，严谨治学的教师道德规范。这也是某些教师对上课懈怠的一个原因。其次，学校教育是以“金字塔”式的等级制度为主，以往高校的音乐专业由于招生规模小，有名额限定，所以对考生的素质要求比较高。如今，高师音乐专业也同其他艺术类高校一样，扩大了招生规模，这样在招生录取的时候生源的质量就免不了要降低一些。而且在高考中艺术类对于文化课的要求比普通类高校分数线要低得多，一些考生为了走捷径考上大学，在专业课上经过几个月的突击可能就能考上高师音乐院校，但是这些学生的专业素质和文化素质都相对会差一些，对音乐的接受能力和悟性也比较低，这样就给高校教师的教学带来了一定的困难，导致教学质量下降。
结合国外音乐教育对比
国内外虽然都有高师音乐教育，但二者的教育却有很大的不同，下面笔者将从教育思想及培养目标、培养体系、教育方法和实习这几个方面来进行比较分析。
1.教育思想及培养目标
当今社会，很多国家都已经改变了以往那种把音乐知识技能作为音乐教育首要目标的思想，取而代之的是更强调音乐兴趣爱好与审美培养，强调通过音乐教育开发人们的创造潜能，培养、和谐、充分发展的个体。这种思想已经从“通过教育学习音乐”转变成了“通过音乐进行教育”，开始强调“人”的主体作用。因此，对高校音乐类师范生的培养目标也发生了相应的变化，开始重视师范生专业就业的针对性。例如，加拿大、德国、日本等国非常重视学前和小学的音乐教育，他们的高师院校分别开设了学前、小学、中学三级音乐教育专业，培养的目标较多，更有针对性。我国目前提倡素质教育，提倡人的身心发展，对音乐教育也从只关注知识技能转向不仅关注知识技能，而且重视情感、方法等，这是音乐教育思想上的一个重大突破。然而，在具体实施过程中却还是有一定的折扣性，当前社会现实仍是侧重于应试教育，“素质教育”从某种程度上来说仅限于“公开课”“精品课程”中。在这种形势下，中学的音乐课几乎是可有可无，所以学习高师音乐教育专业的学生在毕业后找到对口工作的几率较低，为保障招生数量和毕业生的就业率，学校只好另外培养一些非师音乐学生，以适应社会的就业趋向。这种教育目标从某种意义上来说已经脱离了教育的目的。
2.音乐教育的方法
教育方法是教育活动获得成功的一个关键。国外音乐教育法比较著名的有德国的“奥尔夫音乐教育法”和匈牙利的“柯达伊音乐教学法”。奥尔夫音乐教学法较大的特点是具有即兴性、灵活性和创造性，能够发散学生思维，发展学生创造力。“柯达伊音乐教学法”较大的一个特点就是课程的经济实用性，教师只用一个音叉就可以进行教学，这种教学方式非常适用于经济欠发达地区的学校教育。我国传统的音乐教育课堂上是一种枯燥乏味的说教，晦涩的乐理知识丝毫不能引起学生的兴趣和情感。教育技术的现代化虽然为音乐课堂提供了丰富的视听元素，但是若是使用不当，依然无法调动学生的情绪。尤其在高校，更有些懈于工作的老师干脆不再备课，上课就只给学生们放视频，这无异于“放养式”上课，等于让学生“自生自灭”了。高校音乐类师范生承担着全国中小学音乐教育发展的重任，他们所接受的学习方式方法将直接影响到他们在教育实践中的应用效果。
3.培养体系
国外的中小学音乐教师大多出自综合大学师范学院的音乐系。在德国，高师音乐教育被分为三级，学生按所选的级别分别学习教授小学、初中、高中的音乐教育课。大学毕业后要实习并参加培训班两年，之后还要通过国家二级考试，才能申请教师工作。在美国，学校规定学生学习时不分级，而是把大学第四年的全年都用于实习，以提高实际能力。凡是选择中小学音乐教育职业的毕业生都必须经过国家教师资格考核，取得该方面的证书后，方可到相应级别的学校执教。这种国家考核的内容由个人素质、音乐专业能力、教育专业能力三大类组成。比较之下，我国中小学音乐教师的来源则途径较多。本科、大专、中专都有，所学知识的深度、广度、侧重点都不同，教师对基础音乐教育的认识以及水平相差很大；另外，我国中小学音乐教师从业资格考核过于简单，忽略了较高的专业素质要求，这不利于激励高师学生刻苦学习，更不利于高师学生除音乐以外的其他知识体系层次的提高。
4.实习问题及从业资格
国外高师教育非常重视实习环节。在德国，毕业后必须实习两年；在美国，大学的第四年几乎全部是实习。而在我国有很多高师院校往往都比较忽略实习这一重要过程，都只是走个形式，学生在实习时候不能及时发现问题并进行有效解决，实际教学能力不能得到提高。所以，在实习方面，国内的高师教育需要在时间以及质量上进行调整。教师承担着教书育人，提高国民素质的伟大使命，国外很多国家关于教师的资格考核资格要求非常严格。美国、德国、日本等国家对从事音乐教育的资格考核制度是很严格的，除了精通主修科目外，还要至少精通一种乐器，以及能够组织大合唱及小型音乐活动，并能很好地讲授课程、很好地了解学生和与学生沟通等，重视音乐教师知识掌握程度的多元化。若达不到要求，学生即使毕业了也会拿不到从业许可。而在我国，由于社会上缺乏类似的严格考核，学生是否合格由学校说了算。这样一来，学校培养学生就像工厂生产的产品，如果检验标准和是否合格都由自家决定，标准当然就低了。
研究对策
高师音乐教育培养出来的人才大都是中小学音乐教师，而良好的音乐基础也将是中小学学生以后在音乐方面发展的重要关键，因此，针对以上问题，笔者从以下几个方面进行提出建议。1.学校的教育思想和培养目标要明确要切实有效地实行素质教育，实行发展。针对师范生的性质必须提高师范类音乐学生的师范性，强调教育的实践性和灵活性。在对师范类学生的学习中适当加大选修课和辅修课的比重，并提高对选修课和辅修课的要求和标准，增加学分比重，引起学生重视，使学生的知识结构系统化。并且，在追求技巧提高的同时，加强与中小学课程内容的联系，理论与实践能够充分结合，以便高师学生可以轻松胜任中小学音乐教师的工作。2.提高教师待遇，招生严格要求师者，传道授业解惑者也。教师在教学中是起着主体作用的，在扩招带来的巨大压力之下必须提高教师的待遇，因为只有保障了教师质量的稳定性才能保障学生的质量。另外，高师音乐教育在学生入学的时候就要把好关，不能因为扩招而大大降低招生要求。对于社会上的一些贪污受贿等不良现象也一定要严加抵制，不能污染了学校这一方净土。3.突出“师范性”，重视理论联系实践要突出高校师范类音乐教育的“师范性”，就必须要加强高师教育音乐学科公修课的课程学习，提高学生的综合素质，使学生的知识结构丰富化、多元化，尤其是要加强即兴钢琴伴奏课程的学习。还要确切地认识到教育实习的重要性，理论离开了实践就只是一层干壳。因此要重视教育实践，理论联系实践，在实践中去检验理论、发展理论。，应多了解国外高师教育培养模式，学习他国的先进方法，以加强我国的高师教育培养质量。
作者:栗晓洋单位:郑州澍青医学高等专科学校
音乐类论文:音乐价值论文：当代音乐人类学的价值探究
本文作者：王武工作单位：武昌理工学院音乐与传媒学院
音乐人类学的外延使命
音乐研究的视觉已经不单单是指哲学下的美学或者人文社会科学亦或自然科学或者人类学。这是音乐理论发展到一定高度的必然，音乐人类学家梅里亚姆认为“学科界线的渐趋模糊恰恰说明了本学科的发展成熟。”音乐人类学站立在音乐美学、心理学等音乐外延学科的基石上，把音乐研究提升到了人类的高度。音乐人类学的研究是对社会人文中一些未知和模糊事项进行一一解读和回答。用这种理念来看音乐，音乐是人类社会存在的一部分，是人类发展到一定阶段的产物，是一种完整的文化现象。音乐人类学使用或借鉴了文化人类学的观念、理论与研究方法。文化人类学研究人类各民族创造的文化，以揭示人类文化的本质。使用考古学、人种志、人种学、民俗学、语言学的方法、概念、资料，对全世界不同民族作出描述和分析。文化人类学的基本研究方法有实地参与观察法、考察法、比较法。音乐人类学的构建便是在这个基础上建立起自己的方法和理论体系。音乐人类学的研究方法是一门实地学科和实验室学科，而且又特别的依赖和注重实地考察——田野工作。“书斋式”的研究方法已经站不住脚。脱离广泛的音乐场景的捏造是理论研究的禁忌。就算在田野采风的过程中，能正确的调整和把握自己在这个过程中的角色也是至关重要的。应该注重研究者能够既能站在本族和他族的两方面立场来看待音乐现象。既要能够融入得进去，还要能够脱离本族化从而站在他族的立场来看待这种生活的文化现象，是谓“进得去，出得来”。从而揭示既定社会中音乐的本质。而这种本质说的不是音乐本身的本质，而是指音乐的社会环境层面，是对音乐中的文化研究以及文化中的音乐研究。但当下中国的音乐研究学者更多的是对音乐中的文化研究。当然，不管是文化的研究还是音乐的研究，在研究的过程中始终应该是没有离开音乐的。前者把音乐当做文化研究入手的媒介，后者把音乐当做文化研究的归属。两者最终目的都是在理解音乐的基础上看社会。美国的音乐人类学者梅里亚姆通过“三分法”的研究方法和技巧把对音乐的内容分为“多元主义”、“相对主义”和“整体主义”。所谓多元主义，梅里亚姆即打破传统的“欧洲中心论”，认为音乐容许也必须承认是有着不同的民族在不同的观念和行为下产生的多元化音乐风格和形态，而这种形态又因民族所处不同的文化环境、社会环境和地理环境而产生的多元，而且在这种环境下和周边民族或国家的长期交融形成的更复杂的多元化的音乐文化。而相对主义其实就是民族的个性化，每个民族有各自特色的音乐文化，就像人类的遗传基因一样，每个民族音乐的DNA都不一样，所以音乐风格千变万化。但同时梅里亚姆又站在人类的立场看待各个民族的音乐其实又是一个不可分割的整体，这就是所谓的整体主义。他认为，虽然在多元化的音乐环境中，各个民族有着自己所特有的音乐语言；但是，音乐所揭示的人类本质其实都是一样的。可以浅显的理解为：凡音乐的存在，都是来自于生活，都是对生活的艺术加工，都为体现人类的真善美。
音乐人类学在中国的现状
我国80年代开始，音乐人类学得到国人的重视并开始把其当做打开中国人文社会视觉下对音乐研究的钥匙。不仅针对音乐自身而且包括了对相关社会和文化环境中的音乐人的行为当做研究的对象。本世纪初上海成立了“上海高校音乐人类学E——研究院”的机构，并通过“国语语境中德音乐人类学观念和方法研究”、“中国视野中的传统音乐声像行为研究”以及“上海地域中的城市音乐文化研究”等三个层面来加以实施。这是中国的音乐研究者对音乐人类学进行中国实践的一个有力保障。而且随即全国也出现了很多相关的研究者，音乐人类学视觉下的中国民族音乐理论研究取得了辉煌的成绩。然而，就像任何一门学科的产生到成熟都需要一个漫长的过程来自我完善一样，音乐人类学这门学科同样还有很多地方、很多研究方法需要经受历史的检验和不断完善。当下中国音乐人类学的理论体系在建立过程中同样存有一些让人迷惑之处，大致为：1.目的性不明确；音乐人类学究竟是音乐学还是人类学？究竟是通过音乐来揭示人类社会，还是通过人类社会的活动来揭示音乐的本源？相信很多读者从众多的论文中很难找到同一的答案。笔者认为：音乐人类学是音乐研究者通过借鉴人类学的研究方法来进行音乐事项的研究。故名思议，音乐人类学是音乐学的范畴。揭示的是人类社会的“真、善、美”在音乐中的体现，而不是音乐的“真、善、美”在人类社会的表征。所以，音乐人类学究竟是一门通过音乐来阐明社会现象和文化现象的学科，还是一门通过社会现象和文化现象在音乐中的体现或还是两者都是的学科是首要理清的问题。站在音乐研究者的角度应该是借人类学的研究方法来研究音乐文化，而站在人类学研究者的立场来看，音乐是他们研究人类学的一个介质。2.研究手段的落实有违背研究的初衷之嫌。音乐人类学的研究内容应该包括有“音乐（形态、本体）分析”、“音乐行为”和“音乐概念（观念）”三个方面，但当下中国的部分学者在研究的过程中，在某一方面有所偏重而忽视了其它方面。在所翻阅的中国多数音乐人类学的论文中，可喜的是都很注重田野工作，而且都有着正确的学科观念和完整的操作规范。但是在所见的论文当中，对音乐本体的分析往往受到轻视甚至忽视，更多的是结合田野工作的成果在说明一种音乐行为及行为背后的社会职能的作用和对音乐概念的说明。这样的研究内容其现实意义何在，值得探究。理论的产生是为解决事项服务的，这是理论研究的初衷和目的。理论仅仅只成为理论，也就失去理论研究的意义。所以，音乐人类学的研究者对音乐范畴的形态学、美学、心理学等相关交叉学科的把握和运用是必要的。3.研究者应该掌握音乐内涵和外延研究的相关学科。音乐人类学的诞生是其他音乐研究学科的补充，并不是取代。音乐人类学的研究者不但要研究音乐外延的音乐文化及音乐社会，也应该研究音乐的本体。若能够从音乐的本体上说明音乐的形态和风格，同时结合如“地理环境”、“语言声调”、“民族心理”、“民族历史继承”及“音乐基因”等民族的相关学科领域对音乐进行研究，这样才不失为、正确的表述民族的音乐现象。
总之，无论任何音乐理论，其目的都是为了揭示音乐的“真、善、美”来达到音乐多元化下的和谐。研究音乐应该把音乐的内涵和外延研究相结合才更加完善。如何把二者结合才是民族音乐研究的真正目的。或许这种结合已经超出音乐人类学的范畴和学科的使命，但是同时我们也应该认识到：科学的研究是没有界限的，只要目的达到，研究的学科叫什么也就不再更多的纠缠了。而且中国民族之多，各民族音乐特性之鲜明，民族文化底蕴之深厚。我们应该也必须通过多视觉、多学科的方法对民族音乐进行的学科研究。
音乐类论文:音乐艺术服务人类论文
【摘要】文章以云南师大音乐专业的历史沿革和师生基本情况的具体数据以及反映出来的问题为主要依据，探讨在音乐师范教育改革的背景下如何着眼于中小学音乐教育的发展趋势，培养胜任音乐课堂教学、课外活动指导及校园文化建设的教育工作者。
【关键词】音乐师范教育培养
培养人才是学校的根本任务，培养具有创新能力与实践能力的高级专业人才是高校的核心目标。
随着国家《课程标准》的颁布和各学科新课程的逐步推广和实施，我国基础教育已迈入一个崭新的阶段。音乐教育作为基础教育课程正经历着前所未有的改革。以往难、繁、偏、旧、单一的课程内容被体现综合性、均衡性和选择性的课程体系所替代。以学生发展为中心，面向学习者，从学生的心理、音乐经验和实际需要出发，指导与规范学生在基础教育阶段学习哪些音乐内容并达到哪些标准，已成为课程改革的趋势。依据《音乐课程标准》编写的新教材的广泛运用，像一股春风吹向中小学校园。现代教育从学生发展的长远考虑和多方位人才的培养角度向我们提出了新的要求。
教育改革的成功与否，关键在教师，没有一支高质量的教师队伍，再好的教育策略和改革都不可能实现。高师音乐教育作为培养音乐教师的摇篮，它的改革与发展有着前所未有的重要性与必要性。
我院于1999年正式挂牌成立。自1998年开始招收及时届音乐教育专业的学生，至今已培养了10届共522名毕业生。从建院之日起，学院就一直秉承“以宽厚的文化知识为基础，以创新的实践能力为核心，以个性的发展为特色，实现知识、能力、实践、素质有机统一”的办学宗旨。伴随着我院招生规模的日益扩大，我系从最初的44名学生发展到如今的746名在校全日制学生，学院领导高度重视师资人才的培养和引进，并逐年加大人才引入的力度，音乐教育系也从开始的10名教师发展为目前的39名教师。整体师资力量和教学规模不断发展壮大。
在全体教师辛勤的努力下，我院的教学事业取得了长足的发展和进步，近年来为社会培养输送了大量专业的毕业人才。但通过对我院音乐教育系师资力量、专业结构以及历届毕业生就业的调查，结合高等师范院校教学培养目标的特殊性、针对性和我国音乐教育改革的发展趋势，也反映出有些问题值得我们高校音乐教育工作者好好地总结、分析和改进。以利于实现培养合格的音乐教育接班人的人才培养目标。我院音乐教育系自成立以来的师资情况。
十年来我系从全国各地引进了大量师资人才，但大多数教师毕业于专业音乐院校的非师范专业，自身在高等教育学习期间，可能在音乐教育方面接受的系统性、针对性的学习和培养不足，从而在一定程度上造成从事音乐教育初期的教育模式与教学要求出现了偏差。
一方面，和全国绝大多数音乐师范院校一样，我系几年来始终延续着多年来的教育模式。更多地趋向于把培养学生演奏和演唱的能力作为专业技能授课的主导目标，专业技能课上普遍实行“一对一”或“一对几”的个别及小课教学，存在着单纯注重演唱或演奏技术技巧的训练、不注重专业的运用与创作；片面追求教学进度，而忽视教学广度的倾向。教师在强调学生专业技能学习、培养的同时，往往忽略了对学生综合素质的培养。如，经过几年或多年的学习后，大部分的钢琴普修学生甚至是钢琴主修学生，即使有的能弹奏拉赫玛尼列夫、李斯特或其他高级别的乐曲，但仍不会为简单的歌曲编配伴奏，视奏能力、弹唱能力、对钢琴的运用能力普遍较弱。
另一方面，学生也过度追求以专业的程度高低作为评判自身学业优劣的标准。一味追求某专业的“深”，而不是追求多项技能的“广”和“正”，导致很多学生对专业技能课以外的学科不重视。在我院，学生中普遍存在“只求专业技能好，其他专业但求过”的说法。学生一味追求演奏或演唱水平的高低，忽略了其他技能的学习，当学生进入教学实践时，很难做到学以致用，实际操作十分困难。
在我院每年的教育见习和教育实习中，学生所学和实际教学工作所需的知识技能严重脱节，暴露出了许多问题。绝大多数学生在进入教学环节后，不知道应该怎么教？如何把所学的知识技能运用到教学中？反映在教学语言组织能力、表达能力差，教学环节单一、课堂气氛不活跃，不能激发学生的学习兴趣等方面。部分学生在教育实习后意识到自身的不足，但接踵而至的毕业考、毕业音乐会，撰写毕业论文，选择、确定毕业去向等诸多事情，已不容学生再集中精力更好地提高综合技能了，导致很多学生毕业后不能胜任自己的音乐教学工作。加之新的课程标准实施后，广大音乐教师将面临对新音乐课程的再学习和掌握，无疑也使大多数刚刚踏上教学岗位的青年教师短期内难以适应新的教学内容和教学要求。
作者专门对音乐系毕业生的就业情况进行了调查，得到了一些重要数据。
我院音乐教育系的学生在毕业后，有64.7%的学生未从事音乐教育工作，从事音乐教育的毕业生逐年减少，这固然与我国整体的就业环境和学生自主择业的意愿有关；但就是在选择从事音乐教育的毕业生中，在相当长的一段时间内不能适应教学工作的毕业生却在逐年增加。这不得不引起我们高校音乐教育者的深思！
我们是培养的演奏者、演唱者，还是培养合格的教育者？音乐艺术院校是专门培养各种表演艺术人才的，对学生的要求重点是放在某项技术技能的学习和掌握上，通过掌握这项技能去诠释音乐、表现音乐。而音乐艺术师范院校是培养艺术师资的摇篮，教学重点应该是放在“教”上，教学生如何地了解艺术、掌握艺术的规律和艺术的基本要素，培养学生怎样用最容易的方法和较快捷的途径了解和掌握艺术。这样的教学目的和音乐艺术院校有所不同，所以在课程的安排和设置，以及教学手段上也应该有所不同，沿用艺术院校的教学模式可能造成学生“学”与“教”的严重脱节，从而导致学生无法把所学的专业灵活应用。
当我们重新认识基础音乐教育时，会发现传统的教育模式和新的教育模式存在本质区别，也更能领悟出音乐课程改革的核心所在，即：将“以学科和教师为中心”转化为“以学生发展为中心”。从学生的心理逻辑、音乐经验和实际需要出发，指导和规范学生在什么阶段学习哪些音乐并达到什么目的；如何教学生，以及教师应怎样引导、促进和评价学生的学习等等。
高师音乐教育应着眼于中小学音乐教育的发展趋势。只有熟悉、了解中小学校音乐教育的目的要求和规律后，才能培养出胜任音乐课堂教学、课外活动指导及校园文化建设的教育工作者。这就需要我们从以下几个方面入手，教育和培养学生：
（1）教学品德、教学技能、教学观念、教学方式和教学心理的培养。
（2）结合实际，加强对基础学科中基础知识教授方法的学习与研究；加强将所学的各种艺术表现形式，综合运用到教学中的技能学习。
（3）重视一切实践课程。在平时的教学中，让学生尽可能多地去接触一些艺术的创作和实践活动。如：策划、排演小型的音乐会或指挥一个合唱团等。
（4）合理安排教育见习和教育实习的时间。充分利用教育实践活动，让学生接触并熟悉新教材。
（5）结合中小学音乐教育的改革趋势，给学生提供一个提前进入教师角色的平台。使教师的“教”与学生的“学”真正结合起来。
（6）注重学科知识的性。使学生在拥有丰厚的音乐学知识素养外，还有宽广的文化视野。
（7）在掌握音乐教学技能（即歌唱教学技能、钢琴教学技能、简单乐器教学技能、合唱指挥技能、音乐欣赏教学能力、创造性音乐活动教学能力、课外活动的组织能力等）的同时，还应注重教育教学技能（即分析和组织教材的能力、生动的语言表达能力、组织教学活动的能力、判断问题和解决问题的能力、教导学生的能力、现代化教学技能等）的培养。
伴随着时代的发展与进步，中国的基础音乐教育已不能仅仅满足于学生能够演唱歌曲、演奏乐曲和表演舞蹈了，而是如何让学生在快乐和轻松的环境下感受音乐艺术、学习音乐艺术、喜爱音乐艺术、提高艺术修养。这给新一代的音乐教育工作者提出了更高的要求，无疑也给我们高校的音乐教育工作者提出了新的课题，改革刻不容缓！
怎样培养合格的音乐艺术教育工作者？怎样让艺术服务于全人类？这是新时代赋予我们的历史使命。只有我们全体音乐教育者共同努力，以不断学习、提高的积极心态，勇于探索创新的精神，投入到新的教育改革中，才能使我们的师范教育事业蒸蒸日上、蓬勃发展！
音乐类论文:音乐教育母语环境分类论文
摘要：民族音乐文化继承与发扬的关键是教育问题，而民族特色的教育环境给音乐教育非常重要的影响。文章将音乐教育环境分为相互交集的三个层次，要建设良好的音乐母语环境，必须从家庭、学校、社会三个层次的教育环境共同努力，才能从整体上形成良好的民族音乐教育氛围，从而有利于民族音乐教学工作的顺利开展，有利于学生素质的发展和整个社会素质的提高。
关键词：民族音乐音乐教育母语环境影响优化
我国有品种繁多的民族音乐，体现了中华各民族鲜明的音乐风格，凝聚着民族艺术的精华。尽管目前学术界和教育领域已经意识到民族音乐文化的珍贵与保存民族音乐的必要性，但在教学实践中还没有把弘扬民族音乐文化提到前所未有的高度上来。而解决民族音乐文化继承与发扬的关键是教育。
一、音乐教育母语环境的界定与分类
不同民族有着不同的音乐语言，这种不同体现在旋律要素、节奏要素，以及文化价值上，这是每个人在文化上的立足点。进行音乐教育的母语环境就是指在民族音乐的根基上创造音乐学习的民族文化背景，使学生从多层次的环境中接触民族音乐的文化。一个民族以母语为音乐教育，让受教育者生活在整个民族音乐文化的大背景中，这是柯达依音乐教育理念的出发点，也是目前音乐教学的应有的原则。
教学环境在空间上涵括校内外各种因素，笔者将音乐教育环境分为相互交集的三个层次，它们相互影响，决定着学生音乐学习的喜好和学习效果。家庭音乐环境是指以学生家庭为中心的物质与经济状况，家长的音乐文化素质、音乐行为和观念，包括遗传因素等；学校音乐环境不仅包括课堂教学环境、教学设备等物质环境，还包括课间的音响环境、其他课堂上的音响效果、同学以及师生之间的影响等；社会音乐环境主要指学校和家庭之外对学生产生无意识影响的音乐文化氛围。
二、音乐教育母语环境对学生的影响
从音乐教育环境与音乐教学的关系来看，音乐的母语环境决定了教学中教师和学生的音乐意识和音乐行为；客观环境的一切因素，都对身处其中的学生产生积极或消极的影响，成为引起或消除学生音乐学习动机的重要原因。下面针对音乐母语环境的影响进行具体分析。
首先，有利于培养学生的音乐母语感觉
目前一些学习音乐教育的学生，在演奏、演唱方面拥有一定的技巧性，但对自己的传统音乐却极其陌生，他们一味模仿西方的表达方式而缺少自己的民族风格。主要原因是没有在音乐学习初期建立起音乐母语的感觉，使用音乐进行表述情感的时候缺少一个文化根基、一个立足点，那就是民族音乐文化。我们尝试创设音乐母语环境，是让学生在潜意识中积累自己的民族语汇，认识自己的民族文化，掌握中华民族音乐的意韵、风格，将自己的文化深植于民族文化的土壤中，只有民族的才是世界的！
环境对音乐教学起着潜移默化的作用。近代心理学的信息加工理论认为：“冗余度（熟悉程度）过低的刺激不易激发起主动的探究、操作行为。主动的期待和主动的探究都是建立在一定的信息冗余度的基础上的。”①给学生创造设计一个民族音乐的教育环境可以提高学生对民族音乐信息的熟悉程度，继而对学生音乐母语的提高起到激发积极性和主动探究性的目的。
其次，有利于培养学生的感性音乐能力
我国目前的音乐教学中，有些教师把音乐课的教学重点放在了音乐知识和技能的训练上。从实施素质教育的角度来看音乐教学时，培养学生对音乐的感受力、审美力、表现力及创造力，在感悟中陶冶情操，才是学校音乐教学追求的目标。
学习音乐和学习母语一样，都是先听、唱，再慢慢体会学习的内涵。由人的感官本能去学习音乐，以学母语的方式来学音乐，而不是用认知的方式去学音乐。以民歌作为主要内容的是匈牙利音乐教育家柯达依教育体系的重要特征之一，而大量的民歌演唱更是让学生在亲身参与音乐活动中获得了民族音乐体验和了解相关传统音乐文化。
三、如何优化音乐教育的母语环境
上文在对音乐母语环境的界定中已经提到，音乐教育环境可分为三个层次，即家庭音乐环境、学校音乐环境、社会音乐环境。下面就从这三个方面来探讨如何优化音乐母语环境，调控教育环境对学生音乐学习的影响。
（一）营造家庭的母语音乐氛围
家庭是人的最初环境，对一个人母语的形成和发展具有重要和深远的意义。一个喜爱民歌的母亲会在日常生活中哼唱民歌，学生在无意识中接受这种隐性教育，逐渐熟悉民歌的旋律和风格，当这些民歌在音乐课堂上出现时，学生的学习兴趣会被强烈地激发出来。
父母对民族音乐的肯定，或者在观念言谈中流露出对音乐的正面见解会影响孩子音乐思想的形成。例如购买民族音乐资料，一定的音乐欣赏设备，给孩子一些精神上的指导、潜意识的正面影响和示范作用等。从父母延伸到家庭的外延，孩子的亲朋好友，给孩子营造一个良好的民族音乐氛围。
（二）优化学校民族音乐环境
学校是培育人才的主要基地，也是进行音乐教育的主阵地，学校环境有着其他环境无法比拟的优势，发挥着不可替代的作用。因此，优化学校音乐环境，创造良好的民族音乐氛围是优化整个音乐教育环境的关键所在。营造有利于学生发展的良好音乐母语环境应从以下几个方面着手。1.端正学校音乐教育的大方向，用富于民族特色的母语音乐教育学生
目前，流行音乐、网络音乐充斥文化市场，民族音乐（包括严肃音乐）受到冷落。而民族音乐文化继承和发展的出路在于基础音乐教育，从学校音乐教育入手，开展重视民族音乐教育课程的一系列建设工作，培养学生热爱祖国灿烂的民族音乐文化，激发民族意识和民族自豪感，从而达到爱国主义的教育目的，这是中国民族音乐以及中国音乐教育的出路所在。
2.充分发挥课间音乐教育的重要性
目前很多学校已经有意识地把铃声换成音乐的声音，并且在课间加播音乐，是个很好的尝试，对课堂音乐教学的影响也很明显。教学楼里的音乐家挂图多为西方音乐家，我们应该把导向目光更多地投向我们的民族文化。
3.加强和其他民族性课程的结合
音乐教育要注重结合文化，去了解和把握各民族、各地区的音乐，更要从提升学生的人文素质去考虑，从而加强学生的审美能力的发展。例如在书法艺术课上，老师有意识地播放民族音乐曲目，使学生无意识中提高对这些音乐信息的冗余度，给学生一个多方位的民族文化环境，有利于学生了解和掌握民族音乐文化精髓。
（三）优化社会音乐环境，形成正确的音乐舆论导向和良好的音乐风气
音乐教育与社会环境是密不可分的，并受到社会环境的影响和制约。社会环境对音乐教育的影响和制约主要是通过音乐舆论和音乐风气的影响来实现的。正确的音乐舆论导向和良好的音乐风气是优良的社会音乐教育环境的标志，同时也是音乐教育工作顺利开展的前提条件。
面对社会音乐环境的影响，一方面教师要善于指导学生正确选择。学生可以通过各种渠道拓宽和丰富自己的音乐信息；也可以从广阔的社会音乐生活里接受各种隐性音乐教育，包括广播、电视、书报杂志及互联网等各种媒体。但是教师应注意引导学生如何正确地去判断、接受音乐信息，使学生形成正确的音乐审美观。另一方面，社会要努力呈示一个健康的民族音乐氛围，一个良好的音乐母语环境。作为媒体的报刊、广播、电视，要努力造就民族音乐文化的环境，增强民族音乐的凝聚力，正确处理流行音乐和民族音乐的关系，从而在社会上形成一种正确的音乐舆论导向。只有在健康积极的母语音乐舆论和音乐风气的影响下，才能更加有力地促进学生对音乐母语的感受和学习，才能为民族音乐文化的继承和发扬奠定良好的基础。
总之，要建设良好的音乐母语环境，就必须从家庭、学校、社会三个层次的教育环境共同努力，只有把三者有机地结合起来，才能从整体上形成良好的音乐教育氛围，从而有利于民族音乐教学工作的顺利开展，有利于学生素质的发展和整个社会素质的提高。
综上所述，在基础教育中实施民族音乐教育不是一件孤立的事情，而是一个包括母语音乐教育环境在内的全社会的系统工程。因此，只有全社会参与，营造一个良好的母语音乐教育环境，民族音乐教育的实施和存在才有条件，素质教育的发展才能在民族音乐这个母语音乐教育的基础上立足与发展。
音乐类论文:高师音乐类毕业论文写作何以陷入尴尬之境
摘 要：学生科研能力与论文写作技能的缺乏，加上没有严格有效的论文监管制度，使得高师音乐毕业论文写作质量不高甚至抄袭现象严重。高师音乐院系应站在人才培养的高度对办学思路、教学理念等方面做出综合调整，从而保障毕业论文能够远离抄袭、提升质量。
关键词：毕业论文；“音乐学院”化；科研能力
近年来，有关本科毕业论文抄袭成风、质量低劣的报道屡屡见诸于媒体。鉴于这种不良之风愈演愈烈的趋势，有些专业人士甚至提出“既然名存实亡，索性一废了之”的建议，毕业论文的存与废一度成为媒体上激辩的话题。
显然，毕业论文作为本科生获取学士学位的重要凭证，以及它在培养学生创新能力、实践能力、综合运用知识能力与培养服务社会意识等方面具有不可替代的作用，在短期内是不会被轻易取消的。教育主管部门的态度则十分明朗，多次出台文件就毕业论文的组织管理、质量保障等提出了明确要求。
毕业论文写作中的不良之风犹如一场瘟疫在整个本科教育中蔓延，作为培养人民音乐教师摇篮的高师音乐院系同样未能幸免。在与其他专业的学生相比，音乐专业的学生入大学时对于文化课的要求就要明显低出很多，这先天的“营养不良”进一步降低了他们抵御不良之风的免疫力。
每每想到这些即将以美育树人为己任、以为人师表为准则的准音乐教师，竟与抄袭、造假等挂起钩来，就觉得汗颜、痛心。痛定思痛，是什么造成了论文写作的不良之风盛行？为什么经过了多年的努力，问题依然没有得到有效遏制？除了浮躁的学界风气的侵袭以外，还有哪些问题值得我们反思？
1 缺乏基本的科研能力与论文写作技能
毕业论文是一种特定的文体，是学生在近四年的专业学习中对于某个学术问题有所研究，然后通过特定的形式与规范把研究成果记录下来的一种书面表达样式。由此，毕业论文也就具有了内容与形式两个方面的属性，前者是研究成果，后者是记录成果的方式。这就要求学生一方面要具备一定的专业素养与必需的科研能力，在学习与研究中的确有所发现、用心研究，取得了货真价实的学术成果；另一方面还要具有把成果通过论文这种特定文体表述的写作能力，这就要求学生要掌握必需的论文写作知识与技能。如此来说，要想让学生胜任论文写作的任务，其前提只可能是：其一，要教给学生基本的研究方法与研究技巧，让他们逐步获得发现问题与解决问题的能力。其二，要教给学生基本的论文写作知识与技巧，掌握如何搜集资料、布局、论证、行文、注释、修改、润色等技巧。
遗憾的是，迄今为止高师音乐院系开设论文写作课的依然是凤毛麟角，有的至今都没有开设。究其原因，有院系的不重视等主观原因，也的确存在缺少师资、缺少符合专业特点的教材、缺少课程评价标准等客观原因。以教材为例，在2004年以前，全国甚至找不到一本系统的、专门讲解音乐毕业论文写作的教材。这些因素都在很大程度上造成了论文写作课在高师的长期缺位。在缺少课程平台的情况下，很多院系只能临时抱佛脚，仅在论文写作前由学院临时指派一名写作能力较强的教师或由学生本人的指导教师零散地向学生介绍一些论文写作方面的知识，其效果也就可想而知。继而，抄袭、拼凑、造假对于学生们来讲也只能是无奈之举了！所以，就此来看，论文抄袭之风确有高师院系理应分摊的责任！
论文写作课的长期缺失所引发的不良后果恐怕还不限于此，从人才培养的角度看，一个没有接受过系统的科研训练、不具备基本研究能力的学生是不符合人才培养规格的，不是高师音乐教师“工厂”的合格“产品”。教育部2004年下发的《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业课程指导方案》中，对音乐教师的培养目标作了明确定位——具有“一定教育教学研究能力的高素质的音乐教育工作者”。所以，在本科教育阶段让学生获得必要的科研能力，理应是高师音乐院系的责任与义务，是音乐教师教育培养中的题中应有之义。尤其在当下中小学正大力施行课程标准的大背景下，音乐教师的科研、教研能力被寄予了更高的要求。如果在本科阶段连科研、论文写作的一般技能都不能掌握，恐怕不能称之为合格的音乐教师吧？这不能不说是高师音乐学专业办学的一大失误，值得深思！
当然，有些学院在课程开设上做得比较到位，由专门老师向学生系统地讲解相关的知识与技巧，开课时长常为八周或一学期。论文写作课为学生毕业论文的写作提供了最基本的保障，让学生“有法可依”。但同时还须意识到，课程讲授还无力承担起毕业论文写作的全部内容，不能保障学过此课就能让学生远离抄袭，写出符合质量要求的毕业论文。毕竟，学生科研能力的获得远非一朝一夕之功，任何毕其功于一役的想法都是不现实的，它依赖于整个教学系统的集体发力。一方面，要有相当资质的老师挑起论文写作课的重任，开足时数，保障质量。另一方面，或者说是更为重要的方面，就是“功夫在诗外”，要在日常的学习中注重平时的积累，养成独立思考、勤于思考、乐于思考的习惯。这就要求在高师的教学体系中，要改变传统的教学理念与模式，少灌输、多讨论、多启发，多鼓励学生进行独立思考，培养问题意识，培养与鼓励学生进行自主学习、研究性学习的能力。在各门课程的考核方式上，教师可以在学生们的能力范围内布置一些实践性较强的作业，锻炼他们自己动手解决问题的能力。相信在两方面的合力之下，学生可以在撰写毕业论文前具备必需的科研能力。
2 缺乏严格有效的论文监管制度
上述两点其实都可以看作是导致毕业论文乱象丛生的内因，那么，作为外因的管理制度又是如何呢？它究竟在多大程度上有效保障着论文的原创性与高质量？
本科毕业论文也叫学士论文，在整个学位教育中，学士属于最底端，也可能是由于这个原因，学士论文（毕业论文）的监管制度丝毫不能与硕、博士论文同日而语。后者的写作与答辩通常有着严格的工作程序与监督机制。论文从选题、开题，到审查、预答辩、答辩等每一个环节都有着严格的要求。为提高对论文质量的监管所实行的论文“盲审”制度、抽检制度等早已成为众多培养单位的通行做法。学生论文如果不能通过审查则会被推迟答辩、重新开题、甚至取消学位授予资格，导师则担负相应的指导责任，也会受到一些相应的处罚。有的省（市）在学生毕业后，还要再次对论文进行匿名评议，如发现有抄袭造假、质量低下的还要追回已经颁发给个人的毕业证与学位证。所以，在这样严格的制度约束之下，学生自然会有一个严肃的态度来对待论文写作，毕竟，抄袭的风险系数太大，不会轻易铤而走险，以身试“法”。而指导教师也会因承担连带责任等原因自然不敢放松，会认真地去对待自己学生论文写作与答辩中的每一个环节。事实早已证明，严格的制度监控很大程度上保障了硕、博士论文的写作质量。虽然也不时有媒体曝光抄袭事件，但与本科毕业论文的抄袭成风相比，肯定是小巫见大巫了。
音乐类论文:小学音乐基本类型课高效课堂教学模式初探
随着素质教育的不断深化和教学模式不断改革,音乐学科的教学也迎来了一系列崭新的变化。要求音乐课堂教学越来越生动、丰富和多样,教学手段和方法不断更新,教学内容不断拓展,音乐课堂气氛宽松而和谐。小学音乐高效课堂教学模式研究已经成为了教育热点问题。
一、音乐课堂教学基本类型
课堂教学是小学音乐教学的基本形式,根据教学内容的安排形式,可分为单一课型和综合课型。
单一课型指在一节课中,只进行一个方面的教学内容,完成一个主要任务,其内容集中、单纯、突出中心,能有效地解决某一方面的问题。如唱歌课、器乐课、欣赏课、乐理课、视唱练耳课、节奏训练课等。
综合课型是指在一节课中,进行两项或两项以上的教学内容,完成两项或两项以上的教学任务,其教学内容丰富,有讲、有唱、有听,有艺术实际,有层次变化,生动活泼,课堂气氛活跃。如唱歌与欣赏的综合课;乐理、唱歌与欣赏的综合课;器乐、乐理与唱歌的综合课等。
二、小学音乐课堂教学模式
(一)以歌曲教学为主的教学基本模式
本教学模式充满快乐、全员参与、给学生创设空间、让学生在愉快的合作学习中增长知识、提高技能、增进友谊;培养学生高尚的情操和情感态度。基本模式如下:
及时步:创设情景,导入新课。
利用游戏、音乐故事、律动、肢体表演、媒体播放或谈话等方式导入新课。
第二步:感知旋律,了解背景。
本环节根据歌曲表现的不同地域、不同民族风情或不同季节变化,利用多媒体或图片向学生展示该地域该民族的民俗习惯、风光或民族歌舞,同时播放本课歌曲音乐,让学生在欣赏民族风情的同时感知歌曲旋律。目的在于让学生了解歌曲背景和民族风情等,培养学生热爱自然、热爱祖国、尊重民族文化等思想感情。
第三步:探索发现,学习新知。
1、范唱歌曲,激发学生兴趣:
由多媒体画面展示歌曲所表现的情景(播放录音或老师范唱),给学生全方面的视听撞击,使歌曲给学生留下深刻的印象,激发学生学习音乐的兴趣。
2、学习歌曲节奏:
在欢快的击掌中让学生掌握歌曲的节奏,学生们逐步学会自己击
打节奏,较难的节奏老师适当讲解。
3、按节奏读歌词:
低年级学生认字少,学习歌词时,会有许多生字不认识,按节奏读歌词为学习歌曲清除障碍。
4、学唱歌曲:
在前面的环节中学生已经熟悉了歌曲的旋律,可让学生把自己听到的唱一唱、学生互动,师生互动,相互指导,或利用直接跟琴学唱、变换不同方式的模唱、接力唱、教师领唱等形式来教学。
5、练习歌曲:
给学生展示空间,让学生之间相互听唱,或指定学生独唱、男女生分唱、边律动边唱、对唱等形式练习歌曲。多种练习方式可以激发学生的兴趣,也使课堂氛围积极活跃。
这一环节是本课的重点,每一个小环节都紧扣教材,让学生在愉快的打节奏、读歌词、学歌曲中,学会音乐知识、增加音乐素养。
第四步:表现歌曲,实践创造。
让学生根据音乐旋律自创舞蹈动作,相互表演、乐器伴奏、同学合作共同表演,或根据音乐强弱音的分布,用手势表现等。这一环节的设计,让学生在创编中培养创造能力,分享与同学合作的快乐。
第五步:拓展延伸,课堂小结。
歌曲课堂教学主要解决的内容是让学生唱会歌曲,一切手段和方法都是为了刺激学生的注意力。当然会唱歌曲并不是最终目的,但是学生首先必须学会歌曲,在此基础上引导学生走进音乐的更深层次,这就是音乐的拓展。音乐课的拓展内容应该与学生现有的知识储备相联系,拓展后最终还要回到音乐中。在师生整合、延伸、概括后,在悦耳的乐声中,在欢快的舞蹈中,音乐课落下帷幕。
(二)以欣赏教学为主的教学基本模式
该模式课堂教学大致分为四个阶段。
及时阶段:创设情境,激趣导入。
上课伊始的组织教学非常重要,师生相互问候既是情感的交流也是集中学生注意力,良好的开端是成功的一半,音乐课的新课导入虽然不是教学的中心环节,但却是通向赏析新作品的桥梁,起着承上启下的作用,是科学诱导积极启发学生主动学习新课的必不可少的环节之一。
此阶段所采取的主要教学方法有:故事导入法、情境图片视频导入法、启发谈话法、音乐导入法、预留悬念式导入法、开门见山式导入法、设问式导入法、复习导入法等。
第二阶段:新作赏析,感知体会。
新作赏析、感知体会,是音乐欣赏课中新授的重要环节。为了达成教学目标,完成教学任务,教师必须通过各种教学方法激发学生学习的能动性、引导学生自主学习、培养学生的音乐感受与鉴赏能力。新授教学的过程一般分为初次聆听(整体感知);分段赏析(走进音乐);再次聆听(体会内涵)三个步骤。
1.在初次聆听、整体感知的过程中,遵循“以听为中心”的原则,通过初听全曲对作品进行整体感知,初步感受作品的情绪、音乐情境,同时分辨演奏形式及主奏乐器,简单了解作者及创作背景等等,使学生对作品有个初步的了解。
2.分段赏析、走进音乐,是引领学生合作探究,通过分段聆听对作品进行细致欣赏分析,通过聆听体验根据情绪、音乐要素等的变化判断曲式结构、作品表现内容等,通过聆听、视唱、模奏、演唱、演奏等方式记忆作品的典型节奏和主题音乐。
3.再次聆听、体会内涵,是在学生分段细赏的基础上进一步完整欣赏作品,把握作品的风格流派。
感知作品的体裁特点,同时能够积极参与音乐体验,充分体会音乐内涵,发展学生的音乐创造力和想象力,从而培养学生良好的听赏习惯和审美能力。
第三阶段:理解体验,创编实践。
这是欣赏课教学必不可少的一个环节,目的是通过创编各种音乐活动,深化本课的主题,同时也是主题音乐及音乐知识的进一步巩固和积累,为学生提高音乐素养和审美能力打下基础。此阶段所采取的教学方式有:辨听、演奏或演唱主题音乐、听音乐判断体裁、听音乐判断乐器以及音乐知识(包括音乐基础知识及和作曲家及作品相关知识)抢答竞赛等。
第四阶段:拓展延伸,小结升华。
本环节根据教学内容基本可采用拓展欣赏(创造活动)和课堂小结两个步骤来进行。
1.教学内容的拓展是指在教材原有知识的基础上,选取教材之外的具有一定审美价值的作品,来充实教学 内容,开拓学生的视野,丰富学生的情感体验,加强对音乐内涵的进一步理解与感悟。拓展欣赏的内容包括:同体裁作品音乐欣赏、同作曲家音乐作品欣赏、同种乐器音乐作品欣赏、同民族或地域音乐作品欣赏等。
2.课堂小结可以帮助学生梳理、回顾本节课所学主要知识点,可以起到备忘录的作用。课堂小结的方式有多种,可小结本课知识点,也可适时小结学法,还可由教师提出启发性的问题让学生自己小结,甚至也可针对作品对学生进行情感延伸、德育渗透,在教学中起着举足轻重的作用。
三、小学音乐高效课堂的构建
所谓的高效课堂,就是三维目标高效达成,使学生全员参与、充满快乐、积极上进的课堂。课堂的每一分钟都尽其所用,使所有的学生都有收获、有提高。让学生的思维活跃,积极的探索知识,并把知识转化为能力这就是高效课堂。
判断一堂课是不是高效课堂,主要有“八看”:一看教学目标是不是落实了“三维”要求,二看教学程序是不是实现了“先学后教”,三看课堂上是不是由“教教材”变成了“用教材”,四看教师的角色是不是由“主演”变成了“导演”,五看学生的角色是不是由“观众”真正变成了“主角”,六看教学手段是不是实现了现代化,七看教学过程是不是由封闭走向了开放,八看课堂教学效果是不是实现了“堂堂清”。
那么究竟该如何打造音乐高效课堂呢?
(一)认真备好每堂课、的确立教学目标是构建高效课堂的前提。
教师的本职是教学,说到底必须业务要过硬,台上一分种,台下十年功,一定要有良好的基本功,要上好一节课,必须备好一节课。因为备课是课堂教学的基础,是提高课堂教学质量的关键和保障。音乐教师必须在三个方面下功夫:
1、在钻研教材上下功夫;
2、在钻研课标上下功夫;
3、在了解学生上下功夫。
(二)创造积极的学习氛围,转变学习方式,构建师生民主平等情感和谐的课堂是构建高效课堂的必由之路。
针对音乐教学的特点,教师应尝试根据学生的年龄特点和心理特点,发挥教师语言的作用,增强教师语言的趣味性,采用灵活的语言技巧,为整节课的教学创造良好的教学氛围,从而使学生主动参与学习。
(三)加强以学生为主体的音乐体验,培养学生的创造性思维是构建高效课堂的关键。
传统的教学观念认为音乐课的目的是让学生掌握一定的技术和音乐知识,而事实是音乐教育并不是要让每个学生都成为音乐家。俗话说“歌声乃人之情也。”不难想象,一个毫无感情的人是无法发出悦耳之声的,人的心理状态会直接作用在发声器官上。我们音乐教师注意引导学生,给他创设思维的空间,让他们真正体会作品的意境。这既促进了学生和谐发展,也培养了学生对音乐的感受、理解和表现能力;既丰富了学生的音乐想象力,也锻炼了学生的创造力,实现学生的多元化发展。
总之,教学有法、教无定法、贵在得法。在如今小学的教育现状下,我们只有不断学习,提高音乐教师的个人素养,紧紧抓住课堂40分钟,才能做到“低负高效”,发挥音乐教育审美功能的有效性,促进音乐教育在基础教育体系中发挥更积极的作用。
,以美国教育家雷塔科的话与老师们共勉:“只有教师在教学过程中以独特的方式寻找自己道路的时候,教育才能成为艺术,才会有高质量。
音乐类论文:从音乐人类学角度浅谈音乐文化与音乐教育
摘要:音乐人类学把音乐作为文化来研究, 它既研究音乐的声音、概念、行为 ,也研究与此相关的各种文化现象。当今中小学音乐教育的教育宗旨应该改变学生中存在的音乐等于唱歌、演奏、作曲的狭隘观念,重新认识音乐学习的文化属性。并且,学生关于音乐学习的考核,也应该有相应的改善。
音乐人类学是将音乐作为一种文化或文化中的音乐来看待的。音乐其实是人类文化的表现形式之一。音乐人类学又称音乐民族学或民族音乐学。在20世纪50年代被称为“比较音乐学”,完成这一学科名称的更换主要是荷兰的音乐学家孔斯特。美国在音乐人类学的发展中也有重要的地位,从20世纪50年代起,美国音乐人类学家胡德提出了“双重音乐能力”的观念,梅里亚姆的《音乐人类学》被视为该学科的经典之作,当代音乐人类学的研究范围已扩大到人类所有社会的音乐文化,具有明显的文化多元的世界观。
一、从人类学看音乐文化
音乐和文化并不是新名词, 但是把它们结合在一起来研究、探讨和认识却是近五十年以来的论题, 是人类音乐思想发展过程中的一个重要转折。促使这个思想或观念转折的动力并不是来自音乐领域本身, 而是人类学。音乐不只是音乐本身,音乐成为人类生活的重要且不可或缺的内容的真正源泉是人及其文化。这样就解释了为什么不同地域产生不同的音乐, 不同时期有不一样的音乐, 那都是因为不同的社会时空和传统经纬中的不同文化所致。
音乐人类学学科建立之初, 音乐文化的研究受到了人文学科的影响, 如人类学、民族学、民族音乐学、古典进化论、比较音乐学、文化相对主义、田野工作和参与者观察、文化区域和音乐文化、传播主义、功能主义和结构功能主义、心理人类学、行为主义、文化变迁、文化生态学、新进化主义、都市人类学、认知人类学、象征人类学、演奏经验及交流、反思论的人类学, 此时, 音乐成了文化。音乐与文化合为一个词语成为“音乐文化”并不仅仅是一个简单的词语复合行为, 而事实上是体现了一个人类认识自我、完善自我、发展自我, 或者更严格地说是“ 回归自我”的过程。虽然“音乐文化”作为一个独立的学术概念出现只有半个多世纪, 但它代表了人类文明发展历程进入了一个质的飞跃。中国音乐源远流长的历史性,形成了无比深厚的文化积淀,它们为音乐的发展和繁荣提供了丰富的给养。时至今日,通过存活的传统音乐,我们仍然能强烈地感受到穿越数千年历史传递给我们的所有关于音乐的信息,仍然那样富于活力、息息相通、连绵不断。沉潜久远的中国音乐,带着历史的厚重感,蕴藏着丰厚的音乐资源、繁复的题材、多样的风格,犹如千百年来堆积而成的无际矿藏,供世人开采挖掘,进发出璀璨的音乐之光。我国音乐一方面贪婪地吸取着一切可触及的外国音乐,一方面又显示出自身磅礴的气势,体现了中国音乐的巨大融合性。无论在过去还是现在,中国音乐和世界各国音乐的相互交流和融合始终不曾止步,而且随着时间的推移,这种交流和融合将会越来越迫切、越来越广泛,这不仅是历史潮流的推动,也是顺应时代的大势所趋。
二、从人类学看音乐教育
当今的音乐人类学采用当代人类学的视角, 其研究对象包含从人类生涯开端到目前为止的全部人类社会的音乐行为。将音乐教育与人类文化紧密联系起来, 这种人类文化是民族文化和多元文化的相交融的一种文化。
英国民族音乐学界的泰斗, 已故的约翰﹒布莱金倡导了多元文化背景中的音乐教育 这种新概念。国外的多元文化教育体现了对社会问题的一种回应,他们在比较音乐学、音乐民族学、音乐人类学以及国际比较音乐教育等领域学术研究的历史, 至少包含了上千名学者、教授、博士生对世界上非西方音乐所进行的严肃认真的研究所产生的成果, 揭示了人类音乐文化资源的丰富多彩, 促进了发达国家音乐教育中欧洲音乐中心主义观念的改变, 使音乐教育从单一音乐视野转向全球多元文化音乐的视野。其次, 国外音乐教育在多元文化人类学的背景中不断发展本土音乐文化教育, 如美国黑人音乐、爵士音乐等, 他们还不断加强世界文化意识, 积极学习世界各国不同文化, 为美国的音乐教育注入了新的活力, 开创了许多新的音乐教育领域。
另外,音乐教育与社会音乐文化有着密不可分的关系, 它们相互依存、相互扶持。因此, 将民族音乐、流行音乐、民俗民间音乐引进并融入中小学音乐课堂, 让当代青少年学生更为、更为直接地接触中国社会音乐文化, 感受其博大精深, 激发他们的民族自豪感和爱国热情, 有利于培养更多、具有深厚社会音乐文化底蕴的人才, 有利于弘扬和发展社会音乐文化, 更快地促进音乐教育的发展。
经过走访和调研,我发现长期以来我国音乐教育采取的是传统的、固定的教育模式, 教学内容单一、呆板, 学生对教学内容陌生、不喜欢。而社会音乐文化却是一种音乐现象和文化精神的综合体, 它处于不断变化之中, 它随着社会的发展、进步而变化, 这种变化必然要在音乐教育中产生映射。这就说明, 音乐教育和社会音乐文化有着千丝万缕的联系, 只有二者的协同发展, 才能使社会音乐文化不断得以传承, 只有改革传统的音乐教育模式, 才能使音乐教育更好地发挥其作用。
柯达伊说过: 民族文化是表明民族本性、民族尊严、民族意志的标志, 民族音乐具有民间意义, 而且更具有民族意义的一项财富, 它是属于全体人民的。如果以一种严肃的态度去追求有机、发展的音乐文化, 就必须通过教育, 使其为全民所有。只有首先让儿童生活在音乐的母语环境中, 才能使儿童深切地感受到民族的历史、民族的文化、民族的情感。民族音乐保留在音乐课堂是二者协同发展的基础,它对我国音乐教育发展的作用是长久的、永恒的。特别是我国的民歌民乐, 体现着中华民族民间艺术的独特风格,是我国社会音乐文化的宝贵财富, 因此, 我国中小学音乐教育必须重视民族音乐的传承, 才能体现音乐教育的民族性。音乐心理学专家告诉我们: 兴趣的形成与人的认识发展、与社会音乐环境有密切关系。可见, 净化中小学校园音乐文化环境, 创造民族音乐学习氛围, 大力培养中小学生的民族音乐兴趣, 是促进音乐教育发展的可行之举。这种社会音乐的环境主要还得靠中小学音乐教育者来改变。如果把一些的民族歌曲保留在中小学音乐课堂, 让青少年学生了解我国民族音乐文化, 既能开拓学生的音乐视野, 又能陶冶情操; 既培养了他们音乐鉴赏能力和审美能力, 又增强了民族自豪感, 使他们更加热爱自己的民族, 更加热爱我们伟大的祖国。这不仅体现我国中小学音乐教育的教学效果, 同时也传承了我国社会音乐文化。
那么,除了要继承和发扬中国的传统音乐以外,流 行音乐也是当今社会音乐文化中不可缺少的元素,它对我国音乐教育的发展起着推波助澜的作用。流行音乐中有不少的进步的音乐作品, 是可以适当引进中小学音乐课堂的, 很多流行的公益性的歌曲内容就非常健康, 这些流行歌曲为公益行动、公益慈善事业提供服务, 提倡社会主义新风尚, 弘扬爱国主义精神, 倡导以社会公德观念为根本, 立足于使更多的公民树立健康文明的行为规范。它们主要以宣传关爱他人、渴望世界和平、保护地球环境, 提倡文明公德等社会公益性内容为主, 不以牟利为目的。因此,适当地在音乐教育中融入流行歌曲对学生的身心成长是极其有帮助的。
我们再次审视音乐人类学中的音乐文化与音乐教育。其实无论是哪方面,它们的动态和走势的舵就掌握在人们自己的手中。要想将音乐真正融合在人们的生活和教育里面,我们就必须知道我们真正要的人类文化是什么,只有这要,音乐才能真正成为人类生活中的美好。
音乐类论文:音乐艺术类教材问题与改进路径
为适应素质教育的需要,近年来又在各教学领域实行新课程改革。2005年,教育部颁发了《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业课程指导方案》,在教育部的指导下,高校音乐课程改革的步伐逐步加大,改革力度也日渐深化,取得了丰硕成果。然而,在课程改革的同时,各高校在音乐艺术教材中也发现了一系列的问题,针对其中的问题,及时作出针对性的解决对策,对于深化课程改革非常必要。
一、高校音乐艺术类教材使用现状
自改革开放后一些高校开设音乐艺术教育课以来,由于教材建设没跟上时代的步伐,很多学校都在使用音乐专业的专门教材。直到20世纪80年代后,我国才有了一系列针对普通高校音乐教育的教材问世,现将80年代至今公开发表的部分具有代表性的音乐教材列表如:左面这个表格并不能反映大学音乐教材使用的情况,但可看出,无论是出版的数量还是规模,近年来音乐艺术类教材都有“百花齐放”的趋势,这也造成各高校教材使用的鱼龙混杂。综观高校音乐教育,教材的使用往往根据教师自己的意志,很少考虑到学生的具体情况,对学生所缺亦无针对性的举措。
二、高校音乐教材存在的问题及改革的必要性
(一)高校音乐艺术教材存在的问题。
1.教学理念缺乏科学性和针对性。由于教材建设的不完善,各高校所使用的音乐教材也都相对落后,其中最突出的问题是教材缺乏科学性和针对性。对此,《全国学校艺术教育发展规划(2001一2010)》强调:“重视普通高校艺术教育教材建设,逐步建立高校艺术教育教材的评审制度,积极推荐一批质量高、特色鲜明、深受学生欢迎的艺术教育教材。”音乐并不单纯只是音乐,而是融合了民族文化、民族心理等诸多因素在内的艺术感官享受,应具有一定的教育性和科学性。另外,高校音乐艺术是针对大学生的,教材的开发也应有针对性地符合和适应大学生的心理特点。
2.教材设置不规范,内容单调陈旧。受传统教学思想的影响,音乐教材的编写依然沿袭了过去“正统教育”的模式,教材所选歌曲大都以歌颂、赞扬为主,对民族、民歌、民间生活的关怀不够,且依旧趋向于集中思维,缺乏个性培养。一些音乐入门所须掌握的内容没能在教材中足够体现。[1]但这一内容在大学音乐教育中并未得到足够的重视,一些普通高校音乐教材谈之甚少,因此,高校音乐教材的编写和使用,还存在着相当程度上的不规范性。
3.教材的结构和内容与学生身心发展不符。说话办事要讲究因人而异,教学也应根据对象的不同而采取不同的内容和方式。具体说来,教材的设置和编排应较大限度地符合所针对对象的心理特征和年龄特征。高校音乐教材的教育对象是20多岁的青年学生,他们已形成了尚不完善的对世界和对人生的看法,教材的内容会使之对社会和世界的看法形成一定影响。综观当今高校音乐教材,其内容有很多不适宜大学生之处,有的过于浅显,激不起兴趣;有些内容过于专业性,超出了理解能力;还有一些内容民族性、社会化过强,不符合当代大学生的身心特点,这些问题都不利于高校学生音乐素养的提高。
(二)音乐艺术教材改革的必要性分析。
面对高校推行艺术教育改革大潮的步步逼近,音乐艺术教材的改革不单单源于当今教材中的种种弊病,而且也是时代的要求。随着经济的高速发展,社会上亟须发展的人才,这种发展应是与时俱进的,表现在教育层面,音乐艺术教材的改革就显得十分必要。
1.素质教育和新课程改革的需求。“艺术教育是美育的重要实施手段,而音乐教育则是艺术教育的一个重要科目。”[2]由此可知音乐艺术教育是素质教育美育功能实施的要求。新时代的人才,不仅要掌握较高的专业技能,且应具有较高的审美能力和高雅的艺术情操,而音乐艺术教育则是培养学生高雅情趣和人格修养的不可替代的因素。因此,新课程改革要求音乐艺术教材能够从培养学生想象力、创造性、动手能力等方面入手,力争做到与时俱进。
2.音乐艺术教育功能转变的必然要求。新时代的知识分子已越来越不满足于“死读书”“读死书”,无论是时代的需求,还是自身发展的必然,不得不承认传统的读书方式已不能满足人们追求新知的要求。随着社会的发展,个人的发展完善逐渐成为大众追求的人生理想,完善自我的方式多种多样,可以是读书娱乐,可以是运动锻炼,在人类追求自我完善的过程中,艺术教育成为大众的。蔡元培认为:艺术教育不仅仅有助于美育的发展,还能够帮助德育的培养,能够通过艺术美发展真知、启迪人的善良品质。也正是源于此,艺术教育的功能也悄然发生着变化。传统观念里,音乐艺术是正统教育的附属品,具有陶冶情操、培养情趣、休闲娱乐等种种作用,如今,音乐艺术已不仅仅依附于正规教育,而是同正规教育趋于平等,且成为人们追求人生的必需,是一个人人生发展应当具备的基本素质。正是音乐艺术教育这一功能的转变,要求相关教材也能跟上人类思想的脚步,朝着面向人的完善发展的方向迈进。
三、高校音乐艺术教材改革的构想
(一)转变教育观念,重视普通高校音乐教材的编写。我国艺术教育之所以起步晚,就是源于在人们的观念里并未形成真正的艺术教育思想,多数家长依旧认为音乐、美术等艺术课程等同于“玩儿”,与学习无关,更与教育无关。虽然有些人已意识到了艺 术教育对于培养人才的必要性,但由于力量不足,没能推动整个思想观念的转变。因此,国家把艺术教育纳入国家教育体系是必要的,通过政策导向指引各地、各校切实推行更是必不可少的举措。只有这样,高校教育才会真正把音乐教育纳入其教育系统中去。另外,国家应通过奖励、经费资助、政策激励等措施加强音乐艺(文秘站:)术教材的编写力度,并从中选出一些具有代表性的书籍作为普通高校音乐教育的指定教材,改变高校教材使用混杂不堪的现象。
(二)新教材的编写要适合大学生的身心状况。作为一种教学工具和教学手段,只有适合学生的教材才是好教材,且教材的合适与否直接影响到课堂效果。目前高校开展音乐教育所使用的教材中存在着的诸如内容、结构方面的一些问题,并不符合当代大学生的身心特点,也不适应时展的要求。因此,变革或重新组合音乐教材中的内容、结构是必要的。新教材应考虑到教育对象是基础薄弱非音乐专业学生,内容应以简单欣赏艺术作品、介绍作品创作背景以及讲述基本乐理和中外音乐发展史为主,不应涉猎过多的音乐流派、音乐风格等内容,这也是超出学生能力和知识范围的。总的来说,应以学生的现实需求来编写合适的音乐教材。
(三)教材内容要兼具科学性与艺术性。教育的目的是促进人的发展,音乐教育同样不例外。因此,为教育服务的教材的编写也应以“育人”为原则。显然,作为艺术教育中一个重要的分支,音乐教材无疑应当以艺术型为主。
总之,要切实落实素质教育的成果,跟上新课程改革的步伐,改变当今高校音乐艺术教育薄弱、落后的现状,以政策为引导,以经费为补充,以教育改革为理念导向,以科学性、艺术性为指导的新教材改革势在必行。只有在认真研究大学生思想现状和素质教育改革方向的基础上,与时俱进地变革旧教育体系的不合理内容,添加适应时展的新教学理念,才能体现音乐教育的“美育”的功能,实现素质教育新发展。
音乐类论文:普通高校音乐活动课程类型初探
内容摘要:普通高校音乐活动课程类型设计是实现普通高校音乐活动课程教育价值的有效前提。在普通高校音乐活动课程类型设计的研究中,科学、合理地规划音乐活动课程的总体结构,设计出相应的类型结构,应该站在现代课程理论的大背景下,结合活动课程设计的思路,基于普通高校学生特点和音乐教育的特点,对各种普通高校音乐活动形态进行深入分析并将其进行分类。
关 键 词:普通高校公共音乐教育 音乐活动课程 类型
分析当今普通高校公共音乐课程现状,对普通高校音乐艺术活动现象进行研究不难发现:今天的普通高校公共音乐艺术教育还是以老师的课堂教授为主要形式,学校团委组织的学生音乐活动和学生自发的音乐团体具有非教学目的特性。而伴随着我国高校对大学生人文素质教育的重视、音乐教育课程改革的发展,笔者分析了普通高校公共音乐课程现状,并对普通高校音乐活动现象进行研究后认为:今天的普通高校公共音乐教育更应该是在教师的指导下,通过普通高校学生亲身参与的有目的、有计划、有组织的系统的音乐活动,实现以普通高校学生获取与音乐相关的直接经验和即时信息为主要内容、以普通高校学生主体学习活动和体验学习为主要形式、以促进高校学生认知、情感、行为统一协调发展为主要目标而设计课业和其进程,这就是普通高校音乐活动课程。
一、普通高校音乐活动课程分类的理论依据
(一)笔者经过仔细分析后,将普通高校各种音乐活动归为三类:按主题纪念日进行的分类;按照活动的组成方式进行的分类;按高校校园文化中的各类课外音乐活动项目进行的分类。但是不难发现这三种分类并不十分健全,还缺乏整体性。及时种分类的缺陷在于,不可能将所有的音乐活动都进行归纳,不可能概括所有音乐活动现象。第二种、第三种分类的缺陷在于,活动项目之间出现相容现象。因此,明确高校音乐活动课程类型不但要借鉴各种活动现象,而且要依据合理的设计思路。
(二)马克思主义关于活动的分类理论。在人的生产实践活动研究中,马克思认为人的活动在总体上是双重的关系,即人与自然的关系和人与社会的关系。依据此理论可分析出五种人的活动形式:以变革客体为主的改造(创造)活动;以反映客体为主的认识活动;以占有客体满足主体需要的欣赏(审美)活动;以检测客体为主的评价活动;以“主体之间相互作用”结构为运作机制的人际交往活动。以马克思主义关于活动的分类理论作为我国高校音乐活动课程分类基础,解决了该课程的设计思路问题。
(三)我国相关学者对活动课程的不同分类。依据不同的标准,分类的方法有所不同,我国相关学者对活动课程的分类大体有以下三种:及时种,侧重人际交往的活动课程;侧重认识对象世界的活动课程;侧重体验对象世界意义和价值的欣赏(审美)活动课程;侧重改造对象世界的活动课程;侧重评价的活动课程。第二种,活动——学科辅助课程;活动——经验中心课程;活动——素质发展课程。第三种,常规活动;联科活动课;科技活动课;社会实践活动课。
二、普通高校音乐活动课程的类型
普通高校音乐活动课程可以参照以上分类和理论,根据普通高校音乐活动的特点,将普通高校音乐活动课程可分为四大类型:及时类,普通高校音乐联科活动课程。1.校音乐学科知识辅助课程;2.音乐综合活动课程。第二类,普通高校学生音乐兴趣活动课程。1.各种音乐类协会活动课程;2.各种音乐社团活动课程;3.各种音乐俱乐部活动课程。第三类,普通高校社会音乐活动课程。1.结合学校艺术周、艺术节、节假日的音乐活动课程;2.学校艺术团、校、系、班、组开展的社会性质的音乐活动中的课程;3.各种义演音乐活动课程。第四类,普通高校学生“业余生活”音乐活动课程。1.听取各种“直接面对作曲家、演员、大师们”音乐讲座中的音乐活动课程;2.亲临现场演出中的音乐活动课程。
三、四种普通高校音乐活动课程类型的进一步说明
(一)普通高校音乐联科活动课程。联科活动,与学科课程有着密切的联系,它可以发展学生对学科的兴趣和特长,并可以深化、补充和应用学科课程内容,因此它类似于学科活动。联科活动的内容远远比学科活动内容更为丰富,它既可以与某一门学科配合,形成单科活动课程;又可以同几门学科配合,形成综合(合科)活动课程。体现在普通高校音乐活动课程中的联科活动可以理解为,与普通高校音乐学科课程有着紧密联系的音乐活动。根据音乐活动所配合的学科数量,可将高校音乐联科活动课程划分为音乐学科知识辅助课程和综合(合科)活动课程。
(二)普通高校学生音乐兴趣活动课程。普通高校学生音乐兴趣活动课程就其字面意义而言,是由具有共同兴趣爱好的人共同参加的一种团体性活动课程。因此,它更能体现音乐活动的社会性,更能反映人的活动的本质。该课程在
总体上是通过专题音乐活动培养学生的兴趣爱好和学生的特长,充分发挥了学生的自主性。同时,它有着只分专题不分年级的优势,可以促成不同年级水平的学生各方位的交往,培养了学生多方面的交往能力,增强了学生的团体凝聚力。普通高校中各种音乐类协会活动、各种音乐社团活动、各种音乐俱乐部活动是该课程的理想模式。
(三)普通高校社会音乐活动课程。普通高校社会音乐活动课程,是一种综合性的活动课程,更是带有强烈的“社会”色彩的课程。社会活动包括交往活动、欣赏(审美)活动、甚至还有改造对象世界的活动。普通高校社会音乐活动课程,能够帮助学生走出教室,步入社会,实现学校、社会、家庭的沟通与联系,使学生了解社会,提高对社会的认识能力,并通过社会活动,巩固学生已学的知识,增添新知识,锻炼各种能力。该课程有着丰富的内容,有结合学校艺术周、艺术节、节假日的音乐活动课程,有学校艺术团、校、系、班、组开展的社会性质的音乐活动中的课程,有各种义演音乐活动课程。
(四)普通高校学生“业余生活”音乐活动课程。普通高校学生“业余生活”音乐活动课程,主要指在校园内,利用大学生业余时间所举办的各类名家、演员亲临现场的各种讲座和表演活动。学生通过与演员、大师们面对面的交流,较之通过教师讲解、各种媒体播放等的音乐信息的体验,更容易与音乐交融,更容易产生兴趣,更容易被震撼。这种“直接”的力量,是其他课程无法代替的。
音乐类论文:音乐类学生听觉素养的培养
音乐教育是审美教育的良好载体,随着大众对审美的要求逐步提高,对音乐教育的期望也越来越高。音乐教育对于促进校园文化建设有重要的作用,高校的发展与校园文化氛围息息相关,因此加强高职院校艺术专业建设具有十分积极的意义。而对于音乐教育来说,本科院校或者艺术专业学校旨在培养音乐高等专业人才,把音乐作为一门学问进行研究,而高职院校音乐专业是特殊的,以学习基础的音乐理论知识,增强音乐修养为主。听觉素养是音乐修养中一项重要指标,对于音乐基本功比较薄弱的高职学生,听觉素养的培养在高职音乐教育中十分重要,听觉素养的培养有助于学生增强自信、有助于学生打好艺术修养的基本功。
一、听觉素养能力是基本的技能
听觉素养能力对于音乐艺术专业的学生来说,是最基本的技能。高职音乐教育探索一个具有实效性的听觉素养培训模式,具有积极的意义。对于一线教学教师而言,学生听觉素养的培养是一项艰苦的工程,因此,海南软件职业技术学院音乐教研室专门开展了对学生音乐听觉素养培养的研究,通过理论与实践研究,以期获得一个全新的听觉素养训练理念,在日常的教育教学中加以实践与完善,以期建立有效的听觉训练课程体系,促进学生音乐素养的提高。
二、听觉素养课程建设的重要性
高职院校课程建设是一个系统的工程,加强高职学院艺术教育工作,是当前推进艺术类学生发展的一项重要任务,要大力发展高职院校艺术教育,首先要构建面向艺术类学生技能培养的课程体系,这是十分关键的。各个地方的教育各具风格与特色,建设适合的课程建设方案具有现实的意义。海南软件职业技术学院音乐教研室通过对听觉素养课程体系的建设过程,开展对听觉素养训练方法的探索、选取训练内容,开展学生课外艺术活动等实践研究与探讨,直至形成一个符合时展需求、高效的、全新的实施方案。建成符合学生基本能力程度的艺术教育课程体系,对提高艺术类学生教学质量和人才培养质量,有着现实而深远的意义。
三、学生听觉素养培养的思考
(一)顺应时展潮流,开拓创新培养渠道对于学生的听觉素养的培养,从来就是音乐教育十分重视的基本功训练。尤其是一些做得比较好的高职院校,经验丰富,效果理想。但是随着时代的进步发展,信息技术的广泛应用,新媒体的方便与快捷,我们在学生听觉素养的培养上的研究也不能止步不前,而是要顺应时展潮流,符合学生需求。对于一些有教学经验的音乐教学要学习与借鉴,对于一些新的手段与方法要敢于尝试,开拓创新,创造新的途径。听觉素养是音乐艺术专业人才的先决条件,拥有良好的听觉能力,可以提高学生音乐欣赏的能力,增强学生的音乐创作能力,为未来的音乐技能型人才培养奠定基础。因此,在时展的大背景下,我们要从追求实效性出发,更新观念,开拓创新培养渠道,尝试新的手段与工具,满足学生的实际需求,促进学生的听觉素养真正有效的提高。
(二)精心开设实训课程对于高职院校来说,课堂教学是培养与训练的主要地点。课程的开设效果好坏直接影响了学生的能力发展。先前一些观念,并没有深入研究学生的实际情况,只是照搬别人的方案,对于听觉素养培养的可行性并没有具体实际的研究。因此,我们需要进行改进,使之既符合学生发展需要,又方便在学校现有条件下开设课程的需要。重新制定新的训练音乐类学生听觉素养的教学内容,要综合考虑科学性、实效性与可持续发展的要求,同时还要综合考虑当前多媒体技术的发展,网络资源的广泛应用,学生获取信息的速度与效率,学生的兴趣爱好的变化等,适应其发展的需求。伴随着学生的学习自主性意识逐渐加强,兴趣和爱好逐步发展与变化直至逐渐稳定,听觉素养训练的着重点要有所侧重,要发展变化,综合考虑多方面的因素选择的培训素材,例如:目前海南软件职业技术学院艺术传媒系开始增设《真音模唱》课程,出发点就是着眼于学生听觉素养的培养与训练需求,从教学效果上来看学生的听觉辨析能力有明显提高,学生逐渐掌握了倾听的技巧,模仿学习能力加强了,学生对音乐的鉴赏能力也提高了。
(三)利用信息技术工具的增强教学实效性科技技术的发展为音乐教学提供了诸多有利的条件。大众媒体的方便、快捷、高效,都是时展的馈赠。我们没有理由不使用他们来促进我们的教学,我们要紧跟时展的步伐,化高科技手段作为教学的工具,利用网络、电视、移动信息平台的多媒体教学媒介,发挥其形式活泼、趣味性强、感染力强、符合大众审美观等优点,切实有效地传递知识,增强学生的能力,提高教学实效性。因此,要完善教学设施,配备多功能的演出大厅,为学生的实践提供良好的舞台,各类教学用具与专业教室要满足基本的需求,引进专业教师,加强硬件与软件设备建设。
综上所述,高职艺术专业的教育教学建成符合学生基本能力程度的艺术教育课程体系,有着现实而深远的意义。听觉素养是音乐专业学生的先决条件,直接决定了其后续艺术专业能力的发展。听觉素养目前专业的课程教材体系的建设是一个需要重视的领域,对学生听觉素养培养的研究对于高职院校艺术教育建设具有较高的参考价值。
音乐类论文:音乐地理学与音乐人类学的综合运用
音乐地理学与音乐人类学的综合运用
一、传统音乐类非物质文化研究的学科向度
传统音乐类非物质文化遗产是，“在现实生活中，人们将自己创造的文化通过口耳相传巩固和传承下来，展示了一个民族特有的生存方式、思维方式和文化意识，成为民族赖以生存的精神基石和文化生命的重要标识”。美国民族音乐学家梅里亚姆仅对“音乐”研究的方法界定就历经了15年的研究时间，先后提出了三次方案。先从“在文化中的音乐研究”开始，发展到“作为文化的音乐研究”，再延伸至“音乐就是文化，音乐学者所做的就是社会研究”。在方法论中不断地论证文化的重要性。他认为：“音乐不仅是声音，人类行为是产生声音的先决条件。音乐不可能脱离人的控制和行为孤立存在……音乐是由构成其文化的人们的价值观、态度和信念形成的人类行为过程的结果。”英国民族音乐学家斯托克斯也指出：地域或地点是社会活动具体的地理背景，其中，音乐事件展示了地域内涵，反过来，通过音乐也可以构筑地域，涉及差异和社会界限。人们可以用音乐来为自己定位，从音乐中认识自身所拥有的身份标识和自我。中国著名地理学家吴传钧也曾将“人地关系”和“区域”这两个人文地理学研究的基本单位有机地结合起来，提出了“人地关系地域系统”的概念和思想，对人文地理学的理论研究起到了积极作用。由此可见，任何形式的音乐艺术，与其产生地域的地理和人文环境都有着密切的联系。
江西的传统音乐类非物质文化遗产众多，以其浓郁的乡土风格与独特的艺术魅力，在江西省内已流传千百年，成为当地人民经济生产与文化生活不可缺少的重要组成部分。笔者在研究中发现，江西省的音乐学者对本土民间音乐的研究，至今仍较多地停留在田野考察的初级阶段，使用归纳、总结的方法记录乐谱或记述表演过程。虽然这些研究手法是民族音乐研究的必经之路，但对待现有的已发掘的本土音乐文化，只满足于把流动的声音和表演画面用文本的形式来“翻译”和“解释”，并以录制音像的形式来留存，已不能适应深入开展音乐学研究的需要。因此，笔者结合前期的研究心得，主要以研究部级传统音乐类非物质文化遗产“武宁打鼓歌”为例，对江西本土音乐文化的研究方法做一个梳理和总结，以期抛砖引玉，期待更多的专家学者，关心江西的传统音乐类非物质文化遗产研究。
对待本土音乐文化的研究，应当转向音乐地理学和音乐人类学这两个学科向度，把以往单一的音乐形态研究纳入与之相关的社会学科内进行交叉研究，才能更加贴切地理解、运用和发展本土音乐文化。
二、音乐地理学和音乐人类学的综合运用
音乐地理学是研究音乐与自然环境和人文环境的关系。研究“音乐－地貌－人类文化”这三者之间的关系。学者可以运用这一学科的观念和方法研究“音乐区域”，分析音乐的演化过程及地域扩散的特点，明确区域文化的特征。
音乐人类学主要关注的则是人类的音乐行为方式。将音乐的概念延伸到与“人”的行为和观念相关的文化范畴，阐释“观念－行为－音乐声音”三者之间的相互关系。重视“人”的行为，提倡用科学的方法进行田野考察，在实地考察时所要关注和采录的，不仅仅是狭义的音乐形态。人类音乐学所倡导的“音乐本体”是“声音本体”和“行为本体”。
如果说“人”与“音乐”的关系，决定了音乐之本身的一切属性，那么，地理因素就决定了人类的生存环境，从而影响到人类的体征特点和性格，并直接作用于音乐的风格特点。“地貌”与“人”的行为相辅相成，它们共同决定了音乐的性质。在音乐地理学和音乐人类学两种研究方法之间，所关注的音乐学问题有许多交叉重叠的方面，但音乐研究视角各不相同。值得注意的是，学术界在以往的音乐风格区域划分中已经具有音乐地理学地域空间分布研究的性质，但初期的研究多从音乐形态(旋法、结构等)方面进行“定性”描述，较少探讨音乐风格区域形成过程中的地理环境要素。在音乐区域的空间分布、音乐体裁、音乐形态、方言音调上，严格地按照地理学和人类学的方法和观念研究音乐文化，却是后现代民族音乐研究的新模式。它们有两个不同的学科研究重点。音乐地理学侧重于区域音乐文化的研究；而音乐人类学侧重于“人”的观念与行为。如果能对它们之间进行互补运用，可以合理地弥补对本土民间音乐文化的研究不足。因此，要使音乐研究向更深层的知识构架迈进，必须要求音乐研究者具备广泛的人文知识和修养，善于敏锐地捕捉音乐文化的本质——“人”与“地域”，“观念”与“行为”的多重关系。它们唇齿相依，缺一不可。
三、以音乐地理学方法研究区域音乐文化
俗话说，“一方水土养育一方人”，将地方志、族谱、史书、类书等现存的文化典藏综合起来，搜集、整理相关的历史文献，可使研究具备明确的音乐地理学学科特征。下面以江西为例进行分析：
(一)江西人文环境与传统音乐类非物质文化的联系
江西山灵水秀，哺育出众多历史文化名人。这里自古读书成风。江西哲学家众多，朱熹、陆九渊是理学两大派的开创者；宋、元、明有三部大类书《册府元龟》、《经世大典》、《永乐大典》，主编是江西人王钦若、欧阳玄、解缙。江西史学家在现存的《二十四史》中，共主修五史。元朝马端临是大型史学著作《文献通考》作者。江西诗人、词人、作家、戏剧家众多。欧阳修、曾巩、王安石列入唐宋八大散文家。以陶潜为代表的田园诗派和隐逸诗派，以晏殊、欧阳修为代表的江西词派，由欧阳修、王安石奠基的主张以理入诗的宋诗派；由黄庭坚开创的倡导言必据的江西诗派，由杨万里首创的致力清新自然的诚斋诗体，由文天祥、刘辰翁等兴起的爱国诗体，由汤显祖开创的以情代道的临川剧派等文学方面的派别，在历史上影响重大。
浓厚的文化根基使得江西历代歌、舞、戏曲盛行，民间文艺丰富，历代文人都对江西各地民歌有所描述。单是对武宁当地盛行山歌的画面就有“夕阳过处樵歌歇”、“古渡渔歌何处洲”等描述。类似这样的佳句在江西各地不胜枚举，为研究江西传统音乐类非物质文化遗产提供了珍贵的资料。
(二)地理位置衍生的独特艺术样式
江西地处长江中下游南岸一带，与六省交界，古称江西为“吴头楚尾，粤户闽庭”。常态地貌类型以山地和丘陵为主，适合种植水稻，境内拥有许多因地理环境而衍生的独特艺术样式。特色音乐体裁是我省传统音乐类非物质文化的重要标志。“武宁打鼓歌”就是其中的一种。它与其他“稻作文化区”的“田歌”，劳动形式和演唱方式不同。既不同于受劳动节奏支配的各种“号子”，也不同于个体劳动中演唱十分自由的“山野之歌”。武宁大面积的山林地貌，劳动强度很大，需要采取集体劳作、集体换工的方式。由半职业的“歌师”们站在田头击鼓领唱，劳动者紧跟其后和歌，出现一“领”众“和”的演唱形式，以解除劳作者的疲劳，鼓舞干劲。无论开山锄禾还是采茶，当地一律采用此种特殊的表演形式演唱，粗犷的风格与武宁多山的地貌密不可分。这也是武宁打鼓歌有别于江西其他地方农事歌曲的原因。因此，在研究口传心授的民间歌曲时，一定要根据各地的地理位置和各地的地貌特点来进行音乐结构的分析。
四、以音乐人类学方法研究“人”的行为
根据以上音乐地理学的研究方法，得出不同地域形成了当地音乐的“本体风格”，也形成了该群体独特的音乐审美观念。这使得我们把专注力再次转向具有共性思维的“人”，以音乐人类学的方法阐释该群体的共同观念。
(一)研究性格、语言、行为所产生的独特音调
江西民歌是即兴性很强的地方音乐体裁。人们会根据山野劳动强度，即兴编配作品。以武宁为例，它属于江西省的赣西北民歌区，从歌唱的内容、结构与气质等方面都体现出当地人的性格、方言和审美共识。武宁方言词汇较大的特点是保留了相当数量的古汉语词汇，武宁方言语音系统保留了一套完整的中古全浊声母，声调有明显下滑的特点，读音仍保持中古时代的不送气的浊音。另外，武宁打鼓歌中常用到的音程以级进为主，二度、三度、四度在某些片断中，频繁出现，领唱与和唱之间还形成了八度的跨越。在旋律进行中曲与词的比例基本上是一音对一字，非常符合山里人直率、豪爽的性格特点。武宁打鼓歌用当地口语化的方言演唱，自然就含有当地人说话的语言、语气和表情形象，这种地方腔调成为歌曲的基本素材，乡土味十分浓郁。
(二)音乐人类学所关注的“生存境遇”
音乐人类学从建立之始就视田野作业为学科的理论基础，只有以面向文化本身的态度并理解其“生存境遇”，我们才可能对其中的音乐行为进行整体的把握。
俗话说“一乡一调”、“十里不同音”。江西口传的非物质音乐文化如果离开了方言乡音就等于失去了自身的艺术价值与魅力。因此，对它的研究和保护、传承一定要依靠当地有着共同方言和音乐审美习惯的当地人。面对传统音乐类非物质文化的发展境遇，不但要通过老艺人们传唱、音乐工作者记录的方式来完成“静态”的音乐保护；还要进行“活态”的音乐创作和传承保护。各地文化系统的音乐工作者以本土音乐为基本艺术素材，创作上演改编后艺术性更强的舞台作品，是一种值得推广的“活态”保护方法。
从音乐人类学的角度，把更多的人文关怀给予老一辈的民间艺术传人们，创造可以施展他们艺术才华的平台。尤其是国务院授予的部级非物质文化遗产传承人，目前还很少有人能够继承他们的独特技艺，积极推广民间音乐文化势在必行。据笔者调研，目前把传统音乐类非物质文化编成教本，请进课堂的，唯属武宁县。从2009年开始，全县中小学每周一课“武宁打鼓歌”。在武宁当地出台的民族民间文化的保护计划中，乡音文化茁壮成长。
随着20世纪90年代之后的音乐研究理念阐发，在研究方法上越来越侧重于“民间音乐”的历史性、民俗性、共生性及多元性。在对它的不断认识中，学术界产生了“音乐建构”这一新兴词汇。它向学者提出在对传统音乐类非物质文化研究时，不但要坚守对音乐本体的研究，同时更要强调文化含义，这不仅是一个概念的延伸，更重要的是研究方法和解释方法的拓宽。也正是这样的“视野”，为当代学术发展提供了更为广阔的空间。作为“原生态传统”的本土音乐，在各地民间知识体系中发挥着重要的作用，并在当今社会仍就执著地延续着自身的生命轨迹，它是鲜活生动的文化生命……我们相信，江西本土的传统音乐类非物质文化这一民间奇葩，定会勃勃生机，越开越艳
音乐类论文:高等职业学院音乐类学生钢琴考级问题思考
摘 要：近年来，随着音乐教育的普及，钢琴作为键乐器被越来越多的孩子所学习。钢琴教育也从学校音乐教育发展为社会音乐教育。为了检验学生的实际弹奏水平及在钢琴学习中所存在的问题，钢琴考级制度应运而生。而由于钢琴考级产生的诸多问题也随之而来。本文以高职院校音乐类学生为例，讨论了钢琴高级的必要性，分析了高职院校音乐类学生钢琴考级的利弊。同时，针对考级中所面临的困难提出了高职院校培养方案意见。
关键词：高职院校音乐类学生；钢琴考级；利弊分析；战略方案；
一、“钢琴考级热”现状分析
随着物质生活水平的提高，以及素质教育的普及推广，越来越多的家长把钢琴作为一种兴趣爱好，丰富课余生活和提高艺术修养的工具，产生了强烈的培养欲望。同时，由于一些专业老师以及家长的重视，钢琴考级的发展得到了推动。每年暑假期间，数以万计的考生加入了钢琴考级的队伍，形成了一派钢琴考级热潮。然而钢琴考级也出现了许多问题：
（一）急功近利，不利于长期发展。
大多数的家长对于孩子学琴的初衷是丰富孩子的课余生活，陶冶情操。但其中不乏有许多家长存在攀比心理，将孩子钢琴水平作为比较对象。因此，对于孩子的倦怠采取了打骂的手段，甚至急功近利，让孩子频繁考级。然而由于孩子的接受能力不同，基础和弹奏水平存在差异是在所难免的。钢琴的学习是一个需要长期坚持的过程，短时间内学好是不现实的，更是不科学的。同时，急功近利只会让孩子产生逆反心理，失去对钢琴的兴趣，不利于长期发展。
（二）教育机构鱼龙混杂，教学水平良莠不齐。
面对“钢琴考级热”的巨大市场，钢琴培训机构如雨后春笋般层出不穷。其中不乏一些不具备钢琴教学能力的人员在经济利益的驱使下混进了钢琴教学的行列中。然而很多家长自身不具备钢琴的相关专业知识，很难对钢琴教育机构作出的判断。这就给学生的钢琴水平造成了很大的影响。一些错误的指法习惯一旦形成便很难纠正。
（三）考级机构存在水分，评审缺乏公正性。
在巨大的经济利益诱惑面前，一些考级机构打着响亮的名号，却利用部分家长的攀比心和对考级知识的不了解，骗取家长的考级费用。这种现象严重影响了钢琴考级的公平公正性，更不能对学生的实际水平作出正确的判断，影响学生的长期发展。
二、钢琴考级的作用及必要性分析
目前，有很多拥有高资历和专业级别的钢琴教师在钢琴考级问题上很是重视。这在一定程度上加快了钢琴考级的发展。而钢琴考级制度的推广使得钢琴教学逐渐趋于规范化来应对考级要求，也是学生和家长进一步来了解了自身的实际演奏水平和钢琴教师的教学能力。在钢琴考级过程中，由一批在钢琴专业有的专家教授来进行客观的评价，考生从考官的评价中找到自身缺点，在日后的学习中加以改进。同时，教师也能从学生成绩中看到自己教学方式的不足，促使教师总结教学经验，不断进步、提高自身的教学能力。此外，通过统计表明，大部分家长认为钢琴考级能为孩子提供相互交流的机会，有利于激发孩子的学习热情。
但对于钢琴考级的必要性，很多人提出了质疑。钢琴考级作为检验学生演奏水平的一种方式有着重要意义，但目前钢琴考级中出现的种种问题引发了质疑的声音。音乐作为人们表达情感，传播心情的重要表现形式，其本身具有丰富的生命力和强烈的感染力。钢琴演奏者除了要具有基本技巧以外，还要具备良好的情感修养和音乐背景基础知识。其中，演奏技巧可以学生通过不断的练习而得到以高，但良好的情感素养和基础知识却不是一朝一夕可以获得的。这需要老师的引导和讲解，将内心情感转化为音乐形式的表达。但有些老师并不重视情商的培养。为了应对考级，有的老师总是采用灌输的固定模式，忽视学生的个人见解和合理看法，只要学生达到把曲目练熟的目的。这样的学生虽然通过背谱子、弹音符在钢琴考级中及格通过了，但长期乏味无趣的高强度练习根本未能让学生享受到音乐的魅力，也使钢琴考级失去了原有的宗旨和目的。
这些由考级问题而生出的事端给考生带来的不良影响，使得钢琴考级失去了原有的功能，不能充分发挥促进钢琴教育发展的作用。因此，对于钢琴考级的必要性产生了质疑。而钢琴考级的目的在于督促学琴者不断提高钢琴演奏能力，促进钢琴教育的普及。倘若其不但未能起到应有的作用，反而给不法分子和投机取巧的人钻了空子，对于学生的钢琴学习产生了阻碍影响，或者学生家长和老师仅仅是为了要满足个人的虚荣心而逼迫学生考级，那么是没有必要参加钢琴考级的。
三、高等职业院校音乐类学生钢琴考级的利弊分析
与普通琴童和业余学琴者相比较，高等职业院校的音乐类学生的学习模式是不同的。高等职业技术院校的教育目标是培养高素质的应用技术型人才，因此，对于钢琴演奏水平有着较高的要求。在高职院校的钢琴教学上，对于加强学生的钢琴基础训练和提高学生的钢琴综合素质是双管齐下的。钢琴作为学生综合学习音乐的必备学习工具，是利用于演奏、练声、练试唱、练耳、练习钢编，做乐理、和声和作曲的一个必备的有效学习工具。关于高等职业技术院校音乐类学生的钢琴考级问题的利弊可以从以下几个方面分析：
（一） 高职院校音乐类学生钢琴考级的优势
1.钢琴考级利用自身有利条件。高等职业技术院校的音乐类学生作为音乐的专业学习者在自身能力上有着很大的优势。多年的专业学习以使高职院校音乐类学生有着良好的钢琴基础，指法的熟练和对音乐的理解使得他们在练习考级曲目时的难度不大。同时，高等职业技术院校的老师并不一定都有着多年的教学经验，但其专业水平是有说服力的。比较之下，社会上存在许多教育机构打着名校的幌子，操着业余的水平，在考级时就会将所有弊病暴露出来，但因此耽误了众多学子的天赋和时间是无法弥补的。高等职业技术院校的音乐类学生接受专业老师的正确指导，凭借多年的演奏学习经验，在钢琴考级中顺利通过是没有问题的。
2.钢琴考级能够提高高等职业技术院校音乐类学生的就业率。艺术职业教育与艺术素质教育存在本质的区别。音乐素质教育是对学生进行艺术熏陶，目的在于陶冶情操，提高学生的综合素质。而艺术职业教育是一种职业。对于高等职业技术院校的音乐类学生来说，音乐教育是他们的立身之本，谋生之路，甚至晋升之道。职业教育又可称为就业教育，教育的关键在于提高学生在求职中的竞争力。
(二)高职院校音乐类学生钢琴考级的劣势
1.钢琴等级证书并不是衡量钢琴等级的标准。随着钢琴考级问题的层出不穷，人们对于钢琴等级证书的认同感大不如前。很多业余钢琴爱好者为了满足虚荣心而在钢琴考级的队伍里滥竽充数，使得人们对于钢琴等级证书缺乏信任。高等职业技术院校音乐类学生考取钢琴等级证书的目的在于提高职业竞争水平，然而钢琴等级证书含金量的下降使得竞争力逐渐减弱。钢琴等级很高却并不代表钢琴演奏的实际水平越来越成为人们所认同的观念，因此，高等职业技术院校的音乐类学生很难通过钢琴考级来证明自己的实际钢琴水平。
2.钢琴考级内容不够，不能满足高职院校毕业生就业需要。目前，在社会上的专业院团钢琴表演职业的岗位十分稀缺，而且对于钢琴演奏演员的专业水平要求较高，在很大程度上只招收高等音乐学院本科以上的毕业生，高等职业技术院校的音乐类学生得到的机会少之又少。对于大众、普及型的舞台，高职院校钢琴毕业生选择的人数也只是占很小的比例。据统计表明，绝大部分的高等职业院校钢琴表演专业的学生毕业后选择了从事社会音乐教育钢琴教师的职业。
四、高等职业技术院校对音乐类学生培养的战略分析
近年来，高等职业技术院校音乐类学生的就业问题不断引发人们的思考。艺术高等职业院校钢琴培养缺乏高职院校特点、与市场人才需求脱节等等问题的出现让我们不得不对高职院校的钢琴教育模式重视起来。在此，对于高等职业技术院校音乐类学生的钢琴教育培养提出了几点建议：
（一） 明确人才培养目标，将职业定位具体化。
高职院校钢琴教育要使学生通过学习钢琴，不仅具备基础的钢琴专业演奏能力，还要学会分析综合和运用音乐的能力，具备“一专多能”的本领。在就业目标方面，高职院校音乐类学生的就业目标是大众型钢琴演奏工作和社会音乐教育基础钢琴教学工作。高等职业院校应适应社会市场的需要，培养职业技术型人才，有针对性的进行课程安排和教育教学。随着经济社会的发展，人们对于精神层面的文化生活以及艺术教育越来越关注。社会音乐教育前景一片看好，钢琴考级、艺术热的势头丝毫不减。在各基层单位，高层次的合格的钢琴教育人才极其缺乏。高等职业院校应顺应这一社会需求，采取多功能、多层次的人才培养办法，为社会培养大量多功能、复合型的钢琴教育人才。
（二） 改革教学模式，开设钢琴教学类相关课程
高等职业技术院校的音乐类学生培养应该按照就业岗位去分析开设课程教学内容，更的为学生老考虑就业问题。一名“复合型”钢琴人才应该既有钢琴专业演奏能力又要有专业社会音乐教学能力，发展成为“双师型”人才。提高钢琴演奏能力要开设能够培养学生综合音乐能力的课程，让学生在掌握了多种基本的知识技能之上，达到钢琴演奏专业的学生可以兼修师范类专业课程的效果，为学生毕业后就业具有从事钢琴教师的资格和教学综合能力提供条件。高职院校应充分抓住社会上学习钢琴热潮不断深入的机遇，培养学生在演奏之外的教学能力。钢琴教师是高职院校钢琴毕业生实际就业率较高的职业。培养学生师范教学能力可以说就是提高学生的就业率。
（三） 将职业资格证书与学历证书相结合
在市场人才的需求下，仅仅拥有学历证书已不能应对就业中的巨大的竞争。高等职业院校应鼓励音乐类学生考取职业资格证书。随着社会经济的发展和国家推行资格证书制度以来，高等职业技术院校应认真贯彻政府提出的“双证”并重制度。即包括钢琴演奏员职业资格证和教师资格证在内的两种职业资格证书，和能够证明学历的毕业证书。我国现阶段已经建立了“演奏员职业资格证”的职业鉴定机构，但在“教师资格证”的制度方面，尚未设立“社会音乐教育方向的音乐教师”这一职业标准。因此，特别设立了“社会音乐教师等级认证”制度。“钢琴演奏员”及“社会音乐教师等级认证”都有其较为严格的职业技术和职业能力的鉴定内容。其具体考核内容和方式为高等职业院校的钢琴教学体系改革指明了方向。
六、结语
由于“钢琴考级热”的持续加温，钢琴考级也带来了诸多现实性问题。对于高等职业院校音乐类学生来说，钢琴考级有利有弊。所引起的钢琴学习热潮对于从事钢琴教育的学生是一大机遇，但同样现实性问题致使钢琴教师信用额度的下降又是一大挑战。在通过以上分析后得出，高职院校要不断深化教育改革，提高学生的综合能力，以适应市场的需求。
音乐类论文:幼儿师范院校开展民间传统音乐类非物质文化遗产教育的初探
幼儿师范院校开展民间传统音乐类非物质文化遗产教育的初探
传统音乐是非物质文化遗产的重要组成部分，承载着中华民族悠久的音乐文化传统，体现了不同地区、不同民族的文化形态。受全球一体化的影响，民间传统文化影响逐渐消失，人类文化遗产的多样性正面临前所未有的挑战。为此联合国教科文组织制定了《保护非物质文化遗产公约》，各国政府都制定相关法律保护本国的文化遗产。我国于2011 年6 月1 日颁布实施了《中华人民共和国非物质文化遗产法》。其中第34条进一本文由论文联盟//收集整理步指出： “学校应当按照国务院教育主管部门的规定，开展相关的非物质文化遗产教育”，明确规定了学校非物质文化遗产教育的责任和必要性。
一、幼儿师范院校开展民间传统音乐教育的意义
1.民间传统音乐是幼儿师范院校音乐教育的课程资源宝库
音乐类课程是幼儿师范院校的主干课程，受我国音乐院校音乐教育模式的影响，西方音乐占据幼儿师范院校音乐类课程的主导地位，导致学生对本土音乐文化陌生。我国传统音乐非物质文化遗产种类繁多、品种丰富，具有极高的艺术、科学及社会价值，是人类遗产的重要组成部分。中国古琴艺术、西安鼓乐、侗族大歌等民间传统音乐被联合国教科文组织列入“人类非物质文化遗产代表作名录”；国务院公布的三批非物质文化遗产名录中民间音乐占171项（含扩展项目16项）；南阳板头曲、中州筝派、信阳民歌、开封盘鼓、轧琴、沁阳唢呐等35项河南特有的民间音乐入选河南省非物质文化遗产名录。传统音乐中许多类别适合在幼儿中教学。而当前幼儿师范院校，音乐教育类课程中很少涉及民间传统音乐方面，培养的学生毕业后无法在幼儿园向幼儿进行民间音乐启蒙教育。民间传统音乐是幼儿师范院校音乐教育尚未开发的课程资源宝库。
2.有利于非物质文化遗产的保护和传承
当前由于受全球一体化及西方音乐文化的影响，我国许多民间传统音乐在青少年中的影响越来越小，宝贵的民间传统音乐面临失传的危险。河南省统计局对居民的一项调查显示：作为我国传统音乐代表的戏曲，观众中老年人占大部分比例，中年人占小部分比例，而青少年几乎没有。如何使青少年了解传统音乐、热爱传统音乐是音乐教育面临的重要课题。幼儿师范院校作为未来幼儿园教师培养的摇篮，培养的学生毕业后将承担对幼儿进行音乐启蒙教育的重担。在幼儿师范院校开展民间传统音乐教育，有助于使幼儿从小受到中国民间传统音乐文化的熏陶，这对于我国民间传统音乐教育非物质文化遗产的保护、继承、发扬具有重要的现实意义。
3.有利于建立学生的民族自豪感和民族认同感
中华文化源远流长，在漫长的历史长河中占据着世界文明的巅峰。近代以来，受到西方文明的冲击，中华传统文化一度被冷落。伴随着中华民族的伟大复兴，世界各民族之间的交流增多，中国传统文化在全世界范围内逐渐受到重视，越来越多的外国人开始热爱并学习中国文化。非物质文化遗产是中华民族在几千年的历史长河中经过世事沧桑的考验、筛选之后而保存下来的文化结晶。在幼儿师范院校开展非物质文化遗产教育有利于提高学生的民族自豪感和历史使命感，增强学生的民族自信心，激发学生的爱国热情。
4.有利于深化素质教育，丰富学生业余生活
中国传统音乐绵延几千年，包含了诸多审美风格，它是一定音乐思想特殊本质的集中体现，是中华民族文化艺术创作思想意识的结晶。在幼儿师范院校开展中国传统音乐非物质文化遗产教育，不仅有助于学生掌握中国传统音乐的表演技巧，更使学生在学习过程中受到民族传统文化的熏陶，促进学生审美能力和艺术修养的提高，提高学生的思想道德素质和思维能力。另外，中国传统音乐非物质文化遗产的学习、表演，还能丰富校园文化内容，提高校园文化品味，增强校园文化的竞争力，丰富学生的业余文化生活。
二、幼儿师范院校开展音乐类非物质文化遗产教育的方式
1.建立符合幼师培养目标的音乐类非物质文化遗产课程体系
幼儿师范院校音乐教育的目的是培养能够胜任在幼儿园、幼儿培训机构从事幼儿音乐启蒙教育的学生。这一特点决定了幼儿师范院校教师应根据幼儿音乐教育特点对民间传统音乐类非物质文化遗产进行比较、筛选。幼儿师范院校可以选择那些容易在幼儿中普及推广的民间传统音乐文化遗产进行教学改革，编撰相关教材，制定相关教学大纲。在课程形式上可以采取开设民间传统音乐相关课程选修课，课后开设民间传统音乐第二课堂、兴趣小组，建立符合幼师培养目标的民间传统音乐课程体系。
2.建立民间传统音乐师资队伍
受传统音乐教育模式影响，幼儿师范院校音乐教育教师主要是钢琴、声乐以及西方器乐等方向的教师，而从事民族音乐的教师较少，本土特色音乐类非物质文化遗产对于幼儿师范院校的教师来讲更是陌生。要在幼儿师范院校开展民间传统音乐教育，一方面可以采取本校教师结合自己专业到民间采风，向民间传统音乐艺人学习。如声乐类老师可以学习信阳民歌、桐柏山歌等民间音乐，器乐教师可以学习唢呐、开封盘鼓等民间乐器。另一方面，可以聘请民间传统音乐艺人到学校担任客座教授，定期开办培训班、讲座，向师生传授民间音乐。
3.通过学生社团建设，建设校园民间传统音乐文化遗产传承的长效机制
幼儿师范院校可以根据学生的生源地不同，组织学生假期进行民间传统音乐采风，让学生深入民间，零距离接触喝学习民间传统音乐。组织不同项目的民间传统音乐社团，在每年非物质文化遗产日开展民间传统音乐遗产表演及汇报演出。在学生中开展民间传统音乐传承人制度，鼓励学生之间开展民间传统音乐传承，建设校园民间传统音乐文化遗产传承的长效机制。
音乐类论文:从人类学向度关注音乐行为过程的生命体验
内容摘要：从人类学的视角关注人类音乐行为的过程，而不是音乐行为过程产生的结果，旨在强调艺术的独立精神，作为艺术既不能成为社会意识形态的附庸，更不能沦为社会发展经济的工具。音乐研究者和音乐实践的目光应侧重于音乐行为的过程，这既是人类生命和艺术的本质要求，也是避免人类音乐活动舍本求末的迷失。
关键词：人类学 音乐行为 音乐实践
在人类生活中，乐器、乐谱、乐音音响是人类音乐行为产生的结果，而制造乐器，写出乐谱，演唱、演奏等，凡是人类围绕着音乐所产生的各种活动，都可以称之为人类的音乐行为，而音乐行为的延续实施就是人类的音乐行为过程。关注人类音乐行为的过程，而不是音乐行为产生的结果，旨在强调艺术的独立精神，因为艺术既不能成为社会意识形态的附庸，更不能沦为社会发展经济的工具。音乐研究者和音乐实践的目光应侧重于音乐行为的过程，这既是人类生命和艺术的本质要求，也是避免人类音乐活动舍本求末的迷失。
一、音乐行为过程是生命过程体验
音乐是人类艺术的一种，音乐的存在特别体现了物质存在的时间特性，因为音乐本身的存在就是一个过程，而且与时间的表现形态一致，是一个看不见的过程。这种音乐的运动形式连续地呈现，被称之为时间的艺术。而人类生命的存在也是一个过程，是在时间和空间中延续的过程，于是，我们就可以确立关于生命过程和音乐过程有某种同构的性质。音乐的概念很难确定，广义地说，只要满足生命的需要，任何声音形式都没有理由否认它是一种音乐。而实际上，在具体的音乐实践中，对音乐艺术乃至整体人类音乐行为的理解和评价，却过于看重音乐过程产生的结果，有忽视音乐行为过程的倾向。一个创作者的作品若没有得到社会评价标准的认可，便不会关注其在创造音乐的过程中获得了怎样的个体生命体验，或这种体验对于其个人是否构成积极意义。音乐实践总是以有形的结果来判定整个音乐活动的价值，如果音乐行为的结果符合艺术价值标准，那么过程就会得到肯定，反之过程就会被否定，不受到所谓知识价值体系的认同。再比如，面对学习音乐困难的孩子，很轻易地否定其天分，由此，将错误地，甚至永远地破坏其对音乐的兴趣。用这样的价值标准，错误地站在一个抽象的“社会”角度，一个脱离人的“音乐专业”的角度来评判，表面上看来是当然的，是合乎现实逻辑的，而实际上是违背了人类个体生命行为的合理性。
音乐历史学虽然也研究音乐的行为过程，但研究仅侧重对“认可的结果”所涉及的事件过程，这种由结果引出的判断，与音乐人类学的视角自然不同。科学思维的特性强调好的结果是对过程的肯定，好的过程也必然是为追求一个好的结果。而艺术活动却不能套用这个逻辑。因为从认识论的角度讲，艺术思维之所以有别于科学思维，就是因为它是人类一种更加超然的认识途径。然而，我们所看到的是人类在自己的音乐实践中，总是自觉不自觉地按照各种科学式的既定美学标准和技术化操作程式作为对音乐结果的目标要求，这种观念越来越使得人类音乐，特别是现代文明社会的音乐更加具有工业社会的职业色彩和运作规范性。这种被预定结果所制约的艺术过程，是与人类通过艺术活动获得自由的无任何限制的精神状态，从而不断获得自我反思能力的宗旨是相悖的。当然，艺术有它本身的存在逻辑，它的逻辑就是用的形式寻求对于生命的解释。人在艺术创造的过程中和人所创造的艺术结果对人的影响的过程中实现艺术的价值。而我们当下的艺术实践更多地只强调了后一个过程对人的影响而忽略了前者。因此，如果我们考察音乐的价值过多地渲染音乐发展所积累的技术成就，渲染人如何掌握这种直觉符号系统的逻辑结构本身，而忽视生命与他们之间的关系，忽视生命对变化着的声音的直接感受，忽视在体验艺术的过程中人们获得的某种整体感受，我们对音乐的理解很可能避重就轻，很可能陷入一种不切实际的学究。正像卡西尔所说：“艺术不探究事物的性质和原因：它给我们关于事物性质的直觉……艺术是一种确实的真正的发现。一个艺术家就是一个对自然形式的发现者，正如一个科学家是事物和自然规律的发现者一样……在艺术那里，我们生活在一个纯粹形式的王国里而不是生活在分析和细察感觉对象，或者研究它的效果的领域中。”[1]这并不是否定音乐研究的音乐学，而是强调不能将目光静止在客观对象的细节上，而忘记人类音乐存在是一个伴着生命变化流动的过程，所谓艺术的“纯粹形式”应该是人类生命过程的投射。从人类学的角度观察，音乐理论家是对人类音乐活动的描述、分析和解释。而纯粹艺术理论者的理论思维所惯用的归纳和实证的逻辑，从本质上并不符合艺术特性，因为艺术行为寻求的是直觉经验和独创性，所以，从指导艺术实践的角度来看，艺术理论的作用是有限的。艺术理论要想建立自己独立的经验归纳体系是十分困难的。因此，要求艺术理论家，除了把音乐作为独立的研究对象之外，更多地要把人的音乐活动同人类的其他活动一起加以比较，把人的音乐行为放入人类的整体存在中加以认识，特别是把人的行为作为人的音乐行为的背景，从而不断地发现其中潜在的价值。而艺术理论家也正是从不断发现的过程中体现其理论价值。
二、音乐行为作用于人类生命过程
音乐行为作为人类活动的一部分，在作为独立的审美对象以前，它总是同人类的各种活动联系在一起。欣赏音乐是最普遍的音乐行为，虽然无法考证人类是什么时候开始将音乐作为独立的欣赏对象，但有一点是肯定的，那就是音乐总是伴随着人类其他的行为过程而存在。最早应该是舞蹈，后来的活动几乎离不开音乐。譬如中国古代雅乐、燕乐、俗乐，国事大典、郊宴射、祭祀天地、乞求神灵、婚丧嫁娶、福寿添丁等，音乐始终伴随着人类的一种行为和精神活动过程，极其融洽地融合在天地人神共存的时间和空间之中。
探究音乐作为独立的文化活动对于人类的意义，也就是人类需要音乐的理由，a.p梅里亚从社会群体的需要把它分为：1.情感表达；2.美的享受；3.娱乐性；4.传达信息；5.象征表示；6.律动的信号；7.用于社会规范；8.用于风俗礼仪；9.对于文化的联系和稳定作用；10.社会凝聚作用。[2]但是如果从个体生命对音乐的体验出发，那么音乐对人的作用应该可以归纳为三个功能：
及时是释放的功能，人们可以通过音乐将自己的各种生命体验宣泄出来，这种音乐行为纯粹是满足个人的需要，他（她）主观上并不考虑别人对这种音乐行为或结果的认同，如某些现代派作曲家，他创作只是为宣泄内心对现代世界的感受，很多人会不喜欢他们的作品，这一点也不奇怪，因为他本身就不是为讨好听众而写的，这类作品只为心灵共鸣和作者本人而存在。宣泄音乐的较大特征是没有一个公认的美学标准，比如现代城市音乐的“卡拉ok”现象，声嘶力竭的家庭演唱，只为个人宣泄，如果排除宣唱者对他人的骚扰因素，这种宣泄过程对于宣唱者个人未尝不是最美妙的生命体验时刻。这只是个极端的例子，宣泄音乐的结果同时也可以是符合大众美学标准的。
第二是激发的功能，这是音乐可以感染他人的功能，如果从创作者和表演者的角度看，这种音乐是为特定的对象而产生。为激发人内心的情感体验而存在，这种音乐可以是创作者生命体验的投射，也可以是与个体生命并不直接的超验的理性，通过音乐的形式表现出来，从而作用于人的灵魂。如果说音乐的宣泄是生命从内到外的过程，那么音乐的激发功能则是由外至内对人精神世界的激发和拓展。激发是刺激人的精神活跃起来，产生生命与生命之间的某种沟通。
第三是教化功能，是音乐对人类零散无序的精神世界的归纳和梳理。音乐的教化作用使人的精神内心归于平和，趋于理性，教化的音乐是对人的个性的消解，它也许能使人的精神运动同宇宙的其他物质运动形式形成某种融合，从而进入音乐的较高“天人合一”的境界。这些都只是一些形而上的描述。而在现实的世界中，具有教化意义的音乐也的确一直是人类最为推崇的音乐，代表着人类的崇高追求和道德理想。譬如宗教音乐、宫廷仪式音乐，以及被医学界选作为胎教和分娩的音乐等。[3]
三、音乐行为应淡泊功利注重体验
观察时下创作群体的状况，已经很难说有多少作曲家关注自己的写作状态，更多的时候是以作曲家的职业身份创作，而不是以人的身份来透射生命的感受。是作曲家还是音乐制作人，根本来不及分析他们之间的细微差别。作曲家几乎丧失了使命感，没有了对生命的使命感——宣泄的状态，没有了对艺术的使命感——激发的欲望，没有了社会的使命感——教化的神圣理想。如此，作曲家的行为过程可能会较多地负面地影响大众的音乐生活。
目前，高校教育也大多是在为一种职业所作的专业训练，训练的主要现实目的就是培养职业的音乐家。整个训练过程往往会游离于音乐本性之外，因为在成为职业艺术家之前，必须天经地义地进行大量枯燥乏味的技术训练。对技术的崇拜无以附加，认为掌握技术就是具备了灵性。从这个意义上说，当今的音乐学院与机械工程学院就很难有本质的区别。特别值得重视的是儿童的音乐教育，许多儿童学习音乐的动机是为未来生存，为名利，是极为功利化的行为（被成人所强加），其学习过程，并非都能够真正领略人生的自由和乐趣，而更多的是艺术的灵性被粗暴地消磨，且并不只是个别现象，这种音乐行为过程是令人悲哀的。有那么多儿童想学习音乐，无疑是件非常好的事情，但需要明智的学术介入，挽救儿童就是挽救人性，通过儿童挽救世界。[4]
音乐表演的过程就很能说明问题，高超的表演技能掌握是一个漫长的艰苦历程，表演行为是一次次紧张转述乐谱音响的过程，而作为演奏者自己对生命的理解并无从表达，至多也只能算是“搭载式”的表达。因为在欧洲中心意义的艺术音乐范畴内，即兴表演的情况差不多快要绝迹了。这使我们不禁想起中国民间艺术家所传承下来的音乐和他们的音乐行为过程。而现如今，自娱自乐的乐器演奏现象在我们的生活中越来越罕见，乐器演奏者，大多都有明确的学习目的，考学、谋职，抑或是“提高个人素质”等。另一方面，音乐表演的行为过程是众所周知的，明明为了结果却偏要忘却结果，演出时，表演者会被告知，不要去想鲜花、酬金、赞誉或批评，甚至忘掉技术，只管注意过程，要么把观众当傻瓜，要么把观众当亲人。很显然，前者，可以使演出变成纯粹个人化的宣泄，而不会有后果，后者，无论你表演好坏将没有负担，都会获得善意的接纳。二者都会淡化你的结果意识，从而沉浸在过程之中。“唯乐不可以为伪”，艺术的过程必须是真实的艺术体验，如此，音乐行为过程的生命体验便充分地显现出来了。
把音乐研究者和音乐实践者的目光吸引到音乐行为过程上来，其意义是明显的。首先这是生命和艺术的本质要求：艺术对于每一个生命的意义都是平等的，带给他人性的是自由而不是束缚，是快乐而不是痛苦，是清醒而不是迷失。其二，艺术是手段更是目的，人不只是“通过”学会艺术“之后”才获得艺术的恩惠，而是在接触艺术的时刻，艺术已经直接作用于人的生命过程了。一切从事音乐活动的人，不能因为现实功利的借口而牺牲音乐行为的过程。虽然我们很难将音乐的过程和它的结果截然地分开，虽然我们也很难使每个人的音乐行为脱离现实的生活环境，但是我们仍然坚信：人必须在音乐的行为过程中处于主导地位，因为人性从其他的功利世界逃到音乐中来，就是为了获得精神的独立和自由，修复人性的创伤，矫正真善美的坐标，哪怕它是短暂的，也只有这样人性才能在善和恶的世界中寻求到一种力量的平衡。其三，从关注现实的情况来看，人性在物欲的牵引下偏离本身也在所难免，艺术独立精神面临着新的考验：艺术是沦为人们发展经济的工具，或是社会意识形态的附庸，还是成为捍卫人性尊严，维护人类良知的守护神，这是新世纪中国音乐寻求健康发展之路所不能回避的问题。如果我们从人类学的角度，把人类存在的目的，生命存活的意义，艺术产生的起因，原原本本的含义都一一“还原”，从生命的整体，从音乐所在的世界整体去看，就会发现，或许在许多不经然的时刻把生命，把音乐歪曲了，甚至好像忘记了我们的祖先为什么创作艺术的初衷。就如同柏格森所说：“我们将有生命体装进我们的这个或那个模式，却全遭失败。所有的模式都崩溃了。对我们试图装入的那些东西来说，这些模式都过于狭窄，而首先都是他们都过于刻板……我们很难引述一个依靠靠纯粹推理而得到的生物学发现。而最常见的是当经验最终向我们表明，生命是依靠何种运作获得了某种结果时，我们就会发现：生命的运作方式恰是我们从未想到过的。”[5]还原了人类与音乐几个概念的基本含义之后，再回到我们生活的现实环境中来，就生出一些思考。会发现真正的音乐离我们非常近，但又非常远，这是因为，音乐艺术最容易激发人的幻想，并使我们对理想化的东西产生亲切感。如果从事音乐的人知道孔子、柏拉图、爱因斯坦、霍金这些人类顶尖的大智者都是怎样地推崇音乐，我们会多一份生命的满足感。
音乐类论文:音乐人类学视野下的高校声乐教育
声乐教育作为艺术教育的一大主要方式，具有重要的德育美育作用。我国的高等院校开设声乐教育学科已有多年，结合音乐人类学的相关理论后更是提升了发展速度并扩大了实践领域。现如今，不少高校都提出要在音乐人类学的视野下建设并发展多元化的高等院校声乐教育。
1音乐人类学的内涵
美国籍专家梅里亚姆作为音乐人类学的主要研究者之一曾指出，音乐可以表达人们的情感，是一种给人类带来愉悦享受的可作为沟通或娱乐手段，也可作为具体意象的艺术再现手段。音乐能够引导情绪变化和肢体运动，因而也可被视作一种有效的规范约束体现（如统治阶级采用的乐礼制度），常被当作明确社会制度和体现宗教文化的特殊表现形式，具有保留文化的稳定性和延续性的作用。音乐人类学将音乐视作人类文化之一进行深入研究，研究的内容不仅包括音乐所具有的概念、声音和行为等等指向性很强的元素，还包括与之相关的多种人类活动现象。可以说，音乐人类学是人类学研究中的一次提升性发展，使人们对音乐和音乐文化有了全新的认知和理解，并对音乐活动中人类的具体态度、行为、表达的观念，以及进行这些活动和作为研究主体的人类，也有了更深刻丰富的认知。这也就是音乐人类学的核心人文特征。
2当前我国高校声乐教育的现状
虽然我国的高等院校业已开设声乐教育学科多年，但是长期以来作为公众课程的声乐学习一直未能摆脱设立之初的专业性局限，也未能创设出适合公众可乘的对应课程体系。在声乐课程时，往往过于看重知识技能的宣讲传授，却未能传递音乐内涵的文化价值，这也是导致高校学生对音乐文化及其多样性知之甚少的根源所在。音乐人类学的关键意义在于打破了当时西方的音乐学研究局限，以一种全人类高度的视角和特定的认知方法和学术方式对音乐学进行了一次全新的深入探究，并使音乐研究与学习突破了原有的欧洲中心桎梏，走向了宽范围、多元化的发展道路。借助音乐人类学的相关思想理念审视当前的高校声乐教育，我们发现存在不少的缺陷和问题。除了上面说到的对文化内涵的传承不够重视之外，还包括声乐学习的内容局限和技能局限，这也是声乐教育多元化特征缺失的具体体现。
3音乐人类学视野下的高校声乐教育策略
除了宏观层面的理论指导外，音乐人类学还可以作为高校改进声乐教育的具体方法策略来源。
3.1文化价值相对主义的启示
音乐人类学派历来主张文化具有相对性价值的理论。究其根源，最初是源自博厄斯提出的“不同文化具备不同价值和自身特性”。博厄斯还指出，这种文化价值是不受外界时空变化影响的，只与其内在的文化判定标准有关。因此，文化包括文化现象，都是具有相对价值的，不应该用所谓的通用标准进行判定。具体到高等院校的声乐教育之中，老师和学生都须要意识到音乐文化的相对价值，并用兼容并纳的心态面对不同的声乐技法和声乐文化。就声乐学习现状而言，受西方传入影响，我国的声乐技法主要是围绕美声、通俗、民族这三大技法展开学习练习的。近年来随着音乐歌唱大赛的大规模举办，原生态唱法也开始逐渐兴起。原生态唱法隶属于中国本土的一种传统唱法，体现着浓郁的中国民间文化特色。除了原生态唱法外，中国戏曲、传统歌谣、民间曲艺等也属于我国的传统唱法范围。可以说，在我国开展声乐教育，应当围绕传统唱法、美声唱法、通俗唱法和现代民族唱法这四大类进行。如何科学认知并对其进行优劣排序，是高校开展声乐教育必须面临的难题。在实际的声乐学习当中，我国的老师和学生对于声乐技法存在一种普遍的错误认知。大多数人都认为传统唱法不如现代民族唱法，发声、换气方法不够科学，传唱内容也很落后。在声乐专业院校当中，这种现象就更为明显。很多声乐老师都认为民间的传统唱法是落后甚至是错误的，而现代民族唱法和西方美声唱法才是科学的、先进的声乐唱法。懵懂无知的学生们很容易受到这种错误观念的影响，并不自觉的将其延续下去。
这些学生往往对民歌民谣嗤之以鼻或是敬而远之，生怕自己会受到“错误”唱法的影响。在辛苦学习声乐多年的艺术生之中，这样的想法尤为普遍。其实现存的不同唱法都是在不同的文化背景中诞生出来的，不存在孰优孰劣，更不应该有所谓的先进和落后的区分。因此，声乐老师和学生都必须扭转错误的声乐唱法认知观念，同等看待所有的声乐唱法，并尊重其艺术性价值和人文性价值。这种包容性的认知观点，其实与音乐人类学派主张的文化价值相对论本质上是有通之处的。利用文化价值相对论指导高校开展声乐教育，是音乐人类学的宏观理论影响之一。中国是典型的多民族国家，中国文化本就是海纳百川的多元化文化，我国的传统声乐及其背后代表的不同文化自然也有着典型的多元化特征。认识并理解这种多元化特征，是开展有效的现代高校声乐教育的重要基础之一，也是高等院校开展声乐教育必须遵循的基本原则之一。我国近年来大力推行素质教育，以促进学生发展为新的育人目标。声乐教育作为艺术教育的主要方式之一，对高校学生具有重大的美育德育作用。多元化的声乐文化有助于扩展学生的认知领域、丰富情感体验。多元化的声乐技法则有助于提升学生对声乐学习的认知，同时可以帮助学生树立兼容广纳的认知观念。对声乐老师而言，他们是高校开展声乐教育的主要施行者，他们对声乐文化、声乐技法的态度和认知将大大影响学生的声乐学习效果。传递正确的声乐认知观念远比简单的传授知识技法对学生造成的影响深远。因此，声乐老师应当首先扭转自己的错误观点，尊重并理解声乐文化的多元性。高等院校开设声乐教育课程时，可以从教学内容的多样化入手，将歌剧、戏曲、民歌等不同的声乐内容纳入教学范畴。
3.2实地考察与参与观察
野外工作（FieldWork）也被称为实地考察，诞生自人类学研究过程，是进行音乐人类学深入研究的常见重要方法之一。休斯曾于19世纪60年代将实地考察法定义为一种以被观察对象能够接纳的角色接近他们并努力融入，在允许观察的范围内观察并分析他们的某些行为举动的社会学研究法。这种方法对被观察者和当地环境影响最小，也能够得到真实的社会学研究资料。参与观察法（ParticipantObservation）则是马林诺夫斯基于20世纪20年代提出的新型野外工作范式。他倡导使用参与观察法时须要与被观察对象共处一年以上这一实地考察新原则。也有学者提出开展声乐教育时可以导入田野和社区这两种概念意向。一种办法是将课堂视作田野。声乐老师在进行课堂教学活动时，应当像农夫种植作物一样，主动参与到学生的课堂互动行为中，尽力融入学生的世界，通过深入观察逐步理解那些行为举动所代表的心理活动变化，从而改进教学设计并提升教学效果。高校的声乐老师可以像记录作物的生长变化那样，记录学生在课堂上反映出的思想疑惑和技法难点，开展针对性讲解教学。
另一种办法则是深入到课堂教学之外的实际环境中，通过观察并体验民间艺人的日常生活，或是在城镇中寻找民俗声乐，拓展学生认知声乐的宽度和广度，并以此培育学生的声乐审美素养。对于高等院校的声乐公共课程而言，并不一定须要学生开展长期的野外工作，因为音乐人类学的相关野外工作标准对他们并不适用。声乐老师可以根据实际的教学需要，适时鼓励学生去民间了解和模仿传统声乐。就声乐老师而言，则可以自行开展传统声乐的搜集整理工作，并将其作为声乐教育中的补充教材。通过深入的民间采风学习，也有助于声乐老师增强对传统声乐背后的文化底蕴的认知。只有声乐老师首先对传统声乐有足够的了解和充分的认知，开展声乐教育的效果才会更好。有条件的高等院校可以组织师生举行实践采风活动，让学生和老师在实际的传统声乐环境中体验声乐艺术的魅力和多样性文化，提升个人内在的审美水平和专业素养，并为学习声乐积累丰富的感受经验。
3.3深度描述与文化阐释
人类学理论在发展过程中也曾受符号学和阐释学相关理论影响。人类学下的阐释学家吉尔兹则称自己所用的文化概念从本质而言隶属于符号学理论中的文化概念。吉尔兹曾坦言，人类被束缚在自己制造的意义理论之中，文化也可以被视作是这样的网。因此，他认为分析文化并不是探索具体规律的实验性科学，实则是具有探索意义的阐释科学。吉尔兹于《文化的解释》中提出了深度描述（ThickDescription）这一全新方法，并认为这是对意义进行阐释的一种有效方法。他曾提出将文化视作人类自行构成的一个意义网络，将集体文化举动、地域民间习俗、人类制造物等具体划分归类为文化的具体象征符号。只有理清这些意义网络的编造结构和体系，才能对文化本身有所了解认知。人类活动其实在某种程度上也可以被视作是被记录下的文本资料。观察其他人其实就是在翻阅这些文本。因此，吉尔兹将文化类比为文本信息的集合体。当然，这些信息资料也属于集合体之一。人类学家进行具体研究工作时不仅需要进行适量的野外工作，还需要利用人类学观点对文化意义进行阐释。人类作为拥有一定信息资料文本的主体，通过自身行为对这些文本进行具体解释，也是赋予个人行为文化意义的一种方式。人类学提倡的对民族志进行深度描述型阅读，以此理清人类行为对不同层次的具体影响意义，并进一步定位这些内部构造的深层含义和社会基础。深度描述和文化阐释的相关理论方法，也能作为用于指导高校声乐教育的具体理论方法。就深度描述而言，它启示了高等院校在开展声乐教育须要深入到当下的教学实际之中。只有进行了有效的深入了解，才可能对高等院校的声乐教育给出合理科学的文化阐述。
声乐老师须要将高等院校阶段的声乐教育视作一种文化文本，在实际的教学活动中观察和分析学生们的行为举动，并对此进行深度描述和文化阐释。此外，声乐老师在声乐教育当中也是文化文本的主体之一，也须要对老师的教学行为及时进行深度描述和文化阐释。借助深度描述和文化阐释的理论方法，有助于增强高校声乐教育的实际教学效果，而且有助于加深师生理解、优化师生关系。总之，声乐老师在日常的教学活动中须要及时记录相关数据、撰写教学日志，学生也需要记录听课笔记、撰写周期小结。长期坚持下来，这些记录信息不仅可以作为声乐老师的实践记录丰化自身的教学理论，而且有助于学生进行个人总结选择最适用的学习理论。音乐人类学是利用人类学相关理论思想审视音乐文化的一种全新的探究角度。利用音乐人类学的宏观理念和具体方法，对于提升高校声乐教育的实际教学效果裨益良多。
作者：廖星麟 单位：湘南学院 音乐学院
音乐类论文:职业技术学院音乐类学生听觉培养
随着时代的变迁，科技的飞速发展，信息化社会对未来人才的各项新的要求，高等职业技术院校音乐艺术人才的培养也面临着严峻的考验，为了促进学生的发展，满足学生未来职业需求的职业技能，我们需要深入研究恰当的教育教学内容与教学方式，音乐专业学生的听觉素养培养的研究是加强高职学院艺术教育工作首先要落实的工作之一。听觉素养的培养有助于学生增强自信、有助于学生打好艺术修养的根基。听觉素养的培养在音乐高职教育体系中起到了其他课程无法替代的重要性地位。为了使得研究更具科学性和实效性，根据研究目的的需要，我们主要以现有学生作为重点调查研究对象，并在这个基础上对比前几年学生留下的一些数据和跟踪调查结果，再加上考察全省范围内兄弟院校的一些经验来开展音乐听觉素养培养的实效性研究，采用访谈法、问卷调查法，数理统计法、对比分析法等方法进行研究。
一、听觉素养培养研究的意义
对于音乐艺术专业的学生，听觉素养能力是最基本的技能，也是重要的工具。对于从事音乐职业教育的教师来说，探索一个全新的科学的具有实效性的听觉素养培训模式，具有积极的意义。基于此，海南软件职业技术学院音乐教研室开展了对音乐专业学生音乐听觉素养培养的研究，通过理论与实践研究，以期获得一个全新的听觉素养训练理念，更新教育理念，规范海南软件职业技术学院艺术类学生的课程体系与教学模式，建立完善的听觉训练课程体系。建构一个全新的海南软件职业技术学院艺术听觉素养课程建设方案，建成适应海南软件职业技术学院特色的艺术教育课程体系，特别在课程中艺术教育课程资源的整合，新艺术教育课程评价体系的构建，对提高艺术类学生教学质量和人才培养质量，有着现实而深远的意义，整个项目的研究对于海南软件职业技术学院艺术教育建设具有较高的参考价值。
二、现状分析
海南软件职业技术学院艺术传媒系坚持以市场为主导的办学思路，主动适应社会发展和各类全国技能大赛的需要，努力探索音乐人才培养模式，狠抓教学质量，不断提高学生的思想素质和专业水平，为社会输送了大量德艺双馨的音乐表演、音乐制作技能型人才。艺术传媒系拥有师资力量雄厚，共有校内专兼职教师14名，校外兼职、兼课教师6名，其中副教授1名；双师素质教师9名，省级先进教育工作者1名，省级教学能手1名，省级师德标兵1名，部级指导教师4名。2名教师加入海南省音乐家协会；本系还聘请了4位音乐界的一线专家担任客座教授、兼职教授。本系教师在公开刊物发表学术论文20余篇(其中核心刊物2篇)，有数篇论文在院级及省级论文评比中获奖；主持并参与海南省教育厅高等学校科研项目1项；主持及参与院级课题1项。艺术传媒系教学设施完善、拥有省内灯光音响的演出大厅1个，音乐教室9间，钢琴房118间，多媒体电子琴教室1间，手风琴教室1间，多媒体音乐教室2间，舞蹈练功房1间，中西乐器100余件，设备价值106.16万元。建有5家校外实训基地，为学生提供良好的实践环境。
三、提高学生听觉素养能力的培训建议
（一）提高对学生听觉素养培养的重要性认识
要创新研究，首先要改变观念，以前忽视学生的听觉素养等基本技能的观念要彻底改变。听觉训练是视唱练耳专业中是一个十分重要的环节，实际经验告诉我们，一个在音乐方面拥有成就的音乐家，首先具有敏锐的音乐感听能力，甚至有些卓有成效的音乐大师天生就具有这个天赋才能。音乐教学不仅仅要让学生学会音乐，会唱一些歌，会弹一些曲，更重要的是让学生拥有创造音乐的能力，欣赏音乐的能力，以及对音乐形式的二次加工的能力，而这一切前提条件是学生拥有对音乐良好的感知能力，也就是听觉素养。传统观念忽视学生的听觉素养的培养，机械地传授一些音乐的基本知识，不考虑学生的实际接受能力，没有从满足学生的发展需要出发。而课堂教学是落实教育任务的主要场所，我们要想提高学生音乐教育的实际效果，必须转变观念，不在一味地传授一些技巧技能，而是从学生的实际出发，重视学生的听觉素养能力的提高，追求学生获得实质性的发展与进步。
（二）科学合理精选教学内容学校课堂是学生培训的主要场所，教学内容的选取很大程度上决定了学生未来学习的实际效果，传统的教材，课程体系并没有对学生的听觉培养体现出一定的侧重考虑，那么我们就要积极改进。重新拟定训练艺术类学生听觉素养的一套完整的、科学的、适合音乐艺术类学生的课程体系。一方面随着现在多媒体技术的发展，网络资源应用的广泛；另一方面随着学生身体逐渐成长，心理逐渐成熟，学习的自主性逐渐建立，一些兴趣和爱好逐渐稳定，综合考虑多方面的因素选择的培训素材，例如目前我院艺术传媒系开始增设《真音模唱》课程，其培养目标就是系统地提高学生听觉素养。课程已进行半个学期，从教学效果上来看有明显提高，值得总结分析和进一步研究。
（三）加强听觉素养教材与多媒体的多元互动性研究
随着科技的进步，信息飞速发展，为音乐教学提供了许多有利的条件。音乐教学的手段更加多样化，多媒体教学应运而生。多媒体教学是近期最富有感染力的教学手段，对于培养音乐专业学生听觉能力具有优势。多媒体教学的媒介是电视、录像、电脑等十分直接有效的教学手段，形式活泼，趣味性强，有利于提高教学实效性。总之，音乐教育的首要任务是发展学生的听觉，培养他们对音乐良好的感受能力。听觉体验是学习音乐的基础.学生的音乐听觉,应贯穿于音乐教学的全部活动,听觉素养能力是学生受用一生的财富，我们一定要在教学中强调与重视。
作者：胡炫 李颖 单位：海南软件职业技术学院
音乐类论文:音乐类非物质文化遗产传承工作研究
一、音乐类非遗项目传承工作面临的困境
1.传承人年龄较大，后继者青黄不接
非遗项目以声音、形象和技艺为表现手段，并以身口相传作为传承方式，这就注定其传承不能顺利进行。据了解，江西原有36名部级非遗项目代表性传承人，如今只剩下34名，流失的两位是婺源傩舞传承人胡振坤和瑞昌竹编传承人宋增礼。在现有的34名部级非遗项目传承人中，22名传承人已年过六旬。其中，号称“歌师”的兴国山歌传承人徐盛久已年近九旬，仍然活跃在表演一线。更令人感到不安的是，在314名省级非遗传承人中，已故17名。尽管在世传承人年龄偏大，但后继者却是青黄不接。如莲花茶灯舞是省级非遗项目，传承人漆石生已经63岁，而该项目的下一代传承人仍无着落。如果音乐类非遗项目传承人在培养后继人才方面进展缓慢，将会产生断代现象。
2.传承方式单调陈旧，多数学徒有名无实
音乐类非遗项目的传承，不管是学歌、学舞、学戏，还是学乐器，都要通过长期的训练和舞台表演的检验。这就要求师徒们在传与学上花费相当大的精力，且学徒们要具备扎实的文艺功底。《部级非物质文化遗产项目代表性传承人认定与管理暂行办法》规定，部级的非遗项目传承人必须满足三个条件：及时，掌握并承续某项部级非物质文化遗产；第二，在一定区域或领域内被公认为具有代表性和影响力；第三，积极开展传承活动，培养后继人才。按照规定，传承人要采取收徒、办学等方式，毫无保留地传授技艺。然而在现实生活中，无论是部级，还是省级音乐类非遗项目传承人，通过办学方式的传承几乎无实例。一些艺术造诣深、名气大的部级非遗项目传承人采取古老的师徒传承方式，能够带到真心学艺且文艺底子扎实的学徒。但是，有些传承人，特别是省级音乐类非遗项目的传承人，没有资金补助和市场效益，时间和精力都不能保障，师徒关系大多仅流于形式、有名无实，更无法保障学徒质量。
3.年轻人无心学艺，非遗传承前景堪忧
随着市场经济建设的深入发展，江西经济结构、城乡结构、阶层结构发生了重大变化，人们思想活动的独立性、选择性、差异性明显增强。在文化方面，受现代文化多元化冲击，传统文化逐渐失去了对年轻人的吸引力，音乐类非遗项目濒临传承无人、技艺失传的危机。据了解，赣南采茶戏是部级的非遗项目，由于观众少、市场不景气，许多县剧团撤销或改为歌舞团。同样作为部级非遗项目的婺源徽剧团，好不容易培养出一批年轻演员，但面对收入低的现实，很多演员都转行了。部级非遗项目尚且如此，省级非遗项目的情况更是雪上加霜。据笔者了解，莲花茶灯舞动作轻盈多姿，茶歌优美动听，茶灯制作精良，服装色彩鲜艳，富有浓厚的赣西特色。但是，很多年轻人对此并不感兴趣，也没有人主动学舞。缺少年轻人参与的音乐类非遗项目，最终将消失在文化历史舞台上。
二、音乐类非遗项目传承工作问题产生的原因
音乐类非遗项目传承工作出现种种问题，有政府投入不足的原因，也有相关部门履职缺位的原因。据笔者调查分析，主要是以下几个方面：
1.政府经费投入不足
江西是中部经济欠发达省份，底子薄、财力紧，对音乐类非遗项目的传承和保护，普遍存在重申报、轻保护，重使用、轻投入，重短期效益、轻机制建设等问题。如有的地方把申报音乐类非遗项目当成可有可无的“面子工程”“形象工程”，有的地方甚至把非遗项目当成向上级部门讨要经费的“摇钱树”，导致申报工作与传承保护工作形成较大反差。据了解，省财政每年拿出400万元用于非遗项目的保护，但市、县一级财政几乎没有配套资金。在传承人传承活动及生活补助方面，2012年，江西有21人获得部级非物质文化遗产继承人财政补助，每人获得财政补助1万元。这些经费对于数量众多的音乐类非遗项目来说，无疑是杯水车薪。特别是对于省级音乐类非遗项目传承人来说，获得财政补助是一个遥不可及的梦想。
2.传承方式争论不休
对非遗项目的传承方式，各方争论不休，至今仍无定论。有人认为音乐类非遗项目必须坚守身口相传的传承方式，也有人认为可以在传承的基础上适当发展。笔者以为，国家规定采取收徒、办学方式培养非遗项目传承人，其实就为“继承派”和“发展派”提供了不同的传承思路。所谓“皮之不存，毛将焉附”，如果一味强调固守传统的传承方式，把包括高校等在内的社会资源排除在保护传承工作之外，试问非遗保护工作能够走多远？回顾中国音乐发展史，如果不是刘天华把二胡引进高校课堂，二胡能有今天的地位吗？如果不是创办了一批黄梅戏校和剧团，黄梅戏能有今天的发展吗？类似的例子不可胜数，所以“继承派”和“发展派”的争论可以休矣。诚如樊祖荫教授所言：“学校应在传承民族语言、传承民间艺术和培养专业人才三个方面发挥不可或缺和替代的重要作用。”只要有益于音乐类非遗项目的保护、传承，各地高师院校就应大胆尝试。
3.有关部门履职缺位
按照规定，部级和省级音乐类非遗项目传承人，必须制定项目传承计划、具体目标任务，报文化行政部门备案，定期提交项目传承情况报告。文化行政部门要监督、指导传承人的传承工作，对无正当理由不履行传承义务，或者传承人丧失传承能力的，经核实后报上级文化行政部门批准，重新认定该项目的代表性传承人。可实际上，这些规定并没有落到实处。这些年来，除了传承人自然死亡外，各地并没有取消部级和省级传承人资格的例子。据笔者调查，除了九江学院、省职业艺术学院、井冈山大学等少数高师院校在保护、传承非遗项目方面做了有益尝试之外，江西绝大多数高师院校都忽视了这一方面的工作，更不用说培养下一代音乐类非遗项目传承人了。
三、音乐类非遗项目传承工作的对策
音乐类非遗项目涵盖传统音乐、传统舞蹈、传统戏剧、曲艺四个门类，数量多，涉及面广，社会影响大。做好音乐类非遗项目的传承工作，对于引领、发展江西非遗项目保护工作，具有十分重要的意义。
1.坚持依法传承
把音乐类非遗项目传承工作纳入法制轨道，是依法治国方略在非遗保护工作中的具体体现。据笔者了解，《江西省非物质文化遗产保护条例》正在研议、制定中，该条例出台后，各地、各部门应对照相应的法规落实职责，严格依法申报、依法保护、依法传承。特别是在拟定部级、省级非物质文化遗产项目、传承人保护规划，以及经费分配等方面，应充分听取各方意见，力求公开公正，依法透明。
2.加强经费保障
省、市财政应加大经费投入力度，按照《江西省非物质文化遗产保护专项资金管理暂行办法》，逐年增加部级、省级音乐类非遗项目传承经费支出。当务之急，首先是把部级、省级音乐类非遗项目传承、保护经费纳入省、市财政专项预算，积极为传承人提供养老和生活补贴，保持传承人传承、保护经费来源稳定；其次，积极建立社会资金投入机制，通过旅游收费分成、社会资金赞助等，拓宽音乐类非遗项目传承、保护经费的来源渠道；再次，邀请音乐类非遗项目传承人参加大型活动表演、走进高校开设讲座等，以提高传承人的劳动报酬，增强他们表演和传承的积极性。
3.完善保护机制
首先，完善省、市非物质文化遗产部门联席会议制度，建立、落实非遗保护情况会商机制，对音乐类非遗项目传承、保护工作中的重大事项，职能部门应密切沟通、协调解决；其次，建立落实部级、省级音乐类非遗项目保护和传承人资助办法，完善音乐类非遗项目传承工作监督、考核制度，强化日常监督检查和考核评估工作；，对未采取有效措施导致濒危音乐类非遗代表作灭失的，应当依法追究相关人员的责任。
4.创新传承模式
积极总结推广建立文化生态保护区、项目传承基地等行之有效的经验，对部级音乐类非遗项目传承工作，按照“一项一策”“一事一案”的原则，逐一制定落实传承人培养方案。如对传统戏剧类（赣局、赣南采茶戏等），应依托省、市业务剧团进行规范化训练和定位性培养，使青年演员真正成为传承者；对传统音乐类（兴国山歌、九江山歌等）、民间曲艺类（南丰跳傩、婺源傩舞等），以及萍乡春锣、武宁打鼓歌等的传承人进行培养，可以考虑采取高师院校定向招生、地方政府定向分配的“订单”培养模式，尽快提高传承人的整体文化素养。此外，可以参照呼伦贝尔学院音乐系聘请宝音德力格尔进课堂传授蒙古族长调的做法，把一些艺术成就的部级音乐类非遗项目传承人，作为“活性”资源引进江西高师课堂，以身口相传的方式进行授课，把他们的唱、奏、舞的专长传授给学生，使音乐类非遗项目薪火相传、后继有人。
作者：林艳华 单位：南昌师范高等专科学校
