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新古典主义实用13篇

引论:我们为您整理了13篇新古典主义范文,供您借鉴以丰富您的创作。它们是您写作时的宝贵资源,期望它们能够激发您的创作灵感,让您的文章更具深度。

新古典主义

篇1

1 前言

当代建筑审美价值观多元纷繁,怎样的建筑是好的建筑似乎没有一个统一的标准。建筑师面对这种状况不应当迷茫,应该兼收并蓄,不应当鄙薄某种风格。开放的思维和宽广的胸怀是做好的建筑师必备的。建筑不论怎样变化,始终是为人服务的,只要它合理的满足了人的需求,它就有存在的理由。不论选择怎样的方式,都会形成好的作品。世界几千年历史,建筑文化遗产丰富,了解和吸取前人的建筑经验总结,对传统建筑的探求,也是创新的过程。

2 新古典主义建筑的涵义

2.1 新古典主义建筑与古典主义建筑

新古典主义建筑是相对于古典主义建筑而言的,从某种意义上说,新古典主义建筑是对古典主义建筑的现代诠释。“古典”(Classic)一词源自拉丁文,原是典范,即奉古希腊(或罗马)为典范而加以模仿的意思。古典主义建筑狭义上是指古希腊和古罗马时期的建筑风格。广义上就是指将历史时期和风格全然撇开,因此原本属于不同时期和不同风格的建筑作品都算作古典主义建筑。古典主义建筑十分重视古典构图原理,比例尺度、对比微差、韵律序列、统一协调、虚实高低、线脚石缝的细部处理等。

2.2 建筑史上的新古典主义建筑现象

在西方建筑史上,曾出现了两次新古典主义建筑现象,一次是从18世纪下半叶到19世纪末期(1750-1900年),新兴的资产阶级需要建筑上的新形式来宣扬他们的政治理想。基于考古研究的成就,他们选择了古典建筑语言。另一次是从20世纪五六十年代至今。基于大工业生产的现代建筑过于强调理性与功能,对于古典美学和形式的忽视引发了公众的不满,基于手工业生产的富有情感的古典建筑被重新重视起来。一些建筑师开始从古典建筑中寻求解决之道,形成了新古典主义建筑风格。事实上,古典主义建筑的复兴思潮从16~17世纪的文艺复兴时期开始就曾经出现过,时衰时盛。直到今天,这种复古思潮作为一种非主流的设计风格仍在延续。刘先觉先生在《现代建筑理论》一书中将战后的新古典主义归纳为・吸取古典建筑传统构图为其特点,比例工整严谨,造型简洁轻快,偶有花饰,但不用柱式,以传神代替形似。由于这种风格在一定程度上能反映庄重精神,因此颇受官方赏识。它是战后美国官方建筑的主要思潮。在中国建筑史上,同样经历了两次新古典主义建筑现象,一次是1840年开始,清政府被迫开放通商口岸,在租界区内出现,一直到20世纪30年代达到鼎盛。这期间,留学归来的中国第一代建筑师是推动这股思潮的中坚力量。另一次是上世纪90年代开始至今,由于改革开放,中国经济大幅度增长,单一呆板的国际式风格无法满足先富起来的一部分人的精神需求,典雅、豪华、贵气的欧陆式建筑开始风靡起来。欧式建筑在大众的眼中变成一种高贵生活的象征。然而,中国这时期涌现的欧式建筑大部分设计质量不高。

2.3 新古典主义建筑的现代涵义

由于新材料新结构新技术的出现,建筑不可能复古。新古典主义建筑就是对古典主义建筑的现代诠释。新古典主义建筑可以是对古典建筑美学的追求。古典建筑美学与依托于大工业生产的现代建筑美学不同。它是对自然的总结,推崇真善美,强调理性,追求和谐统一。是对建筑静态和平面的思考。建筑要符合形式美的法则,以至作为“美”的建筑形象“既不能增加什么也不能减少或变动什么,除非有意破坏它”。新古典主义建筑将高雅的古典情趣用现代的手法演绎,用现代的简洁去体现传统的美学价值。如同路易斯・康所说,“我学会了不去做他们做过的,不去模仿,而是去感知他们的精神”。新古典主义建筑也可以不体现古典建筑美学甚至于反古典建筑美学。将古典的装饰细部,语汇符号拼凑在一起,或者夸张扭曲变形,将它们融入建筑之中,用来隐喻古典建筑原型。由于工业发展、大机器生产带来的巨大变革,人们再不能象手工业时代那样生产建筑。然而,长久以来在建筑中积累的建筑美的认识,却成为一种精神,一种文化延续下来。新古典主义建筑就是要表现一种历史感,一种对形式美的追求。下文也主要从建筑造型的角度讨论。

3 新古典主义建筑的设计手法漫谈(以钧台钧窑遗址博物馆建筑设计为例)

古典建筑语言仍然具有旺盛的生命力,新古典主义的建筑手法可以很好的协调地方特色并产生历史认同感。2006年1月,建筑研究所接到了河南禹州市文物保护局的委托,设计钧台钧窑遗址博物馆,形成了第一次方案设计。2006年3月,经过了沟通交流,形成了最终方案设计。

3.1 项目介绍

钧台钧窑遗址博物馆位于河南省禹州市钧官窑路北段,国家级重点文物保护单位宋钧官窑遗址保护区内。禹州市是著名的钧瓷原产地,历史源远流长。宋钧官窑遗址即钧台钧窑遗址,1964年发现,1974年河南省文物部门进行了全面钻探和重点发掘。1988年被国务院公布为国家级重点文物保护单位,现存的一号窑“双火膛窑炉”和七号窑“倒焰窑炉”,是国内外陶瓷专家研究考察的热点。现有钧瓷研究所建筑面积3000m2,建筑均为仿宋风格,青砖灰瓦,雕梁画柱,八角风铃,十分壮观,门楼、厢房、展厅、迎壁和钧官窑保护房与院内的草木山石、鸟语花香交相呼应。构成了庄严、肃穆、完整的仿宋建筑群,再现了北宋皇家钧窑的建筑风貌。禹州市钧台钧窑遗址博物馆的建设位置在现有的钧瓷研究所以东,北临颖河,向东不远有阳翟古城墙,基地南部和东部紧邻居民区。除九户居民影响博物馆整体布局需要拆迁,不必征地,节省了建设资金。整个基地地势平坦,主要道路位于基地的北面。

3.2 总体构思与设计理念

在对基地进行了充分的调查分析后认为现有的宋钧官窑遗址没有得到完善的保护,由于建筑物是直接建在遗址之上的,实际是对遗址的破坏。然而,建筑物已经存在,而且历经了岁月的洗礼,拆除它又是~种破坏。因此考虑在建筑物的造一个玻璃的罩子,将遗址整体的保护起来。再有钧瓷研究所有很完整的中轴对称布局,院落关系清晰明确,整个建筑群本身是不可多得地仿宋建筑群,应当予以保留。在钧瓷研究所以东的空地上新建博物馆,博物馆主置向南退后,留出较大面积作为广场用地,这一方面有利于营造禹州市对外的文化形象,另一方面也为禹州市民提供了良好的文化教育休闲场所。博物馆主体与现有的钧瓷研究所大片建筑群成垂直关系,使新建的博物馆建筑与原有建筑间关系十

分协调融洽,场地的空间认知清晰明确。此外,将现有用地整合,统筹安排,整体规划,预留发展用地。在设计构思上选择了新古典主义建筑形式,使得造型上可以完美的体现典雅、古朴、端庄、大方、朴而不俗、雅而不娇、自然天成的中国传统文化理念,视觉上给人以凝重深沉之感。含蓄的体现了禹州市的文化以及钧瓷的特色。

3.3 设计手法

篇2

Bouthentique集合了一群年轻设计师,希望可以和大家分享我们所感受到的一种美和我们的体验,我们追求的关键词是复古、文艺调性、简约和优雅。

现代社会是一个失去节制的社会,快时尚、快消费带来的是品质劣化,连带人们的审美也变得急躁与粗糙。我们希望大家能静下来,慢慢品位来自手工的精细感觉,这与十八世纪中叶工业革命初期那种半手工、半工业,还带有手工的精细气息的感受很相同。

在店面的布置上,采用一些木头、铁架。这些木头的设计和欧洲旧式的门、墙面设计是相同的;然而金属又带有工业气息,二者结合代表着我们品牌所诉求的东西――在现在工业化生产中的些许精细,让顾客拿着衣服能细细品味。

我们很追求细节,比如衣服上镶边的处理、绣花;在材质上我们追求天然,包括真丝、羊毛,跟皮革的相呼应,在粗犷之中体现细致,达到一种优雅的风格。

时尚北京:这些手工艺如何能在现代的生产模式上实现?

李黎:我们有专门的团队,来在生产工艺上进行一些研究,他们跟设计团队进行沟通,来确定一些工艺怎样在生产流程中保留下来。希望大家对于一件衣服不光是穿着,更是在内部和细节上有所感受。这些装饰性细节,能够让顾客和我们有所共鸣,分享我们内心的一些感受,让大家一眼看到我们的服装,就知道这是Bouthentique。

时尚北京:Bouthentique崇尚新古典主义,新古典主义是什么?

李黎:在十八世纪中叶,工业革命初期,英国美术工艺运动最重要的代表人物William Morris,他提出“重拾传统手工艺,追求质量上的可靠”的概念,这与我们的诉求不谋而合,我们期望能把欧洲手工艺的精细与优雅,与工业化生产所展现的简洁、规则之美结合在一起,形成新古典主义美,这也是品牌呈现给消费者的概念。

Bouthentique服装工业化的体现就是在线条上面,适度的设计、简约的线条,还有精细的细节,这些相融合,呈现出新古典主义风貌。

时尚北京:请介绍一下2013春夏系列?

李黎:Bouthentique春季的颜色是红色和蓝色,相对会浓郁一些。给大家一种开春了,万物复苏的感觉,这些浓郁的颜色会让人从冬季的气氛中脱离开来,感受春季的喜悦。夏季颜色会偏向粉淡,橙黄、粉蜡色系的出现让人感受夏天的飘逸、浪漫和清爽。

在服装上,春季Bouthentique注重层次搭配,有外套、毛衣、内搭,还有一些针织和真丝无袖的服装,让大家脱掉厚重的冬装,穿着轻薄有层次感。这样穿出来就绝不呆板,不同色阶、层次让人有一种玩味的感觉。

另外垂坠的效果也是我们春夏主推的,面料上选用真丝、雪纺、针织类,利用面料轻薄垂坠的特性,穿在身上有一种流动感。

春夏系列还会推出的一个细节――雕花,雕花其实相当于传统工艺的雕刻,我们把它用镭射的工艺把复古的花纹体现出来,在面料方面我们选用了薄透的欧根纱,非常亲肤。

Bouthentique很多衣服可以给出多种穿法,比如有的衣服利用腰带可以变幻出多种穿法,有的衣服正反两面穿会有不一样的效果,让人有一种每次穿这件衣服都是新衣服的体验。

时尚北京:你们设计时灵感来自于哪里?

李黎:针对每一季我们都会寻找一个灵感人物,我们春夏在追求一种诗意的摇滚的感觉,人物选择了Bob Dylan。他是六十年代摇滚先驱,音乐是带有诗意的摇滚。穿着我们服装的女性会带一点刚,带一点柔,穿Bouthentique时,静态的时候要有一个造型,但走动起来会有流动感,这就是我们整体的灵感来源。

在颜色上,刚才提到春季偏浓郁,夏季偏粉,但Bouthentique的基础色调仍是黑、白,这是贯穿始终的色调,黑色刚硬,白色柔软,相当于我们品牌的刚柔并济,是手工与工业化的有机融合。

时尚北京:Bouthentique名字来源于哪里?

李黎:之前提到了复古,“Boutique”原意是精品屋,后指复古二手时装店,我们引申为收藏的意思,把这个词拆开,中间加一个“Then”,就带有节奏感,整体的感觉是收藏、复古。让你慢慢地琢磨,一直穿下去,珍惜它,这是我们想带给大家的。

时尚北京:Bouthentique来自于广州,广州的设计环境和时尚氛围是怎样的?

篇3

根据斯科特・梅西的考据,“新古典主义”(Neoclassicism)这个术语大体出现在19世纪末的法国。不过,当时的理论家们并没有明确使用“新古典主义”一词,更多类似的表述是l'art antiquisante或者la retour à l'antiquité(返回古代),而不是“新古典主义”。③(p13,下文标注页码之引文均出自该著)不过,在当时这些表述上的差异并不妨碍“新古典主义”一词想要表达的涵义:即对19世纪晚期一些作家的不屑与鄙视,这些作家机械地模仿希腊和罗马的艺术,并且盲目地沉迷于学院派的细枝末节。(p13)

从20世纪开始,伴随着艺术思潮的蔓延,这个词逐渐从文学批评领域渗透到音乐批评领域,并在音乐中的使用频率大大上升,在开始的十年里新古典主义有着明确的定义:它和19世纪一些作曲家有关,这些作曲家忠实于18世纪流行的器乐音乐形式,但是由于卑劣的模仿而丢失了音乐本质中的创造性和思想深度。(p14)很显然这是一个贬义的概念,批判的目标直指19世纪的一些作曲家。

随着民族矛盾的上升,一些作曲家希望复兴法国音乐传统来抵抗德国音乐,尤其是瓦格纳音乐的影响,由此,“新古典主义”的使用有了特殊的语境,它的贬义色彩逐步得到了强化,批判的目标也越发集中,最终被法国的评论界用以描述19世纪的德国作曲家。“德国音乐陷入了一种不幸的痛苦之中,它沉迷于门德尔松及勃拉姆斯的新古典主义的麻醉中喋喋不休,或者被瓦格纳式的浪漫的吗啡所麻痹。”(p13)法国音乐批评家Jean Marnold尖酸刻薄的评论透露出这样一个信息:瓦格纳并不仅仅是唯一需要被法国古典精神所改造的德国作曲家,德国音乐还有另外一支“新古典主义的”队伍需要被改造。

在“新古典主义”指向19世纪德国作曲家的过程中,批判的目标最终聚焦在勃拉姆斯身上,沃尔夫(Hugo Wolf)是第一位将“新古典主义”和勃拉姆斯挂起钩来的作曲家和评论家。他并没有明确使用“新古典主义”一词,但是他对圣・桑和勃拉姆斯音乐的对比评价却表露出他的用意:“圣・桑的古典主义有些类似于勃拉姆斯的,但是圣・桑的古典主义是音乐发展的自然结果,而勃拉姆斯的古典主义仅仅是为他枯竭的创造力提供了一种伪装”。(p14)在这里值得强调的是:第一,沃尔夫区分出了两种古典主义,尽管在他的评论中还没有给这两种类型定出清晰的概念,但是在他的言语中已经明确了二者之间的差异,即具有褒义色彩的圣・桑式的古典主义和具有贬义色彩的勃拉姆斯式的古典主义;第二,沃尔夫并非单纯对勃拉姆斯的所谓“新古典主义”音乐予以否定,而是指出了他的“新古典主义”作品的功用。也就是说,沃尔夫不仅关注“好坏”,即“新古典主义”究竟是成功的模仿“古典”还是卑劣的模仿“古典”;而且重视“用途”,即模仿“古典”有什么功用。和沃尔夫相比,罗曼・罗兰 (Romain Rolland)对勃拉姆斯的“新古典主义”音乐的评论更为人所知,这与他的音乐评论家身份有很大的关系。罗曼・罗兰依然是在贬义的概念上将“新古典主义”与勃拉姆斯联系在一起,但是他对勃拉姆斯“新古典主义”音乐的态度却有一个转变的过程。在最初的音乐会评论中,他称赞勃拉姆斯的《第三交响乐》是一个极好的新古典主义的作品,然而在1908年末,他断定:“勃拉姆斯的‘新古典主义’音乐已经被德国艺术中令人讨厌的迂腐气息所毁坏。”(p14)在这一点上法国作曲家、评论家杜卡斯(Paul Dukas)对勃拉姆斯“新古典主义”音乐的定位与罗曼・罗兰不乏相似之处,也经历了一个先扬后抑的过程。几年以后,丹第(Paul Vincent d'Indy)分析了圣・桑和勃拉姆斯音乐中的调性后,也得出了同样的结论。

20世纪初,德法两国关系的紧张愈发坚定了法国作曲家的批判立场,批判的矛头对准了,这位德国古典音乐最后一位继承人,在法国评论家的眼中最终成为继勃拉姆斯之后的又一位“新古典主义”代言人:“……这个作品的基本观念是新古典主义的,相当地具有伸缩性和迷惑性……整个作品像是在过分地卖弄和炫耀收集起来的各种昂贵的古董。”(p15)

从以上的梳理中,我们得知:“新古典主义”一词从诞生那天起就带有极强的贬义色彩。在音乐领域中,“新古典主义”和19世纪的德国作曲家有着千丝万缕的联系。随着民族矛盾的激化,这个术语的外延逐渐地缩小,勃拉姆斯和先后被冠以“新古典主义”的称号,成为法国艺术家批判和指责的目标。然而“一战”之后,“新古典主义”的语义发生了变化。这种变化在德国和法国呈现出不尽相同的表现形式。

二、战后的法国

乔治・让・奥伯利(Georges Jean-Aubry)说:“没有任何一个国家像法国的音乐家那样沉迷于法国民族传统中引以为豪”。(p75)同样,法国音乐评论家也毫不吝啬地将一切最美好的赞颂之词赠予了法国音乐:优美、活泼、机智、简洁、清晰、明了、纯洁、清醒、形式优雅、色彩丰富、逻辑严密……,这些优美的词汇最终以最凝练的表述方式“新的古典主义”(Nnouveau Classicism)表达了法国人民对本民族音乐的热爱。那么什么样的艺术形式能够与“新的古典主义”相匹配呢?德彪西、拉威尔就这样走进了法国人民的期待视野,从此与“新的古典主义”结下了不解之缘。由此我们发现:“新古典主义”(Néoclassicisme)和“新的古典主义”相差甚远。前者用于指责19世纪德国作曲家,尤其是勃拉姆斯和;后者用于赞颂19世纪后期法国作曲家,代表人物德彪西和拉威尔。

然而在1919年这一局面发生了改变,诗人和评论家毛克莱(Camille Mauclair)对德彪西的音乐评论中却出现了“新古典主义的”这个字眼,并且是在褒义的意义上使用的。“……德彪西不顾及自己的声望,仅仅是为了清楚地表明自己的愿望,他渴望成为新古典主义的作曲家,愿意成为18世纪大键琴的弟子,希望成为拉莫(Rameau)的子孙后代。”(p76)显然,在毛克莱手中,“新古典主义”概念的使用已经偏离了原有的轨道。斯科特・梅西说?押“新古典主义在1920年代才获得积极的意义,而在1914年至1920年的6年里,新古典主义依然保持着贬义的色彩。”(p76)梅西的结论表明:“新古典主义”和“新的古典主义”这两个术语间的差异在1920年代左右变得模糊起来。

就在“一战”后法国的评论家依然沉浸在民族主义的情绪中,对德彪西、拉威尔等人的音乐大肆宣扬时,世界的形势已经发生了某种变化,这两个术语的涵义也因此发生了巨大的改变。一些艺术家不愿再追随战前的艺术潮流,主动与其划清界限。在他们眼中,德彪西成为印象主义的代表,拉威尔和浮华的浪漫主义联系在一起,二人不再和“新的古典主义”纠缠在一起。与此同时,1921年意大利未来派艺术家基诺・塞弗里尼(Gino Severini)在其论文中使用了“新的古典主义”一词来描述在视觉领域中出现的一种新倾向,他的“新的古典主义”艺术风格是以几何学的比例原则作为基础;莫里斯(Maurice Brillant)在文章中也使用“新的古典主义”这个概念,并规定了它的内涵:“新的古典主义是一种风格,它重视结构、关注简朴、强调脱离印象主义色彩之后的清醒”。(参阅?眼1?演,p80-81)从以上的评论我们可以看出,在战后的历史语境中,“新的古典主义”依然保持着褒义的色彩,依然有一系列美好的词汇与她相伴,只不过它不再依附于德彪西和拉威尔,而是独立地成为一种新的艺术倾向。

然而“新古典主义”这个术语在音乐评论家的眼中不再像1920年代那么可敬可爱,它的褒义性质再一次发生了改变,并且批判的靶子也不仅仅局限于德国作曲家,而是扩大到法国作曲家。比如利・亨利(Leigh Henry)1921年在“新古典主义”这个术语前加上了一个形容词“苍白的” 来描述拉威尔的音乐,就充分说明了这一点。至此“新古典主义”否定的意义又一次出现,只是外延扩大,这使它的面目变得扑朔迷离起来,1922年后期许多法国作曲家都拒绝和这个词扯上任何关系。

真正将德彪西和拉威尔打入地狱的应该是科克托。据斯科特・梅西考据,在Le coq et l,arlequin一书中,德彪西成为被科克托批判的唯一的一位法国作曲家……1920年拉威尔也没能逃过被攻击的命运。(p77)与此同时埃里克・萨蒂(Erik Satie)的身影频繁地出现在科克托的文章和著作中,一跃成为领导法国音乐潮流的杰出人物。尽管科克托对萨蒂赞扬的话语类似于法国“新的古典主义”的修辞,比如:清晰、简洁、优雅……等等,但在科克托眼中,萨蒂既没有返回18世纪古典的倾向,也与遥远的法国民族传统保持一定的距离,他走了一条与众不同的新的道路,他所做的一切仅仅是为了保持一种简单、清晰、明了。因此当科克托用尽最美好的词汇去推崇萨蒂的音乐时,他既没有使用“新古典主义”这个和18世纪古典音乐有着某种联系的概念,也没有使用“新的古典主义”这个和法国民族传统相生相伴的术语,而是反复地强调“新简约主义”(Nouveau Simplicité)。对于这个新的理论术语,科克托有如下的解释:“埃里克・萨蒂的‘新简约主义’既是‘古典的’,又是‘现代的’;它是不能使人想起任何法国音乐的一种‘法国音乐’。”(p77)从科克托对“新简约主义”的解释和使用中可以看出,萨蒂的音乐总体上是一种新的现代音乐形式,它唯一的目的就是要达到简单明了的效果,但是这种新的音乐并不否认古典艺术的存在价值,并不拒绝用怀旧的方式和手段达到自己的最终目的。

如前所述,“新古典主义”是近现代音乐史上最诡异的词语。同一个词语,在不同的人眼中,会有不同的理解,这一点在1922―1923年的法国表现得最为明显。一些学者认为“新古典主义”是一个贬义的概念,例如意大利超现实主义画家乔治・德・基里科(Giorgio de Chirico)将“新古典主义”看成是没有灵感的、平庸的模仿;然而有些学者却认为“新古典主义”具有褒义的色彩,例如佳吉列夫(Diaghilev)就是这样认为的,他将“复兴”和“发展”看成不同的事情,对他来说前者意味着恢复或模仿,而后者具备了用新的眼光和视野去解释过去的能力”;最令人困惑的就是奥里克和六人团(Les Six),他们极力否认自己和“新古典主义”的关系,但是其他人却将他们与“新古典主义”联系起来。(p82―84) 法国艺术家对“新古典主义”的思考再一次显示出了它的暧昧和含混。

三、战后的德国

和法国相比,“新古典主义”(neoklassizismus)这个术语在德国非常少见,战后在德国音乐领域中更为常见的术语却是由托马斯・曼(Thomas Mann)创造出来的“新的古典主义”(neue klassizit?]t)。和法国一样,德国的“新的古典主义”有着大致相同的文化语境和使用动机:反对瓦格纳的音乐语言和美学观念。不同的是,德国的“新的古典主义”并不是以法国的民族传统为基础来对抗瓦格纳音乐的影响,而是以歌德作为“新的古典主义”的基础和典范。在这方面,托马斯・曼可谓是一个典型的代表。他将瓦格纳的音乐看成19世纪颓废艺术的象征,而将歌德看成是崇高和纯洁的化身。

如果说在托马斯・曼那里,“新的古典主义”仅仅是对抗瓦格纳的有效工具,那么在布索尼那里,“新的古典主义” 还可以为现代音乐的发展指明方向。“瓦格纳的成功已经延续的太久了……现在重要的不是蔑视和贬损,而是建立永恒的价值。我们需要一种新的古典艺术。它具备古典的特征:美丽、伟大、简洁,使人印象深刻,这是一种稳定持久的艺术作品。”(p65―66)布索尼对“新的古典主义”的理解和运用,是在讨论艺术发展演变的历史语境中进行的。他清楚地认识到现代艺术所面临的困境,在寻求现代艺术出路的过程中,布索尼使用这个术语以更好地表达对这种新的艺术潮流的拥护和期待。布索尼进一步用“年轻的古典主义”(junge klassizit?]t)一词替换了“新的古典主义”,并对这两种用法做出了区分: 后者仅仅意指对过去的模仿,而“年轻的古典主义” 意味着音乐的发展和进化体现了一个前进的、青春的、有生命力的过程,这个过程类似于自然界有机的生长过程。(p67)可见布索尼的“年轻的古典主义”概念既是对托马斯・曼的“新的古典主义”观念的继承,又是对他的观念的进一步发展。

布索尼在20世纪初艺术圈中的影响是很大的,这不仅是因为他的多重身份――键盘演奏家、作曲家、美学家,更重要的是他的理论基础来源于歌德。在这点上他与托马斯・曼不乏相似之处,但是和托马斯・曼相比,布索尼借助于歌德的诗歌创作,在音乐的层面上规定了“年轻的古典主义”这个术语的典型特征?熏从而向世人展示出这个概念的丰富内涵,对“新古典主义”术语的进一步发展做出了重要贡献。(p68―70)

(一)“年轻的古典主义”首要的基本特征就是单一性或一致性(Unity or Einheit)的观点。单一性的观点表现在:音乐就是音乐,音乐不能表现道德状况,也不能体现民族品质,音乐不能表现抽象的观念;一致性的观点表现在:所有的音乐都是从单一的来源中发展而来,这也就是说,艺术家不是发明,而是在已有的艺术作品上重新塑造。

(二)音乐作品的产生是音乐要素水平发展的结果,与垂直进行无关。在布索尼眼中音乐旋律的地位至高无上,类似于古老的复调艺术,但并没有复制它,只是遵照了它的原则,通过复调丰富的形式以及和声艺术,音乐旋律从自身产生一种新的形式建构的能量。

(三)“年轻的古典主义”不能使用具有描绘性的音画手法,也不能使用颓废的和声。布索尼认为这些手法在瓦格纳音乐创作中占有显著的地位,他不喜欢那些带有主观的、描绘的、夸张的、形而上学的、感官的、纵向垂直的音乐,他拥护客观的、绝对的、清澈的、纯粹的、横向水平的音乐。

布索尼对“年轻的古典主义”的三个规定,透露出了他的美学倾向和立场:他热衷于已有的18世纪古典音乐的精神,不赞同过分装饰的文学化的形象描绘,拒绝歇斯底里的新表现主义,拥护理性客观的创作而不是各音乐要素杂乱无章的聚积。在这里,布索尼发现了一个可以界定的广泛共享的“年轻的古典主义”观念集合,并以其对这个观念集合的精湛理解,预见了当代“新古典主义”艺术理论并获得了广泛的影响。

总结通过上述的梳理,我们可以发现:1.“一战”后的“新古典主义”并没有在历史、审美、功能和音乐风格等层面上显示出稳定连续的直线进化过程。2.在其使用过程中,一方面“新古典主义”有着众多相关的近义词,人们有时侯用这些术语来替代“新古典主义”,例如“新的古典主义”、“年轻的古典主义”、“新简约主义”等等;另一方面,“新古典主义”在很多时候又缺乏明确的近义词,太多的内涵和意义都被注入到这一个术语之中。3.不同的“新古典主义”内涵使得这个术语具有了不同的功能意义:可以是褒义性的,也可以是贬义性的。总之,此时的“新古典主义”不是人云亦云,而是众说纷纭。这种复杂的状况最终延伸到了斯特拉文斯基身上,从而使他的新古典主义也同样呈现出迷离朦胧的特征。

参考文献

1William John Mahar?熏 Neo-Classicism in the twentieth century?押 a study of the idea and its relationship to selected works of Stravinsky and Picasso. The University of Syracuse?熏 Ph.D?熏1972.

2钟子林《西方现代音乐概述》,北京?押人民音乐出版社1991年版。

①Eric Salzman,Twentieth-Century Music?押 An Introduction?熏4nd ed?熏 Englewood Cliffs?押Prentice-Hall?熏2002.

篇4

随着中国经济的飞速发展,中国城市的现代化建设迅速推进。国内大量新建筑如雨后春笋般拔地而起,各种风格并置,百花齐放。眼下,尤以新古典主义风格建筑最为突出,涉及到大量的住宅、办公楼、酒店等等各种类型的建筑。新古典风格建筑强调理性精神,以其高贵典雅的气质迎合着当今建筑市场的需求,表现出在当代建筑中的重要地位。本文将对新古典主义建筑演变历程及其背后的建筑思想和当代新古典主义建筑的表达以及当今中国新古典风格建筑的发展所带来的一些问题展开进行初步探讨。

一、新古典主义建筑发展脉络

新古典主义出现于18世纪,根本上是基于对巴洛克、洛可可建筑非理性的批判。当代的新古典主义则是兴起于20世纪70年代晚期的后现代主义的一个重要流派。新古典主义建筑是相对于古典主义建筑而言的,也可以说是对古典主义的一种现代诠释。它是对古典建筑美学的思考和追求。古典建筑美学与依托于大工业生产的现代建筑美学不同,它是对自然的思考与总结,强调理性,追求和谐统一,是对建筑静态和平面的思考。而新古典建筑不但保存了传统文化精髓中的典雅端庄的高贵气质,而且寻找与当代建筑的契合点形成时代的建筑,体现建筑的时代性。

新古典主义是“现代概念”的重要表达方式。思想启蒙时期,新古典主义建筑对“一元论”的批判和此时历史主义的觉醒,并通过对建筑原型的思考表达当时的现代性;摩登时期新古典主义主动同当时工业革命的先进成果相结合,运用新材料新结构来表现当时的现代性;现代主义时期与装饰主义相结合,在古典理性的基础上继续表达相对简洁的现代感。后现代主义时期新古典主义通过变形夸张等手法对现代主义建筑进行批判,表达着这个时期的现代。新古典主义建筑的产生和发展演变过程体现了其具有重要历史价值。在古典形式的背后,新古典主义建筑表现出开放性和现代精神,并为“古典如何步入现代”开创了一条重要的道路。一方面新古典主义建筑仍然采用古典建筑的构图和形式,在文化心理上保留着人们对传统的延续和认同;另一方面,它又面向现代,在建筑技术、结构、功能上采用了现代技术的伟大成就。新古典主义借用古典形式作为现代的“伪形”,但“伪形”中包裹的却是与过去完全不同的新的理想。

二、新古典主义建筑实例分析

我们选取北京的几个典型的新古典主义建筑为例,对当代中国新古典建筑进行简要分析。

1.新古典主义风格的现代表现

以某沿街商业综合楼为例(图1),首先,此沿街楼从大的层面按三段式设计,下部一二层为商铺,形成建筑第一段。三至五层是办公空间,采用了简洁的梁柱处理,形成建筑的中段。六层及女儿墙立面后退,与檐口的层层出挑,形成了平实的上部造型。建筑整体为典型的“三段式”。建筑立面上以竖向构图为主,结合横向的梁进行基本的构图。比例

适当,形成简洁大方的立面效果。构图和比例确定之后,结合沿

街楼的梁柱结构进

行细部设计。我们可以看到立面的柱子有两种不同方式的做法,然后隔次排列,形成一种有节奏的韵律。柱子通过材质颜色的变化以简洁的形式表达出古典的柱式,加上顶部的灯箱,横梁细部的线脚,檐口的处理,建筑立面十分丰富,同时又在整体构图和比例的控制下,在韵律的主导下,又非常的富有秩序感。当太阳高度角正好的时候,梁柱的光影投下,更凸显雕塑感。新古典风格建筑就是这样利用恰当的构图,丰富的细部,加上石材的使用,实现古典与现代、既矛盾又统一的结合。使得这栋新古典风格的沿街楼尽显其品质和档次,散发着高贵的气息。

建筑的西部,入口处(图2)的处理同样也是采用竖向三段式构图,门两侧用石材进行对比从而突出中间的玻璃入口部分,大的左右三段划分前提下,是对细部的关注,与雨棚的对位搭接关系明确,细部丰富表情丰满。与整栋建筑风格统一,形成“入口是建筑整体的点睛之笔”的效果。

2.现代主义风格建筑的新古典主义流露

中国科学院动物研究所的建筑设计是将现代建筑设计中融合了新古典的设计手法。在虚实对比、主入口出玻璃形体扭转等现代建筑设计手法之外,全部都有新古典的印记。在满足结构、功能的前提下,按照比例严谨整齐的开窗,秩序分明,然后再做细部上的推敲。每个窗洞按比例分为三部分,左右窗并列放置,立面石墙划分因此形成“宽窄窄、宽窄窄”的韵律;上下窗间均有线脚,形成纵向上的韵律,如此立面丰富起来。窗子檐口较深,雕塑感突出。此外,主入口前面的石制“中国科学院动物研究所”与主入口在同一轴线上,一定程度上也是新古典主义建筑平面构图中秩序的体现。

另外一种设计手法是在大的构图比例关系下对窗的设计。窗子的设计细致,划分多样,而且不同窗子之间形成对比,立面相当丰富。这也是新古典能取代国际式方盒子的魅力所在。某综合办公楼则是很明显的首先将主体高层部分后退,以底层商业作为第一段,主体高层后退形成中段,高层顶部作为第三段形成三段式。裙房部分竖向划分为几大部分,然后每一部分再进行细部推敲,加入虚实对比,整体形象丰富典雅。

新古典主义建筑将传统的古典文化进行抽象并与现代技术和材料相结合,将古典的传统元素进行提炼,形成人们所熟悉的现代建筑的符号并融入到建筑中,用古典的方法演绎着现代的精神。当初新古典的出现是对国际式方盒子的突破,是对满足人民精神层次需求的呼应,可是如今,一方面很多城市(比如北京),新古典主义建筑散布在城市的各个角落,造成城市场景的不统一,城市界面风格的不连续;另一方面,国内的城市太多太多充斥着这种新古典的建筑,新古典建筑“过剩”,人们的审美也随之疲劳。建筑(尤其是住宅已经成为一种产品)变得越来越急功近利的迎合当下的市场需求和个人的口味,被表面的繁荣所掩盖下的,是缺乏对建筑本质的思考。如果不顾及我们的国情,文化,广泛的新古典建筑比肩而立,将会造成我们城市的无序化。新古典建筑泛滥的消极面我们同样要有所警惕。

结语:

在中外新古典主义建筑的发展过程中,虽然新古典建筑在不同的时期有着不同的表现特征,但不论形式如何变化,对古典精神特别是经典“美”的表达却是不变的。这种美的观念渗透到人们的日常习惯和传统观念中,成为一种集体无意识,并在社会生活的各个方面表现出来。古典美学法则已经成为历史的遗产,要对其继承和发展就必须要适应当今时代的发展和变化。

同时,在中国城市化进程迅速加快的今天,随着国内新古典主义风格建筑发展的越来越多,许多城市出现了城市场景不统一,城市界面风格不连续和城市无序化等许多问题。如何去改善这些问题,如何建设更适合人民生活的城市,对建筑不断的进一步研究,设计出更高水平的中国建筑,这是我们需要长期思考的。

参考文献:

[1] 严何. 古韵的现代表达——新古典主义建筑演变脉络初探. 东南大学出版社,2011

[2] 黄华,郑东军. 论新古典主义与当代建筑创作[J]. 建筑创作,2003(1):6-7.

[3] 戈蒂娜. 新古典主义建筑在中国和西方[J]. 华中建筑,2005(5):26-28.

篇5

2.新古典主义室内设计的特点(1)形散神聚。新古典主义室内的最重要的特点就是形散神聚了。新古典主义对装饰效果非常的重视,为了还原古典的气质,新古典主义采用了新的技术工艺和材料。这样使室内设计既有厚重古朴的历史气息,又有明快生动的现代生气。(2)讲究风格。(3)工艺精简。新古典主义在工艺上采用大量新的材料,同时工艺手法也更为简洁明快。只是保留了古典主义传统样式的大致轮廓,其浪漫、优雅、豪华和舒适的艺术设计特点是在看似简单的设计而其实是在精湛的工艺要求下方能完成艺术风格受到了越来越多人的喜爱。(4)重视装饰效果。(5)注重色彩。新古典主义对色彩的使用同样十分重视,金色、黄色、白色为室内设计的主要色调。在色彩搭配方面相得益彰,这样使避免了室内压抑的气氛,给人以开阔、明亮的空间。

二、符号在新古典主义室内设计的运用

新古典主义在室内设计方面采用了大量的符号,室内设计的符号多以点、线、面、体等基本形式呈现出来。然而不是所有符号都适用于室内设计的,具有指示性的符号,在室内设计中就很少体现,人们往往会采用具有装饰性、寓意性、象征性的符号,对自己的房间进行适当的装饰在室内设计中人们运用符号,点缀着设计的基调。现在的人们在室内设计方面追求“场景化”追求一种既舒适又真实的场景。为了营造这种氛围,人们在室内设计方面也采用了大量的符号。符号的加入增加场景真实性的同时,也提高了艺术工艺的真实性。

三、新古典主义设计中符号使用的特点

1.抽象性、象征性在新古典主义室内设计中,人们运用的符号,不仅是为了装点。一些抽象性和象征性的符号被广泛运用,人们运用这些符号,代表的意思也广泛,有的是希望身体康健,有的代表平安幸福,还有的是代表生意兴隆等,这些美好的寓意都是对美好幸福生活的期许。

2.历史性符号的发展具有久远的历史性。人们使用古老的符号来点缀室内,这样使就烘托出了历史感和时代文化内涵。

3.形式多样性、灵活性符号的形式不是统一不变的,它呈现出的形式比较多样,有的是花草形式、有的是几何图形等,并且在人们对装饰房间的时候,还可以对原有的样式进行改进,形式的多样性,图形的使用灵活性。这样人们在对室内装饰的时候,就有很大的想象与发挥空间。

4.广泛性符号在室内设计装饰中具有很大广泛性,符号使用它不是拘泥于特定场所。所以室内设计中符号的使用随处可见,吊灯、地板、墙壁等。

四、符号在新古典主义中室内设计装饰中的作用

1.美化点缀新古典主义强调室内设计整体高雅,因此注重对室内进行美化和点缀。如果没有一些符号的点缀,这样室内设计看起来过于死板,缺少生气与灵动。符号的使用一方面装饰房间,提升美感,另一方面也为房间增加了一份灵动与生机勃勃的生活氛围。

2.改变房间的格调符号具有很强的象征意义,从而使房间的格调得到改变。比如:客厅是会客场所,应给客人以干净、整洁、舒适的感觉,几何图形的规整性和客厅的要求相得益彰,因此,几何图形是客厅的最好选择;卧室是工人休息的的地方,要烘托出温馨的氛围,人多可以选择一些“心”型和“星星”等类似的符号来装点,这样也有助于人们的休息。

3.强化室内设计的风格新古典主义的风格着重强调高雅的气质、优雅的文化底蕴,并有具有奔放的情怀。新古典主义符号的使用也使得古典与现代的完美结合。

五、新古典主义室内设计装饰中符号的创新

1.符号的叠加为了体现出个性美,人们会采用新的、特有的符号来装饰房间、这个时候人们可以用一些简单的符号,进行叠加来产生出新的符号。通过符号的叠加层层筛沙,创造出自己满意的符号。

2.地域符号的加入新古典主义虽然在全世界的范围内深受人们的喜爱,但是毕竟它的发源地在欧洲。在不同的地域,人们在室内设计中可以适当的加入本地区的特有符号。中国文化有着五千年文明史,孕育着无数的特色符号。我们可以添加一些中华传统符号,让中西文化的相互融合必定产生出意想不到的美感。

3.加入具有时代内涵的符号室内符号的使用不是一成不变的,在符号创新的时候,可以加入一些具有鲜明的时代气息。根据社会大众的审美、社会文化的风向标来进行创新。时代内涵符号的加入,更加具有进步性。

篇6

古典时期绘画的杰出代表是法国画家普桑,他一生中大部分光阴在罗马度过,意大利丰富的古典遗产是吸引他留下的主要因素,在他成长和发展历程中,他敬仰的提香和拉斐尔等文艺复兴大师,他一生以此为楷模不倦地追求前辈大师完美境界。

在普桑早期的作品中古典主义风格特征不是很明显,而体现出巴洛克绘画风格倾向,但巴洛克艺术不是普桑的目标,他只不过是在探索并通过这种探索逐步走向自己心中的目标。1627年普桑所作的《海尔曼尼克之死》开始具有其艺术的某些重要特征,但这时更多的是反映在题材上而非艺术本体上。此画取材于古罗马历史,讲述了受人们爱戴的罗马将军海尔曼尼克执行惧怕其名望的统帅蒂伯利的命令而被毒死的故事。凡是推崇古典风范的画家都以创作重大历史故事题材为终极追求,普桑也不例外,他也许是想通过这个英雄主义的悲剧故事告诉人们,在大局面前理智和义务战胜了情感,悲壮高亢的情绪更能激发人们思想的纯洁和斗争的意志,我们在以大卫为代表的新古典主义画家作品中看到这一倾向的发扬。

《诗人的灵感》集中体现了普桑成熟期的古典主义风格特征。在画中,他放弃了早期的强对比和动感,而把人物处理在光线柔和的风景前。有力的人物及其动作来自古代雕塑,人物端庄文雅的姿态给人一种崇高感,这与他想要创造“宏大风格”的愿望是相吻合的。随着风格的成熟和画艺的趋于完善,普桑把精力更多地放在理想风景画的创作上了,这是因为,经过几十年对富有意义的宏大、崇高的东西的追索,他在与大自然的亲近和大自然的美丽中,看到了真正的不朽和永恒。这时他又重画了《阿尔迪亚的牧人》,尽管人物占据了重要位置,但这正是普桑的一贯处理——将人物置于风景之中,在他们与自然的关系中寻求不朽和永恒。对他来说,人物被置于前景、中景或远景都不重要,重要的是他对自己理想的追求,即他按照自己的真实观来处理题材。

普桑的努力使17世纪法国古典艺术成为了一个高峰,构图的严谨,古希腊罗马雕塑般人物的刻画,素描的强调,科学和理性经营,理想美的追求等等,这一系列古典主义艺术的典型特征始终或多或少地在普桑的作品中得到体现。通过普桑的作品可以看出古典主义绘画具有重视客观描绘,不搀杂主观情绪的理性原则;具有重视绘画形式感的原则;具有重普遍性而拒绝个性、特殊性、历史性的原则。在这样的原则前提下古典画家用古代的艺术形式表现当代社会的道德意识,提倡理性与和谐。他本人也确信这些仍然可以使17世纪的贵族艺术恢复古代的完美,但17世纪的法国已不同于文艺复兴时代,人们新的爱好也不能使艺术保持古典的“纯洁”性了,兴起的“洛可可”之风使法国艺术进入了浮躁的“享乐主义”时代,历史证明,这种享乐的艺术随着时间的推移依旧适应不了时代需求。

新古典主义之“新”

通过对比普桑、大卫和安格尔作品我们可以看出,除了崇尚古风、理性、自然这种共性之外,还是有所不同之处的。这是因为古典主义和新古典主义文艺思潮产生的背景不一样,新古典主义之所以“新”是和当时法国特殊的时代背景密切相关的,18世纪下半期是法国封建君主制日趋腐败堕落和资产阶级逐渐强大的时期,是两个阶级面临决战的变革时代。1789年法国大革命前夕,资产阶级为取得革命的胜利,首先要在人们的心理上注入为革命献身的美德和勇气,那就是为共和国而战斗的英雄主义精神。古代希腊罗马的英雄成了资产阶级所推崇的偶像,资产阶级革命家利用这些古代英雄,号召人民大众为真理而献身。就在这样的历史环境下,产生了借用古代艺术形式和古代英雄主义题材,大造资产阶级革命舆论的新古典主义。

我们从大卫的作品中很容易就看出这种精神的存在,从《荷拉斯兄弟之誓》到《马拉之死》再到《萨宾妇女》,他无一不在传统中注入了激情主义和对现实的关怀,这一点正是他的新古典主义与普桑的古典主义相比的革新之处。大卫善于借用古代英雄主义题材和表现形式,直接描绘现实斗争中的重大事件和英雄人物,来紧密配合现实斗争,直接为资产阶级夺取政权和巩固政权服务,这也是新古典主义之“新”的具体体现。

安格尔没有大卫在政治上的兴趣,却对纯艺术语言形式情有独钟,而安格尔在线条运用的探索和取得的成果及其对艺术自律性和艺术家主观能动性的强调,对于当今的中国油画艺术家而言,要比大卫在其作品中所呈现的“现实主义”或许更具有“新”的意义。

二、大卫与安格尔

大卫,新古典主义的宗师,是这种新风格创立的最大功臣。他生在洛可可艺术流行的时代,受老师维安的影响,认真研究了古典艺术,从而变成一位古典理想的坚定信徒。他于第二次赴罗马的过程中创作完成了著名的《荷拉斯兄弟之誓》,这是他第一幅名作,亦是一幅具有典型新古典主义风格的作品。此作描绘了一个罗马历史学家记录的一个历史故事,此画中明确简洁的空间内,站立着荷拉斯家族英勇的男子,有力的直线构成了整个画面的纪念性气势,这一点已与他老师维安的新古典主义有所不同,或者说更进一步了,造型的坚实和线条的有力使这幅作品更雄强刚毅。他还吸收了17世纪艺术家气势雄浑的特点,以柔和的光线和明确的轮廓使画面每一个细节都清晰而洗练。由于对古代希腊、罗马雕刻的直接深入地研究,大卫已经学会了如何塑造英雄式的强健肌体,并掌握了如何在构图中制造高度统一的节奏和秩序感。与此同时,他有效地维持着画面“高贵的单纯”,他舍弃了巴洛克绘画中的许多细枝末节,弱化了令人眼花缭乱的色彩和复杂的短缩透视法,使画面呈现的空间感更接近一种浮雕的效果。画家用实墙和不透明的阴影限定了空间的深度,沿着狭窄的“舞台”来组织人物的活动,这一点,细心的观众会发现荷拉斯三兄弟们正在宣誓的那个动作瞬间会给人以一种凝固的永恒感,其中所体现出来的静穆而严峻的美也正是大卫所要追求和表现的。在他的另一幅以古罗马传说为题材创作的大画《萨宾的妇女》中也同样让人感受到那种庄重、严峻和纪念碑式的永恒,画中人物共性的表现依然延续着他以古罗马雕刻为范本来进行刻画的作风,并将其发挥到极至,以致连他自己都说:“即使古罗马人看到,也要承认画的是他们”。这当然是他的自夸之词,但我们却不得不承认,由于大卫的出现,新古典主义就不再仅仅是一种美学学说,而成为了一种感觉事物、表现事物,并把事物同历史和政治联系起来的方式。

大卫身故后,他的得意弟子安格尔是当今艺术史公认的新古典主义的重要接班人,在当时浪漫主义狂飙席卷了整个法国的时候,没有安格尔新古典主义绘画就不可能在法国继续散发它的魅力。作为大卫的学生,安格尔受到他很深的影响,他把大卫所推崇的古典主义理想美推向了又一个高峰,但他对大卫所钟情的雕塑感并不投入,而是对造型的完美性更有兴趣。他按照自己所理解的理想塑造形体,并认为线条亦可造成形体和空间的实在性,只不过这种“线条”不专从属于形体本身,而且主要在于观察者所获得的印象,它使安格尔在极力忠实于古典原则的永恒美的同时,常常按自己的意愿改变形体。这一点意味着一方面他坚持古典主义的原则,另一方面他又强调艺术的自律性和艺术家主观创造的能动性。安格尔曾说过:“世界上不存在第二种艺术,只有一种艺术,其基础是:永恒的美和自然。”他的艺术就是在“永恒的美”和“自然”之间寻找和谐的结合点,但是这种结合是奇妙的。作为一个古典艺术的崇拜者和实践者,安格尔不仅极为重视素描的重要作用,而且更重视对古典主义的“理想美”和永恒美的追求,这在他名作《泉》一画中充分体现出来,安格尔已把它改变成一个标准化了的当代少女的形象。其动态是按照严格的古典雕刻原形设计的,严谨的素描和平面化的处理烘托出人体,使之具有了恬静、抒情和纯洁的永恒的美感。我们也可以从这幅画看出安格尔对素描的重视,体现了他的一贯立场,素描第一,色彩第二,这也几乎是新古典主义风格作品的共性之一。

三、新古典主义艺术的当下影响

大卫和安格尔是新古典主义的典型代表,尽管由于他们观念上的差异,各自对新古典主义有着不同的理解并在画面形式和技巧的完美上作出了不同的尝试,但他们在创作中所遵循的古典主义艺术风格却是一致的,都以严肃的神话和历史题材创作了一批作品,在构图上强调完整性,强调理性而非感性的表现,强调素描和轮廓,减弱色彩对比,这一系列特征说明新古典主义艺术必须从理性出发,艺术形象的创造崇尚古希腊的理想美;注重古典艺术形式的完整、雕刻般的造型,追求典雅、庄重、和谐,同时坚持严格的素描和明朗的轮廓,极力减弱绘画的色彩要素。

其实,新古典主义的这些特征是基于17世纪的古典主义之上的,显然二者之间有着必然的联系,但较古典主义而言,新古典主义亦有区别于它的地方,或者说是革新之处。此种艺术风格对于之后的绘画艺术发展还是产生了深远的影响,并且这种影响不仅仅局限于西方,甚至波及全球的许多国家,并在艺术风格多元化的当下重现其固有的价值与魅力。

参考文献:

1. 高天民:《法国美术史话》,人民美术出版社2004年版。

2. 欧阳英、潘耀昌:《外国美术史》,中国美术学院出版社1997年版。

3. 迟轲:《西方美术史话》,中国青年出版社2005年版。

4. 邵大箴:《图式与精神》,中国人民大学出版社1999年版。

篇7

除了客厅,主卧室的卫浴间突出的也是共享的主题。浴缸和淋浴室被设计师巧妙地做了空间上的分隔,淋浴室藏于玻璃盒内,“透视”着浴缸,而浴缸的一头也正对着淋浴室,这种交流在设计师看来尤为重要:“两者已不再是孤立的个体,而是鲜活的、富有交流的整体。”其周围大面的灰镜也同时延伸了空间共享的交流。有趣的是,这个主卧卫浴间有两个门。因为男主人经常上网到半夜,而女主人则喜欢早睡,这种生活习惯的差异势必造成冲突,因此主卧的卫浴间就开了两个门,分别连着两间卧室,这一方面方便男主人上网时可在侧卧过夜另一方面又能使两个卧室通过卫浴间有另一种交流。

隐藏在沙发椅凳后背的明式条案和隐匿在台灯灯罩下的元清花瓷等中式元素,在房屋整体框内并没有遮蔽任何一个新古典元素的灵动显现。

漫步在客厅中,欧式家具的厚重和地板的颜色相得益彰。饭厅是简约而富有朝气的,带着弯角的长型方桌和靠椅整齐地排成队列,在极具城堡风格的吊灯下,显得安静肃穆。而在长桌的另一面,则是一个具有明式家具条案的柜台,上方悬挂着色彩艳丽的油画,两旁则是俏皮的花型木椅。这种轻快来得自在,来得恰如其分,给原本过于稳重的色彩和结构添上了亮丽的一笔,不造作的自然,就在这两种风格的融合下产生了。

而饭厅的另一面则是会客厅,落落大方的落地窗让房间充满明亮。填充电视机的明式柜子像是一个黑色的 “匣子”,电视机则成了次要的部分,因而使休闲娱乐的主题被淡化了。角落里虽然物件拥挤但仍然布置得很有层次,条纹沙发从窗边向外由大到小摆放,颜色也由深绿渐变为浅绿,这种色彩的渐变成为光线射入时一个典雅的注脚,勃发的生机减弱了家具带给人的凝重感。客厅是一家人聚集时间最多的地方,傍晚,一家人围着红地毯喝咖啡,悠闲地靠在条纹沙发上除却一天工作的疲惫。

卧室摆放简单,一张铜镱大床被“嵌”入弧形墙壁之中,墙壁被掏空了半米深,这种哥特式椭圆的切面像极了古堡的大门,而床则成为大门下伸出的吊桥。墙面被抹上淡淡的花妆,在荷叶般倒挂的吊灯下,尽显雍容雅致。床左边有巴洛克风格的狭长落地窗,配着两个往墙里延伸的弧形洞;昏暗的角落里则摆放着蓝布花边的靠椅,给人一种神秘的色彩,给人一种温馨。

在细节中寻找生活的惊艳

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一、法国新古典主义绘画的素描阶段

西方绘画是建立在可靠的知识和对材料训练有素的运用之上的。新古典主义绘画延续了欧洲油画对材料的充分认识和研究的基础上把直接画法和间接画法有机地结合在一起。从新古典主义中坚力量安格尔未完成的许多油画作品可以看出,对于画布的处理和油画底子的制作上新古典主义画家依然沿用了历代油画制作传承的成功经验。大部分会选择石膏、铅白、白垩或半白垩很好地给画布做上白底子。这种底子也会根据每个画家的具体需要做上二至四遍不等。

古代油画制作过程和今天一样选择好稳定的画布并做上白底子后,画家会用铅笔或炭笔之类的工具起稿。通过观察新古典主义画家作品并未完全覆盖的地方我们可以看到类似铅笔或炭笔的起稿痕迹。在起稿完成后就开始严谨而充分的进行单色素描的描绘,画家通常选择黑、白、褐色作为这个阶段所用颜色。等到素描关系已经完成得相当的精致了才开始使用丰富的颜色进行作画。在这个时期,很多画家作画时还是把素描和色彩分成两个阶段分别完成。

二、法国新古典主义绘画的色彩阶段

在进入色彩阶段时新古典主义画家把罩染和直接画法结合起来自由发挥,保持画面的统一性又不失色彩的流动性和人物的生动自然。从整体画面而言,在最初的白色底子基础上画面变得更加的平整和光洁,这也体现了这个时期的画家对于古典油画的延续和尊重,所有颜色都控制在一个很薄而透明的状态,多遍颜色之后画面依然十分平整犹如一面明镜。达维特和安格尔的油画技法都很纯熟,用笔精巧,他们喜欢将笔迹揉的很平,平滑如镜。安格尔深受古典技法的影响,反对外显的笔触,通常在安格尔的画中,主体部分如人体,着衣人物,饰品都不见笔触,表现得十分的精细,具有很强的真实感,也和其追求的艺术理念是想呼应的。

前辈巨匠和所有的大艺术家,从拉斐尔开始都是按照草图从事创作的,小幅绘画至少也得依靠详细的素描稿。一幅肖像画要画得成功,首先要反复推敲所要描写对象的脸部,进行仔细分析,甚至有必要把大量时间花在这个上面。在他们看来如果不善于准确地再现形象,如果在寻求合适的色调上力不从心,与其追求调子,不如干脆在灰调子中沉沦,孤注一掷地练习素描。组成一幅画面色调的基本要素不在于一幅画的明暗色块分别有多美,多半是显示在每一个被描绘对象的特殊的色彩和谐上。例如:发亮的白色织物就会影响到黝黑的人的肤色。古典主义画家特别讲究白色颜料的使用。忌讳轻率地使用过量的白颜料,导致不得不盖掉或用其他颜料调暗。

三、法国新古典主义绘画的审美倾向

古典主义艺术家们普遍持一种观念:世界上不存在第二种艺术,只有一种算艺术,其基础是:永恒的美和自然。在客观自然中就能找到作为最可敬的绘画对象。再精美的雕像永远超越不了客观自然,人类构想永远不可能超越自然造物身上的美。“画素描绝不单纯是打轮廓;素描不是仅由线条所组成。素描――它还具有表现力,有内在的形,是艺术的雏形。”安格尔对于素描的重视充分体现了他对客观之美的高度重视。只有当造型到酷似造化,以假乱真的程度,才能达到高度完美的境界。对造型的绝对尊重使得艺术家们对于手上的艺术作品的写实性和准确性都有了较高的要求。温克尔曼把古典主义风格总结为:“高贵的单纯,静穆的伟大。”这一古典美术理想也号召了当时一批雕塑领域的新古典主义者。达维特,安格尔等给了我们极高的审美品质,能在这个浮躁的时代保持一份安静,是我们与他们的作品对话所得到的,如能在我们的绘画中也体现出一丝静谧,说明这次的穿越之旅是成功的。

四、结语

所谓创作必须来源学习,没有凭空想象的创作,就像没有无根的树木一样。一个学习的过程就像经历一次路程,走一次别人走过的路,在这个过程试着站在别人的角度去思考、去感受、去处理。最后你就可以理解:他为什么会这样做,得到这样的结果,你就能深深的懂得他。而对于我们自己则收获了别人的经验来放在我们自己的世界中。谋划一次类似的路程就是所谓最初的创作吧!学习越多,模仿得越深,你可以选择的路程就越多,再结合自己的现实,也许就能得到更多的体会。无规矩不成方圆,我们必须遵照一定的规则,在这个规则下玩出自己的心意。如果毫无规则可言,这样的游戏就没有任何挑战和意义了。学习得越深刻,创作的时候就越有深度,因为你和前人进行了一场深刻的对话,他告诉了你无数前人摸索的宝贵经验和真理。

参考文献:

[1][法]安格尔.安格尔论艺术[M].朱伯雄译.沈阳:辽宁美术出版社,2010版.

[2]谭平.新古典主义美术[M].重庆:重庆出版社,2010版.

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关键词:分析;定位;设计/地块分析;建筑个性;功能;流线

中图分类号:TU247

文献标识码:B

文章编号:1008-0422(2007)02-0012-03

1 建筑区位与设计定位

广西建设大厦位于南宁市琅东新区,是南宁市的中心商务区,位于作为南宁市城市地理和功能核心的中心,金湖广场北侧的三环位置。该区由于其功能活动的聚集程度高,中心性强,商业活动与事务机构密集的特性而成为城市高楼密集的城市新形象的代表,在这里高楼林立,使得中心商务区形成了国际化的面貌而丧失了自身的城市文化特色,对该区的建筑群总体印象是现代且形式多样。广西建设大厦是广西建设厅筹资建设的,它的建成将代表广西建设系统的形象。怎样才能在这个狭小的地块上、在高耸的建筑缝隙中找到我们在现代大规模建设中所失落的建筑文化内涵,同时又表达出我们对城市的尊重与认同,这是我们最难以把握的,同时是最需要表达的东西。在这里我们所塑造的建筑造型以一种谦和的现代古典式美阐述着设计者对于城市景观的理解。

2 功能与流线

该建筑是集四星级酒店、娱乐、办公、培训于一体,是一栋多功能的高层综合楼。总建筑面积3.9万m2,共26层,于2001年完成设计。该设计成功地处理了多种功能、多种流线的分流;主入口为酒店客流人口,西侧为酒店次入口,东侧为职工办公入口,北侧为员工入口:做到了办公人流、客流、内部员工等多种流线交通顺畅,互不干扰;1~4层裙房为酒店附属用房,5~14层为酒店客房,15~25层为办公用房,各功能分区明确,便于管理;建筑坐南朝北,通风采光良好。

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普罗科菲耶夫是作为新古典主义的作曲家被载入音乐史册的,他曾说:我很早就有一种对调性音乐的热爱。特别是当我这样清楚地感觉到,建立在调性上的音乐作品,是一个建筑在坚固基础上的房子,而建立在无调性上的作品,则是建立在沙上面的房子。除此之外,有调性和自然音阶的音乐比起无调性和半音阶的音乐具有更多的可能性。可见,作曲家的调性思维观念的倾向已非常明显了。《罗密欧与朱丽叶》组曲音乐根据作曲家自己的同名舞剧音乐改编,完成于作曲家创作生涯的成熟时期。

一、调性意义被削弱

在近现代的音乐创作中,新古典主义乐派的作曲家们已不满足于古典作品中所倡导的使某一特定乐段统一于单一的调性体系的调性观念,而在调性处理上开始了更大胆的尝试。例如,在极其短小的乐段中实现频繁的转调,或者在不同的声部安排不一样的调性,而当它们在时间上纵向重叠时又犹如古典主义作品那样清晰明朗。

在这部作品的第一乐章中有一个极为重要的特性主题,也称“少女朱丽叶”主题。该主题的第一乐句建立在E小调上,和声安排以主和弦为主。第二乐句建立在B小调上,仍旧以主和弦作为和声骨架,第三乐句与前两句比较起来稍显复杂,但是,仍然不难看出其调性是G小调的,且重复运用了属到主的功能性进行。由此可见,这个由三个乐句组成的主题一共经历了三种调性,并且过度自然,充满新意。

在第三乐章中还有这样的一段特性主题:该乐段由两个部分组成,除终止式不同以外,其余都是相同的,每部分由两个乐句组成。第一部分的前四小节为第一乐句,前两小节建立在E小调上,和声安排为E小调I—V--I—V,后两小节转到了B小调上,以该调的主和弦为和声骨架。这部分的后四小节为第二乐句,建立在bE小调上,和声安排为bE小调Ⅳ—V—Ⅳ—V。这一主题的第一部分与第二部分的转调模式及和声安排大体相同,区别在于:第二部分最后又回到了E小调上。整个这段主题的调式安排如下:E小调——B小调——bE小调——E小调。

新古典主义乐派的作曲家们用来削弱调性意义的另一个重要方法是大量使用复杂的远关系和弦,从而影响调性中心的稳定地位。其实使用复杂的远关系和弦的做法在浪漫派时期就已经存在,不过那时候这种用法的主要目的是实现和弦对峙的效果,而在新古典主义作曲家的作品里,这种细节上的和声手法实现了宏观意义上的调性中心音意义的削弱。

二、调性中心不确定

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【摘 要】法国大革命之后,资产阶级与封建贵族达成妥协,新古典主义绘画中向现实挑战的积极因素已消失,此时浪漫主义兴盛起来。浪漫主义最突出的艺术主张是将个人感情无拘无束地表现出来,不受任何形式与法则的限制。作为一种艺术思想,浪漫主义与古典主义是对立的,但作为一种时代思潮和文艺运动,它们又有着密切的联系。本人拟从浪漫主义巨匠德拉克洛瓦的作品着手,寻找论证浪漫主义对古典主义的继承。 【关键词】德拉克洛瓦;浪漫主义;古典主义;继承中图分类号:J209.9

文献标志码:A

文章编号:1007-0125(2016)06-0166-01一、浪漫主义美术的绘画创作理念19世纪30年代,浪漫主义成为一种普遍的文艺思潮,它是在反对官方学院派和古典主义的斗争中发展起来的,在审美思想上注重个性化和感情的发展,重视色彩的对比,主张创作自由、个性解放,善用象征、寓意、夸张、对比等手法。与古典主义重视以线与轮廓为主导的严谨素描造型相反,浪漫主义特别重视用色彩来饱满形象,用奔放的笔触创造有生命力的动感造型,在浪漫主义绘画创作方式上取得显著成就的是席里柯、吕德、德拉克洛瓦等。二、德拉克洛瓦作品中对古典主义的继承众所周知,德拉克洛瓦是著名的浪漫主义画家,被誉为“浪漫主义雄狮”,但在他的身上除了闪现着浪漫主义的光辉外,还体现了古典主义精神,艺术都是相互吸收和继承的,作为浪漫主义的画家,正是有古典主义的积累,才有浪漫主义的精彩,在德拉克洛瓦的身上,深刻地体现了这一点。首先,德拉克洛瓦继承了新古典主义的革命精神,流露出对高尚、伟大和崇高的追求。德拉克洛瓦成名作品《但丁的小舟》,取材于但丁的《神曲・地狱篇》片段,描绘了古罗马诗人维吉尔引导但丁乘舟来到地狱中斯蒂吉河的情形。画面色调阴暗,给人一种紧张恐怖的感觉,这正是波旁王朝时期人们精神世界的曲折反映。这幅画引起巴黎艺术界的巨大轰动,同时也为法国浪漫主义运动开辟了一条崭新的道路。它以情感洋溢的形象、悲剧性的力量、对于人类灾难的真实描写,流露出对高尚、伟大和崇高的追求,这种倾向体现出了对古典主义绘画的继承。其次,德拉克洛瓦对人物形体的准确把握。虽然与古典主义美术相比,浪漫主义美术更注重画家内心的表达,但是画家的内心世界靠画面形象传达出来。浪漫主义画家虽然对轮廓线和素描关系不像古典主义那样重视,但是浪漫主义画家并没有完全扔掉古典主义绘画中对客观形体的“具象把握”,作品中的形体仍然力求准确真实,但是相较古典主义绘画而言,浪漫主义绘画不再像古典主义绘画那样事无巨细地把客观对象表现出来,浪漫主义作品除对主体人物细致地刻画外,对次要人物及背景进行了概括提炼,主要是为抒发自我感情服务的手段或素材,这点明显区别于新古典主义绘画的过于客观性。如他的作品《但丁之舟》《自由引导人民》《希阿岛的屠杀》等可以看出,德拉克洛瓦对形体的准确性绝对不亚于古典主义绘画,从这点上面可以看出浪漫主义绘画对古典主义绘画的继承。第三,德拉克洛瓦作品中的现实主义和唯美主义倾向。新古典主义和浪漫主义都是19世纪法国大革命时期的产物,题材也都与革命运动、人们的命运息息相关,可以说这两种艺术流派的产生都是关注现实生活的,自然题材中都流露出现实主义的创作,如新古典主义大师大卫的《贺拉斯兄弟的宣誓》《马拉之死》等作品及浪漫主义巨人德拉克洛瓦的《希阿岛的屠杀》《自由引导人民》等作品,都随着法国大革命的现状及人民疾苦而动荡,因此无论是在新古典主义作品和浪漫主义作品中都表现出明显的现实性,这也是这两个画派最为进步的一面。由于对现实的不满,德拉克罗瓦到摩罗哥和阿尔及利亚去旅行,这次旅行是德拉克罗瓦创作的分界线,之前的作品都围绕着浪漫主义主题与形象而进行,这以后的许多作品,由于脱离生活,唯美倾向越来越浓厚,如《阿尔及尔妇女》就是一幅以色彩的协调与交错组成的复杂而美丽的作品;另一幅作品《摩罗哥犹太人的婚礼》表现的是研习古典传统举办的婚礼,画家着重描绘了宁静和谐的气氛,而这两幅画的笔触之细腻,形象之完美,让我们联想到了学院派古典主义的画风。三、结语浪漫主义是作为古典主义的对立面而产生的,但是在浪漫主义的画家身上却闪现着古典主义和浪漫主义的两种光辉,只是各有侧重而已。在对立的同时,我们也不能忽视浪漫主义对古典主义的继承,任何新艺术的出现都是在继承传统的基础之上融合创新的。参考文献:[1]席尔顿.德拉克罗瓦[M].北京:人民艺术出版社,1960.[2]贡布里希.艺术的故事[M].南宁:广西美术出版社,2008.[3]徐晴平,邓惠伯.西方美术史[M].北京:高等教育出版社,2003.[4](英)伍德福德著,钱乘旦译.剑桥艺术史[M].南京:译林出版社,2009.[5]胡经之.西方文艺理论名著选编[M].北京:北京大学出版社,1998.[6]德拉克罗瓦著,李嘉熙译.德拉克罗瓦日记[M].北京:人民美术出版社,1981.作者简介:王秀贞(1986-),女,汉族,籍贯山东,宁夏大学硕士研究生在读,研究方向:美术学。

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一、传承与延伸

现代主义建筑在风格上倾向于摆脱传统建筑形式的束缚,是一些适应工业化的新建筑。在人们对混凝土和玻璃失去兴趣以后,后现代主义作为从现代主义分化出来的三个造型风格中重要的一支(另外两个是传统派和晚期现代派),主张将最新的技术与装饰相结合,重新启用了山形墙、古典式的柱子和拱券。

现在,一般认为真正给后现代主义建筑提出较完整指导思想的是美国建筑师罗伯特・文丘里。他提倡保持传统,要“利用传统部件和适当引进新的部件组成独特的总体”“通过非传统的方法组合传统部件”,等等。实际上,后现代主义建筑师的基本创作方法就是“创新可能就意味着从旧的现存东西中挑挑拣拣”。

物质上的传承是不可否认的,建筑理念上的复兴也是有据可证的。法兰西第二帝国时期巴黎的全面改造应属于典型的“整体规划”。许多法国古典建筑诞生于此时期,如凯旋门附近的星形广场等。这一改造使得城市布局更加合理,交通状况大为改观。“二战”给欧洲许多城市以毁灭性的打击,这使得“整体规划”又重新流行起来,如英国的考文垂市、瑞典的魏林比新城等。

我们可以说古典主义建筑元素、风格甚至理念是被后现代建筑师提炼和运用的,而其中的新古典主义建筑是逐渐变化发展的过渡产物,除了明显地运用装饰元素以外,贯穿古典主义建筑、现代主义建筑和后现代主义建筑的还有建筑师都在追求完美自然的几何形,在风格上追求质朴、实用、大气,强调建筑的社会公共性以及对黄金比例的运用。

二、区别与进步

19世纪中叶,资本主义国家的社会生活发生了显著的变化。现代工业交通的迅速发展、城市人口的急剧增长,对房屋建筑提出了新的要求。新建筑材料和建造技术的运用使得从19世纪中叶起建筑师就开始大量使用钢铁、水泥、玻璃和其他工业材料,代替了古典主义常用的石头、木头、砖。欣欣向荣的现代文化与现代建筑最终取代了逐步堕落为有貌无神的折中主义的古典主义建筑。

除了材料上的区别之外,建筑结构上也有了明显的不同。铁强度更大,相对轻便,更便于加工。在钢筋混凝土发明之后,随着时间的推移和社会的进步,奇迹在不断被重新创造。混凝土预制件在现代派时期就为格罗皮乌斯、柯布西耶和密斯所青睐,在他们的建筑中常常可以见到混凝土预制件的影子,尤其是在柯布西耶的建筑作品中最为常见。它的出现使几千年来一直延续的“现场―砖―石”的盖房子的方式遭到淘汰。另外,新出现的结构还有受力合理、节省耗材、轮廓流畅的悬索结构,以及几乎是“密斯风格”代名词的金属玻璃幕墙等。

一方面,建筑结构的进步使得房屋的建筑设计自由度更大,使得以前不可能完成的建筑设计变为可能,各种思潮、学派开始如雨后春笋般冒出,如兴起于英国的工艺美术运动、开始于比利时的新艺术运动、奥地利的维也纳学派、美国的芝加哥学派以及德意志制造联盟等。另一方面,这也使得建筑的数量大幅度增长。

然而部分人认为现代主义建筑只注重功能、技术和经济的影响,忽视和切断了新建筑和传统建筑的联系,不能满足一般大众对建筑的要求。特别是经历了20世纪70年代的能源危机,很多人认为现代主义建筑并不比传统建筑经济实惠,它反映的产业革命和工业化时期的要求已经被一些发达国家超越,人们将更高的要求寄托在后现代主义建筑上。

后现代主义建筑中的高度工业技术风格要求建筑师不仅在建筑上使用新技术,而且在美学上极力表现新技术。其主张采用最新的材料建造体量轻、用料省、能快速灵活地被装配与改造的建筑。为解决城市用地紧张的问题,用预制标准化构件装配成的大型、多层的“巨型结构”出现了。

其实,关于现代和后现代的争议一直不断:现代主义把建筑设计和建筑艺术创作同社会物质生产条件结合起来是正确的,建筑师也的确应该关心社会问题。相反,后现代主义者所关心的是采用装饰、具有象征性或隐喻性、与现有环境融合,而忽略了许多实际问题。后现代派里的典雅主义(即新古典主义)主要指后现代建筑师运用传统的美学法则来使现代材料与结构产生规整、端庄与典雅的庄严感。特别是约翰逊强调的“建筑是艺术”,其提倡突破现代主义建筑的原则,形式遵循思想而不是功能或理性。

参考文献:

[1] 牛耘.议后现代主义建筑思想――借鉴古典主义风格的后现代主义建筑[J]. 大众文艺. 2010(04)

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从20世纪初到80年代前半期,中国油画的发展是在写实主义的单一模式下进行的,油画在中国所表现的是现实主义主流只是在外部体貌,而古典主义油画的观念、技法、形式追求和审美特性等都没有摆脱对于政治的依附。在经历改革开放后,艺术家们对于艺术本体的探讨,关注中国写实主义油画的发展的交流学术氛围日益活跃,使得油画进入了多元格局。新古典主义绘画由此产生。改革开放以后中外艺术交流也日趋频繁,艺术家们接触到国外的优秀艺术作品也成为可能。1986年3月29日到4月20日在中国美术馆举办的《当代油画展》可以说是新古典主义首次以群体的力量呈现。以靳尚谊、王沂东,孙为民等的作品凸显了其他众多风格的作品不同。其明显带有西方古典主义绘画的外在表现和风格主义的美感追求,作为一种高雅的艺术追求,正式登上了中国艺术的舞台。

二.新古典主义油画对中西方传统文化的汲取

新古典主义油画虽是学习西方古典油画,但不全是一味的照搬。欧洲作为油画的发源地,其渊博的油画艺术文化是有目共睹的,奠定了其成熟的艺术体系。西方古典油画是科学的绘画学科,涉及到造型、色彩、光影等众多的研究。繁琐的创作体系塑造了不同于中国国画的画种。观众能感受到扎实的油画塑造,画面逼真的写实感和作品传递出来鲜明的文化气息,体会到古典油画所宣扬的浓厚的人文主义的情怀。中国艺术家们在如此完善的西方传统绘画的体系下的洗礼,更好领悟到包括油画在内的西方传统文化的精髓。它以西方传统的古典主义绘画为典范。学习西方古典主义绘画中所提倡的崇高美、油画中崇尚古典精神,对“永恒的”、“超时空”的理想化事物的具体描绘。使中国的艺术家们更能保持艺术的“教养”,能更好激发出中国写实油画的深沉积淀。学习西方古典主义的正统的绘画技法,油画的材料和技法的具体环节,表现出艺术家对油画语言关注。他们重新认识西方传统油画,更好的领悟西方绘画文化中的精髓与正确的绘画技法,熏陶个人的艺术修养和绘画创作能力。力图更好创造出中国的古典主义油画。

中国当代新古典主义油画在审美趣味上和中国传统审美积淀保持了紧密的联系,使得它拥有了一个广大的欣赏群。国外传统绘画传入中国,在特定的条件下爆发,在中国的艺术土地上扎根塑发展出其特有的中国文化。80年代的油画家们都面临着一个相同的问题,即使在前辈的努力的基础上,更深入研究欧洲油画传统,把油画中的造型、色彩等因素更切实的掌握以期待得到纯正的油画语言,在创作实践中,都会改编创作题材来适应对艺术语言纯正性的探索。许多人把目标转向了本土传统文化的理解。艺术家们善于汲取中国的传统文化,把能代表中国文化理念的东西根植于油画中,并运用成为使得中国新古典绘画洋溢着中国文化气息,或含蓄,或理性的艺术表现恰好。使得新古典主义绘画一出现就获得了普通大众的认同,这源自大众对中国传统文化的共鸣。

三.新古典主义油画中对传统文化图像的挪用

中国当代新古典主义油画艺术家们会表现出一定的本土意识,对本土情感的真挚投入延伸至对在艺术构思中对中国传统文化资源与图像有意识的挪用,使得他们的一些油画作品中出现中国传统文化图像和文化符号。如新古典主义的代表人物杨飞云,古典屏风、青绿山水、水墨荷花等等富有中国传统意味的视觉图式被频繁的当作女性肖像画或人体的构图成分。这些构图成分作为艺术家古典精神和唯美主义的装饰成分存在,呈现出“中国之美”。另一位杰出的代表画家王沂东,也同样把西方油画的精湛技艺与中华民族审美意蕴相融合,创造出与众不同质朴的艺术世界,他的作品总是围绕着他儿时成长的农村,描绘出质朴的农家场景。他的笔下描绘的女性肖像大多是农村妇女的翻版,她们多穿着传统的花布上衣,头戴着印花头巾,带有浓厚的地域特色。他的作品《江南女子》,如图1。体现出中国妇女传统的柔美和庄重感。这些艺术家之所以艺术被认可,并不是单纯的把传统文化图像置于画面中,他们是带着思辩的立场去有目的的挪用。如同画家孙为民认为的回归传统决不是“回到古代艺术”中去死搬教条,而是“在深切了解和深得传统精髓的基础上,寻求他所需要的独特思想、技法、趣味,并成功地融合在自己对艺术的悟性中”。 王沂东这类的艺术家在创作中是从艺术的语言和艺术形式出发,源自他们对于生活的深刻感受,才能在他们的作品在形式的背后积淀着浑厚的情感力量,也使他们的艺术从形式出发但不空洞的原因。此外,艺术家们还广泛挖掘和使用中国传统文化图像,从而将一种极有表现性的异质要素置入西方绘画语言浓郁的油画中,这些传统文化图像和艺术表现手段有机融入西方艺术形式的探索,无疑有力的促进中国艺术的文化特性。

四.结语

新古典主义绘画作为一种油画艺术的演进而登上照顾当代画坛的。是一股对文化层次上的把握和理解的艺术现象,其引导了对艺术本体的深入思考。在审美趣味上与传统艺术保持了紧密的联系,并将代表欧洲绘画传统的油画上融入中国传统文化当中并尽可能实现对中西绘画迥异的艺术文化兼容并蓄。引导中国当代油画在中西融合的进程中蓬勃前行。

参考文献:

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