引论：我们为您整理了13篇美术入门教学总结范文，供您借鉴以丰富您的创作。它们是您写作时的宝贵资源，期望它们能够激发您的创作灵感，让您的文章更具深度。
篇1
现代美术作品与传统的中国画不同，它十分注重技巧性、组合性和独特性以及线条、色彩的明暗处理。因此对于美术初学者而言，掌握最基础的绘画技巧是创作优秀美术作品的前提和保证。只有将绘画技巧的理论理解透彻，再加以实践练习，方能强化技巧的灵活性，创作出带有自己风格的美术作品。对初学者的绘画技巧，西班牙派拉蒙专业团队进行了深入研究，成果颇丰，现已出版了《油画入门表现技法》、《101个绘画创作技法》、《水彩画入门表现技法》、《综合材料入门表现技法》等多部著作。其中，以派拉蒙专业团队编写、钱绎菲翻译、上海人民美术出版社2016年出版的《综合材料入门表现技法――西班牙绘画基础经典教程》（以下简称《技法》）颇具代表性。此书旨在帮助初学者更快、更好地理解绘画材料的基本概念、使用方法和绘画技巧，力求为初学者提供简单易学、操作性强的绘画思路。该书有如下两方面的特点：
第一，概念与方法并重。绘画过程非常注重使用综合材料，所以初学者必须掌握材料的基础概念和使用方法。众所周知，西班牙绘画具有典型的西方油画特点，在材料使用上不同于我国传统的水墨国画，在材料的选取、比例搭配方面都有章可循。其中主要材料之一是油性材料，它的主要成分是天然树脂和合成树脂。树脂不仅富有光泽、表现力强，且可以反复覆盖涂抹。油性材料是展现光影对比的最佳选择，无论是在色彩的逼真程度，还是在人物写实度、风景的表现力以及作品的留存时间等方面，油性材料都具有其特有的优势。油性材料的问世并在绘画艺术上的广泛应用，为西方美术的发展变革奠定了转型基础，这也是西班牙油画享誉世界的重要原因。与之相对的是干性材料和水性材料。干性材料和水性材料具有较强的覆盖能力和低透明度，通过水的调和能使画作细腻入微，增添作品的生动性和活泼性，因此通常被用于细节的描绘与刻画。马克笔、铅笔在西班牙绘画中也扮演着重要的角色，尤其是用铅笔来勾勒线条、打阴影、明暗处理等，均能使得画作更加具有立体感和可视性。对于初学者而言，必须明确西班牙绘画作品中对原料的需求，以及各种原料的概念、作用、使用方法，方能在实践^程中更容易上手，让创作过程变得更加游刃有余。《技法》一书中将西班牙绘画作品中所需用到的材料种类、概念、特性和作用等进行了细致而全面的讲解，并以油性材料、干性材料、水性材料、蜡笔、马克笔、铅笔、油画颜料、拼贴画等为例，阐述了它们的使用技巧。它以精确独到的概念解析给初学者以直观、全面的认知和理解，对美术教育工作者而言更有重要的教学参考意义。
第二，理论与实践结合。实践性强是本书的另一大亮点。在理解基础材料的概念和特性之后，初学者的重要学习任务便是将绘画理论付诸实践，并在创作过程中不断总结材料的使用方法和规律。既然要运用综合材料，那便要体现材料的合理搭配和比例协调。西班牙绘画中没有使用单一材料便可完成的画作，必需两种以上的材料，才能体现西班牙绘画的创作理念，才能使作品变得生动富有感染力。与复杂的作品创作相比，西班牙现代绘画的操作过程步骤简单、创作周期短，不需要掌握过于复杂的创作理论，因此这也更加体现出实践的重要性。以人物的创作为例，炭条、红棕色粉彩条和河白粉条是勾勒外表、展现人物形态的基础材料，通过将这三种材料进行合理运用和比例搭配，创作者便可以进行简单的人物绘画练习，并在不断练习的过程中摸索综合材料绘画的关键技巧；以海景的创作为例，海景需要展现大海的宽广和浩瀚，这时便不需要进行过多的细节描绘，墨水和水彩便是最能体现海的空灵、绵延的材料，初学者使用这两种材料进行海景描绘。在不断的实践中方能真正提升创作技能。本书中选取了扇子、水果、斑马、狂欢节、人物、少年、花朵、海景、小镇一角、运动鞋、公文包等不同类型的绘画对象，将它们所需的材料和绘画技巧进行详尽讲解，加之译者钱绎菲用通俗易懂的语言传达出文章的核心内容，让读者的绘画过程变得更加简单、轻松。这不仅利于增强初学者的绘画学习信心，而且还可以帮助他们在实践过程中少走弯路，起到了一举两得的作用。
尽管美术创作是一个需要耐心和不断钻研学习的漫长过程，但随着现代绘画技术的成熟和经验总结的深入，初学者要想创作出栩栩如生、风格独特的美术作品也不再困难。《综合材料入门表现技法――西班牙绘画基础经典教程》就给出了很好的学习范例，为西班牙绘画登堂入室者提供了一部实用性强、适用范围广的基础作品。
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(一)、必修
1.经典诵读：《三字经》、《弟子规》、《千字文》等。
2.象棋运动：中国象棋，跳棋，国际象棋，羽毛球等。
3.阅读共享：拼音画册，亲子共读，识字小报，阅读习惯。
4.硬笔书法：一级、二级简码及教材同步汉字笔画、笔顺、结构，初步选用《田英章楷书》《校本书法》为校用书法教材。
(二)、选修
1.软笔书法：颜体楷书《勤礼碑》、汉隶《曹全碑》基本笔画入门。
2.美术基础：简笔画，人物、动物、植物、活动画临摹、命题画创作。
3.葫芦丝入门：C调、F调音阶，吐音、换气、滑音、颤音等基本技巧：《希望》《美丽的金孔雀》《竹林深处》《月光下的凤尾竹》。
4.口琴入门：C大调高音、中音、低音区滑动及换气技巧：《金蛇狂舞》《让我们荡起双桨》《队歌》《每当我走过老师窗前》《听妈妈讲那过去的事情》等。
三、实施过程(三年规划)
1.酝酿阶段(20XX.9-20XX.10)
通过宣传教育，深刻领会实施社团活动实施重要意义，营造良好氛围。
2.铺垫阶段(20XX.11-20XX.2)
按方案要求，积极组织实施，保证语数前提下奠定音、体、美扎实基础。
3.实施阶段(20XX.3-20XX.2)
积极组织，对相关资料进行整理、总结，提炼经验，形成本校特色，根据各项活动的开展情况，针对不足，查找问题，及时修正。
4.互动阶段(20XX.3-20XX.3)
小组互动，家校互动，使活动内容更丰富、吸引力更强，实效更突出。
5.验收阶段(20XX.3-20XX.6)
对成绩突出小组、个人进行表彰，搭建展示平台，以大带小，逐步推广。
四、实施方法
1.面授为主：以教师手把手教学为主，开发符合本校实际的校本教材。
2.亲子活动：尝试家长先行，亲子共学，具备才能家长义工辅助教学。
3.校外辅学：借助网络资源，开载视频DVD、MP3自学，引入共建。
4.学生互教：先教会一部分，再以一对二，二对四等方式扩展，以点带面。
5.鼓励深造：对于有特殊潜力学生不反对寻求社会外界专业培训、考级等。
五、评价机制
1.每周一点评，以文字、图片形式等记录、展示孩子们成长历程。
2.每月一总结，通过家校互动、月底表彰等形式评选优秀星、进步星等。
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按惯例初学阶段素描的学习通常由抓形、透视、结构训练入门，通过多年的辅导经验发现恰恰就是这种训练模式使学生过早地关注细节、局部，失去了整体，衍生出花、灰、乱等多种画面问题，很多学生越学越没有信心和兴趣。是素描学习不可避免地一定要出现这些问题吗？这些问题是我们教出来的吗？如何从一开始就避免这些讨厌的问题？这些问题经常萦绕在我脑海，让我不得不反思通常的素描教学体系。
素描学习是一个复杂的过程，既具有科学性，又具有艺术性。素描认识造型规则的合理性和各种客观形式变化的原因和规律的功能决定了素描的科学特征，学习者在科学面前要老老实实按规律走，素描研究造型规则的应用技术和工具材料多样造型的表现功能决定了素描的艺术特征，在艺术面前则可大胆地放手去探索和实验。素描主要研究物象的比例、形状、明暗和结构等基本形态以及透视缩变、视差对比等视觉变化规律，解决造型的基础问题和一般问题，还可以解决造型的应用和特殊问题。例如，造型的变化与统一问题，整体结构问题，观察、操作方式问题，概括美化问题，情感表达问题等等。这些问题可以利用素描训练的长期性和反复性逐一加以解决。
素描的学科特征决定了素描教学必须要有规范的教学体系和严格的教学过程，现下美术高考红红火火，却没有相适应的统一规范教学体系。现根据本人的美术高考辅导经验和美术高考中学生易暴露的主要问题加以归纳总结，提出个人的解决办法，探讨新的教学模式，让学生真正掌握美术知识和美术技能。
一、感性入门阶段
此阶段以感性明暗训练为主，是营造画面氛围的最有效手段。它在创作中非常重要，比如，17世纪荷兰的用光大师伦勃朗，明暗营造烘托出了戏剧化的氛围，它的画有交响乐般的恢弘。明暗作为绘画语言当中有效的表达方式，也应当很好地学习。初学者从拿铅笔开始强调感性认识和感性训练，依据眼睛观察的结果建立黑白灰和色阶的概念，只关注明暗深浅的对比关系，养成良好的整体观察和反复比较的习惯。这种训练要求简单，画面容易出效果，更好地保持了学生的学习兴趣和学习的积极性，也体现了艺术来源于生活且高于生活。经过此阶段训练后学生基本具有把握整体画面明暗的能力，形成了初步的整体观念，有效地避免了花、灰、乱的问题。为了让学生迅速易掌握，在教学过程中教师示范和工具材料的规范使用非常重要！也是整体画面感形成的关键。当然学习内容的选择也极大地影响了教学进度和教学效果，笔者的经验是先选择不规则的深色物体的静物图片进行训练，因为通常入门训练的几何体内容中的透视和直线造型太难，容易影响学习信心，还有就是物体外形的观察和比较容易操作，有助于纠正错误的观察结果。
二、理性研究阶段
在学生经过感性明暗训练阶段后，就基本掌握了画面的整体黑白灰层次关系和初步的体积和空间。这时让学生在直观画面下再顺势解决物体的外形、比例、透视等知识，学生更容易发现自己画面中的问题和找到解决问题的途径，对老师讲的知识也不觉得抽象。接下来重点解决三大面、五调子和明暗基本规律。在教学过程中强化明暗交界线和投影，特别是明暗层次间的衔接过渡技法和技巧。实际教学中学生主要是技法、技巧掌握不到位，导致掌握的知识表达不到位甚至是表现不出来。
形体和结构意识是此阶段的重点。
形体意识是素描的核心内容。我们的眼睛可以毫不费力地把握物象形状的基本特征，但是把看到的形状当作物象特征的全部，显然是错误的，一双没有经过训练的普通人的眼睛和画家的眼睛，对同一物体的形状在特征上会有着显著不同的认识，前者可能注意形状的表面因素，而后者可能更注重物体形状的本质结构特征。因此，学生首先要打破以往认识物象形状的习惯方法和视觉经验，加强对象实体上的凸起、凹进、转折等形态特征在解剖上的深入研究与分析，从中提炼出物象可塑的素描造型因素，使素描基础训练由被动模仿对象，转变为主动表现对象与创造对象，从根本上扭转被动造型的局面，改善和提高学习的质量。因而多训练由面构成体积，如，削皮后的苹果便是许多小面构成的球体，衍生出重要的结构线（面与面的连接处）。甚至是引导学生站在盲人或是小昆虫的视角来观察认识物象。
结构含义可以从三个方面来概括。一是几何体构成原理，任何不同的物象都有其自身的组合秩序和搭配形式，构成了纷繁复杂和丰富多彩的形态结构样式，但无论它们的形态变化如何复杂，却都具有构成其基本特征的总体形式规律――几何式结构形式。我们所熟知的几何形体，是经过科学分析从繁杂的万物形体结构中提炼和概括出来的、最简约和最具有代表性的、普遍规律的结构形式。任何个体的物象，不过是这基本结构规律个别秩序的重新排列与组合，它们在构造上都存在几何式的结构因素。虽然我们所描绘的物象在结构上可能是抽象的、内在的或隐伏的，有的甚至是不可视的，但只要我们以造型的结构观念去观察它，
研究它，就能够发现其复杂形态中的几何式结构特征，从而把握住它在造型上的结构要点，并通过个性鲜明的艺术语言把物象还原到关键的结构形态之中。几何式结构形式在造型上的应用，是一个分析理解、提炼和概括物象复杂结构的实验过程，这个过程在于把物象丰富多样的结构形式组织在一个简明、统一的结构形式当中，从而在素描基础训练中提高习画者对物象结构本质的观察能力和分析能力，在基础训练与创作实践中超越自然表象，转化为自己心灵的构造。二是物象的内部构造，庖丁解牛的道理告诉我们，只要把物象的内部构造搞清楚了，表现对象时就会游刃有余。三是指构成物象的各部分之间的连接关系，强调来龙去脉，有始有终。
掌握了形体、结构，素描训练已经入门，学生无论画什么内容都不会手足无措，无从下手。
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（一）高校生源素质比较低。当前我国很多高校艺术学生自身的艺术素养比较低，或者这些学生自身的文化知识比储备不够，有一些学生之所以上艺术院校往往是因为自身的文化课成绩比较落后，不得已才选择学习美术专业，通过短时间内的美术学习和“突击”培训，就能够拿到所谓的合格证书，随着高校门槛的放低，专业录取的分数线也逐步放低，加上对文化课的要求不高，就会使得当前我国高校艺术专业的学生自身的素质出现滑坡的现状。
（二）我国艺术教育基础薄弱。高校美术专业的国画教育程度如何很大程度上会受到我国基础美术教育状况的影响，但是在我国的中小学中，对于美术的重视程度却不够，很多学校以及教师在教学的过程中往往是走形式，这些美术课程的开设也只是一些形式或者是摆设，很多学生基本上不知道什么是国画。
（三）我国美术高考内容缺少对国画教育的考察。在我国的高考内容中，尤其是美术专业考试中，往往没有对国画教育的考察，只是对西洋画有相关的考察内容，这样就不知不觉慢慢走向了西洋画教学的途径上，但是对我国的国画教育却缺少足够的重视，从我国最近几年的美术考试内容上来看，很多都是水粉、水彩、速写以及素描等内容，这些内容都是西方绘画课程中的相关内容，这样就在潜移默化之中将我国的美术教育逐步引向了西洋画的教育轨道上了，继而无疑会对我国的国画教育带来极大的阻碍。
（四）高校课程设置不够完善合理。当前我国很多高校在对艺术课程设置方面不够完善和合理，很多课程在设置上比较落后以及陈旧，教师在国画教学过程中所采取的教学方式以及教学模式也比较老化，有些教师甚至是习惯于采用西洋画教学的方式来进行国画教学，没有国画基础性的教学，这样的教学方式无意识严重脱离实际的，会使得很多学生最终对国画学习逐渐失去兴趣，甚至很少有学生会选择国画进行学习。
二、我国高校美术专业国画教育改革的措施
从上述对我国国画教育现状及问题的分析可以看出，当前我国必须要加大力度对国画教育进行改革，要转变以往的教学方式与教学模式，创新教学方法。
（一）我国的国画教育要注重基础性教学。对于我国的国画教育来说应当从基础来抓，要从最为基础以及最为底层的教学抓起，国画是我国民族的灵魂之一，学生对文化精髓的热爱应当是从小就应当进行培养，对于那些已经有一些艺术兴趣的小学生，教师应当对其进行集中培养，建立一些兴趣班等，在中小学教育过程中就应当对这样的人才进行挖掘，从而采取因材施教的方式进行教学，这样的教学方式不仅有利于挖掘我国中小学生自身的兴趣以及特长，同时也能够为我国高校国画教学打好基础。
（二）对我国现有的美术高考进行完善。我国高考制度改革喊了许多年，也下了很大决心，但任重而道远，在美术高考的过程中加入我国国画的创作或者是临摹，能够在潜移默化的过程中加强对国画的重视以及学习，因此要呼吁在未来的美术高考内容中，应当将书法或者是国画当成是我国美术高考以及高考过程中的一项基本内容，增多有关国画山水画、花鸟画以及线描的创作或者是临摹，逐步将水粉画以及水彩画弱化下去，在某种程度上提升社会以及学生对国画的重视程度，这样无疑有利于我国国画的教育工作有效开展。
（三）加强对高校艺术教学模式的改革。我国很多高校的美术专业在大一以及大二专业课程设置上完全是水粉、水彩等西洋画的教学，只有到了大二下学期或者是到了大三才开始就专业进行细分，这样就会使得学生到毕业的时候所掌握的真正的专业知识也只有一两年的储备量。学到最后学生甚至觉得自己学的仅仅是一些皮毛而已。
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一、 良好的教学态度
教师应当尽可能让学生在一种轻松自如的氛围中进行绘画。教师应当着装干净整洁、语言生动活泼，面带微笑、态度和蔼可亲、充满爱心、有足够的耐心，与学生成为知心朋友、并且以师长的身份完全信任学生。真正做到尊重学生的想法，避免以成人固定僵化的思维强加于学生身上，营造出一种良好的课堂绘画氛围，从而使得课堂绘画能够更加色彩斑斓、形式多样，提高课堂教学的效果。
二、直观和快乐体验式的教学方法
在教学方法方面，教师更加应当尽最大努力为学生孩子们创造一种将游戏形式融入到教学过程中去，让学生能够参与到教学过程中每一个环节，使得学生能够切实体会到这些活动带来的直观感受以及快乐体验例如可以在教学实践过程中充分运用肢体语言来激发学生创造性的思维。在教学生绘画时可以通过一些实物模型或者带领学生到户外实地进行观察，然后利用欣赏一些成型的作品让学生自己去体会、感知。比如在学习自编课《家乡的河蟹》过程中，我在每个小组的桌面上放了一只大河蟹，学生通过观看、触摸实物之后，对河蟹的外形，结构有更进一步的了解，为绘画河蟹创设了基础。让学生模仿模仿河蟹行走的姿态，通过这种有趣的游戏形式，使得学生能够在不同的角度有不一样的感受。同时，教师应当鼓励学生敢于表现自我，充分发挥自己的创造力，由教师示范，学生观看的方法，学会用线描的形式绘画河蟹。最后教师对学生的绘画作品进行总结与分析。利用这种寓教于乐的教学方法，鼓励学生积极开动脑筋，发挥自己的想象力，使得他们画出来的河蟹栩栩如生，神态各异。此外，还应当将教学内容与教学方法有机结合起来，设计出满足学生具体实际的教学内容。
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东莞松山湖中心小学以生命哲学为基础，建构起由基础型课程、拓展型课程和体验型课程组成的“三位一体”课程体系。基础型课程关注精神生命，强调情知互动，拓展型课程关注自然生命，倡导“技趣互促”；体验型课程关注社会生命，追求“道行互通”。精神生命、自然生命、社会生命，共同构成和谐的人、完整的人。
“三位一体”课程体系重建，实现了将“给定的课程”改造为“内生的课程”的深度变革。其中，拓展型课程是把综合实践活动、地方及校本课程进行整合，再划分为“五个一”，即“一手硬笔好字”“一些文雅气质”“一种探究习惯”“一门兴趣爱好”和“一项健身技能”。学校以“一门兴趣爱好”课程和“一项健身技能”课程定位、管理和实施兴趣小组活动及大课间活动的开展，课程直接指向“体育、艺术2+1项目”。
1.课程内容和项目选择
“一门兴趣爱好”课程主要从音乐、美术学科拓展而来，分为普及层次和提高层次。普及层次为葫芦丝、纸艺两个项目，在一、二年级的兴趣课开展，每周一课时；提高层次包含葫芦丝、纸艺、舞蹈、表演唱、陶艺等20多个社团，在三至六年级的兴趣课开展，每周两课时。葫芦丝作为我国民族民间乐器，为大众所周知，有耳熟能详之亲切。葫芦丝音色优美，演奏较易，小巧轻便，便于携带的特点，是音乐集体学习的上选乐器，与新课标推广民族音乐的宗旨不谋而合。纸艺作为一种大众化艺术表现形式，学习材料简单方便，对场地工具的限制小，易于操作推广。学校将纸艺项目统整为折纸、剪纸、纸塑、纸雕四个内容。
“一项健身技能”课程主要是从体育学科拓展而来，课程以阳光体育大课间活动的形式开展，项目选择是毽球和跳绳，在大课间活动课开展，每天一小时，全体学生参与。毽球和跳绳都是我国传统运动项目，其最大特点是简便易学、运动量和运动强度适中、易于普及。
2.课程资源
通过对葫芦丝、纸艺、毽球和跳绳项目的内容与技术难度的深入研究，开发适合学校实际的教学资源。例如，跳绳项目有跳长绳和跳短绳之分，长绳适合集体开展，短绳每个人都可以练；短绳有速度跳和花样跳，小学生正处在身体快速发育初期，速度跳的技术要求容易对小学生的膝盖和脊椎的生长造成不利影响，因此，选择花样跳；花样跳有单人跳、双人跳和多人跳等形式，选择先单人跳后双人跳再到多人跳；技术动作有单摇、双摇、交叉摇等，学校选择先单摇后双摇再到交叉摇（见表1）。学校按照这些项目技能的学习难度，从易到难编写了校本教材《阳光体育・文武秀》（毽球、跳绳教材）和《纸艺・葫芦丝》。
3.课程师资
为保证课程教学顺利实施，学校每学期都有计划地开展葫芦丝、纸艺、毽球和跳绳的师资培训。培训策略如下：一是“走出去”，到这些项目开展的比较好的地区或学校学习培训；二是“请进来”，请专家、教师来校任教员，先对部分教师培训，然后对全体教师普及培训；三是开展“磨课俱乐部”活动，成立“项目磨课小组”，鼓励有特长、兴趣浓的教师先行一步；四是学科教学联动，利用音体美课堂教学联动教研，提升教师在这些项目技能上的专业素养。
4.课程管理
学校成立课程组，负责管理项目的开展，包括教学方法指导和教学技能培训，以及教学计划、总结、社团花名册、考勤表、期末测评表、评优表、宣传活动、成绩汇总等各项工作的检查落实。课程组对培训的教师进行考核，通过的教师可领证书，具备教学资格，特别突出的教师胜任授课，学校颁发聘书，领证上岗。
5.课程评价
学校以关注学生发展为落脚点，不以成败论英雄，不只看最后的结果，更关注学生在学习过程中的体验和提高。课程组按照项目技能难易度列出每个年级的技能达标要求，并制定“项目三维”评价目标，即葫芦丝课程：演奏仪态、演奏技能和演奏情感；纸艺课程：制作规范、制作技能和生活应用；毽球和跳绳课程：锻炼习惯、运动技能和身体素质。教师在日常活动和学期末依据评价标准对学生进行检测和定级。
东莞松山湖中心小学“全人课程”中的拓展型课程，以课程建设的理念、方法和策略实施“体育艺术2+1项目”，有别于一般意义上的“活动”形式。它有阶梯发展的教材内容和教学目标，有明确的课时和充足的师资保障，有清晰的教学指南和层级评价标准，并建立了较为完善的课程管理制度。拓展型课程实施几年来，学生在“2+1项目”上的技能学习获得显著提高。
路径二：从基础型课程入手，探索“1+X”教学
技能的形成和掌握，是提升素养的关键所在，而技能的形成必须通过长时间的练习来获得。现阶段的音体美教材，各项目内容的学习，基本上都是按照从易到难的梯度以不同的课时数分解到各年段各学期落实的，“面广”而“点散”，不利于技能的形成。以岭南版小学美术教材中关于泥塑、水墨、版画项目的学习为例，各项目分布到不同学年段，每学期也就只有2～3课时。在实际教学中，教师常因课程能力和课程意识的不足，不能很好地上下、前后贯通教材，理解编者意图，导致课程各项目的学习前后失联、上下脱节，每项内容都只能是蜻蜓点水，简单地“了解和尝试”成了每个项目内容的学习结果。浅尝辄止无法形成技能，更无法促进素养的提升，音体美课程的“面面俱到”，最终造成当下“博学而无术”的状态。由此可见，音体美“博学无术”的根在于学科教学自身，真正解决问题必须从音体美课堂教学入手。
东莞松山湖中心小学完成学校课程再造的过程中，音乐科组尝试将葫芦丝与音乐学科的深度融合。目前，音乐课堂教学成了葫芦丝教学的主阵地，而“一门兴趣爱好”课程逐渐演变成了配角。从前年开始，东莞松山湖中心小学尝试实施音体美“1+X”教学。“X”指跑、跳、投、写、画、剪、唱、演、识谱等音体美基本技能，“1”指专项技能。在音乐学科，“1”即葫芦丝；在体育学科，“1”即毽球和跳绳；在美术学科，“1”即纸艺。“1”是抓手，通过把这个看得见、摸得着的“1”整合进音体美课堂教学，带动学生体育、艺术素养的全面提升。
1.内容整合
“1+X”专项技能进课堂，并不是在音体美原有课程内容之外的重复或增加，而是在遵循国家教育部门要求的前提下，通过对原有的国家、地方、校本课程在教材、课时以及课程管理上不适合学校实际的内容进行的重组和优化，重新编写了适用于1～6年级的《文武秀》（跳绳、毽球的教材）、《纸艺》和《葫芦丝》教材。“1+X”教学是在学校课程体系的统筹下，以课程的定义把葫芦丝、毽球、跳绳和纸艺等项目技能的学习内容整合到音体美课堂教学中，面向全体学生普及专项技能。以纸艺内容的整合为例，学校现使用的岭南版小学1～12册美术教材，涉及纸艺内容的有80多课，是绘画项目之外编排最多的内容。但是，在课时的分配、难易梯度的安排、材料综合的选择、技能培养的系统性以及学生生活实际的影响等方面缺少整体思考，导致学生六年的纸艺内容学习差强人意，没能真正形成纸艺技能。学校美术科组把当下各版本小学美术教材中关于纸艺教学的内容进行梳理和筛选，将纸艺教学内容统整为折纸、剪纸、纸塑和纸雕四大类，按照难易梯度、技能培养的循序渐进，编制适合各年级学习的内容，替换和优化现有美术教材中不适合学校教学和学生学习的内容。
2.教学整合
在专项技能的教学上，主要有集中教学、单元教学和整合应用教学三种策略。纸艺教学主要以单元教学为主；葫芦丝、毽球和跳绳在一二年级入门阶段以集中教学为主；整合运用教学根据需要贯穿各专项技能即“X”教学的始终，如在体育课堂上，将毽球和跳绳技能融合进课前准备及课后放松活动以及课间游戏环节等。以葫芦丝项目教学为例，在开展的初始阶段，即入门阶段，主要采用集中教学的方式进行，在一、二年级集中进行识谱教学和葫芦丝指法教学。到了三、四年级，结合音乐课堂教学内容和生活中喜闻乐见的乐曲，进行葫芦丝整合应用教学。六年下来，学生葫芦丝演奏水平显著提高，人人都能吹奏一手优美的葫芦丝乐曲。
3.时间整合
依据各专项技能教学策略的选择，在课时安排上有集中、有分散、有融合。例如纸艺教学主要采用单元教学方式，在每学期的第三周开始，连续四周时间开展纸艺教学，强化纸艺技能的学习；葫芦丝和毽球、跳绳项目在一、二年级，每周单独用一节课的时间进行技能基础入门教学，同时，积极进行专项技能整合应用教学策略的研究探索，鼓励教师在日常教学中融入专项技能的学习内容。
4.评价整合
把“1”整合进音体美课堂教学后，在课程评价上进行整合。音体美学科测评分为两大块：一是学科学习测评，占总分值60%；二是“1”的评价，及专项技能测评，占总分值的40%。两者相加，组成课程学习的评价分值。通过整合，改变了以往音体美课程评价“务虚”的倾向，让评价落到了实处。
“1+X”教学的实践研究，在短短两三年时间里就显示出强劲活力。现在，学校里的每一个孩子都会纸艺，会吹葫芦丝，会跳绳和踢毽球，学生的体育、艺术素养获得长足进步。通过“1+X”教学研究，教师的课程能力和课程意识也得到快速发展。教师能够逐渐将实践“1”的课程思维移植到每个“X”的教学研究上，有效地促进了“X”的教学。“1”和“X”互为依托，共同进步，音体美课堂教学真正从“博学无术”向“博学有术”转变。
篇7
任何教育都是在既定的培养目标下进行，美术教育同样以培养取向不同分为“美术教育”和“教育美术”。在“美术教育”（美术取向的教育）中，以突出美术创作、研究、发展为抓手，开设艺术基础情感培养、科学理论积累、技法创作探究的课程。加大对艺术领域的挖掘力度，针对时下媒体热点的艺术新事物进行探索，逐步对动漫产业艺术引领的卡通、行艺为绘画等新兴术动向进行挖掘。课堂教学中不断探究能够适应社会经济发展的美术需求，重点对绘画时代思维形成较为稳定的导向价值，运用流行的美术话语、美术展览，提升传统美术教育理论。尽管这只是美术教育理论面临挑战的一个焦点而已。但从美术教育理论发展的轨迹分析，则可以更为清晰地概括出美术教育理论与实践的分化融合的趋势。
不可否认，任何理论的产生都有着它特定时代背景。在民族文化蓬勃发展，世界文化相容相成的时代里，美术理论更需要适时赋予它新的含义。出现理论被实践即技法相隔离的现象，这说明我们的理论在技法训练中的指导性价值还没有真正得到实现，或者在技法实践中，学习者对理论的渗透把握度还不够。笔者始终认为，理论指导实践，实践反作用于理论的道理。专业美术教育教学中，美术理论课程的开设，都是专家经过多次论证得出的结果，具有很强的科学性。只不过在不同课程作用联系上存在一时的权重之别。所以它的基本作用仍然体现在指导实践提升素养的前提下。
二、美术理论在公共课程教学过程中的辅助作用
值得高兴的是，美术课程开设，开始走向交融相并的良好局面。当下流行一个新职业叫做美术心理治疗即绘画疗法。绘画疗法最早起源于上世纪20世纪初对精神病艺术家的研，目前，绘画疗法在西方国家已经得到广泛的应用，成为心理咨询和治疗的主要技术之一，我们国家也在逐步尝试。当然，这里讲这样的一个例子，并不是鼓动大家都以美术为专业来学习。我想说明的是，美术在人的生活中吃、穿、住、行的渗透已成不辨的事实，而今美术开始从表及里，它的影响力注入人的各个器官，作用不仅仅停留在视觉中。这门学科已经成为名副其实的公共性综合学科。
美术的影响力已经成为人们日常生活不可离弃的有机组成部分。在这样的背景下，笔者认为高校对各个学科开设公共美术课是非常理智且必要的，各高校应该以此作为创新学校课程设置、优化教学资源的契机来抓，真正落实到以人文本的教育教学初衷上来。其实，高校开设的公共美术课程，结合实际，就应更多地开设美术史论、美术鉴赏、美学常识等艺术理论课。目的，通过这些美术知识的学习帮助提高审美情趣，陶冶情操，开拓创新精神，丰富美的感受，触动对美的思考，最终达到身心美，寓教于乐，健全人格。跟以美术取向的美术教育比起来，这种以教育取向的美术教育，还有一个重要的目的就是更多的是关注人们的素质的提高。它的影响力远远没有专业美术教育那样功利。相反，让其它学科的同学学习美术理论，能更好地通过发现美（即事物发展的内在规律）帮助其理解自己学科内部的联系。促进对所学学科有个更加广阔的发展空间，起到一个辅助、补充的作用。
三、理论在美术教育中为人的全面发展提供前瞻性作用
人文精神是 “以人为本”的人文教育的核心，它是以人文关怀、 人文价值为内容，以人格的完善为最终目标。近几年，关注人文精神的培养已成为有识之士的共识。美术作为人类精神的物化必然与人类自身有关美术可以从“人类学“、“心理学”等视角深入研究。为什么在不同时代，随着时代的发展人们的审美会发生变化，社会心理会对美术产生什么影响，反过来美术形式层次的变化又会影响社会的审美心理，其间是一个动态的反馈机制。
美术和心理学不同之处，美术是典型视觉艺术，而心理学则是抽象艺术的物化。哲学家亚里士多德感言：唔爱吾师，吾更爱真理！美术理论作为人文社会科学的一份子，通过美术史论、美学思想、美的教育美化人的心灵，促进人的全面发展。在这里，更加充分地体现了美术理论是为真理的存在意义。心理学所提及的却往往可以通过美术及其理论进行教育后通过创作，实现美的视觉化。
而美术理论教育在人的发展过程中具有其他学科替代不了的作用，有着特殊的地位。美术的趣味性、直观性，具有很强的吸引力。美术教育的多样性、灵活性使得这门学科充满活力。美术理论通过丰富的课堂教学能够带给学生无穷的乐趣和创造的欢乐，为促进其全面发展提供了前瞻性的作用。突出体现可从以下几方面来归纳：
1.美术史论及其鉴赏，在教育中形式的多样性、文化提炼的多元性，有利于受教者构建科学的思维辨别能力，直观感受能力。
2.美术教育有利于提高学生的“情商”
3.美术批评课程开设直接影响受教者高审美判断和审美趣味的提高，是其全面发展不可缺少的知识获取部分。
4.美术史论、批评（画论）、美术鉴赏为学生提高文化理论素养，艺术分析能力，培养学生独特个性和创造力效果明显。
5.美术理论本身就是智慧的结晶，是建立在前辈实践创作的总结上得出的规律。理论课程教学本身就有一种启迪功效，净化心灵。
6.理论教学就是人的全面发展教育的有机部分。这也是人的综合性所要求的。
四、美术理论的科学性对文化传承具有的传播作用
实践是检验真理的唯一标准。中国画论中最提倡的是“外师造化，中得心源。”我们的先辈们借助自然的灵气，向大自然诠释美的生命意义，在人类创造美好未来时，积累先进经验，继往开来。美术家用自己独特的方式在诠释着对中国独特的传统文化精髓，用艺术的语言提炼着东方文化的精华。按照中国美学（哲学）思维出发，美术理论从“法” 、“理”、“道”三个层次都依次说明了中国美术理论在美术实践积累中留下科学合理的内在价值。第一层次属于美术的技法操作层次，第二层次为美术的本体层次，第三层次属于文化哲学层次。从这三个层次的意义上来说，我们再看何为中国传统文化？传统文化即使是中国古圣先贤几千年经验、智慧的结晶，其核心就是道德教育，突出民族特质。如是，美术鉴赏通过理论对作品的理性分析，美术教育理论通过加强情感教育，突出人文关怀，更能立于教育的初衷，缓解人们偏见思想的左右，达到“真善美“的道德行为之触动。
中国美术理论的延续就是在继承中国文化脉络的基础上发展起来的。不管以前还是现在，美术理论的形成、阐释都是围绕着中国传统文化的发展进行的，以此对美术理论及其教学都将是对中国文化传承起到重要的传播作用。
1.美术理论通过教育教学的形式，总结前人的经验，汇聚前人的智慧，从美学思想中感悟传统的“法、理、道”。传承中国文化。
2.美术理论通过扩展其研究范围，通过加大艺术实践，丰富传统文化的内涵，传达民族文化发展和需求。
3.中国地大物博，历史源远流长，传统画论思想的延续本身就是中国传统文化的继承。
4.美术鉴赏通过对不同时代作品评析，在前人实践经验的基础上，明晰中国文化发展的脉搏，了解中国历史波折，传承中国传统文化。
五、为艺术家学习前人经验提供基础和借鉴作用
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目前高校为了顺应社会的需求和发展，纷纷开设艺术类的相关课程，从架上绘画到壁画、磨漆画再到雕塑、设计艺术的诸多研究方向，美术教学呈现出异常繁杂的局面。这种多元化的学科教学，为市场提供了许多宝贵的资源，然而，也暴露出艺术教学自身的诸多局限性。学科门类的开辟顺应了市场的需要，然而，教学自身并未真正体现本来应有的内容和意义。这就好比在光鲜亮丽的外表之下，却拥有着空虚的灵魂。对于美术教学而言，革新是必须的。这种革新不仅仅是对后期专业教学的要求，更是应该从基础教学抓起的。美术基础教学作为美术教学的初级阶段，应该被放到一个重要的位置上去，但讽刺的是，事实却并非如此。目前，高校美术基础教学普遍存在一个热身应景的现象。学生离开高考时期的考前班，进入了真正意义上的美术高等学府，但对于所谓的美术基础而言，了解是薄弱的，仅仅停留在考前班时期接触的素描、色彩、速写这些所谓美术实践基础教学的基础造型训练的层面上。这种对于美术基础的了解是片面的，是狭隘的。在进行这些训练的同时，也只是注重考前班时期的要求，并未了解素描、色彩等造型训练的真正灵魂和意义。这种现象也许是由于美术高考制度的不科学造成的，美术高考仅是一种通过性的考试，其标准并未能够符合艺术学习的初衷，并且，从未让学生和老师注意到对于艺术才情萌芽时期的培养法则，由此，也便“铸就”了许多速成的例子。忽视基础教学对于美术教学的效果而言，并不是一个有利的因素，恰恰相反，它将阻碍美术教学的长远发展以及艺术未来的走向。我们所说的美术基础教学应该分为理论和实践两个部分。理论旨在培养艺术情操的萌芽，而实践则是对所谓的素描、色彩等造型实践能力的训练。在美术实践基础教学领域，素描教学是一个应该被革新和矫正的重点部分。素描作为集结纯艺术和设计艺术等美术类学科共同的实践基础训练，被放在一个至关重要的位置之上。素描训练的确对于美术学习而言，有着重要的意义，这种意义是严肃的，杜绝任何的随意性。从目前来看，我们的素描教学领域存在着诸多问题。第一，素描训练的意义何在。素描到底是为了训练写实的造型能力，还是为了训练一种对于客观物象的内心感悟。第二，素描的标准是什么。写实素描算好素描，还是在进行素描训练时，将自己的艺术理念和情怀融入于素描之中，突出自身对于艺术对于客体的理解和思考。第三，对于素描课程的设置是否只出现在低年级，对于高年级而言，素描课程是否也存在必要性。第四，素描课程是否只是对于静物或者人物的写生，是否应该开辟更多的课程内容等。这些问题一直伴随着高校素描教学，素描成为一门暧昧的基础训练课，其标准是含糊的。在我看来，对于素描的不同学习阶段的标准设置，应该被明确地提出。只有这样，才能更好地利用素描训练，让习画者从中更好地领悟到素描的精髓，让素描更好地发挥自身价值，从而被重视，而不是在通过美术高考之后，将素描束之高阁，脱离了原本应有的训练过程而直接奔向所谓的美术的更高层面。可以说，素描对于艺术学习的各个科类和各个阶段，都是具有非凡意义的实践训练，然而，在美术基础教学的不同阶段，素描呈现出不同的标准。但有一点是不变的，那就是素描也存在情感和生命力，要注重对于内部情怀的把握，无论是写实抑或信手涂鸦，都应该把握素描之美，让真实情感和体验贯穿于画面，这是素描的各个学习阶段应该注意的基本点。美术教学应该注重素描的应用，传达素描训练的真正意义，这样才能让习画者更好地运用这项实践训练法则，从而赋予素描生命力，这就是素描之灵修。
二、素描教学改革之重要性及陈旧素描理念的不良影响
素描灵修之重要性并未真正被学生和老师认识到，从而造成了素描课程的索然无味。如今，高校中的素描教学存在着理念陈旧、课程设置不合理等诸多问题。素描教学似乎是沿袭着考前班的套路，让学生们继续考前班的训练理念，并未提出系统的应对高校美术学习的要求，素描课程似乎只是作为大学学习的一个热身项目而存在，并未发挥其本身的重要性能—训练一种对于客观事物的敏锐理智的洞察力。教学内容也表现出很强的随意性，任课教师也并未真正地做出一套系统的循序渐进的教学计划，而是草率地安排一下静物还是人物，着衣还是人体的素描课，并未试图通过素描教学来更正某些绘画理念，并且从中发掘每位同学将来的发展方向。素描似乎成为局限于室内的狭隘的教学模式，而没有真正开创立体式的教学。这让素描成为学生的累赘，让学生觉得素描课程是一种时间的浪费，认为素描远不及后面的各类教学来得有意义……在我看来，素描教学是培养学生对于客观物体敏锐洞察力的有力手段，是一种在不同美术训练阶段呈现不同标准和功能的训练项目。它是基础训练，同时又是一种检验法则。素描的训练通过简单的媒介，让画面在单一色调中呈现出自身独特的韵味，那种韵味也是一种画者对于客观物象的思考和理解。这是一种训练习画者的绘画感受力的最直接最单纯的方式之一，素描的训练能够锻炼画者最原始的绘画理性。我们的绘画是情感的寄予，同时，也是人类理性思维的表现。美术本身应该是感性和理性结合的产物，这是不应该被割裂开的。我们所说的素描训练，正是通过最原始、最单纯的方式，来训练那种理性上的感性捕捉。听起来，也许这是矛盾的，然而，正是矛盾才铸就了美术的独特魅力，那种集合感性和理性的平衡之美。从目前来看，我们的素描教学缺失的正是一种对于艺术感受力最原始的捕捉的训练，而是偏向于机械地写实，让很容易变得枯燥的素描，更快地显得苍白乏味。并且在往后的学习训练中，素描被割裂开去，成为训练初级阶段的某种方式，而不是一个伴随整个美术学习终身的训练法则，这必将造成素描课程的荒废和艺术感受力训练的缺失。对于素描训练的目的性的不统一，以及训练法则的单一，以至于素描迅速被高年级摒弃，散失本应该有的意义。素描训练之于美术学习的意义，好比网球训练中的打墙，无论在训练学习的哪一个阶段，都是重要的，不能被随意摒弃，它也是一种心灵的修为方式，一种训练纯朴的情感和理性的表达的有效途径。
三、素描教学改革之具体措施
对于目前高校的美术基础教学而言，素描教学作为其重要组成部分，它的改革应该被提上日程。真正把握素描之美，感受素描的内涵，注重素描的灵修是非常重要的。
第一，素描教学改革的当务之急应该在于对素描在整体美术教学中的地位的肯定。素描是训练情感和理性巧妙结合的有效手段，在美术学习的各个阶段都起到不可替代的作用，而不是像目前大众认为的一般仅存在于美术学习的初级阶段。应该这么理解，素描的确是美术入门的有效手段，可是它可以伴随整个学习过程，而不是在入门之后就随之遗弃。有人说，美术学习看的是天赋，可以不需要通过素描学习也能够发展。此话部分是正确的。美术学习的确需要天然的悟性和才情，然而，还需要后天的正确引导和努力，否则，才情将不能很好地开发出来。这就好比玉石，需要雕琢，否则将无法展现自身的润泽。上面所说的后天的引导和努力，素描正是其有效的引导途径和努力的方向。通过素描训练，能够有效获得一种对于客观物象的理想感知，并且能够训练一定的所谓基本功—写实能力、变形能力、造型能力等。通过素描，可以训练眼、心、手的协调和统一。美术正是一种思维、客观物象和媒介的协调艺术。因此，素描训练首先在于正确定义素描在基础教学乃至整个美术教学过程中的作用和地位，提高重视性。
第二，素描教学的课程设计应该具有一定的连贯性。因为，素描教学是伴随美术学习的深入而不断发展变化并且呈现出不同训练目的和方向的训练项目。因此，高校应该对于各个年级及阶段配备相应的素描教学课程，并且和专业研究方向的课程相互结合与协调，让素描训练有效伴随整个教学过程，而不是将素描教学从高年级的教学中割裂，只作为有需要和兴趣的学生课外的练习项目。素描教学能够促进专业方向的学习，就好比油画教学过程中，素描的程度能够影响到油画写生的概括和总结提炼能力。
第三，素描教学应该在课程内容设置上创新和发展。传统的素描教学总是局限于教室之内，静物写生抑或是人体写生。这对于学生的学习来说，似乎失去了应有的刺激和新鲜感，模特儿的几个动态，似乎将造成对于人体的某种概念化理解，此外，静物的概念性摆放也将让学生产生某些思维定式。由此，让素描课显得越发枯燥乏味。在我看来，素描课程的内容设置应该是动静结合、室内和室外结合、常规和新颖结合。诸如在室内的教学中，可以将人物和静物写生结合进行。静物可以是常规的瓶子、石膏等，也可以是植物及工业产品等。人物则可以是着衣人物或人体。这些项目可以根据难易程度循序渐进安排，并且相应地结合。此外，还可开通室外的素描训练，走入自然，描绘自然景观和人文景观，在室外的素描训练更能够锻炼习画者对于客观物象的短时间把握能力。因为，室外景物不断变化运动的速度更加迅速，这样更能够训练一种瞬间的捕捉能力。另外还要注意的一个重要方面在于在素描训练中就应该融入各种平面美术教学应该具有的理念。比如，构图的美观和科学。素描习作并非草稿或是草图，也许草稿式的试验和挑战的确是素描可以存在的一种方式，然而，素描作为一种美术基础实践，必定也不能够放弃美观的原则。因此，构图对于素描训练而言是很重要的，素描也是训练平面构成能力的有效途径。
第四，素描教学还应该将短期和长期相结合。目前在许多高校教学中都将素描习作的训练时间有意拉长。一件素描习作也许耗时几周以上。长期的素描作业，的确可以训练习画者的深入作画能力，能够锻炼对于客观物象的理解力，训练应有的塑造能力。然而，长时间的素描习作也将让习画者逐渐抹去了对于客观物象的第一时间的感受经验，那就是那种客观物象在心中的第一时间的映像。这种感受的消失，将让素描习作成为概念化的客观再现，而不能够很好地达到那种情感和理性相互融合的训练目的。因此，素描训练中应该注重长期习作和短期习作相互结合，让两者都能够得到良好的发展、共同促进，达成所期望的效果。
第五，素描教学还应该倡导不同时期具有不同的训练目的的理念。绘画学习的不同阶段，素描训练也应该通过不同的方式来达成不同的训练目的。譬如，在绘画学习的初级阶段，素描学习应该注重对造型能力的理解和把握。进入专业学习阶段，就应该根据自身专业的需要来制定不同的素描学习计划。进入创作阶段，素描也就演变为针对创作的需要而进行的方式，并不一定必须拘泥于对于客观物象的再现等。素描在不同的阶段，有其自身不同的训练方法和目的，然而，这都将促进习画者的美术修为，都是内心情感和理性进一步相结合、相协调的有效方法，从而焕发素描的内在灵魂，成就有修养的素描，这就是素描的灵修方式，也是表达素描之美的重要途径。
四、素描教学改革之展望
素描教学的诸多具体实施法则，都将提高素描教学的效果，从而促进美术教育的向前发展。这种多方位的把握，也将让素描焕发出自身的魅力，让素描课程更具有针对性和吸引力，从而赋予素描鲜活的灵魂。这种具有了灵魂的素描教学，将大力激发学生的学习兴趣，开创新颖的基础学习方式，提高习画者对于素描的认同感，提高素描习作中的修养和内涵，从而让素描的灵修得以实现。然而，素描教学革新的过程并不会是一条平坦的路途。在革新的过程中，必然会遇见许多困难。首先在于如何将已根深蒂固的素描即“初学者的训练”理念纠正过来，让教师和学生都认识到素描对于美术教学的各个阶段而言，都有其重要的存在价值和意义。其次，在素描教学的过程之中，对于不同专业不同学习阶段的教学而言，素描训练的标准定位需要通过复杂的论证过程来制定。这个标准的制定需要根据许多具体的因素，诸如专业的方向、习画者自身的美术特质和才情以及专业的学习程度等。再次，素描教学中的感性和理性的结合，也存在着一定的矛盾，很难取得理想的协调。这需要通过长期地坚持不懈地理论积累和实践总结。这也是素描学习中最重要的部分，这是有内涵的素描之关键所在。对于以上问题的解决，是素描改革过程中的重点和难点。对于素描教学创新而言，是一个重要的组成部分，只有做到了以上几点，素描改革才能够真正被实现。在未来美术基础教学发展的过程中，素描教学改革充满了价值和意义。只有做到从基础教学就融入情感和理性共同培养、多方位的绘画内容相结合的理念，我们的美术教学才能朝着更好的方向发展，习画者的美术造诣才能更好地被发掘和发展。素描并不是一门枯燥的训练课程，它充满着质朴的意义，好比地球的大气层，虽然肉眼未必能够识破，然而其作用是巨大的。没有了创新的素描教学理念，也许将使习画者的某些艺术品质通过更漫长的时间才能得以发掘。因此，素描之灵修将使我们的美术学习从一开始就充满了期望。
参考文献：
1.谢恒星.现代架上绘画的构图形式解读.青海师范大学学报：哲学社会科学版,2009
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如何改变这种状况，让学生掌握更多的知识和较高的技能，能在较短的时间内考上自己理想的大学。作为一名多年任教高考美术的教师，不光要提高自身的专业素质，还要将自己的知识有系统的教给学生，让他们学好，学透，变成他们自己的东西，从而达到理想的效果。由过去单独辅导，改变成现在的单独辅导加讲大堂相结合，以学生为主体的教学模式上来。在对学生进行辅导方面，也尝试过很多的教学方法，我认为临摹对学生的学习有很大的帮助，它能快速地提高学生的绘画基本技能，从而让他们的绘画水平向前迈进一大步。我国古代的传统绘画教学最重视临摹，学习前人是入门的最佳手段和途径。下面结合近几年的教学实践，谈谈几点初浅的体会。
一、范画的选择要“精”
俗话说“眼高才能手高”。美术教师为了快速提高美术考生的绘画技能和眼界，需要有大量的优秀范画让学生临摹，我的个人经验也说明了临摹好画、学习前人是最快捷有效的方法。用功多画当然重要，但更重要的是，要有一个正确的训练方法，然后再去用功，这样才是有效的。如果方法不对的话，用功太多等于巩固“错误”，越走越远，非但不会进步，反而会养成难改的坏习惯。
1.要选择一些质量好的作品。对好作品在临的过程中揣摩它的画面构图、结构的穿插及细节的处理，达到学而能用的目的。这也是临摹的最终目的。
2.要选择能准确表现结构关系的作品。因为这类作品能抓住结构的本质要素。有些初学者更愿意选择一些表面色彩华丽或风格独特的作品为范画，这往往容易被飞扬的笔触所吸引，而忽略了作品中真正要临摹的东西。
3.还可以临摹一些上几届优秀生的优秀范画。从这些范画中，学生能分析出具体的表现技法和概括手段，有利于学习他人的用笔和细节的表现，对画面的处理甚至败笔也能一目了然。
二、读画的程度要“透”
在学习美术的最初阶段，很多学生可能进行过写生练习，还有的也临摹过书上的范画，但因为没有教师的指点或充分的领悟，往往临摹不得法，效果也很不理想。我认为读画就像读文章，要琢磨透作品中所说的中心思想是什么。到底怎样读，读什么？总结多年来的经验，主要有三个方面：
第一是读“构图”。在临摹前，仔细观察原画的构图，利用比例、参照物等多种方法把构图找准。
第二是读“形准”。临每一幅画都要临摹的像，也就是说造型要准。这是咱们练习绘画的一项基本要求。它也是按照比例、透视去找形。
第三是读“结构”。初学者画画往往是画模特表面，画面画出来肤浅，不结实，换句话说就是没有骨头、肉。
三、临摹的方式要“活”
在临摹时要注重方式的多样性：
1.临摹与写生相结合：学生的临摹是为了解决写生中的疑惑和不足之处，不能以临摹代替写生。否则，会造成学生不照着别人的作品就画不出来。临摹一定要遵循写生――临摹――在写生――在临摹――熟练写生的规律。
2.长期练习与短期练习相结合：临摹不是复制，为研究物体及物体之间的大比例、大明暗、大关系，我们通常进行短期练习，时间一般控制在3小时左右，比如头像明暗调子练习；但初学者不能总是停留在大关系和大效果上，要继续提高，要学会深入，必须进行长期练习，时间一般6小时以上，对画面形体结构、虚实表现手法、整体与结构进行深入的研究。
3.整体临摹与分解临摹相结合：在学生临摹整体对象的过程中，教师可安排学生对临摹对象的各部分进行临摹的教学方法。其作用是让学生了解整体与局部关系，降低临摹难度，消除学生临摹的畏惧感，达到化难为易的教学效果。
四、作画的态度要“诚”
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（一）学生对美术鉴赏课没有概念缺乏兴趣。
学生既不了解也不想了解这门课，上课当做休息，很多学生做别科作业或者睡觉或者看杂志，只有少数学生在认真听课。
（二）学生非常缺乏美术鉴赏知识，更缺少对美的感受力。
缺乏基本的美术鉴赏知识，翻开课本，对美术作品毫无感觉，停留在画的像就是好的阶段。
二、问题成因及相关因素分析
（一）多数学生小学初中的美术课几乎没上过，对美术课完全没有概念。只有少数学生上过美术课，主要是简单的手工制作为主，课堂比较松散，没有培养起认真上美术鉴赏课的态度，更不重视美术知识的积累和美感的培养。
（二）高考不考美术鉴赏，没有学习的动力。
在当下功利性学习的环境中，与高考无关的课程都被学生拒之门外，如音体美课，社会实践课，信息技术课。
（三）被动学习导致生活感受力无法成长。
学生们自上学以来，生活方面被家长包办，学生被动的为分数学习，不知道学习到底为了什么，既没有从学习中获得乐趣和成就感，也没有成长起对生活的感受能力，也就无法自主的感受艺术中的情境。
三、改变现状的行动设计
（一）灵活利用课本，自主补充教材。
在教学实践中我有个明显的感受，就是一级一级教下去，学生的对课本的接受能力越来越低了，固然有学生自身的理解能力问题，但是课本内容的陈旧也是不容忽视的。
第一，大胆删节课本内容，精讲提炼出来的问题。
美术鉴赏很有意思，但教科书写的很乏味。我针对学生基础薄弱的特点，用很浅显的话，简单总结出来，无需面面俱到，让学生建立一个提纲的概念，再慢慢往里填充。美育是一生的任务，中学阶段只需引领他们入门，入门的门槛要低，才能卸下他们的思想负担，进入艺术世界。
第二，大量加入课本外的知识，略讲，用来拓展学生眼界。
国内外的现代画家，本地的艺术现象，各种画展太多了，需要把适合学生的精心挑选出来，如内容积极向上的，表达方式新奇有趣的等等。课本上的内容离学生太遥远了，只有联系到当下，联系到身边的东西，才能吸引学生。
（二）钻研授课方法。
有了学生感兴趣的内容，还要用学生喜欢的授课方法讲出来，才能时刻抓住学生的注意力，顺利的达成教学目标。
关注百家讲坛几年，我琢磨过纪连海和袁腾飞的讲课方式。他们有四个共同点，一是精深的研究专业，二是他们的语言最为风趣幽默，穿插许多趣闻甚至八卦，能时刻抓住学生的兴趣。考试肯定是不可能考趣闻的，但趣闻不是孤立的，是跟知识点联系在一起的。提到某个知识点的时候，能根据趣闻联想起相关的知识点。兴趣永远是第一位的，让他自己去看书，不见得有这种兴趣，不见得印象这么深刻。三是注意知识点的联系，和其他学科的整合。
（三）学科整合。
知识本身就是个整体，在美术课上获得的新知识，可以插入地理历史体系，可以从文学里找到共同点，更可以在音乐中找到相同的题材，这样在美术课上能够不断的获得惊喜，不断的丰富自己的知识体系，学生就能长久的保持兴趣。我每次上课都给学生推荐相关的文学作品和电影。
四、行动实施的过程
（一）活用课本。
首先，先打动自己，再打动学生。
美术鉴赏不参加高考是好事，不必去强记琐碎的美术史，而是单纯的为心灵的收获而鉴赏。每一件艺术品都是艺术家的心血铸成，代表了艺术家的一段生命，反映了对生命对艺术对世界的探索和看法，可以深深的打动人的心灵。当我看画册或者阅读关于他们的书籍时，总会被他们深深感动，这种感动是美好的，是灵魂受到触动受到洗涤时的柔软，这是艺术的精髓所在，是欣赏艺术的目的。如果不把这一点传达给学生，那这个美术鉴赏就是失败的。
其次，培养审美能力最好的办法是从故事进入。
学生最喜欢听故事了，大师一般都有很有意思的经历和人格的魅力，很能感染人、打动人。学生一旦被感染、被打动，就会对这位大师产生好奇心，就想看看他的画，在这种前提下，再输入大师的艺术，学生就比较容易感同身受，容易理解大师的艺术。
再次，捕捉提高审美能力的教机
在最初的时候，尽可能的用比较高的品味去培养感受力，慢慢的，学生会自动的把生活在低品味的东西剔除出去，形成一个良性的循环。在课堂上随机出现的教机是非常宝贵的，能抓住和利用好教机也是非常能够考验老师素质和能力的。
（二）美术鉴赏与其他知识的整合。
我的课件有三部分组成，一是“画廊之旅”，介绍鉴赏知识和分析美术作品；二是“培养发现美的眼睛”，我拍摄身边有美感的情景，分享给他们，指引他们去关注身边之美。三是“每周一推”，向他们推荐适合他们的书和电影，并听取他们的感受。
五、行动实施的结论
（一）学生的生活需要榜样。
样可能是明星，可能是老师，也可能是文学作品中的人物，也可能是艺术家本人。什么样的榜样铸造什么样的人生，在学生需要榜样的时候，老师有责任提供优秀的榜样，给他们的人生做指引。
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我国大中专美术教育，在迎来了大发展大繁荣的同时，也面临着体制机制、教学等方面的问题。其中，教学方面存在的问题，直接影响整个大中专美术教育的效果和质量。
这些问题主要是：
(一)过分强调实用性。大中专美术教学的主要目标，是培养实用型的美术人才和实践人员。这既是大中专美术教育的主要特点，也是根本目标。可见，艺术性和实用性，是大中专美术教育的两大基本属性。
一方面，职业教育与社会发展密切相关，实践性、应用性是职业教育课程设置的重要属性。大中专美术教育必须遵守"目标明确，突出技能"、"面向社会，联系实际"等现代职业技能教育的基本原则和宗旨，另一方面，大中专美术教育也必须遵守美术学的一般规律。从根本上讲，这两个基本属性之间是不存在本质冲突的，大中专美术教育的艺术性是为实用的，其实用性建立在艺术性的基础之上。
(二)多媒体教学比重过大。伴随多媒体教学技术，尤其是计算机技术的日新月异，在大中专美术课程教学中的多媒体教学大有反宾为主的趋势。多媒体技术所具有的形象性、生动性、可感性，本是为了实现大中专美术课程的教学目标服务的，但是现在多媒体教学在某种程度上的过度使用，实际上起了分散学生注意力的作用，甚至导致了与教学目标背道而驰的后果，大中专美术课程越来越有变为大中专计算机课程的危险倾向。
（三）、专业基础课与专业课关系失衡。大中专美术设计类专业的课程繁多,但大体上可以分为专业基础课和专业课两类。专业基础课包括素描、色彩、构成等科目,专业课包括CorelDRAW、Photoshop、手绘pop、VI视觉形象设计等等。专业基础课的主要宗旨是培养学生的美术基本素养和技能,而专业课则是在专业基础课的基础之上,根据大中专院校美术专业的办学宗旨、目标和特色所开设的科目。就二者的关系来说,专业基础课是前提,专业课则是建立在基础课之上的进一步发展。
二、建立多样化教学模式
(一)多元化的教学活动。我们充分利用多种教学方式，主要使用知识传授与自我学习相结合、教学实践与科学研究相结合、课堂实训与课外实践相结合的方式来进行多样化的教学活动。
1．知识传授与自我学习相结合。强调启发式教学，除了在课堂上进行课堂讲授和理论的讲解外，我们还注重对学生的自学能力的培养。采用多个课堂、多条途径、多种方式相对灵活的教学活动方式，整合课程科目后，更加灵活的将这种方式运用到我们的教学中，对本专业的相关知识"影视广告设计"、"网页制作"等课程的整合充分的调动课堂知识传授与学生自我学习的结合，使学生的学习积极性增强。
2．课堂教学与室外写生、考察相结合。专业基础课教师进行室内教学实践的同时，经常带学生去野外、公园写生，使学生的观察认知对象从很有限的几个静物扩展到眼中所能看到的一切，从而提高学生的观察事物的敏锐性和绘画积极性。专业课老师则带学生去图书馆观察研究书籍装帧的原理及一般规律，去商场超市探索包装的奥妙，去商业繁荣区发现学习广告的设计技法，极大的提高了学生创作的积极性。
3．课堂实训与课外实践相结合。中等职业教育的特色在于对学生们的应用性技能的培养，所以大中专学生必须增强自己的实践技能的培养，这也是本专业始终坚持的办学特色。
(二)多层次的教学方式。教学方式的探索与改进一直是本专业教学改革的一个重点课题。为了能够使用多层次的教学方式更好地体现出教学特色和实现教学目标，运用了案例分析、情景模拟和讲评结合等新颖的教学方法，我们在教学方式上主要形成了教师现场授课与实习指导、开放型自我实践、引导性与探索性结合实践三个主要的层次。
1．教师现场授课与实习指导。无论是理论课教学还是实践课教学，都要求教师能够将现场授课与实习实训指导结合起来，对刚加入本专业的学生，进行理论知识教学，由教师带领学生在现场指导见习的教学方式，以便学生理解教学内容和要求、熟悉了理论课程体系和实践实训体系，迅速引导学生入门了解本专业教学内容体系。
2．开放型自我实践。对于具备了一定基础理论知识和相关的基本技能，建立了基本的理论与实践知识体系的学生，本专业开发了进行开放型自我实践的教学方式，通过教师引导、培养学生自己获取知识的能力，让学生充分发挥主观能动性和创造性。在综合设计型实践教学和课外创新活动中，采取研究和探索性实践方式。
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美术课是教育部为发展中小学生全面素质所设立的一门科目，是提高国民素质，培养全面发展的创新型人才的一个重要组成部分，美术教学就是培养学生审美能力、促进学生智力发展和对学生进行思想品德教育的重要手段。
然而，目前高中生上美术课的现状却是不容乐观，如何上好高中美术课是摆在所有美术教师面前的一大难题，更是一大挑战。那么，如何上好高中美术课呢？笔者就自己教学中的点滴总结出以下几点：
一、明确任务，转变观念，让高中美术课更重视育人教育
高中美术课是以陶冶学生性情，增强学生的审美感受为目标的，如果不是专业学习美术的学生，都不会面临高考的压力，所以，在教学过程中，美术教师要切实转变观念，以增强学生的美育教育为目标，以学生美术入门为手段，给他们创造良好的环境，营造有利于学生品德和思想形成的氛围，让他们在学习中掌握恰当的学习方法以便终身受用。正所谓“授人以鱼，不若授人以渔”，当学生对所学的知识感兴趣了，并且掌握了学习的技巧和方法之后，在他高中毕业之后仍能用这些方法和技巧去学习和工作，并能不断提高自身的素质和修养，那么，美术课育人的目的就达到了，美育的效果也就显而易见了。
二、寓教于乐，做一名与时俱进的被学生喜欢的老师
我们做教师的都有这样的体验：同样的一个内容的课程，不同的老师教出来就会有不同的效果，不同的老师在课堂上的表现也会对学生产生不同的影响，所以，好老师会让学生快乐地学习，恰当的教学方法会让教学效果事半功倍，教师自己也会在教与学的愉快的氛围中感受到被接纳被喜欢的快乐。
做一名让学生喜欢的老师，是每一位从教人员的最大心愿，做一位让学生喜欢的美术教师更是难上加难。现代高中生的思维十分活跃，环境和时代的影响让他们对老师更加挑剔，教师要与时俱进，多方学习补充自己的头脑，让自己的知识储备和教学技能丰富起来，要保持常新的思想，才不会被学生所淘汰。美术老师更是如此，在学生心目中教师就是艺术家，他们会认为普通老师可以不紧跟时代步伐，美术老师没有理由落伍。因此，美术教师要不断完善自己，从内到外地用知识和内涵来武装自己，才会成为让自己和学生都快乐的教师。
三、采用灵活多样的教学方法让课堂活起来
兴趣是最好的老师，美术教师有了扎实的专业知识和自身的修养还不够，还要研究教育教学的规律的方法，想办法激发学生学习美术的兴趣，让他们主动参与到教学中去，主动去审美、主动去感受艺术的独特魅力。教师要用多种教学方法使课堂活起来，让学生动起来，为自己的教学注入源头活水，这样的高中美术课，才会焕发出勃勃的生机，才会更有生命力，才会收到更好的教学效果。
高中美术教师采用多种教学方法，可以从课前的导入语上下功夫，可以根据自己的教学内容采取讲故事或猜谜语的方式，让学生体会绘画的强大内涵，如涉及到维纳斯的艺术的美的时候，可以让他们自由发挥，想像这一美的外形隐含的真实的故事，最后引出“残缺美”这一主题，也可以让学生对涉及到的作品进行评价、欣赏，通过探讨，使学生产生对美的向往，从而激发他们创作的欲望，让他们主动尝试，大胆创作，进而收到很好的教学效果。
另外，美术教师丰富幽默的教学语言对学生也是极有吸引力的，试想，一位美术教师如果妙语如花，点评恰到好处，对待学生循循善诱，对待知识一丝不苟、颇有见地，那么，他的课堂将会是怎样的一种情形？他的学生又怎么会不期待着上他的课、喜欢他这位老师呢？
四、小组合作，教学中更要重视团队精神的培养
美术教学的特点不在于知识本身，而在于有很多除了知识以外的很多感悟和体会的思想，再加上学生的创新意识的培养，分组合作学习就是让学生在团队中互相交流思想，互相取长补短，在形成一定模式的前提下，采用变式的方法，让学生时刻感到新鲜，使教学效果最大化。
高中美术教学的分组合作学习不是为了分组，而是为了合作而分组，不是为了创建“合作”的教改模式，而是时刻为高效课堂作准备。所以，在采用这样的教学方式的过程中，一定要讲究科学的分组方法，要将学生中的优、中、差搭配着分组，也要考虑到学生思维的活跃与否，甚至会照顾到性别的因素，让男女生的比例相对协调，这样，才不至于在学习过程中有的组十分活跃，而有的组又十分沉闷，有的组合作的成绩很好，有的组合作之后还不如分组之前表现好。学生只有在小组中，才会逐渐学会合作、才会懂得一个人生活在集体中的重要意义，也才会为以后的人生中更和谐地工作和生活打下良好的基础。
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1工艺美术专业开设素描课程的意义
首先，通过开设素描课程，学生能在平常的学习中收集素材，开拓学生的思维，激发学生的想象力。中国有句俗语是“巧妇难为无米之炊”，说的是再心灵手巧的主妇也无法在没有食材的情况下做出一桌丰盛的饭菜。同样的道理，在美术的世界里，如果没有扎实的素描功底，再怎么富有创造力、想象力的人也无法画出一幅惊人之作。因此，素描就如同巧妇的“米”，是进入美术世界的基础。所以，在工业美术专业当中设置素描课程，能够帮助学生在创作时完整地表达自己的思想。其次，作为工艺美术专业的学生，除了需要具备一定的创造力之外，造型能力的锻炼也是极其必要的。素描作为开启美术世界大门的基础课程，一定强度的素描训练能够将一个普通学生的思维锻炼成艺术生的思维。李可染先生曾经说过，素描的唯一目的就是将客观形象准确地反映出来。这里的“准确”二字表明了素描不仅能在一定程度上强化学生的造型能力，还能训练学生在感性上的准确度。当然，并不是说学好素描课程就能在工艺美术专业取得很高的造诣，因为工艺美术专业作为一个设计类的专业，其学生造诣的高低与个人的艺术修养、文学素养以及生活经验等方面都有千丝万缕的关系。因此，不管是学生还是教师都需要全面地看待素描课程。
2工艺美术专业设计素描课程的改革方案
2.1以学科特点为基础改革传统教学方案
现代的工艺美术设计更多侧重的是实用性以及艺术性的结合，从而形成了当代工艺美术与传统工艺美术最主要的区别。因此，如何在较短的时间内培养学生正确认识客观物体，准确地将各个物体特有的形态特点反映出来，并且在此基础上表现物体的艺术感，成为教育工作者面临的挑战。在这里，笔者建议高校在设置素描课程的时候，应该挣脱传统素描课程教学采用石膏物体、人体开展单一写生模式所造成的局限性。在课程设置上，高校可以适当地减少长期作业课时，增加慢写和速写的内容。而在课堂教学上，一方面，教师可以适当地增加学生写生对象的种类，如日用品、工业机械产品等；另一方面，可以经常带领学生进行户外写生，将工艺美术专业的相关内容融入素描课程，提高学生的审美能力，为将来的设计奠定一定的基础。
2.2以理性角度培养专业思维
在传统素描课程中，一般是采用写生的方式培养学生利用光线的明暗搭配、线条的粗细变化，将二维平面图像塑造出三维立体的感觉。因此，在思维训练方面，传统的教学模式往往更为关注学生对于所描绘物体的主观理解，侧重于学生本身的感性认识。但对于现代工艺美术来说，它更强调科学性以及客观认识性，侧重于学生对所描绘物体的理性认识。因此，笔者建议教师在课堂上应该引导学生如何运用理性的思维对所描绘的物体进行透视性的分析，适当地放弃依靠感觉而来的，如光线明暗、调子虚实等表面因素。在课堂上强调科学理性地分析，结合自身的艺术感悟，从而实现既提升学生作品的严谨性，又增添了美感。
2.3灵活运用美术工具强化作品的表现力
传统的素描课堂上，一般会使用不同型号的铅笔绘画，利用每种型号铅笔质地的不同，能够细腻地塑造出所描绘物体的真实感。但是对于学生来说，在绘画功底不够成熟的情况下，很容易由于处理不当导致作品单调，没有视觉冲击力，缺乏表现张力。而对于现代美术工艺来说，它在一定程度上忽略了光影明暗等表面主观意象，侧重的是所描绘物体内部结构的规律，追求的是一种科学性的艺术感。因此，笔者建议在设计素描课堂上，教师可以教导学生大胆尝试炭笔、钢笔以及毛笔等多种绘画工具作画。以炭精条为例，由于其本身的质地较黑，从而画出的线条能够形成强烈的黑白对比，可以适当地辅助一些简单擦涂方法，通过这样的训练能帮助学生快速、准确、生动地将物体的表象描绘出来。因此，运用这种多元化的教学方式，能够综合培养学生各方面的能力，锻炼大脑思维能力，这对工艺美术类的学生来说至关重要。
2.4通过多元训练突破单一造型
对于传统素描来说，它更侧重于物体的表象，通过光线阴影、虚实结合表现所描绘物体的内部结构、空间层次以及质感、量感。这样一来，通常就需要学生在写生的过程中通过对所描绘物体进行多方面的观察，而想要处理好所描绘物体各个因素的关系，不仅需要扎实的绘画功底，更需要对所描绘物体进行深刻的分析，进而加以刻画。由此可见，对传统工艺美术来说，设计素描的训练核心在于培养学生写实造型的能力。而由于现代工艺美术不仅注重艺术美感，更注重科学的严谨性，因此在设计素描课堂上，就需要教师帮助学生突破原先单一的造型训练，结合多方位元素实行多元训练。笔者建议教师可以根据现代工艺美术设计素描，侧重研究所描绘物体的本体结构的规律，引导学生进行平面化、装饰化等多种形式的训练。因此，在设计素描的课堂上，教师应该引导学生适当地舍弃一些诸如光线、色调等非本质因素，转而学习如何单刀直入地直击所描绘物体的内部结构，通过观察表面来分析内部结构，抓住其主要特征，去其糟粕，取其精华，进而通过归纳、总结，组合成为一个具有自己思想的艺术作品。而在造型语言方面，教师更应该鼓励学生不要局限在写实具象的造型里，可以多尝试抽象型风格，甚至是夸张型风格。通过这样多元性造型训练能够进一步拓展学生的思维，提升其创造力和想象力。
3结语
随着时代的变迁，人们的审美也与过去大相径庭。而设计素描作为工艺美术专业的基础课程，其教学模式的改革创新就成为必然趋势。因此，笔者建议相关教育工作者可以根据学科特点，培养学生以理性思维为主，感性思维为辅的方式完成设计素描作品。同时，在课堂上采用多元化的教学模式，倡导学生大胆尝试多样化的绘画工具，从多方面拓展学生的思维，训练大脑的创新能力，从而培养出集现代设计与工艺美术于一体的优秀人才。
参考文献：
