引论：我们为您整理了13篇美术研究生论文范文，供您借鉴以丰富您的创作。它们是您写作时的宝贵资源，期望它们能够激发您的创作灵感，让您的文章更具深度。
篇1
美声唱法特点:(1)音域宽广,声区统一;(2)声音连接圆滑和优美;(3)明亮松弛,讲究高位置;(4)灵活华彩、轻巧俏丽;(5)重视呼吸、用气歌唱;(6)注意内涵、表现丰富。
声乐教学没有器乐教学那样直观。学生通过聆听教师的范唱和从教师的教学语言中,理解发声的原理和琢磨歌唱的技法,领会音乐作品的内涵,创造美好的声乐艺术形象。
美声唱法必须做到:(1)声音圆润、柔美、自如;(2)声音响亮有穿透力;(3)音域宽广统一;(4)音准完美、节奏准确;(5)咬字吐字清楚、纯正有韵味;(6)用心情歌唱、感情真挚动人;(7)声音持久、不易疲劳。
怎样掌握好美声的发声方法?
1.掌握正确的呼吸
意大利人说:“不会呼吸,就不会歌唱”。卡鲁索说:“一旦掌握了呼吸的艺术也算走上了可观的文艺高峰的第一步。”在练习呼吸时,应注意力集中,身体放松,鼻子深吸,吸入深处,越低越好(丹田之气);把身体比作一个花瓶,把“水”倒进瓶子,是从底部开始有水,再慢慢向上充满,直到顶部,气息充满整个身体后再用嘴吐出来,用鼻子吸、嘴吐。wWw.133229.COM每次做呼吸练习2—3分钟。睡眠时的呼吸(深呼吸)就是歌唱用气时的正确呼吸:(1)开始练最好躺在床上,那时身体很放松,如果觉得气吐完了,下面一定要抵住,那样就可以多拖几拍,唱时不能放下来,唱完不动,还可以唱几拍;(2)平躺,舒展地大吸一口气,上身慢慢抬起,并徐缓地做吸气动作,体会横隔膜、腹肌张力控制气息;(3)平躺,两脚慢慢抬起徐缓吸气。
可用字母“s”或“f”的发音法练习呼气,循环反复“呼一次”就“唱一句”,来体会在歌唱发声时的气息控制。歌唱时一定要吸足气后再唱(腰、腹、饱满凸起),口型呈打哈欠状,露出上牙,下巴自然松下,咽腔打开,喉头下垂吸足气后瞬间就唱。吸气时两肋张开,横隔膜用力向下坐,同时腹部及腰部一圈的肌肉要向四周扩张。呼气时,也就是唱歌时,保持住这几种力量的对抗平稳,均匀而缓慢地吐出去,也就是要有控制,呼吸要有弹性,走快速音阶练习,快吸——保持——慢呼。
2.唱歌的用力
唱歌用气力(气息、支持)而不用喉力;有了呼吸,要忘记喉咙,只利用呼吸来抵制喉音,如不忘记喉咙,一张口它就出来用力,因此不用喉咙用力,力要用在呼吸、丹田之气上。当我们呼气时,下面用力抵住,有了气息的支持,喉咙放松了,声音自然到前面,用气讲话唱歌是关键。
3.喉咙打开、喉头稳定、位置不变
(1)喉咙打开:喉头下放到最低点。“打哈欠”状是打开喉咙的最好办法。打哈欠:轻轻张开嘴,用鼻与口同时快速地吸一口气,贮存在腹部,想象自己的鼻子酸胀,然后像我们平时困了打哈欠一样,把气吐出来。外部姿势是:吸气,嘴张开(呈“打哈欠”)做微笑状,露上牙,松下巴即唱,声音在上腭部位反射出来,可以找到鼻咽腔的声音,这种声音响而宽,声音位置也高,要在演唱时体会到,打开下颌骨(耳根下面)的同时还提起软口盖,这是打开喉咙的关键。唱时永远开着唱(不管五个基音口型如何变化,但咽喉腔是打开的),里面比嘴张得更大些,通常说,歌唱家的嘴巴在后面咽喉腔里。贝基大师说,按打哈欠的喉结位置去发音,这是非常简单的途径。
(2)喉头稳定:喉头下垂稳定是摆声音位置的关键。采用横隔膜两肋左右张开的深呼吸法,每个音都有呼吸(底气)支持点,这样喉头就下垂了。放松下巴动作——左右摆动下巴(头尽量保持不动)。
(3)位置不变:检验声音位置对与否的具体方法。在头部稍后仰的瞬间,唱出延长的a元音——旋即头部又慢慢地前仰下垂,如果声音卡在喉咙里,那就说明声音位置变了,咽喉腔、鼻咽腔没打开。锻炼位置不变可唱,低音至高音(没旋律,是拉警报),声音位置一点都不能变,一定要在位置上唱,丝毫不要有裂痕(声音发岔),但随着音高动气息要直通鼻咽腔高位置上去。唱高音时用“ha”一下打上去,不能“冲”去唱高音,可用半声来唱,气息往下,下行位置不变,用横隔膜的力量。
(4)找好面罩共鸣。“面罩”原指养蜂人怕蜂螫而戴在头上遮住面部的小网,声乐指人口腔以上的共鸣部位,内藏得一个个小空室——上颌窦、颚窦、筛窦、蝶窦等。面罩共鸣:振动在上鼻咽腔两腮上面,两边太阳穴延至眉心处。声音位置:额面两眼下面一点,两口颧骨前,牙关的打开处,声音的位置必须始终保持在面罩共鸣里。共鸣位置只有一个,没有胸腔、喉腔、鼻腔、头腔之分,只有面罩共鸣点。怎样才能找到面罩共鸣呢?面罩共鸣好比一座大楼:
三层:高音
共鸣点 二层:中音
一层:低音
低音往上,高音往下,把声音训练成一条线,而不是三截声音,下粗上细。往往我们是越低越往下压,越高越往上抬,结果是越压越空,越抬越紧。高低音应该是一个交叉的方向,这个交叉声音应在面罩上汇合成一条线。把所有的音都套在中音共鸣点上形成一条直线,也就是一个音套一个音。高低音都在这个“一条线”,音色是同样的,音质是同样的,音量也是同样的。
(5)低音聚,高音开。发低音不能把嘴张得过大,否者声音不聚了,就空(散)了,要把声音集中往上送,位置不变,需用较多的气息。“高音开”,随着音慢慢开,笑着唱(横)但位置(点)不能变,到了一定高音后再张(笑张),骨头张(揭盖),不张口腔。怎么张呢?在挂钩处张(颌骨),嘴跟着张,而不是先张嘴。开到最高限度后声音要转,以发出自己最高音,上腭的上口盖要向上打开。
世界著名声乐大师意大利男中音歌唱家吉诺·贝基说:“意大利(美声)唱法的内涵和秘诀说了三点:良好的气息支持、完美的打开喉咙、充分的面罩共鸣。”做到这三点就找到了打开美声宝库的金钥匙。 整理
参考文献:
[1]田玉斌.谈美声歌唱艺术.上海音乐出版社,1995.
[2]邹本初著.歌唱学.人民音乐出版社,2000.
[3]林俊卿著.歌唱发音的科学基础.上海音乐出版社,2001.
篇2
草莓(Fragaria ananassa Duch.)是蔷薇科草莓属多年生常绿草本植物。20世纪80年代以来，中国草莓产业蓬勃发展，栽培面积和产量居世界首位，鲜食草莓价高畅销，冷冻草莓大量出口[1]。草莓产业已成为中国主要草莓产区农村经济的重要来源之一。玉溪红塔区是云南省草莓的主产地和草莓优良品种的供应地，草莓已成为红塔区调整种植业结构和农民增收的特色产业[2]。但在在生产中常规繁殖种性退化、病毒病感染较重，因此近年来利用组织培养技术应用草莓脱毒苗的快繁生产。
漂浮育苗技术是20世纪80年代中后期美国在研究烤烟无土育苗技术中探索出的育苗新方法。20世纪90年代初期该技术在美国烤烟生产上迅速得到推广应用，目前在美国、巴西和墨西哥等国家的烟草生产中应用广泛[3]，20世纪90年代后在玉溪市烤烟生产中得到广泛应用。2008—2009年，玉溪市农科所对草莓组培苗育苗中进行了该技术与传统营养杯（袋）育苗技术的对比试验，旨在针对草莓组培苗育苗环节中的如何培育壮苗生物论文，充分利用烤烟漂浮育苗技术的优势来为草莓组培苗提高壮苗提供技术保障。
1 材料与方法
1.1试验时间、地点
实验于2008年10月-2009年4月玉溪市玉和生物技术开发有限公司基地进行核心期刊。
1.2供试材料
供试验的草莓品种为鬼怒甘组培苗，由玉溪市玉和生物技术开发有限公司提供。
1.3育苗基质及育苗容器
育苗基质按表1进行混合配制，之后用绿杀丹和达科宁1000倍液喷撒混匀后膜覆盖7天后使用。移栽容器采用烤烟标准漂浮育苗盘（66cm×34cm×7cm、162穴）和直径4cm营养杯。
表1 栽培基质组成比例
Tab 1 Cultivation matrix composition proportion
基质编号
Matrix serial number
基质组成比例Cultivation matrix composition proportion
珍珠岩Pearlite
红土Red soil
腐殖土Humus soil
草炭Peat
A
1
1
1
1
B
1
C
1
1
1
D
1
1
1
E
1
1
1
篇3
局面――全国翻译硕士专业学位教育2011年年会综述[J].中国翻译，2011，（3）：31-33.
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[12]郭玲义.专业翻译硕士培养模式之探索[J].上海理工大学学报
篇4
老师引导学生鉴赏一幅美术作品不仅仅是欣赏它的外在画面，而是要让学生了解作者创作作品的时代背景以及作者创作这幅作品时的心理状态，从而使得学生能够深入地了解作品的时代意义。在了解作品的时代意义之后，老师可以引导学生根据自己的想法对作品进行在创新，从而逐渐提升学生的美术创新思维能力。
例如在讲《蒙娜丽莎》这部经典作品时，我先为学生讲解了这幅作品的时代背景以及这部伟大作品的作者——达·芬奇。我为学生们讲到《蒙娜丽莎》创作于文艺复兴时期，这个时期非常强调尊重人的情感以及对人的力量的赞美，反对宗教以某种方式束缚人的精神和思想情感。这个时期的代表作家之一就是达·芬奇，他在创作《蒙娜丽莎》这幅在作品时可谓是精益求精，从人物的坐姿到人物的一颦一笑都精雕细琢，达·芬奇也巧妙地利用他的烟雾状笔法画出了这幅经典作品，让人对蒙娜丽莎耐人寻味、难以捉摸的微笑产生无限遐想。但是杜尚在这幅堪称经典的作品上为蒙娜丽莎画上了两撇胡子，引起了激烈的讨论，在此之后就出现了后现代主义，杜尚也被称为后现代主义的鼻祖。就这样，我告诉学生们我们鉴赏作品不仅仅是欣赏它的美，还要在欣赏的过程中根据自己的想法进行在创作，此后学生们也想出了使时装模特、老师与《蒙娜丽莎》进行结合。
二、尊重个性，自圆其说
现代的新式教育不单单是学生接受知识，老师输送知识的过程，而更加强调的是让学生独立发表自己的看法，老师要尊重学生的想法。对于美术鉴赏这门比较特殊的课程，老师更应该引导学生发表自己对于作品的想法，并且老师在鼓励学生积极探讨作品时，也要指导学生有理有据地阐述观点，自圆其说。
例如在鉴赏《场景Ⅱ》时，我先告诉学生们现代主义不再以写实为基础，而是将客观的事物用主观的形式表达出来，从而表现作者的思想以及情感。抽象派是其中一个重要流派，我们鉴赏的这幅是冷抽象主义代表作家蒙德里安的经典作品之一。在介绍完外国现代主义的特征之后我就讓学生观察作品并就其发表自己的观点。其中一位学生回答到：“老师，我认为蒙德里安的这幅作品表现的并不是那么完美。”于是我就问他：“那你觉得这幅作品哪方面表现得不是特别好呢？”于是该学生回答：“虽然抽象主义的特点之一是不用客观的形象来变现作者的内心情感，但是蒙德里安的这幅作品仅仅用简单的格子和色彩来表现他的思想，对于那些不懂得抽象艺术的人来说很难欣赏这种艺术的美，更不用说走进作者的内心了。”听完学生的叙述后，我点评到：“同学的评论有理有据，确实有许多人认为抽象艺术就是乱涂鸦，但是作者蒙德里安把绘画语言限制在垂直线和水平线，三原色和黑白灰系列，在创作时对每一种色彩的选择以及线条的勾勒都是经过思考和精心组织的，所以我们可以通过当时的背景来了解作品内涵和作者的思想情感，同样只要你们有自己的理由，我也会尊重你们对作品的看法。”
老师通过美术鉴赏课，让学生赏析各种名作不仅仅是为了让学生欣赏作品的美，同时也应该注重学生的想法，引导学生表达出对作品的真实思想。
三、作品对比，发现差异
美术课堂鉴赏美术作品时，有时必然会将作品放到一起进行对比，这样做的目的并不是让学生们比较出作品的优劣，而是让学生在进行作品对比的过程中寻找其中的差异，从而让学生更加深入地理解作品的特点，最终提升美术鉴赏思维能力。
篇5
当代每一位书画艺术家或艺术教育从业者，对潘天寿先生的敬仰都会由来已久，而我始于小学时代的图画课。我们那个时代的美术教育，不是“认知教育”和“启蒙教育”，而是技法教育。一知半解的老师，强迫学生去描摹毫不理解的绘画。先是“瓜”“果”“梨”“桃”，后是“梅”“兰”“竹”“菊”，因为不理解，必然很难成大器。然而，二十世纪初期的几位艺术大师的名号，却渐入脑海。如：吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿等等。懵懵懂懂之间，对这些先生的作品仰慕之至。
后来从艺多年，依然对国画一知半解，不得要领。然而真正对潘天寿先生艺术精粹有所领悟，当从硕士研究生论文写作时期开始。由于自认为对油画技法和教学理论谙熟于心，所以多方面查找资料，书写文章参与讨论油画本土化、民族化的问题。于是，借此机会，再次认识了潘天寿先生的艺术精粹与见地。他曾多次论述油画的本土化、民族化问题，曾经一针见血地指出中国油画教学的急功近利思想，提出“中国画的基础和油画的基础，各有特点和长处，油画还是可以按照西洋的一套来训练……不必插入其他东西”。“油画在中国还很年轻，要解决民族化的问题，需要一定的时间，不能求之过急”。这些对于油画教学和创作的论述，至今也具有指导意义。于是，对于潘天寿先生的理解，从陌生到逐渐清晰，情感也慢慢建立起来。
后来，随着年龄的增长与阅历的增加，对潘天寿先生的艺术主张和艺术成就也逐步深入了解。如：主张艺术教学立于民族化之上，强调艺术家应该花大力气研究、整理、宣扬我们的民族遗产。强调“平淡、天真、自然”，反对做作、雕饰、过分华丽巧艳等等。这些思想极大的影响了艺术后辈。
基于上述认知，潘天寿先生的形象在我的心目中是熟悉的，可以沟通交流的。就像是善者，也像饱读诗书的先生，满腹经纶，具有当代艺术大师的风范。所以，我的创作以潘天寿先生的画作为背景，选择潘天寿先生的生活照为主要艺术参考图像。在绘制过程中，笔法流畅、一气呵成，毫无拖泥带水的工作感觉。在此过程中，总是感觉似乎在与长者进行交流与讨论，过程充满着愉悦和幸福。
篇6
对于隋唐文字锦，已经有很多前人及学者进行过相关研究。[1，2，3，4，5]作为比较具有代表性的研究，刘安定[1]及李斌[2]等人对汉晋至隋唐文字锦的变化及其原因进行了分析。在大量实例的佐证下，其主要观点认为：首先汉晋文字锦以长语句为主而隋唐文字锦则主要呈现单字或短词。在汉晋之时，文字锦主要表现为祈福、求仙及纪事为主的长语句，如汉锦中的“恩泽下岁大孰常葆子孙息弟兄茂盛无极锦”及“王侯合昏千秋万岁宜子孙锦”。而到了隋唐，取而代之的是简明扼要的段语或单字，如“贵”“吉”“喜”等，例如隋唐之际的“吉字葡萄中窠立凤纹锦”和“红地簇四云珠日神锦”。其次汉晋文字锦与图案搭配较为单调，主要表现为图案中填字的方式，而隋唐文字锦中文字与图案搭配更为丰富，经常表现为文字与图案相互重叠的方式，并且图案也更为生动。
对于以上两个隋唐文字锦与汉晋文字锦的主要差异，刘安定和李斌[1，2]认为，造成该现象主要因素首先是外来织物纹样的传入和流行对中国传统织锦造成了冲击，丰富了唐锦的艺术造型；其次是隋唐统治阶层对西域外来文化的积极和开放态度，使得唐锦吸收了外来的纹样或风格；最后则是文字崇拜在隋唐时期逐渐衰落，导致汉锦中祈福类长语句不再流行。
在造成唐锦艺术风格变化的原因上，笔者认为刘安定等人的所列举的外来纹样冲击说、隋唐统治者开明说以及文字崇拜衰落说只是原因的一部分，而造成唐锦艺术风格进步的更为深层次的原因是：首先，织锦技术的发展使得更为生动的图案表现形式成为可能，对织锦艺术产生了极大的冲击及影响，促进了隋唐文字锦的进步；其次，社会生产的进步使得隋唐之际的平民阶层可以接触到甚至拥有织锦，进而影响了文字锦的发展历程；其次，汉语言的发展使得汉语表现更加简洁而内涵更加丰富，单字所承载的意义更加丰富；最后，隋唐时织锦市场机制的作用必然导致繁琐难以加工的图案及字句被抛弃，转而求之于丰富生动而又便于加工的图案及图文搭配形式。
为了方便说明，以汉晋文字锦与隋唐文字锦中较为典型的代表，可以看出，单从唐锦本身的花纹及文字艺术表现形式来说，相对于图案古香古色、并带有祈福类长文字的汉锦，除了唐锦中文字与图案搭配更为丰富，且经常表现出文字与图案相互重叠艺术形式外，还有一个重要特征就是，织锦的纹样题材在隋唐之际发生了变化，主要表现为纹样从繁琐写实的祥瑞神兽往灵动写意的花鸟缠枝风格过渡。汉锦中的长语句大多以线状的排列方法，而唐锦中由于图案多以缠枝或团花为主，为了与其配合，唐锦中汉字排列多以四方连续构图的形式呈现。并且由于外来纹样的传入，隋唐织锦的纹样表现形式更加多样且具有异域气息，风格也更加灵动写意。可以看出，隋唐之际的织锦图文形式在艺术上表现了长足的进步。从表面上看，固然是外来艺术的影响及人们审美风格的进步造成的，但是更为深层的原因是，织锦技术的发展使得更为生动、丰富、图文重叠等的织锦艺术形式变为可能。不得不说，汉锦中文字与图案略显单调古板的搭配形式，一方面固然是由于历史局限性及当时人们的审美观影响所致，然而还有另一个重要的因素是，即使汉代人民有更为丰富的想象力，但是汉代落后的织染技术尚不足以将更为丰富生动的图案表现出来，而到了唐代，织锦、印染以及丝织技术的发展，都为隋唐文字锦的辉煌做出了贡献。
生产及社会的进步也对织锦艺术的发展产生了重大影响。从汉晋至隋唐，随着生产的进步及物质的丰富，织锦变得更加普及，织锦艺术的拥有者从汉晋的贵族阶层逐渐向隋唐之时的平民阶层普及，到了隋唐一代，织锦不再像汉晋时代那样，仅是贵族专享物品，平民阶层中的富有者也有机会接触或者拥有织锦，平民阶层对织锦艺术形式的偏爱必然影响织锦艺术的发展历程。可以肯定的是，平民阶层的对汉语言的掌控程度必然无法与贵族阶层相媲美，他们不可能对“恩泽下岁大孰常葆子孙息弟兄茂盛无极”这类拗口而又类似于祭祀文字的语言感兴趣。
同时，随着汉语言的发展与演化，对于隋唐文字锦来说，绝不仅仅是从汉隶书演化成了唐楷书这么简单，而更为重要的是一方面汉语的表现形式变得更加简洁，而另一方面其所承载的意义却更加丰富，这是一门语言发展所经历的必然过程。在此过程中，必然有外来语言以及平民阶层口语的影响，主要表现为非常复杂的一句“恩泽下岁大孰常葆子孙息弟兄茂盛无极”还不如短短的三个字“贵”、“吉”、“喜”所承载的意义更多，而后者却更简洁，更容易为文化程度不高的广大平民阶层所接受和喜好，这也是汉晋织锦中长语句衰落而隋唐织锦中短字词流行的一个重要原因。
到了隋唐之际，随着织锦艺术及实物向平民阶层的普及，织锦被广大平民阶层接受以后，由于平民阶层对织锦的需求量大但却囿于其有限的购买力，织锦作坊为了节省织锦制造成本而增加产量，繁琐的长语句、难于加工而又繁琐的瑞兽纹等表现形式必然会被织锦作坊所抛弃，转而被简洁的单字、写意的花鸟缠织纹等生动而又便于加工的艺术形式所代替，艺术形式变得更加生动写意，这也是艺术发展的必然。
本文在前人的研究基础上，对隋唐文字锦与汉晋文字锦之间不同的艺术表现形式进行进了叙述与研究，尤其是深入地辨析了隋唐文字锦相对于汉晋文字锦在图案、文字及搭配形式上的不同之外，并对造成该差异的深层次原因进行了分析。不得不说，对于隋唐文字锦与汉晋文字锦存在的差异，除了刘安定等人的所列举的外来纹样冲击说、隋唐统治者开明说以及文字崇拜衰落说外，更为重要的则是织锦艺术、社会生产及汉语言的发展，导致了唐锦中更为丰富、生动的图案出现，也导致了汉锦中祈福类长语句的衰落。
参考文献：
[1] 刘安定.中国古代织物中的文字及图案研究[D].东华大学博士研究生学位论文，2015.
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篇7
破解平面设计专业教学中的错误倾向，可以采取创新教学思维观念、改进教学内容以及提升教学方式和手段等三种方式来进行解决。
1、创新教学思维观念
传统教学思维观念是阻碍当代平面设计教学发展的主要因素之一，传统教学思维只是单纯的将知识灌输到学生的大脑中，学生的理论知识往往都非常强，但却欠缺创造性和实际操作能力。老师课后给学生布置下作业，通过为学生批改指点作业的方式来促使学生不断进步。然而学生的作业中大多都是抄袭和借鉴他人，很少有自己的创意和想法，这样一来自然也就谈不上什么进步了。因此平面设计教学首先要创新教学思维观念，要激发学生学习的主动性和思维的创造性。学生学习的主动性被激发出来，自发的进行学习，效率会比以往的“填鸭式教育”要高得多。而创造性的思维则可以让学生变得更富有创意，从而设计出更多具有创新性的作品。老师进行教学的目的不再仅仅是将理论知识传递给学生，还要与学生一同研究探索，协助学生构架知识体系，协助学生将理论与实际结合，从而提升学生的综合素质。
2、改进教学内容
当前平面设计教学的内容需要进行进一步的完善，良好的教学内容可以让老师教有所依，学生也可以进行更加系统的学习。改进教学内容可以以大课程为基础，在上面架构小课题，并以此来将课程的知识模块串联起来。随后老师就可以根据课程的内容以及学生的特点来安排不同的教学内容，还可以由老师列出课题、性质和方式，由学生进行题材、方法和媒介的选择。这样的课题可以跨越多个学科的综合性知识，也可以只包含单一学科的专业知识。课题可以从一个内容深化为具有相关性的一组内容，也可以作为一个单独的作业方式。课题的形态可以由一种形态开始，进而联系其他形态理论来进行说明和分析，也可以从以人为本的涉及模块开始，进而转化到自然形态的自然法则。在课程设置方面，美国底特律创造研究学院就很值得我国高校学习。底特律学院第一学年上学期设有设计基础、设计基础工作室课程、排版、艺术与设计写作课程，下学期设有设计基础、设计基础工作室课程2、印刷术2、排版2、艺术史阶段研究等课程；第二学年上学期设有：材料与方法、视觉化技巧、视觉媒体入门、视觉传播入门、艺术史阶段研究等课程；下学期设有互动媒体入门、视觉传播入门2、平面设计史、西方文艺研究、人文科学、社会科学等课程；第三学年上学期设有中级视觉传播、视觉化与再制作技巧、平面设计选修等课程，下学期设有中级视觉传播2、平面设计选修2、艺术史、选修等课程；第四学年上学期设有高级视觉传播，自然科学、平面设计选修3等课程，下学期设有高级视觉传播2、演示技巧/作品集合卷宗、平面设计选修、哲学等课程。从底特律学院设置的课程中我们可以看出，我国高校的平面设计课程缺少类似的特色学科、特色课程和特色教学方法。学校设置的课程应当与社会接轨，要以培养学生成才为目的，要跟上时代的脚步，而不是单纯的走形式化、理论化。
3、提升教学方式和手段
当前平面设计教学方式和手段亟需提升，最佳的方式就是通过真实情境来进行教学。老师在授课时可以通过学生身边所发生的真实事件入手，使用专业知识来分析该事件，促使学生进行联想，进而激发学生的创造能力。在这种教学方式中，老师的角色不再仅仅是知识的传播者，而是学习知识环境的塑造者和学生存在问题的引导者。老师需要为学生创造一个可以促使其发挥想象力和创造力的空间，在这个空间里学生和老师之间可以进行自由的交流，学生在老师的带领下逐步开发自己的联想能力和创造能力，从而得到快速的提升。总的来说，在实际的平面设计教学过程中，老师根本无法通过传统的学生作业成绩来为学生作出评价，唯一的评价标准就是根据学生平时的表现和每个学习阶段的总结答辩。每当一个学习阶段结束后，老师要让学生根据该阶段学习的成果来撰写总结性论文，最终以答辩的方式与老师进行探讨。这样一方面可以让学生在于老师的探讨中进一步获得成长，另一方面也是公正的对学生取得的学习成果进行评价，这是传统的作业和考试所远远不能及的。
4、工作室培养模式
学生接受更高层次的教育归根结底还是为了更好的就业，因此在培养学生时可以对其进行针对性培养，使其更加适应当代企业的需求，工作室培养模式就是这么一种极具针对性的设计教育形式。工作室以专家、教授为教学核心，组建不同学科方向研究的师资队伍。学生在进行两年左右的基础训练后，可根据社会的需求以及自身的喜好选择不同的工作室。工作室采用开放式教学，责任教授负责设立研究方向和组建研究资料师资群。教师根据企业需求设置课题，以当前企业热点为中心展开教学。这样一来，学生就可以在毕业前达到“学以致用”的目标，从而成为社会真正需要的人才。
三、结语
随着时代的发展和进步，未来平面设计的应用将会更加广泛，社会对于平面设计专业人才的需求也会变得更大。在这种时代形势下，未来平面设计教学的发展充满着巨大的潜力，前景一片光明。当今时代已经跨入了信息技术时代，无数高新技术的出现使得高新技术教学不再只是梦想。未来平面设计教学需要朝着适应时代的方向，通过教学、实践、研究三元归一的教学模式来培养更多的平面设计人才。未来社会对平面设计人才最大的要求就是创新性，平面设计教学的发展也应顺应时代潮流，以创新思维去改进当前的教育思想和教育模式，进而培养出更多专业的平面设计人才。
作者:胡娅静 单位:河南工程学院艺术设计学院
参考文献：
[1]王爽.国内平面设计发展状况探究[D].开封：河南大学硕士研究生论文,2013.
