引论：我们为您整理了13篇艺术装置论文范文，供您借鉴以丰富您的创作。它们是您写作时的宝贵资源，期望它们能够激发您的创作灵感，让您的文章更具深度。
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传统形式的广告大多依赖着电视、报纸、书籍以及路边的灯箱等一些载体进行单一的影视动态或者是平面静态的展示，这种方式由于其大面积高强度的宣传，无疑会得到商家的普遍认可。而装置性广告的出现却打破了这种既定的宣传模式，对传统的广告形成了冲击性的影响，这种影响主要体现在表达方式的巨大转变上。首先，装置艺术促进了广告材料选择的多元化。原来的广告设计多以虚体的形式展现，表现手法单一。但是装置艺术的材料绝大多数都是实体化的物体，特别是其本就可以是一些废旧的东西按照自己独特的方式在一个特定的环境里堆积起来，也可以是设计师打造的一些材料，再使用一些媒材(录影、声音、表演、电脑、网络等)综合来表现，因此广告受众对于商品或者理念的认识更加直接与具体。其次，装置艺术在广告设计中的表达使设计师、作品、受众自然而然地融合在了一起。广告设计通过装置艺术的表现手法，更容易表现设计师的灵感，引起受众心灵的共鸣。感情可以以物为载体进行表现，实物无疑是设计者表现自身情感的最佳通道。同时在装置广告中，物品与人经常进行互动，也容易引起受众的共鸣。例如人们在欣赏装置广告时，不知不觉地成为广告的一部分。因为在装置艺术品中，人们的情感反应和一些行为举止，也都成了作品的元素，只不过一个在表达，一个在反馈，这无疑是一场人性化、感情化的体验。装置艺术产生与人互动的形式不仅存在于表面，其更深层次的目的是与受众的心理沟通，引起情感共鸣，以达到宣传的效果。
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在编织艺术品中，丰富多彩的图案大多是在艺术品编织过程中形成的，有的编织技法本身就形成图案花纹。因此，编织技法对于编织艺术品的造型和图案装饰有着重大的作用。常见的编织技法有平纹编织、缠结编织、斜纹编织、螺旋编织、连珠纹编织、挑压编织等。
2.1平纹编织:
是最简单的一种编织方法。它的编织是采用经纬垂直交叉的方式，线料隔根交结完成，纹路表面经纬根数相同。
2.2缠结编织:
此种方法是用纬条与经条缠绕编织在一起，纬条缠绕经条360度，然后依次类推进行编织。
2.3斜纹编织:
是编织艺术品中采用最多的一种方法。它也是采用纬与经垂直相交，先是纬上压二经，然后经上压二纬，一织纬一经移，最终作品的组织结构出现人字交叉纹，与现今的芦席纹理类似。
2.4螺旋编织:
将线材从一头开始卷绕成螺旋的盘状，再用细针线将其固定缝住，这种方法与现在的日蒲团的技法基本相似。
2.5品字纹编织：
是多根纬线间隔穿行盘绕经线，形成“口”型，采用此法连续盘绕编织，最后成“品”字形，品字纹由此而来。品字纹理的特色是凸感较强，适宜表现编织品上需要重点突出的形象；不足之处是编织组织结构不够牢固紧密，多个部分运用此法编织会使得织品架构松散，易变形。
2.6连珠纹编织：
采用多根纬线盘绕单根经线排列编织，形成点状的织理，其样貌远看像珍珠形状，因此取名连珠纹。连珠纹的特点是点状纹形排列形成凹凸的肌理效果，视觉冲击力强。
2.7挑压编织：
是利用编织的材料经纬交叉、互相挑压编结成块面状。其艺术特点是编织物牢固结实，但视觉感单一，缺少变化性。
3编织艺术在现代服装设计中的运用
编织艺术运用在服装设计中由来以久，许多服装设计大师也十分钟爱编织艺术，有些艺术家甚至用毕生精力研究编织艺术，例如：苏格兰艺术家LiisaHietanen的针织艺术品维妙维俏；巴西手工钩织服装设计师海伦•罗德尔，每个系列服装作品都手工制作完成，具有精致、创新、高价值含量的特点。编织艺术服装指服装的内外造型设计、服装的色彩图案、服装的整体视觉肌理感受是运用不同的编织技巧完成的，因此服装在造型、色彩图案、肌理等方面具有较强的设计特色。
3.1编织艺术在服装廓形中的应用
编织服装的廓形是指在服装内外部款式造型上设计变化，它也是编织服装的重要环节。编织服装造型一般以其独有的视觉肌理感而著称，服装款式造型相对较为简单，通过编织面料的肌理效果和造型上的变化来展现其外形特色。编织服装设计中常用的几个廓形是:A型、H型、T型、X型等。A型编织服装的特点是整体造型呈现出服装上面部分较为紧身，下摆设计宽松肥大，人在运动中富有动感，这类服装具有宽松舒适、休闲简洁的风格特征。H型编织服装的造型特点是服装从上至下都是直筒状，腰部不收身，服装显现出宽松和舒适的特点，同时具有服装原始的质朴感。T型编织服装的造型是着重在肩部的夸张设计，通过对肩部的延展与设计，服装具有一种军旅风的潇洒感，如果搭配上帽子和腰带则更加突出T型服装的艺术美感。X型编织服装造型是注重缩腰设计，由此体现出人体的曲线美，服装具有优雅、女性化的特征。
3.2编织艺术点、线、面、体在服装中的应用
编织艺术服装是运用点、线、面、体等造型要素，通过一定的编织艺术处理手法而设计出形态各异的服装造型。点、线、面、体是最基本的造型要素，不同点的运用在服装中就会产生不同的造型风格，在编织服装中往往起到画龙点睛的作用。服装编织材料的丰富性使得点、线、面、体在服装中的运用千变万化，我们可以编织出纽扣、编织出胸花等，然后将其装饰应用在服装作品中，具有较强的装饰效果，同时产生节奏感和动态美。
3.3编织艺术在服装边口造型上的应用
编织面料具有卷边性的特点，编织服装在边口部位的设计上会有别于其他面料的服装，一般服装的边口造型设计会选择在颈部、肩部、袖口、裙摆等位置，编织成立体造型的边口可以增强服装的层次感，而且具有收口的功能性，同时可以做装饰，立体编织卷边造型设计使服装在肌理上更加丰富。
3.4编织艺术在服装图案装饰造型上的应用
图案装饰是编织服装中运用频繁的技法，由于绳线本身的特性及编织技法自身的丰富性，因此在编织服装的图案设计中发挥空间较大，通过不同颜色绳线的组合，不同材质绳线的搭配，不同绳线编织技法的使用等形成不同的编织装饰图案，基于绳线编织的局限性，编织装饰图案的设计为服装设计本身增色不少。3.5编织艺术在服装配饰造型上的应用服装配饰是服装设计中重要的搭配元素，它能衬托服装设计作品的美感和设计感，是服装设计师们常用的表达技巧。通常编织服装配饰有头饰、项链、帽子、手套、围巾、胸花、袜子、腰带、包等；在服装设计中起到了点缀服装的作用，增强服装的装饰造型效果。例如运用一些仿生设计学知识编织配饰，配饰造型独特，别具特色。
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装饰图案。我国传统装饰图案种类繁多、数量巨大，反映了中国各时代的宗教、政治、风俗等，凝聚着各时代能工巧匠的智慧，形成了独具民族特色的艺术体系。它们遵循秩序，讲究对称、比例、尺度、节奏、韵律等，寄予了人们的美好愿望，是充满艺术感的文化形态。文字。早在远古时代，人们已经开始用图像、符号记事，，在此基础上，人们采用象形、抽象的方法形成了具有实用与审美价值相结合的文字。汉字的书法艺术不是单纯的书写，点线的组合，笔锋的走势都符合形式美法则。如楷书的壮美气势，行书的妩媚线条，还有行书的动态感。色彩。中国传统装饰艺术对色彩的运用极具民族特色，这些色彩运用规律世代相传，有着鲜明的艺术代表性。我国传统艺术善用原色，色彩浓重、艳丽夸张，这些色彩强大的生命力激活了我们的表现欲望，经过解构再造，可以生成极具民族文化风味的设计。
(二)传统装饰艺术的特点
象征性。中国传统装饰艺术的表现来源于自然，来源于生活，却又不局限于此，图形、文字、色彩皆被赋予象征意义。传统装饰艺术的象征性使其得到升华，表现出丰富的情感和文化意味。装饰性。传统装饰艺术的色彩艳丽、丰富、明快，形式虚实结合、疏密有秩、和谐统一，具有很强的装饰性。其内容丰富，有效地运用传统文化艺术，在不同的场合配合气氛，可表祝福，可舒思念，使人产生强烈的民族自豪感。民族性。不同的民族，不同的环境，造就了不同的文化，这使得传统装饰艺术自然地具有了民族性。如德国的设计就倾向于科学性、逻辑性和严谨性，而中国的设计形式和谐统一，风格平稳圆满，这正是中华民族中庸思想的折射。时代性。传统装饰艺术的时代性表现在它的物质层面和精神层面。科技的不断进步，新材料的发现与创造，都推动着装饰艺术物质层面的变化，进而这些变化又施于人们的理念，发展出新的审美观念，设计作品进而凸显出时代特征。
二、传统装饰艺术与现代包装设计
(一)传统与现代的关系
传统与现代之间存在着辩证的关系。传统代表着过去，可是这些过去在当时确是现代，现在的现代是在过去的现代的基础上发展而来的，且必将成为未来的过去。既然现代是由传统的基础上发展而来，就必然会受传统的影响。传统装饰艺术要想很好的运用于现代设计，需要一个发展的、演变的、积累的过程。关于中国文化的发展，有些人认为“传统”与“现代”之间出现了鲜明而又锐利的鸿沟，不禁对此感到惋惜。可是，换一个角度去看，祖国幅员辽阔、博大精深，很多传统文化仍旧以其顽强的意志保留至今，他们的母型还在，并且随着时代的变化孕育出新苗，表现出无限生机。当人们渐渐领悟到那些饱含在传统艺术中的真切情感和文化意蕴后，未来的方向就会越来越明了，越来越正确———文化意识、回归意识、民族意识和设计意识的结合。传统艺术得到延续与发展，人们的本土归属感开始强烈起来，民族审美意识开始理性起来，民族自豪感开始强大起来。
(二)传统运用于现代的可能性
如今，人们的消费需求不再是过去那样只重视物质的需求，而是渐渐地开始更加重视精神的需求，这使得包装设计以民族为本位的战略流行起来。一个人诞生于某种文化环境当中，就必然受这种环境影响着他的思想、情感以及行动。民族文化是以人们的生活需要和信仰为基础的，受本民族自然条件和社会条件的影响，并最终形成了本民族特有的语言、思维、价值观和审美观。如果能将这些传统文化运用于现代包装设计中，可以唤起人们心理上的认同感，成功推销商品。视觉是有感觉的，是有思维的。中国传统装饰艺术源于广大普通民众的创造，拥有普遍的心理认同基础，与现代包装设计有很大的结合可能。
(三)传统装饰艺术怎样运用于现代包装设计
美国杜邦公司是世界上最大的化学公司，它曾做过一项周密的调查，发现63%的消费者是根据商品包装来选购商品的。这就是著名的“杜邦定律”。中国也有一个著名的故事，就是《韩非子》里面所记载的“买椟还珠”。由此，我们不难看出包装设计的重要性，商品竞争的重要手段之一就是包装。但如何才能使得自己的包装设计在这个信息爆炸的时代脱颖而出呢?传统装饰艺术永远是设计的主题，“民族的就是世界的”。现代包装设计对传统装饰艺术的复制和模仿。如果能在现代包装设计中把传统装饰艺术的布局、形态，以及结构上所体现出的韵律、秩序加以得当借鉴，将会有事半功倍的效果。我国的传统装饰资源，丰富多样，特别是吉祥图案，更是独具特色，它们的含义已经深入人心，很容易产生共鸣，这些都是可以直接运用得。如龙凤、太极八卦、中国结等，这些图案无论是在内容形式上，还是在装饰技巧上都达到了一定的高度，我们或是照搬，或是对其图案、造型的吸取，都是不错的选择。但直接运用这些传统装饰艺术应注意与现代包装对象题材吻合，适度适量，手法合理，不要不得章法，过分堆砌。现代包装设计对传统装饰艺术的提取和拼贴。传统装饰艺术包含着丰富的内容，他们以多元的符号表现出来，提取其中的某些元素，根据自己的创作素材重新组合，以表达自己的想法，是现代设计师最常用的方法。在现代包装设计中，我们需要按照现代的设计法则，将传统装饰艺术进行抽象和变形，挑选出可汲取的装饰元素，再进行重构，从而得到创新性的设计。但要注意的是，这绝不是简单的罗列、拼接，而是有设计目的的有机组合。在设计过程中，充分分析提取元素的形式特点和组合方式，提取的元素要具有独特性，符合现代审美倾向，这样才可以在现代包装设计中呈现出传统装饰艺术的魅力。现代包装设计对传统装饰艺术的推陈出新。在现代包装设计中，出现了许多新的流派、主义、思想，这些多来自对西方国家设计的学习，是本时代的新生力量，不得不被重视。但是，如果能够把中国传统装饰艺术与近现代西方艺术相结合，就可以做到东西方的审美互补，从而形成中国设计风格。这是现代中国设计师所应追求的，这样的推陈出新，才可以引起世界范围内对中国设计的关注。近年来，在世界范围内提倡可持续发展战略，中国也不例外，我这里要说的是，可持续发展的重要部分就是对民族传统文化的继承和发扬。现代包装设计需要新的理论依据，带来崭新的变革。
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现今，专业人才的教育模式以“工学结合”为重点，其意思也就是：学生在校内必须认真完成课堂上的任务、熟记书本上的知识，在校外就要对自己的操作动手能力加强训练。其实，工学交替模式也是如此。以学生对自己所选的专业为依据，给他们在工作岗位上培养的机会，让学生既能学好课本知识，又能让学生初步感受工作岗位，以便以后在自己岗位上能更好的发挥所学的技能。显而易见，工学交替是有三个教学场所的，因此，学生的学习也是有三个阶段的。第一阶段就是要学生全部学完课本上的理论知识，如：知道什么是装饰艺术设计专业、装饰艺术设计专业有哪些内容、装饰艺术设计专业的前景如何、怎样对物品进行设计等等，这就是我们在教室里所要完成的。第二阶段就是在学生掌握了课本上的基础知识后，对事物进行设计进行操作。在训练室里，有专业的老师对实施有计划性的训练方案，进行一对一的操作辅导。要让他们彻底的摆脱书本的束缚，成为真正的专业技术人员。这就是我们在训练室所要完成的。最后一个阶段当然就是在企业啦，我们为什么那么刻苦学习？为什么要把技术学好？就是想找到一个好工作赚好多的钱，现在，高职就提供我们这个机会，让我们有钱拿的学习，当然了，重点不是在钱，而是让我们学会与人交往，懂得团队精神，遵守职业道德。提高我们大学生对社会的适应能力。
1.2以“工学坊”为载体的教学模式
由于高职院校中“工学结合”教学模式的出现，促使大多学校都出现半工半读式、勤工俭学式的人才培养模式。“工学坊”是指高职院校与相关企业进行合作，共同设立的一个基地，但它也是要严格遵守公司的管理制度。它既是设计公司的一个设计部门，又是学生用来训练技能的培养场所。它全由专业的设计师、专业的教师、专业的学生组成一个团队，该团队是设计企业的灵魂。学生能在设计部门学习具有很大的意义，把每一次的项目设计当作自己的学习内容、当作一次实习经验，所以必须要认真对待，提高自身不断学习的积极性。只有这样学生才不会辜负高职院校的期望，才会把自己的专业技能发挥极致，才会理解团队合作精神，提高自己的专业技术能力。
2.装饰艺术设计专业工学结合教学模式的改革方向
2.1与时俱进
高职院校的专业课程开设一定要随着经济的发展不断的改进。由于我国教育事业的快速发展，高校的竞争也日益激烈。又因为高职的师资条件、学生觉悟、教学课时等等都与本科院校有所差距。所以，只有自觉创新、与时俱进，高职才能在在众多高校间脱颖而出，才能不被时代所淘汰。
2.2突出特色专业
高考完后，学生对学校的选择主要是考虑学校专业的分量。我校的主要专业是装饰艺术设计，然而受各种因素的影响，它并不具备我校的特色，也不具备吸引学生的条件。所以，目前，我校的工作力度应着重放在对专业课程的改革，充分发挥我校装饰艺术设计专业的优势，提高我校主要专业的知名度。
2.3加强与企业间的合作
工学结合的人才培养模式要求我们要与企业紧密联系，共同来培养国家专业技术人才。企业可以为学校提供教学资金、教学资源，为学生提供专业技能培训的平台，同时，学校也给企业带来雄厚的技术基础。所以，加强与企业的合作是必不可少的。
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房龙在《人类的艺术》中谈及伊斯兰教时说:“从天性上看，伊斯兰教徒不算是讲究艺术的民族。雕工师傅、画家、瓷砖的设计师，只是为打破清真寺墙上的单调，才动手搞点装饰。”①此话明显失之偏颇。原因有三：其一，没有客观地认识到伊斯兰教发展过程及其同时伴生的开放文化观，使伊斯兰艺术广泛吸纳了各民族业已取得的艺术成就，从而营造出富有伊斯兰特色的艺术形式这一历史事实。其二，过于草率地判定伊斯兰装饰艺术不存在深层的文化意义和美学向度。其三，没能洞悉以《古兰经》为源泉的伊斯兰教使伊斯兰装饰艺术呈现出特有的宗教韵味。因此，有必要对这一问题做出比较公允、明确的辨析。
实际上，伊斯兰艺术成就主要体现在装饰艺术中。而伊斯兰装饰艺术又集中体现在清真寺建筑的墙面装饰以及织物、陶瓷、金属、玻璃等器皿的纹饰上。其美学原则既区别于西欧和中国，又区别于犹太教、基督教、佛教等其它宗教艺术，其内在的文化动因使之呈现出以下独特的艺术面貌：
一、抽象中的冥索
多数学者把伊斯兰纹饰艺术发达的原因归于伊斯兰教的偶像崇拜戒律。《古兰经》虽没明文规定禁止具象绘画，但却提出：“我的主啊！求你使这个地方变成安全的，求你使我和我的子孙远离偶像崇拜。我的主啊！偶像确已使许多人迷误。”②并有传说，如果塑造了人和动物的形象而不能给其注入生气，在末日来到的时候将受到严惩。“在穆斯林看来，绘画人或动物的形象，即意味着与造物主竞争，这样的人会在裁判日受到最残酷的处罚。于是，形象创造成为伊斯兰艺术中的一大。”③由于《古兰经》对穆斯林信仰和生活准则的决定性作用，导致伊斯兰艺术致力于装饰艺术的发展。此外，宗教一般是通过非人化的偶像崇拜来诱使人们皈依教门，服膺教义的。佛教、基督教便是通过把具体可感的人加以神化，借以宣扬超脱物象的精神本体，并作为人类崇拜的偶像。在汉代末期，佛教正式传入中国之后，大规模的造像活动随即开始。魏晋之后，随着佛教的兴盛，造像活动日益发展，到南朝时达到高峰。不仅如此，当时的许多高僧，还在理论上论证了建造佛像的必要性和重要性。慧远在著名的《万佛影铭序》中就称:“神道无方，触像而寄，百虑所会，非一时之感。”④而规模和影响力居世界三大宗教之首的伊斯兰教选择的不是“触像而寄”，而是无形无相的某种理念，并视其为超越生命的存在。因此，基督教的耶稣、佛教的释迦牟尼均有确定的“实像”，而伊斯兰的真主却是虚拟、抽象的，是不可见的“虚像”。真主创造万物、主宰一切、全知全能，既无处不在，又无形无象、无始无终。既然真主是某种理念的代名词，那么，以抽象的“有形”，反映真主无处不在的“无形”，才是通过艺术感悟真主存在的途径。这种靠悟性感知真主的特质是导致伊斯兰装饰艺术抽象化的另一原因。阿非夫·巴哈尼斯称，伊斯兰艺术重想象和冥索，西方艺术则重科学与思考。而想象和冥思正是抽象艺术的思维方式。更为重要的是，伊斯兰教重知识、崇智慧的远见卓识亦促使其工艺纹饰抽象化、复杂化，同时又为高难度的表现方式提供了思维能力上的先决条件。伊斯兰教的创始人多次表达过对知识价值的肯定，这种对知识和智慧的尊重与崇尚，使伊斯兰社会以开放的文化观广泛汲取古代波斯、印度、中国、希腊、罗马的科学技术和哲学思想，不仅迅速形成和发展了伊斯兰文化体系，也使宗教与哲学、科学协调发展。而从哲学上看，伊斯兰教主要接受了来自古希腊、古罗马的浸润，尤其是亚里士多德的逻辑学对其产生了深刻影响。“中世纪阿拉伯著名哲学家伊本·西那采取了带有新柏拉图主义色彩的亚里士多德哲学体系，认为感悟是人类认识真主和世界的一种最高能力，因此，一切失去物质和感性外壳的抽象概念是知识的最高形式，因为人的精神目光应从‘粗糙’的物质显示，从一些具象的事物和现象移开。”⑥伊斯兰艺术能够把几何纹饰发挥到极致，正是这种崇尚抽象思维的智慧使然。花卉、植物纹饰摈除了具象表达，以抽象化的象征性语言，描述“隐而未见的意向”，以近乎极限性的繁丽复杂，构筑视觉上的绚烂迷离。其作用在于打破了视点的固定，使观者在目光顺着藤蔓游走跳跃的时候，精神也随之飞升到永恒的天国乐园，体悟宇宙的精奥美妙，并最终感受到真主创造世界的神奇伟力。由此我们也就不难理解阿拉伯书法在装饰艺术中担当的重要角色。阿拉伯书法出现在装饰艺术中，不同于中国青铜器、古埃及器物上铭文的记载、述说作用，伊斯兰教不仅视书法为智慧的表征，更是象征真主的圣意，在装饰空间嵌入《古兰经》经文、圣训或箴言，真主便可以与信徒无阻碍地交流，书法几乎成了真主的替身。而在视觉上，这种宗教符号式的书法因素的入，进一步强化了装饰艺术的抽象特征。
二、满密中的游走
伊斯兰装饰艺术呈现出花枝满眼的浓密布局。而形成这一特征的文化心理因素，概括来说主要有如下两点：
首先是对荒芜地貌的心理补偿。阿拉伯半岛除边沿地带雨水充沛、土地丰沃之外，大部分地区干燥少雨，起伏的山脉和沙漠夹杂着零星贫瘠的绿洲，因而生活在这里的游牧民族梦想中的家园就如《古兰经》所描述的天国景象:繁花似锦、莺啼鸟啭、河流清冽、满目葱茏。而在现实环境中，稀疏光秃的地表植被和热浪蒸腾的空气却透出丝丝荒凉。这种巨大的反差，迫使伊斯兰艺术家创造出慰藉心灵的艺术样式。如清真寺的墙面采用了多种装饰手法：或用砖排列出复杂的几何纹样；或用琉璃砖满覆建筑物所有在外的墙面，间或镶嵌晶莹明亮的镜片；或采用浮雕手法镂刻图案。同时，又配以蓝绿色调，蓝色喻水天一色，绿色象征植被和生命。从而使清真寺光彩夺目、富丽堂皇，远远望去，单调无垠的环境背景烘托出清真寺的雄伟壮丽和神奇魅力，吸引着众多信徒前来寻梦。这无疑考虑到了视觉艺术对心理缺失所具有的补偿作用。《古兰经》中的圣语也揭示了阿拉伯人对生命之色的崇尚。因而，蓝绿色调不仅在伊斯兰建筑装饰上占有重要地位，而且影响了工艺品装饰的色彩倾向。
其次是教义的启示。伊斯兰装饰艺术崇尚繁复，不喜空白，也是受其教义的影响。中国艺术没有空白的概念，不管是书法、绘画，还是建筑和园林等，都赋予虚空以丰富的含义，成为产生丰富心理运动的生命源泉。老子曾说：“知其白，守其黑，为天下式。”⑤因而，空白处亦指代物象，此所谓“计白当黑”。所以苏辙在《论语解》中说：“贵真空，不贵顽空（死的空间）。盖顽空则顽然无知之空，木石是也。若真空，则犹之天焉！湛然寂然，元无一物，然四时自尔行，百物自尔生。粲为日星，为云雾。沛为雨露，轰为雷霆。皆自虚空生。而所谓湛然寂然者自若也。”⑥而伊斯兰教却给空白罩染了一层神秘的宗教色彩。他们认为，空间是魔鬼出没的地方，所以应以稠密的纹饰将其填满，这样就可以阻止魔鬼的活动。更重要的是，伊斯兰教认为真主无时无处不在，“无”的空间并不存在。
三、共性中的宣叙
伊斯兰艺术善于用线，弯曲柔韧的线条贯穿于整个纹饰画面，而且这些象征枝叶的线条迷宫般地编织缠绕、回环延展，体现出极强的运动性。在世界各民族艺术中，能够把线条的丰富性发挥到极致的，一个是中国艺术，另一个就是伊斯兰艺术。而比较起来，中国艺术的线条携带着更多的人文含义。如中国书法便抛弃了任何有关意象的形体、色彩、质地等视觉要素，只用简略到极限的线条在运动中展现节奏、韵律，而这种无牵绊的徒手挥洒，使蹑踪情感之流成为可能。“笔性墨情，皆以其人之性情为本。”可见，中国艺术对统一的道德律令的强调，并没有限制对艺术个性的张扬。可在伊斯兰装饰艺术中，线条却主要负载着宗教含义，体现出附庸于宗教情绪的美学观念。因为在伊斯兰教里，宗教和哲学你中有我、我中有你，两者互为包容。伊斯兰学者吸收希腊罗马哲学思想来论证真主的本体和属性，使伊斯兰教具有理性思辨的色彩。伊斯兰教认为，真主是最完美的存在，一切光荣归于真主，因而个体的创造性价值没有得到广泛的确认，这使得伊斯兰装饰艺术不注重个性特征的展现，而是以规整、统一、均衡和重复勾勒出鲜明的共性特征。因此，纹饰的线条或以波状、弧形、螺旋状延伸，或连绵缠绕，但运动轨迹总体上趋向圆型。极富动感的曲线虽穿插、缠绕到无以复加的地步，但仍保持清晰的脉络。这无疑展现了圆满自足的真主，其生命活力在于行动中的理智这种哲学认识在艺术中的宣叙。而这些颇具共性的装饰特征既不是“为了打破单调”而随意为之，也不完全是因为受制于偶像崇拜的禁令，相反，伊斯兰装饰艺术的独特面貌是蕴涵明确的主动选择。
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一、对于剪纸艺术的认知
剪纸艺术作为一种朴实的传统艺术表现形式，不受价值观念和功利思想的制约，表达出人类艺术最基本的精神品质，代表着大众的审美观念，体现出丰富的生活情趣。长期以来，剪纸艺术成为人们生活中应用得最为广泛的艺术形式，也是我国传统装饰艺术之一。
首先，从技法方面看，剪纸就是在纸上剪刻图案和文字，表现出创作者的理念与思想。创作者往往会结合实践经验，在生活中选出最适合的题材，开创以雕刻、镂空为主的独特技法，造就剪纸特有的艺术形式。随着剪纸技术日趋成熟，在设计和应用过程中，又相继开发出了拼色、撕纸、烧烫、染色、衬色、勾描等多种剪纸技法，使作品细如真丝、粗如泼墨，可以黏贴摆衬，也可以悬空吊挂，丰富了剪纸艺术的表达内容，也使题材更加宽泛。技法的纯熟促使剪纸艺术具有简单概括、构思大胆、夸张传神、应物赋形、富于装饰、善于比喻、幽默取巧等审美特点。而这些特点不是剪纸艺术最初就具备的，而是人们在生活经验的基础上提炼、创造出来的，后通过创作者精湛的剪纸技术创作出了完美的艺术作品。可以说，剪纸艺术彰显了社会美与自然美，且其本身也具有形式美与艺术美。
另外，由于剪纸艺术所需要的工具和材料比较简单，剪纸技法也易于掌握，有别于其他的艺术门类，形成了独有的特色，受到人们的广泛喜爱。其次，从艺术作品形象方面看，由于受到民间剪纸自身局限性的制约，剪纸艺术往往不能表现过于纷繁复杂的画面，形象比较单一。但单一不等于单调，以少喻多、凝练传神为剪纸艺术的最高境界。从某种程度上说，艺术作品形象的单一性往往更具吸引力，更加单纯、简洁而有活力，往往单一的形象更加引人注目，它是创作者能捕捉到的最本质的事物，能给人留下深刻的印象。
再次，从形式风格方面看，剪纸艺术独有的民间艺术形式和风格，注定了其是一门易学难通的民间艺术。剪纸创作者大多是乡村妇女和民间艺人，他们通过对生活中事物的观察以及自己的所思所想，以淳朴的情感和直觉为基础，造就了剪纸艺术浑厚、单纯、明快的特殊形式。相较于其他门类的艺术，剪纸艺术往往更加注重线线相断和线线相连以及构图造型的图案化，重点突出图案夸张、简单、优美等特点，让作品具有节奏感且色彩简单明快，要注意在创作过程中一定要稳当、准确和巧妙。另外，剪纸艺术可以反映出最深刻、最全面的现实生活，同时也能展现出精美的艺术创作过程与创作者的情感变化。而观者在面对朴实的剪纸艺术时，一定要保持客观、积极的态度，努力提高自身的艺术修养和审美情趣，用心体会剪纸艺术贴近心灵、装点生活的情趣。
二、现代包装设计对剪纸艺术的追求
随着时代进步，现代包装设计的理念有了明显的改善和提高。现代设计师不断地学习中外包装设计中的新思想与新理念，并应用于自己的设计作品之中，以适应现代包装设计的发展要求。而现代设计作品往往不以单独的表现形式而存在，越来越注重对于文化内涵的体现，从而将传统艺术形式（如民间艺术、水墨画艺术，书法艺术等）应用于现代包装设计之中，形成了各式各样的风格。这种风格最能反映出观者的审美情趣与价值观念，也最容易触动人们的内心情感。基于此，现代包装设计汲取传统民间艺术元素，运用现代设计审美法则，将“民间剪纸”这种艺术形式应用于现代包装设计之中，给人们带来了极大的视觉冲击力。传统艺术与现代包装设计的结合，是民族文化元素应用的一种创新手段。在现代包装设计中采用剪纸艺术元素，并不是对传统文化直线性的继承，而是一种在艺术设计发展中的取舍，或是在设计方面的创新。因此在现代包装设计过程中，设计师只有合理地融入传统元素，更新设计观念，在本土化的基础上运用先进的设计方法，融会贯通、兼收并蓄，才能设计出拥有时代风格和中国特色的包装设计作品，进一步引起消费者的共鸣和认可。
三、剪纸艺术在现代包装设计中的具体应用
在当前市场的“品牌大战”中，商品扮演着重要角色。而商品包装也正以各种优势宣传着自身价值。从品牌大战到产品自身价值的宣传，包装形象发挥着重要作用。与此同时，包装的新风格、新形式、新材料都成为设计的突破点。由于剪纸艺术具有成本低、材料简单、流传性强、应用地域广泛且深受人民群众喜爱的特点，其应用性、装饰性也更加广泛。在诸多设计案例中，很多包装设计运用到剪纸、皮影等传统艺术形式。然而，当一幅幅优秀的剪纸艺术作品呈现在我们面前时，面临的一个突破点，即如何才能将剪纸艺术与现代包装设计进行完美结合，这是需要着重考虑的问题。
（一）剪纸题材的应用
成功的包装设计，主要包括包装结构、形象装饰与品牌文化内涵三大部分。而包装设计的文化内涵则显得尤为重要，它可以充分体现人们对于精神层面的追求，并赋予作品一个主题，以展现独特的文化品位。民间剪纸的题材内容十分丰富，多是与人们的生活紧密相连，展现出美好的理想与愿望。通常情况下，民间剪纸艺术的题材都是表现具体的事物和形象，如松树、仙鹤、灯笼，桃子、鱼等，大多为日常生活中的题材，质朴而寓意深刻，如寓意着福、禄、寿、喜、吉庆有余、金玉满堂等。灯笼寓意着“五谷丰登”，而松树、松鹤具有“长青不老”之意。这些题材的表达，一般是利用某一具体事物的形态而使人们产生联想。因此，创作者在考虑剪纸题材的应用时，不仅要重视题材的形象美，还要重视题材的内在美和寓意。在很多现代包装礼盒设计中，诸多背景色会采用中国红来表示节日的喜庆氛围，图案多用白色，以形成鲜明的色彩对比。在纹样设计中，也会考虑到运用吉祥美好的纹样作为礼品的包装形象，与寓意美好的内容互相结合，为大众所喜爱。在包装主题形象中选用民间剪纸题材，在保持形式与内容统一的前提下，不仅展现出包装形象的独特个性，而且在情感上易于与受众产生共鸣，产生心理上的归属感与认同感。然而，笔者认为，在现代包装设计中采用传统剪纸题材应该注意一些问题，即传统剪纸艺术中经常会涉及到宗教、传说、历史、民俗等内容，因此在现代包装中运用民间剪纸题材，应避免与当地的信仰、民俗文化等产生冲突。例如，在中国“松鹤”题材常常被用于祝寿，寓意着健康长寿，而在法国却代表着“不吉利”。因此设计师在选择剪纸题材时，一定要考虑不同国家的地域文化差异。只有尊重设计主题和设计文化，才能更好地表达出产品包装设计的文化内涵。
（二）剪纸纹样的应用
完整的包装设计不仅需要完整的骨架设计，更需要外部形象的包装和装饰。在此过程中，剪纸纹样的使用成为表现包装设计民族文化的重要方面。剪纸纹样大多与人们的日常生活有关，在表达过程中，从情感上更容易与人们产生共鸣。剪纸纹样的象征性和浓厚的生活气息，使其具备了无可比拟的朴实美感，也散发出了独特魅力。例如在包装设计中常常使用民俗文化中的“鱼”纹样，谐音变为“余”或“裕”，代表着“吉利有余”“连年有余”，具有祈盼吉祥、富贵的美好寓意。另外，辅助纹样也经常运用最典型的传统纹样“卷草纹”，将剪纸纹样进行了合理再利用。因此，如何对剪纸纹样进行现代设计的应用，值得每一位设计人员进行深思熟虑，让其实现最大的艺术价值。
（三）剪纸技法的应用
剪纸技法成就了剪纸艺术的独特形式。“剪纸”换言之，即刻纸，是以纸材料为主要面材，以剪刀和刻刀为主要工具进行创作的艺术形式。在剪纸过程中，可以根据作品的需要进行细线造型或者粗线造型，形成对比强烈而又玲珑通透的视觉效果，展现给观者一幅镂空手法的艺术作品，通透而有层次。正是镂空形式的独特表达，才彰显出剪纸阴阳纹的艺术意蕴。纹样中阴纹结构需要线与线之间断开的形态，但阳纹却要线与线的相互关联。这种断裂与关联的连绵不绝，表现出了作品的紧凑感以及强烈的形式美感，成为剪纸艺术表现手法的奇观。在现代包装设计中，镂空的民间剪纸形式十分常见，往往以红色为整体背景，诸多纹样也采用了民间美术中的象形手法。形象本身就相当于一幅阴刻线的剪纸，用来打造阴阳效果。图形纹样用镂空的形式以反白效果呈现，既有表层的纹样含义，又有深刻的寓意，使形象设计与品牌推广保持一致。在很多传统纹样中，往往都比较注重纹样的寓意，在剪纸艺术上常用的比喻手法，在包装设计上也同样适用。镂空的艺术效果展现出了独特的工艺，将抽象的设计图案和丰富的情感呈现给受众，让人们在感受包装设计传递的视觉信息的同时，深刻感受到了民族文化的深厚底蕴。由于镂空剪纸变化莫测的特性，因此在现代包装设计中，设计师要从多个角度进行思考，充分利用镂空工艺的特色来表现包装的视觉形象，运用合适的材料进行创作，进而传达出商品的特点与功能。运用镂空工艺表现产品包装设计有明显的优势，可充分展现出剪纸的特点，使产品包装设计的形象更加丰富。设计师可以根据产品的包装需求，运用花纹镂空来表现包装的设计主题，通过镂空工艺对题材、内容和形式进行表达，实现包装设计与民间剪纸艺术的有机结合。可以说，将剪纸的镂空艺术形式在包装设计上进行创新应用，是对中国传统民间艺术形式的有效传承。
四、结语
传统文化博大精深，“越是民族的，越是世界的”这句至理名言无时无刻不在影响着现代设计。我们提倡在现代设计中传承传统文化，就是要立足本土，做到古为今用。剪纸艺术作为传统民间艺术之一，具有很强的人文性与民俗性，其拥有自身的艺术特色，不断影响着现代设计的发展。而现代包装设计中在考虑到剪纸艺术应用的同时，也应考虑到其中产生的诸多问题。因此，把握传统文化，提升现代设计意蕴，既是对传统文化的发扬与传承，也是传统艺术在当今设计领域中再生价值的展现。而我们在借鉴和运用传统文化精髓的同时，还需要不断寻找与现代文化契合的方法与规律，结合现代设计理念，创作出具有民族特色的设计作品。
参考文献：
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篇7
一、装置艺术的产生及其发展历史概况
装置艺术与传统意义上的架上绘画艺术有着明显的差异。装置艺术的产生从一开始就和环境空间有着密不可分的关系，所以装置艺术（Installation）被释义为“架下的创意组合与放大”。英国批评家尼古拉•德•奥利维拉在其著作《装置艺术》中认为装置艺术的鼻祖为19世纪末的一位法国邮差。这位邮差用二十多年的业余时间将水泥、贝壳和石头修建成一座造型怪异的理想宫殿。被大家公认的装置艺术起源于20世纪60年代，在成形之初，人们将其视为一种雕塑艺术。人们将最开始的装置艺术视为一种雕塑，忽视了装置艺术与雕塑蕴含的不同设计理念，这也是两者最根本的区别。在设计材料的使用方面，装置艺术采用了与雕塑艺术相近的轻物质材料。但是，在设计理念上，装置艺术采用文化互动的原理，通过静止的物象呈现人类社会互动的生活模型，这是与雕塑设计理念相区别的地方。在环境艺术设计范畴里，装置艺术还详细地区分为室内装置、室外设计等不同的类别。概括而言，室内装饰更加侧重局部装饰，而装置艺术更加关注整体效果。因而，在室内、室外或展览的设计过程中，有时会出现装置艺术设计的不同。
二、装置艺术的特征
装置艺术在长期的发展过程中尽管在不同地区、不同场域各有特色，但是形成了部分可供遵循和考证的通则性特点，概括起来包括以下几个方面：其一，装置艺术的主题性。装置艺术在不同的空间设计中都围绕特定的主题展开，如吕胜中先生的剪纸作品《招魂》运用装置艺术的理念将人形不断复制，在这一复制的过程中将自己的思想和“招魂”的主题合二为一，体现出人们内心深处对“魂灵”的敬畏态度。在环境设计中，装置艺术的主题涉及人们生活的各个方面，如宗教、风俗、生死仪式、文化习惯等，这些主题为装置艺术设计者提供了可供界定的选材和风格，从而取得想要的环境设计效果。其二，装置艺术的实用性。装置艺术与陶艺等供长期收藏和使用的艺术品的特点、价值不同，装置艺术更多地体现短期的展览效果。因而，在设计的过程中设计者会更加注重使装置艺术的实用价值和美感并存。同时，装置艺术低成本、高效果的收益特点也让设计者可以更加大胆地运用身边的简易材料实现“高大上”的艺术追求，实现艺术与生活的对接。其三，装置艺术的创新性。为了更好地刺激观赏者的感官，打破观赏者固定的思维模式，设计者往往推陈出新，通过夸张、异化或强化的艺术手法实现对作品的呈现。如，登昆燕在作品《丧宴》中就玩了把装置艺术的“小把戏”，在进入宴会的通道上，他大胆地运用常用在婚礼设计中的花球和蜡烛装饰物，只是小有改动地将花球的颜色换成了白色，便成功地通过这一设计削弱了在丧宴中一贯的悲伤气场，而增加一份缅怀亲人的柔情，让人在悲伤之余感受一份装置艺术带来的温暖，体现出装置艺术在环境设计中对于人文情怀的追求。其四，装置艺术的渲染熏陶性。在自然环境设计过程中使用装置艺术是为了更好地转变观赏者对环境的态度，使其由被动接受转为主动欣赏。环境设计中围绕特定主题设计的装置艺术作品能够体现设计者不同的设计理念和设计思想，蕴含了一种生活哲学。判断一件装置艺术作品的成败，主要看其与所处环境的契合程度，以及观赏者置身于环境中时有怎样的感悟，是否与环境形成诸多共鸣。设计者通过装置艺术将人们带入自身设计的大环境，借用实际存在的装置艺术呈现创设的情境，体现出装置艺术对环境的渲染力和对人们情怀的熏陶性。装置艺术使现代实体社会显得更加神秘，其追求观赏者参与其中的仁者见仁、智者见智的审美效果。其五，装置艺术的共同参与性。装置艺术的生成需要观赏者的参与和介入。以苹果社区的设计为例，在苹果社区的展厅内外，设计者借用数以百计的可供食用的苹果创作出一件装置艺术作品——《能吃的房子》，这一装置模型强调观赏者与装置共存的关系，通过观赏者与装置的互动体现出作品的大众参与性，同时体现装置作品在观赏者心目中的地位。苹果这一食材作为装置的选材一开始是作为一种构成空间的建筑材料，在空间形成之后又作为整体模型的设计信息载体进入观赏者的视野，影响观赏者的思想与认知，并且成为观赏者讨论的话题，营造广告宣传的效果。其六，装置艺术的可变性。装置艺术是可变的艺术。因为装置艺术具有实用性和非收藏性的特点，所以装置艺术的设计在很多情况下是可以根据环境和实际生活的需求而不断变化的。因为装置艺术具有不断变化性，所以在急速发展的商业社会中才需要通过不断更新装置艺术吸引人们的眼球，更新人们的认知。在商业社会环境中，有的商家用高雅的装置艺术博得观赏者的关注，使装置艺术成为其获取利益的门面装饰。环境设计中装置艺术的诸多特点需要人们在环境设计过程中不断认识和学习，以更好地实现对装置艺术的使用。装置艺术可以在一定程度上既满足人们对实际环境的需求，又满足人们对高雅艺术的渴望，可谓一种双向载体。很多成功的装置艺术作品还承载了设计者的灵魂。环境设计中的装置艺术不断推陈出新，设计观念也不断实现中西文化结合，越来越多的设计者开始使用不同大小、不同格局的装置艺术装饰自己的现实生活和心灵空间，使灵感与现实空间实现完美对接，让空间结构更加立体，让人们的生活环境更加丰富，也更加富有特色和个性。
三、结语
装置艺术在环境设计中的作用不容小觑。就室内设计而言，装置艺术可以在一定程度上提升空间的设觉效果，体现出空间设计的价值；在展示空间中，装置艺术可以扮演重要的角色，呈现不同地区的文化风格；在景观环境中，装置艺术可以和环境更好地融为一体，成为一项开拓观赏者思维和视野的新的存在。总而言之，无论哪一种空间设计中的装置艺术，从根本上而言体现的都是人们与环境的和谐相处。实现文化与装置艺术的结合，可以更好地推动环境设计的发展，也可以提高人们的精神生活追求。
作者:李中亚 单位:中原工学院艺术设计学院
参考文献：
[1]陈健.论环境设计中的装置艺术.同济大学学报（社会科学版），2005（3）.
篇8
一、中国现代陶艺的崛起
从时间上来说,中国现代陶艺的开始并没有确切的年代,大约在十九世纪五十年代中国陶艺家才开始尝试着从传统古典陶瓷艺术中剥离出来,但是由于当时的政治原因和经济环境,在改革开放前,现代陶艺所倡导的自由、开放的意识并没有得到很好的发展。
八十年代中期,美籍陶艺家李茂宗访问大陆,在国内一些艺术院校进行了一系列的学术讲座与交流,重点推介了美国和台湾的现代陶艺作品及发展状况,在中国陶艺界产生很大影响,中国陶艺界第一次把审视的目光转向自身,动摇了固有的观念。
80年代末90年代初,中国的现代陶瓷艺术逐渐活跃起来,一批具有深厚艺术功底和丰富社会经验的艺术家涌现出来。直到今天,仍有一大批陶艺家在从事现代陶艺的创作,并形成了一支比较专业的创作队伍。九十年代后期,中国现代陶艺的发展呈现迅猛之势,陶艺的交流与展览此起彼伏,现代陶艺的呼声几乎点燃了所有艺术院校青年师生的热情。
二、中国现代陶艺的本土性
中国现代陶艺是在西方艺术思潮诞生出来的新生儿,所以或多或少地带有西方的艺术理念,但是无论从形式方面还是表现方面都具有明显的本土性。
(一)艳俗艺术风格的独特性
艳俗艺术是90年代在中国兴起的,主要以反映大众文化为主。在当代中国美术的发展中,艳俗艺术是指一种倾向或风格。艳俗艺术家大多采用移花接木的手段模拟现实生活中的庸俗,在讥讽中又时时透露出善意的嘲弄。
一些艺术家就借用了陶艺材料的独特性,来进行艳俗艺术的创作,表现个人对现实社会的关注,把自身的感悟物化为艺术作品。艳俗艺术的创作题材是以大众文化中的符号、图像、形象为主,表达中国现代社会的现实。通常以写实的手法,对现实物品进行直接挪用,这种具象的物品比架上绘画更具体、生动。另外,艳俗艺术在色彩的表现效果上,最典型的就是“媚、艳、丽、俗”,以突出农民暴发户式的审美趣味。
(二)装置艺术风格的超越性
装置艺术从诞生的那一天起,就散发着后现代的气息,在一定程度上说,装置艺术就是在后现代背景下得以存在和发展的,装置艺术是后现代背景下的艺术对应,装置艺术就是后现代艺术。装置艺术也可称之为“环境艺术”。 装置艺术不受艺术门类的限制,可以自由结合使用绘画、雕塑、声响、灯光、影像、行为等任何能够使用的元素,是一种非常开放、自由的艺术手段,打破了传统的艺术分类原则。
(三)新表现主义风格的原始性
新表现主义在现代艺术中和观念艺术一样不是最重要的组成部分,但也是八十年代较有影响力的艺术,它主张放弃抽象表现主义无具体的描绘,也反对极限主义、装置艺术和观念艺术缺乏技法、否定技术的立场,是对六十年代到七十年代流行艺术的对抗。通过对八十年代后现代艺术思潮及作品的分析,国内现代陶艺的艺术面貌不可避免地呈现出“东西和合,古今碰撞”的特点。现代高科技的发展带来的是信息快速的被现代社会所接受,导致个人观念加速同质化,国内现代陶艺的发展也是一样。
三、结束语
时代的变迁,经济的发展,以及人们的精神生活不断丰富,社会的发展形成了当代多样化的艺术创作风格,以及多元化的评判体系。然而,随着人们生活节奏的加快,现代城市环境的浮躁,以及人们心灵深处对纯朴的自然、恬静的生活环境的渴望更加强烈,于是现代设计艺术出现了“返朴归真”的趋势。一个有着悠久历史,有着完备审美体系的中国现代陶艺,正在由一代新人进行着现代追求和改造,使其具有现代感,又具有我们民族自己的特色。
篇9
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开放的演播空间
作者：admin2008-5-2619:13:17
开放的演播空间秦建伟改革开放二十年以来的中国电视业经过发展，竞争日趋白热化，电视以全新的姿态走进千家万户，不论高度时效性的新闻类节目，还是综艺娱乐性节目......优秀的制作与精美的包装，再加及节目主持人充满智慧的语言都对节目的收视率有非常大的影响。一档优秀的电视节目需要制片人(导演)主持人(演员)
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开放的演播空间
秦建伟
改革开放二十年以来的中国电视业经过发展，竞争日趋白热化，电视以全新的姿态走进千家万户，不论高度时效性的新闻类节目，还是综艺娱乐性节目......优秀的制作与精美的包装，再加及节目主持人充满智慧的语言都对节目的收视率有非常大的影响。一档优秀的电视节目需要制片人(导演)主持人(演员)摄像灯光美术设计音响编辑技术等方方面面的通力合作，才能更有效地完成整个片子的制作，演播室空间美术设计也是其中人非常重要的一环。
美术创作人员在得到一个演播室空间美术设计的任务时，酝酿最初的想法和形象化的概括，抓住对设计的独特理解，逐步形成它所塑造的演播空间外部形象的具体想法和意向.意在笔先,避免机械地按照节目规定的空间提供一般化地环境设计，才能提炼与节目有内在联系的造型因素，使空间成为一种潜在的语言,创造出仅靠人物语言动作无法充分表达的深遂意蕴。
在这里，我暂把演播室空间的设计分为六个角度进行分析:
一假定的空间
假定性系美学概念之一，假定性是一切艺术创作所共具的属性，空间艺术中以抽象象征虚拟引喻，间接表现艺术的时空感。
演播室的空间也可以是一个假定的空间场景，通过不确定空间的指定性，体现节目风格，例如：凤凰卫视的“杨澜工作室”，是一档以讲述历史长河中种种发人深省的故事、轰动的事件、才子佳人的传奇，回顾历史,给人以启迪的栏目.,整个节目开始摄像机由上自下，由右向左缓缓移动，象征历史文化的罗马石柱屹立在运动着的蓝天白云下，每一个柱子的中间都有一个电视屏幕，不断播放着珍贵的历史资料，主持人从柱子间慢慢走进镜头讲述一幕幕动人的传奇故事，这个假定的空间定位在一个变化的历史长廊中，把一个古老的历史废墟景象搬到演播室，在这样一个时空交错的环境中，让观众能更好地去了解过去的各种历史。
二情感空间
不同类型的节目体现出来的感情基调是不相同的，一般节目的开始往往通过一段音乐，几组画面，几行字幕，就可以让观众了解整个节目的风格，环境的设计同样也从背景到环境空间道具无不体现出某种特定的情感用语。亚洲卫视的[V]频道，几乎所有演播室的空间设计，都采用极度夸张的色彩，奇异的道具，再加上主持人新潮的发型及服装，体现出先锋音乐的存在空间，在这样的气氛中，肯定不会有严肃的故事发生。
三交互式的空间
谈话式的节目中,演播室的空间设计目的是让主持人与观众在一个开放的空间里迅速沟通，调动情绪，让更多的观众融与节目中进行参与。“实话实说”栏目，演播室为圆型空间，观众嘉宾主持人三者在同一对等空间，摄像分布其中，主持人在观众嘉宾中来回穿插，打破了空间的两面或三面的传统组成结构.这种开放的空间构架,能更加轻易地调动观众的参与情绪，让主持人有更多的发挥余地。
从这一点来说，演播室空间的美术设计，已不是简单地独立出现的，它是通过空间这个媒介与节目结合在一起.这就是为什么搞装饰装修的设计人员，在搞电视演播室的空间设计时,为什么显得有时力不从心了。失败的设计只能体现在独立的空间变化，独立的背景空间，与节目本身相差甚远。
四空的空间(通用性演播空间)
一些演播室不需要一个特殊的环境场所，关键是画面的整体和清晰，再配置简单的道具，这种布景也称为通用性演播，常用中景和近景，全景仅仅起到穿插作用。例如：凤凰卫视的“铿铿三人行”栏目，整个演播室只用了一个非常简单的幕布，以此体现“人生大舞台”“幕后休息室”的意象，以再简单不过的背景突出节目调侃诨谐的风格，是典型的后现代舞台风格，把三个人物放在一个简单的中性背景中，人物和人物之间的性格更加突出，这种空的空间设计可以使观众唤起某种形象感触，也就是所谓的形象联想，形象联想也就是设计创作中不可缺少的契机，是塑造形象的基准。
五装饰性空间
如果是中性节目，不需要表明人物的特定环境，只需要有一个优美的背景来提高画面的艺术欣赏性，比如：音乐舞蹈节目杂技表演节目就需要在通用性的空间背景基础上，给予特意的精心设计，这也称为装饰性布景。这种装饰性空间场景,要考虑演员上下场的变化，利用色彩空间的变化，传统或现代的图形变化使节目本身更加充实漂亮，甚至可以利用机械装置增加演播室的空间变化，让节目更有可看性。
六虚拟空间
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化学喷泉实验的相关知识出现在人教版必修一第四章《非金属及其化合物》第四节《氨、硫酸、硝酸》第一课时，以氨气――水的喷泉实验作为载体，以探究氨气的理化性质为目的。通过喷泉实验的实验现象使学生了解氨的性质（水溶液呈碱性、极易溶于水、挥发性等）。整体实验设计思路与原理不仅具有代表性，而且难度适中，学生容易接受。但是本节内容中对于喷泉实验的介绍不够全面，问题探讨也不够深入，而本节内容又属于重要考点，因此，加以扩展极具必要性。针对此种情况，许多专家学者以及一线教师都加以论述，文章数量颇丰、种类繁多。但阅读了一些喷泉实验教学设计或改进的论文后，深觉上述问题并未得到从根本上的解决，经过总结以往文献存在以下问题。
1、多以喷泉实验装置的改进、优化、美化为主要内容，一味的求新求异，忽略了学生的理解与接受水平与实验本身的目的。造成课上效果好，课下学生复习困难，反馈效果差的效果。与化学教学艺术的基本原则相违背，后文将详细论述。
2、实验几乎全部为演示实验，缺乏与学生的互动性。笔者通过反复实验，氨气的喷泉实验从实验的准备到操作对于实验者要求并不高，而且实验本身危险性不大。在课堂上完全可以给学生分组实验操作的机会，而在实践中发现、分析、解决问题也符合化学作为一门实验学科的理念。
3、缺乏思维延伸与知识迁移。氨气喷泉实验演示结束后，由于教材未再涉及化学喷泉的相关内容，许多教师便不再提及，把关于化学喷泉实验的问题放到习题中解决，遇到一道讲解一道，但这种方法的弊端在于知识传输不系统、逻辑性差。学生很难通过几道习题就掌握关于化学喷泉实验的全部知识。关于解决此类问题的尝试方法详见后文关于多种教学思维共存的论述与附录教学设计。
4、伪探究思路明显，逃避验证性思维。氨气喷泉实验的目的在于探究氨气的相关性质，但在实际课堂讲授中学生往往只对实验现象感兴趣而对于探究目的不明确，许多教师为了响应新课标重视探究的理念依然把探究思维强加于学生，认为验证性思维是落后的，殊不知在科学探究的过程中实验本身的作用就是验证猜想的工具。一味的强调探究流程反而使课堂效率降低，学生对于实验本身关注度不够。
一、设计理念
1、在教学中体现化学教学艺术的基本特征
在授课过程中注意教学艺术的形象性，在演示实验的过程中教师应将实验装置、操作步骤及实验现象通过语言进行描述，方便学生分析实验，也能规范学生本身的化学语言。多使用现代教学媒体辅助教学，把不能再课堂上演示的实验放到屏幕上。比如对于药品与装置的知识迁移过程中教师引导学生改进后的装置或者药品组合不可能全部的通过现场实验来进行效果的检验，对此可以收集一些其他种类化学喷泉实验的视频供学生观看，更有效地激发学生兴趣，帮助学生理解与记忆。而利用多种手法来辅助教学也是化学教学艺术综合性的体现。在实验过程中创造性也十分重要，创造可以是教师的也可以是学生的。比如笔者在课堂演示实验中就将教材中的装置进行改装，用医用注射器代替了胶头滴管，注射器的刻度使得学生更直观的观察到教师向烧瓶中注入水的体积，使得实验从定性向定量的方向进步，另一方面也增加了注入烧瓶中水的量使得更多的气体溶解到水中，提高了实验的成功率。而对于教师而言由创造性派生出的即兴性也适用于该实验的演示，比如如果在准备过程中氨气不纯，可能导致喷泉无法正常引发，那么利用注射器可以直接抽出一些气体，人为的制造压强差，使烧杯中的水进入烧瓶开始大量溶解进而引发喷泉，或者利用失败的演示实验直接引导学生分析失败原因等即兴应变能力是教师应该具备的。
2、在教学中遵循化学教学艺术的基本原则
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[2]刘玉松中国手机市场分析及国产手机营销策略研究[D].天津：天津大学，2008
[3]陈博中国智能手机市场现状分析[J].中国市场，2013（1）.
[4]李玉韬浅析摩托罗拉的战略风险管理[J].财务与会计，2012（8）.
[5]敏行联想乐phone的战略风险与定位关键[J].广告主市场观察，2010（5）.
[作者简介]刘晓红（1989—），女，山东日照人，会计硕士在读。研究方向：审计理论与实务。
附1：《对以用户体验为导向的智能手机应用软件界面设计的几点探讨》
参考文献：
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[3]陆远蓉.基于移动用户体验的APP设计[J].智能计算机与应用，2014（8）.
附2：《智能手机中传感技术的发展和应用》
参考文献
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[6]OFweek仪器仪表网内置传感器将为智能手机应用带来新的革命，2014.
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附3：《智能手机电源管理模块的设计》
参考文献
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附4：《锁屏Android智能手机的取证方法》
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附5：《智能手机SD卡数据恢复初探》
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一 环境艺术的构成
环境艺术并不简单等同于环境加艺术品，或者环境加装饰。它是综合运用各种艺术和技术手段，使人们生活所处时空环境不仅满足物质条件和心理需要，而且具有一定艺术气氛乃至艺术意境的整体艺术。当代许多著名艺术家，建筑师，城市规划师从不同角度进一步阐述了环境艺术的本质和创作规律。英国杰出的建筑师和城市规划专家F·吉伯德在《市镇设计》一书中称环境艺术为“整体的艺术”，认为环境诸多要素和谐地组合在一起时，会产生比这些要素简单之更多的东西。论文大全。
由此可见，环境艺术的构成因素之复杂多样，表现形态之丰富多彩，使任何一种传统艺术门类所难以企及的。
环境艺术设计的基础知识包括：建筑制图、绘画、立体构成、色彩构成、人体工程学、结构物理等。相关应用学科包括：建筑学、城市规化、植物学、结构工程学、电气工程学、材料学、光学、声学、气候学、地质学、生态科学等。相关设计理论包括：哲学、美学、社会学、经济学、艺术、民族文化、社会法规、心理学等。
环境艺术设计应用范围可以归纳为室内空间和室外空间两大类型。室内空间包括家具设计、酒店设计、办公空间设计、展示设计、娱乐空间设计等。室外空间设计包括城市环境设计、广场设计、街道设计、园林设计、景观设计、建筑立面、建筑照明等。
现如今特别是高新技术的出现是环境艺术有了更广阔的表现空间以及更加明确的特征和主题，更高的物质和精神品质。
二 现代环境艺术设计发展
（一）国外现代设计
1.赖特（Frank Lioyd Wright）胆识非凡的设计了山林别墅（即“流水别墅”）。是20世纪的建筑艺术精神，没有一座建筑能以完全相同的方式与之比拟。论文大全。如果没有好的工程技巧，方法和材料，景色壮丽的自然环境就不可能建成这座建筑。
建筑与自然环境的整体设计巧妙的融合在一起，以及建筑大师赖特对空间、材料和结构的意识。赖特曾说过，流水别墅是他设计的第一座“流线型的”建筑，并断言，如果没有就地形进行有趣的遐想，就会使用完全不适合这座建筑的流行的建筑语言。
阿拉伯世界研究中心，坐落在巴黎中心地带的一块重要的基地上，是一项特色非常明显的城市项目。本建筑通过艺术、科学和现代技术方面的信息交流，增进对阿拉伯世界文化的了解。就装饰而言，面向南侧巨大建筑外墙漆外观具有更为明显的伊斯兰风格称为“威尼斯式百叶窗”安装于透空金属边框和尺寸多样的金属磨片组成，是一种具有惊人独创性的（光电控制的）视觉装置。
（二）国内现代设计
1.国内近几年环境艺术设计有很大的发展。如广州市南部番禺地区的长隆酒店，是在野生动物园建造的五星级酒店，本酒店要有一般酒店的功能又要和园区产生互动关系，风格上吻合功能上互补。酒店含概了环境与建筑，人与环境，动物与人，科技与自然的整体设计。论文大全。
这个庭院是供白老虎居住和活动的。人造瀑布、树木、岩石、气氛幽静，创造了很独特的野生环境。自然绿化，造成内外相连的室内环境。火烈鸟园这庭院的设计强调热带气氛，具有很高观赏价值。集美组的设计是确定了设计的出发点市场因素，环境因素和审美因素三个方面。
2.深圳何香凝美术馆设计极具匠心，馆内结构设计和外部景观整体化。环境艺术在未来的发展中更加重视自然环境，人们普遍希望交流和对话，已经不仅仅限于物质的丰富，追求深层心理的满足，感情的交流和陶冶。在建筑方面增加了建筑与人的对话，人与环境的对话。
三 古典园林环境艺术设计
中国古典园林艺术表现出独特的“诗情画意”“发思古之幽情”，强调天、地、人三者和谐统一的艺术表现手法。借诗意的联想，将环境空间的人文精神凸现出来。
以苏州园林为代表的中国园林和西方园林有一个很大的区别，西方园林是规整对称
式。中国园林更多是参差自然式。苏州园林之所以甲江南，甲天下。首先就由于它们以大自然的山水风景为范本撷取其美的精华，融进了人的情感。浓缩于小小的园林天地之内，使人们能从参差自然和其他美学特征中见出无限来。和参差自然一样，曲径通幽也是苏州园林的一个美学原则。在苏州园林里，可谓无径不曲无处不幽。另一特点，藏露互补。藏与露是中国传统美学的一对范畴。讲究藏与露的辩证和结合。
园林里的建筑，不但数量多，而且形式多。即使是同一类建筑物，也有种种不同。其形式，结构，地理环境的不同。建筑物的存在，离不开周围环境，环境与建筑要相统一的原则。苏州园林不但以建筑、山水、花树等精巧配置的艺术处理得称赞，而且还在精神性领域中洋溢着诗情画意，渗透着人文气息。匾额、对联的书法，门楼的雕刻，室内家具的工艺美术，微型园林的盆景，寝室的音乐，戏厅的戏曲。
作为综合艺术的苏州园林它那丰富的文化意蕴和人文气息，离不开各种艺术门类的交融和烘托。
四 结论
环境艺术设计具有联系多专业的纽带作用，它虽然不可能取代各门类的专业设计（如建筑、园林、雕塑、壁画等）。但其全方位的理论与实践能力将改善生活环境质量，使人与环境彼此建立和谐均衡的整体关系。
所以我们在学习时，在基础设计训练阶段，以命题方式在特定的相对宽松的设计条件下运用设计原理，概念进行环境空间创意设计，对环境空间的功能、形式、材料、技术手段、构造方法、照明方式、色彩、肌理等方面进行建构性探索、分析、寻找设计规律。一方面从设计操作层面，对抽象的设计原理，概念进行空间演绎。借此加深对设计理论的认识、理解、提高审美能力与思辩能力。另一方面从理论的角度对历史现代的设计方法，空间形态进行剖析，探究据具原创性的设计形态、观念。教育如不激发首创精神，那么必然是错误的教育。
重技能训练，轻理论探求，一但面对解决复杂问题的设计实践更显得力不从心理论素养的不足，也只能依赖“随类赋形”这种办法，将“装饰”僭越于设计学问之上，只剩下干瘪的“形”而无实质性的文化内涵，意蕴。就无法在真正意义上体现出设计的整体化。因此，在加强理论知识学习的同时，将技能训练与理论探求紧密地结合，提高人文素养使之成为全面的设计人才。
参考文献
[1] [英]丹尼斯·夏普著.《20世纪世界建筑》.胡正凡 ，林玉莲译. 中国建筑工业出版社出版. 2003
[2] 马克辛，吴成槐主编.《环境艺术设计手册》.辽宁美术出版社. 1999
[3] 林红著.《环境艺术工学》. 贵州科技出版社. 2001
篇13
Anusman的漫画看起来十分晦涩难懂，我也是听了他的讲解才略懂一二。“我一直在寻找一种新的漫画叙述形式，”Anusman说，“类似于舞台上，漫画是舞台，而所有情节都用物来表达。”“所谓立体漫画，即脱离传统漫画语言和叙事方式，以图像之间的联系建立起一个不可定的或者说易变的漫画体，这个体可以像一个公式一样有一个建构方式，就像建筑一样，当然也可以像雕塑或绘画一样，是非几何的。这里的立体漫画除涉及到漫画向拓扑学以及图像学方向的发展外，还为一个新的漫画的构成展开了一个新的方向，试想多年以后，人们都可以用一种全新的构成漫画的方式，轻易地运用自己的视觉经验去构建一个故事的样子。”
一脉相承的艺术家
Anusman在网络上翻译并介绍了很多他这个流派的漫画家及其作品，比如德国漫画家Otto Nückel、法国漫画家Jean Boullet，还有荷兰漫画家Stefan Van Dinther和Tobias Tycho Schalken。他详细地写了对他们的作品从困惑到猜想再到理解的过程。
Anusman认为自己的漫画更像一本“说明书”，因为他的漫画没有文字，且只为解释一件事情。这听起来很容易让人想到装置艺术，同样是展示一个物体的不同层面。
