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在充斥着欧美日韩风格的今天，如何从民族发掘设计灵感发展出中国特色的设计是非常迫切的问题。笔者也参加过很多讲座，每当提及中国设计的时候总会引起激烈的讨论，从学生到职业设计师都一直在探寻中国设计的出路。笔者认为，一种设计风格大抵上可以称为是一种社会文化现象，因此欲发展中国特色设计需承前启后地了解历史，探讨将来。
了解历史绝非简单认识和记忆文物的形状和图案，而是一种风格、一种技艺存在并发展的深层次原因。本文尝试在细致了解学习了岭南的历史、风土民情和工艺美术的基础上思考其对现代设计的意义和启示。
二、岭南独特的历史背景
岭南是指五岭以南地区。五岭指的是越城岭、都庞岭、萌渚岭、骑田岭和大庾岭，位于湖南、江西南部和广西、广东北部交界处。
秦始皇统一中国后，征发五十万军民平定南蛮（即现在的广东广西一带），统一了岭南，设南海、桂林和象郡三个郡来管治，增强了南北的交流，促进了岭南的发展。其中，南海郡就在现在的广东省境内，郡所在番禺（即当今的广州市）。
仰仗天然的屏障，岭南得以保留独特的自然环境和稳定的社会环境。WWW.133229.Com由于海岸线长，海洋资源丰富，广州还是最早的贸易港口。同时，历代君王皆把岭南作为流放之地，使得中原文化和海外文化皆在会集于此形成独具特色的岭南文化，并赋予其开放、兼容、多元化和开拓性的特点。西汉南越王墓博物馆、光孝寺、六榕寺、华林寺见证了岭南文化的深厚；海上丝绸促进了与波斯、天竺、阿拉伯以及南洋各国的商务和文化交流，充分反映了岭南文化的开放性与包容性。
图1 南越王博物馆
三、岭南主要工艺美术的现代思考
岭南艺术与岭南文化有着紧密的联系，艺术形式、艺术精神不能是无源之水，无本之木，与地域性、时代性相辅相成。可以说，几种具有代表性的岭南艺术的兴起和发展无不是社会、文化和商业共同促成的结果。
（一）广绣和广彩繁荣背后的商业意义
广绣是我国优秀的民族传统工艺之一，具有悠久的历史。广绣是以广州为中心的珠江三角洲民间刺绣工艺的总称，因其构图饱满，形象传神，纹理清晰，色泽富丽，针法多样，善于变化的艺术特色而闻名
广彩相对历史较短，其始创于康熙中晚期至雍正早期。康熙二十三年（1684年）朝廷解除广州海禁，对外贸易遂逐渐增多，外国对中国瓷器的需求亦随之增加从而促使了广彩瓷器的产生和发展。在初期无论是师傅、颜料、素瓷都是从景德镇来，或依景德镇彩瓷纹样，或来样加工，岁无定样，故的特色不太显著。
图2 广彩瓷器图3 广绣作品
广绣比广彩的历史更为悠久，技艺也较广彩成熟。然两种工艺的发展繁荣无不与海外贸易息息相关，其中广彩制品更是大部分出口海外，只有小部分留在民间使用，可算是中国最早的odm产业。
随着时间的推移，两种工艺亦在清代中晚期走向成熟和繁荣，在贸易进一步发展及需求多样化的推动下，两种工艺亦经历了显著的技术进步。外来图样、能工巧匠及文人画家的参与也使其艺术风格逐渐发展成熟。
广彩与广绣的繁荣虽已成为过去，然而仔细研究两种工艺的发展历程却可以为当今中国的设计发展提供极具价值的参考。两种工艺中尤以广彩的发展较为典型。广彩的旦生缘起于外国人对中国瓷器的需求，遂形成将景德镇素瓷运至广州加工并出售的商业行为，此时广彩尚未形成。随着商业的兴盛，本地艺人更多地参与到瓷器的制作中，使制品的纹样和图案渐显岭南风情。同时，欧美文化及技艺亦进一步影响着广彩制品的色调和式样，最终使广彩成为岭南独具特色的工艺美术。
由此可见，一种设计风格的成熟离不开商业的推动与技术的进步，亦离不开本土文化的介入。由于我国的设计理论及设计技法大都由欧美引进，致使许多设计师难以从传统文化及技法中吸取精华应用于现代设计，从而使中国设计流于表面。广绣和广彩给我们的启示是：只有切合商业利益、具备本地文化气息及使用恰当技术制作才有可能做出成功的中国设计。
（二）佛山剪纸艺术形式的启示
佛山剪纸主要分布在佛山市禅城区和南海区的部分乡镇，是我国三大剪纸流派中南方派的代表，以其独特的工艺及浓郁的岭南特色而著称，2006年入选国家级非物质文化遗产名录。和中国其它的民间艺术一样，佛山剪纸深刻反映了地区生活习俗和特色，在岭南文化的重要组成部分[1]。早在宋、元年间佛山剪纸已出现商业化的动作模式，至20世纪早期更是达到3000从业手工艺人的规模。
佛山剪纸是岭南文化中的一块瑰玉。它最集中地最全面地概括了中国民间艺术的表现理念和手法，既不是西方传统的明暗体系也不是西方现代从形体结构到夸张变形的表现体系，而是以表达自己观念为主的主观意象表现风格[2]。也就是说，剪纸作品中所表达的事物来源于客观世界但其形式却是超越客观的限制。在艺术造型上佛山剪纸作品也体现了、美满、美观、美好、和谐的艺术内在本质，这是中国人艺术思维中一个重要组成部分。
从现代的角度思考佛山剪纸艺术，笔者认为有以下几点值得借鉴。
1.特色取材
佛山剪纸艺术来源于普通民众的实际生活而又寄托了人们对美好生活的期望。因而其取材大都有吉祥之意，如桃子象征长寿、石榴象征多子、松树象征常青不老、花瓶中插如意象征平安如意。还有谐音寓意，如莲花和鲤鱼寓意“连年有余”等。这些取材都是独具民族特色的，无论寓意或谐音均来源于我们的文化信仰及语言。
符号是实现信息贮存和记忆的工具，又是表达思想情感的物质手段[3]。传统剪纸艺术已深深植根于我们的文化中，大部分的传统艺术形象已形成了一种通用的视觉符号。其取材及寓意可以很好地应用在现代视觉传达设计中，如vi、广告等。因为这些图像寓意已，使传统题材能更好地传达信息的思想意境。在这方面已有很多成功的范例，例如银行的标志、一些房地产海报等。
2.简练和抽象和艺术表现形式
佛山剪纸极具简练的特色，因为剪纸是产生并流行了民间的艺术，其生产制作者也是普通民众，因而没有娇柔做作的装饰而是简练而抽象的表达手法。此外，在农村地区受制作工具的制作材料的限制，只能使用最简单的方式刻画物象，久而久之便形成了高度概括和高度简练的艺术特点，其中的花鸟鱼虫等形象都是简练的线条概括表现特征(如图3所示)。
3.勾连的艺术手法
佛山剪纸也分为阳刻剪纸和阴刻剪纸。阳刻剪的特征是保留原稿的轮廓线，去除轮廓外空白的地方，每一根线条都是相互连接的，牵一根而动全身。阴刻剪纸和阳刻剪纸刚好相反，就是去除原稿的轮廓线，保留轮廓线以外的地方，它的特征是每一根线条不一定是互联的，而作品的个体是块状的。
这种勾连的艺术手法具有浓郁的民族及古典味道，在设计制作中可根据主题结合现代设计方法把勾连融入作品中，如能配以色彩和传统图像元素的正确选用可制作中极具民族感的作品，如下图中国联通的标志。
图4 佛山剪纸
图5 中国联通标志
四、结语
中国传统文化及工艺美术博大精深，其中蕴含了丰富的人文理念及创作手法。一个设计工作者不仅要学会现代设计理念和方法，更应深入研究中华民族瑰丽的文化，如此才能承前启后发展民族特色的现代设计。本文对三种主要岭南工艺的思考或许不尽全面，但愿为此类研究抛砖引玉。
参考文献
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社会的进步、经济的发展使人类原有的生活环境和审美情趣发生了很大的变化。由于人们对传统工艺美术产业的错误定位和认识，以及当前工艺美术产业的不景气，使得人们对工艺美术的认识就是低知识、低技术，手工艺的小作坊，从业者是知识水平低的人。这样的认识的高学历者和艺术专业的学生，无人愿在就业时选择工艺美术。虽然部分学校开设了工艺美术专业，但毕业生也都转向了其他专业就业，使大师后继无人，没有徒弟可带。工艺美术门类正面临着日渐稀少、后继无人的局面，使许多本身就具有局限性的传统工艺美术面临危机与挑战。毕业论文，传统工艺美术。在此情况下传统工艺美术如不随着时代的变迁而改变，将会慢慢淘汰，淡出历史舞台。
中国传统工艺美术在经过了漫长的历史沉淀后，虽然失去了原来的主流地位，但它仍然继承了以往的优秀传统，保持着中国工艺造物的一贯美学特征，已经形成一定的象征模式并融入社会之中。工艺美术是中华民族优秀的文化遗产，其独特的艺术构造、丰富的表现形式、鲜明的民族特色都反映了生活的直接性以及艺术风格的多样性，对现代设计产生了重要的影响。传统工艺美术在现代社会的空间中有其存在的独特意义，在我们生活中工艺美术无处不在，有工艺美术作品的地方往往会吸引更多的目光，它是环境的一部分，是人们感受生活、释放情绪的媒介，这也是传统工艺美术的魅力所在。在众多的平面设计、室内设计、工业设计中到处都能看到传统工艺美术在现代设计中的作用。
社会的发展变迁导致人们在吃、穿、住、行、用等各个方面较以往都有了更大的不同，尤其是现在的青年一代，追求精神自由、张扬个性美感是工艺美术创新发展的原动力。家庭住房、物用品质、室内陈设等社会空间都是艺术家设计创新的空间，也使得传统工艺美术有了更加广阔的舞台。
二、室内装饰设计的发展概况
室内装饰是为了满足人们的社会活动和生活需要，合理、完美地组织和塑造具有美感而又舒适、方便的室内环境的一种综合性艺术，是环境艺术的一个门类，现代的室内装饰强调以人为中心进行设计，大致可以分为两大潮流，一是从使用功能上对室内环境进行设计，如科学地通风、采光、色彩选择等等，以提高室内空间的舒适性和实用性；另一种是创造个性化的室内环境，强调个人的风格和独特的审美情调。室内装饰设计融合了现代科学技术与文化艺术，并与建筑设计、装饰艺术、人体工程学、心理学、美学有着密切的联系。它可以改善空间，对室内空间进行美化和修饰，通过选择与设计，创造一种理想的室内气氛，使人赏心悦目，怡情逸性。
我国现代室内装饰设计起步较晚，真正意义上的室内装饰设计发展是在上个世纪八十年代后开始的。随着经济的发展、社会的进步和观念的改变，人们对公共场所、办公区域以及居住空间环境装饰要求越来越高，促进了室内装饰设计的迅速发展。不管是公共场所还是家庭居室，现代室内装饰设计已经深入人心并得到了广泛应用。由于当时装饰设计及创作还没有形成较为成熟的观念和较为完善的体系，室内装饰设计局面比较混乱。有些一味照搬外国设计成果追求所谓的“西洋风格”，有些到处堆砌传统装饰样式强调所谓的“民族特色”，甚至于把不同风格、特点的设计元素混杂于一室已达到“中外合璧”的效果，粗制滥造的现象比较普遍。
三、传统工艺美术与现代装饰
中国传统工艺美术是中华民族智慧的结晶,其中包含着丰富的审美价值、深厚的文化底蕴和独特的艺术风格，可以为现代室内装饰设计提供借鉴和参考，具有很大的实践意义和运用价值。创造传统工艺美术品的目的就是美化人们的生活，很多制作精良的工艺品在古代就已经作为室内装饰物供人们赏玩，从审美特质上看，传统工艺美术品与绘画、雕塑等其他造型艺术相比，装饰性更强，更适合运用于室内装饰。
工艺美术的对象主要是手工艺品，而艺术设计是批量生产的工业产品。一个是传达了传统的道器思想，一个是体现现代人的设计理念。以往的工艺美术史论多是讲技术和现象，多是研究图案、装饰的问题，或者亦偏重于材料的工艺阐释。与工艺美术相对应的是道器，器指物质载体、道指精神内容，是相对于工艺美术领域的范畴而言的。而艺术设计的研究对象主要是人为事物。人为事物主要是指包含了人的设计思想和创造性理念的人化自然事物。工艺美术的“形、道、器”相对应的就是艺术设计的“造型、设计、产品”；传统的“制器和器用”就是当今的“产品和用品”。道器是传统的器物观念，反映了中国人的思维方式，而人为事物是当代的对设计的一种认识，二者互不排斥。
传统工艺美术与现代室内装饰设计结合，也是为自身的发展谋求出路。传统工艺美术以手工制作为主要生产形式，其蕴含的劳动价值量非一般工业品所能比拟。毕业论文，传统工艺美术。随着生产力水平的提高，传统工艺美术品的实用功能几乎完全被工业品所代替，从实用品转身变成仅仅充当审美对象的艺术品，褪变成为一种“小众文化”，其发展空间受到强烈挤压。可以说将传统工艺美术融入现代室内装饰设计，是对中国民族文化艺术进行继承和发展的有效途径。
无论是有着500年历史的景泰蓝采用的无机化学，材料学和金属加工技术，还是历史更久远的玉雕，牙雕所使用的加工工具，无不透视出科技和工艺技术的发展水平。毕业论文，传统工艺美术。而传统工艺美术之所以能够绵延不断发展数百年，乃至千年，其核心就是与时俱进，不断创新。工艺美术的传承需要现代科学技术与现代设计理念的不断注入。
四、方法
如何避免千人一面，是所有的设计师关注的话题。经过十余年的争论、反思和探索，目前，业界基本上已经形成共识：我国的室内装饰要健康发展，应该走一条符合我国国情的现代化设计道路，努力探求中华民族的文化精髓，同时吸收国外先进的设计经验，建立具有现代意识的真正体现中国特色的室内装饰设计理论和实践体系。毕业论文，传统工艺美术。毕业论文，传统工艺美术。在设计实践中，设计师不断探索创新，新手法、新理论层出不穷，各种文化艺术元素都得到了充分发掘，个性化越发明显。室内装饰设计风格也因而频繁变化，自然环保、民族特色、异域情调、前卫现代等风格随处可见，呈现出百花齐放、五彩缤纷的局面。
中国传统工艺美术包含着丰富的审美价值、深厚的文化底蕴和独特的艺术风格，可以为现代室内装饰设计提供借鉴和参考，具有很大的实践意义和运用价值。吸取中国传统工艺美术的材质元素、主题元素和地方文化元素并对现代建筑内部空间进行装饰和处理，使传统特色和现代建筑统一，对创造既有鲜明民族特征又具强烈时代感的现代室内装饰设计作品意义重大。传统工艺美术运用的具体方法多种多样，但是要符合室内设计的使用功能和环境主题，或繁或简，采取合理方式手法适度地进行装饰。
在现代室内装饰设计中运用传统工艺美术时，其原则是要符合室内装饰的特点。首先要契合室内使用功能和环境主题，合理适度的进行装饰，使装饰成为室内环境的亮点。第二，传统装饰品要与整体设计风格相适应，和灯光、家具、隔断、植物、陈设等相得益彰，符合整体美的要求。第三，在现代室内装饰设计中运用传统工艺美术元素既不能打破室内的整体性又要突出其现代感，不能把传统装饰进行堆砌而成为古代装饰的简单克隆产品。第四，尽量降低传统工艺美术中不适应现代装饰设计的限制性因素的使用，如玉石、金银器等珍贵的原材料、制作程序过于复杂和表现手法太过精细的工艺品，虽然有独特的装饰效果但都不适合普遍使用，要重视新材料、新工艺、新手法的运用。
在室内装饰设计实践中，应该遵循现代设计观念，将中国传统工艺美术元素融入现代设计理论、结构体系中，创造出符合现代人的审美情趣、思维方法的室内装饰。最基础的方式是将传统工艺美术的造型、图案、纹饰直接引入到室内装饰设计方案中，对传统装饰进行解构与重组，或者对材质、工艺和表现手法进行替换，延续其审美形式。在掌握了中国传统装饰艺术的造型方法、特点、规律之后，可以进一步对传统元素进行革新和再创造，通过抽象、变形或增加新的表现方式，产生新的形式和效果。
篇3
“十一五”期间，美术学与设计艺术学研究领域的发展变化较大，随着高等美术教育规模的不断扩大，研究生教育日益普及，高等院校逐步向研究性大学转换，高校教师的研究性成果成倍增长，研究机构纷纷成立，课题申报数飞速上涨，立项数不断上升①，但高品质的学术成果却并不多见，反而在总量扩大的情况下，质的相对比率反而下降。这种情况在“十五”期间已经出现，国家也采取了相应的措施，如控制博士生的招生规模，对学术期刊进行学术评估，对核心期刊进行动态评估，加强对课题项目后期资助的审核及资助力度，出台各种对优秀著作及科研成果的奖励措施，各家出版社对优秀科研成果也在每年的出版计划中留有一定的比例，但在市场经济的环境中，不良的学术风气依然存在，量与质的问题并没有得到有效控制。
全国美术学与设计艺术学学科研究的整体态势是个体性的研究增加而集体性的研究减少，专门领域内的研究向纵深发展，个案研究比较多，边缘性研究比较多，地域性美术研究亦逐渐增多，一些新兴学科的概论性著作也逐渐增加。整体上说明了学科研究领域的面在不断扩大，基础研究也在不断深入，处于历史上最好的发展时期。这主要体现在两大方面，一是国家项目的推动及省（市）、部门各级项目的立项与资助力度不断增强，大多数有研究前景的个人与集体项目都能获得各种不同的支持；二是研究生的学位论文成倍增加，尽管存在种种问题，但在总体上还是推动了学科研究的发展，因为其中的开题、评审、答辩等种种环节，在掌控论文的学术质量上还是发挥了作用，还有一些学生在认真地钻研学问。
与美术史论的传统学术研究相比，创作实践方面的研究更为活跃。美术市场空前繁荣，展览不断，当代艺术的浪潮一浪又一浪，画册、期刊及各种出版物让人目不暇接，对现状的研究也随之展开，美术批评理论也随着批评实践活动而有所发展，推动了各种创作理念；尤其是设计艺术理论研究，虽然还处于初创时期，亦初具规模，这与设计艺术教育的普及有关，与学科的基本教育规模与实践性有关，其研究成果大多还体现在教材与基础理论问题上。
现依据“十一五”期间美术与设计艺术学科研究的主要情况与基本特点，分述如下。
一、基础理论研究
“十一五”期间的美术基础理论比较薄弱。与“十五”期间相比，在研究范围上无突破，在数量上基本持平，基本上一年出版一本，还是以高等院校教材或辅助教材为主，如“美术概论”一类，有邓福星的《美术概论》（2009年版）、赵一丹的《美术概论》（2008年版）、陈美渝的《美术概论》（2007年版）及高国良的《影视美术概论》（2008年版）、肖清风的《设计艺术概论》（2007年版）、朱主编的《设计艺术概论》（2006年版），其特点是强调了个体性的研究，突出一家之言，走出了集体编著的大一统模式，展开了多元论述。在门类美术的基本理论研究方面，近十年来还是局限在影视美术，未见其他门类美术的著述。在博士论文方面，则有些专题性的理论研究，如王云亮的《话语的转型：以宗白华的中国画理论为解析案例》（2008年版），就在探讨20世纪中国美术理论话语的现代问题。
在“十一五”国家课题立项中，基础理论方面的选题比例也小，占美术类课题总量约17%，其中包括对西方艺术理论的研究，设计艺术理论、批评理论及各项专题理论研究，未见原理论研究，而且有些选题重复立项。
与美术基本理论研究现状相比，设计艺术理论的研究成果略为突出，且作者队伍也趋向年轻化，其成果形式还是以教材为主。如余强主编了一套设计艺术基础理论丛书（2006年版），以及邵宏编著的《设计学概论》（2009年修订版）、胡守海的《设计概论》（2006年版）、张焘的《室内设计原理》（2007年版）、焦健等主编的《空间设计原理》（2007年版）、清华大学课题组编的《设计艺术的环境生态学》（2007年版，“十五”规划题）、何灿群主编的《人体工学与艺术设计》（2007年版）、陆小彪等的《设计思维》（2006年版）等等。专题性研究则有桂宇辉的博士论文《包豪斯与中国设计艺术的关系研究》（2009年版），以及熊的博士学位论文《器以藏礼：中国设计制度研究》（2007年）。
二、美术史研究
“十一五”期间的美术史研究依然是重头戏，成果数量不少，但值得称道的却不多。其间以教材为多，特别是中外美术通史写作，虽然看似以个人撰著为主，体现研究主体的学术立场及其观点，实际上还是取通用的体例及通常的史学观，无甚建树。五年间，据不完全统计，中国美术史出版有13本，外国（西方）美术史出版也有13本，基本上都属于简编。②其中，值得关注的是中国工艺美术史就出版6部，有5部是个人专著。应该说，这与“十一五”期间国家非物质文化遗产保护工作的大力展开有关，与设计艺术学科的兴起与普及有关，与文化研究及新美术史学观的兴起也有关系。外国美术史写作中比较值得关注的是陈平的《西方美术史学史》（2008年版），特别是他又主编了一套“美术史里程碑”丛书，包括《罗马艺术》、《作为精神史的美术史》及《罗马晚期的工艺美术》。
美术史的研究方法是这一时期倍受关注的问题。图像学、艺术形态学、艺术社会学及艺术心理学等研究方法，甚至包括政治学、经济学、意识形态研究、比较研究等不同学科的研究方法，也不断地渗入中国美术史学界，挑战传统的历史文献学及风格样式研究。其间，较有影响的是美籍华人学者巫鸿的著作被介绍到大陆，如《礼仪中的美术》（2005年版）与《武梁祠：中国古代画像艺术中的思想性》（2006年版）。2007年4月，首届高等艺术院校美术史学教育年会在中央美术学院召开，会议主要着眼于青年一代的美术史学者，而来自各艺术院校及科研机构的青年学者所提交的论文，引起与会者的极大兴趣。两天会议不时掀起讨论的热点，如华南师范大学颜勇的论文《西学语境中的传统画论：以“墨分五色”的二三种现代诠释为例》，又如中央民族大学吴雪杉的论文《清初“四僧”与历史书写――民国时期美术史的一个考察》，还有中央美术学院张鹏有关寺观庙堂绘画、雕塑的研究，都具有各自不同的角度及独到之处。2008年4月第二届年会在四川美术学院召开，其研讨的主题是“美术的地缘性”，并设六个分论题，即（1）差异与融合；美术考古的视角；（2）地域性母题的图像呈现；（3）美术及其理论中的地方观念；（4）地缘性与风格流派；（5）文化地域性的价值限度；（6）地缘性理论的回顾和反思。显然，年会的学术议题已转向有关方法论的专题研究，“研究视角”比“学术立场”更受人关注。2009年10月第三届美术史学教育年会在清华大学美术学院召开，主题是“边界与范式”，曹意强与潘耀昌均关注到越界问题，即在全球化视野下的“世界艺术研究”；而在“中国古代美术研究新视野”的专场讨论中，郑岩、张鹏等人所提交的论文依然注重图像分析，注意讨论具体的问题，由此及彼，由小见大。这样的研究方法正被越来越多的青年学者所接受。
中国美术史专题研究的主要成果来自于之前的一些研究项目。如属于“十五”国家重点项目之一的“中国道教美术史”（2003年立项），其课题成果之一《论〈八十七神仙卷〉与〈朝元仙仗图〉之原位》（李淞著）获首届中国美术奖理论评论奖（2009年），与其同时获奖的还有李超的《中国早期油画史》（2001年立项的国家年度课题）及裔萼的专著《二十世纪中国人物画史》（2001年立项的文化部青年项目）。
中国近现代美术研究在“十一五”期间依然是一热点③。已出版的专著有吕澎的《20世纪中国艺术史》（2006年版）、张晓凌主编的《中国现代美术史文献集》第一辑（2007年版）、陈瑞林的《中国现代美术史教程》（2009年版）；再版的有阮荣春的《中国近现代美术史》（原名为“中华民国美术史”，2005年版）、潘耀昌的《中国近现代美术史》（北京大学出版社，2009年版）。潘公凯负责的“中国现代美术之路”的课题组（北京市教委共建项目）于2006年相继在香港、上海组织召开学术研讨会，会议邀请海内外学者就20世纪中国美术的现代转型问题展开讨论。张晓凌负责的“中国现代美术史”课题组（“十五”国家重点）也相继在北京、杭州组织召开编委会，其项目将在2010年下半年结题。郑工的《民国时期美术思潮》（2001年文化部项目，原题为“20世纪中国美术大论辩”）已于2006年结题（将在2011年出版）。而在博士学位论文选题方面，数量更多，出版的也不少。如顾丞峰的《现代化与中国百年美术》（2007年版）、薛娟《中国近现代设计艺术史论》（2009年版）、马琳的《周湘与上海早期美术教育》（2007年版）、华天雪的《徐悲鸿的中国画改良》（2007年版）等等。相比“十五”期间，研究范围扩大了，研究深度也加强了，其特点是以现代化理论为核心，注重社会文化的整体转型，同时也在进一步整理资料，敞开学术视野，消除偏见。
中国书法史论研究在“十一五”期异军突起。说“异军”则是因为在20世纪书法渐次游离出了中国美术圈，而在21世纪，在学科整合的过程中开始有所沟通，学科建设迅速发展，“十一五”期间推出了一批成果。如丛文俊等人合著的《中国书法史》丛书（2007年版），欧阳中石主编的《中国书法艺术》（2007年版）；专题研究成果可见之南方出版社的“书法研究博士文库”（第1辑，2009年版），王元军的博士后出站报告《汉代书刻文化研究》（2007年版），获第三届中国书法兰亭奖理论奖一等奖。
三、区域美术（含民族美术）研究
“十一五”期间区域美术研究比较活跃，正因为这一时期通史性的写作基本处于停滞状态，而地域性的美术研究又受到地方政府及有关文化教育单位的重视，作为地方文化建设的一项重要内容或有地方特色的研究项目进行扶持。区域美术研究的特点，一是文化中心区域，二是文化边缘区域。如北京的地区性美术研究就有两项成果，即邵大箴、李松主编的《20世纪北京绘画史》(2007年版)与李福顺主编的《北京美术史》（2008年版，北京市“十一五”社科规划项目）。前者聚集了国内颇有建树的美术史论家，如李树声、薛永年、水天中、单国强等人；后者主要是一批青年学者。二者体例不同，水平各异。相比“十五”期间出版的《上海美术志》（2004年版）和《20世纪上海美术年表》（2005年版），在研究思路及具体做法上已不相同。澳门文化局近年也资助一批有关澳门美术与设计方面的研究项目，已结题并待出版的成果有胡光华的《澳门绘画史》、刘佳的《澳门设计艺术》。由澳门基金会编辑出版一套《澳门史新编》（2008年版），收录了莫小也的《澳门早期美术史：远古至1850年》与郑工的《澳门美术史的分期与分类》。莫小也的研究课题“澳门美术史”（2003年立项的国家年度题）也基本完稿。
相关的研究成果还有李伟卿主编的《云南民族美术史》（2006年版）、张亚莎的《美术史》（2006年版）、范晓杰等人合著的《山西美术史》（2009年版）、朱琦的《香港美术史》（2007年版）、徐文琴的《台湾美术史》（2007年版）。还有一些民族美术史的研究课题在“十一五”期间陆续立项，如彭林绪的《土家族工艺美术史》（2007年度）、张景明的《中国北方游牧民族的造型艺术与文化表意》（2007年度）、李青的《丝绸之路与西北民族美术史研究》（2007年度）、李宏复的《中国少数民族刺绣工艺文化研究》（2008年度）及姜钟浩的《中国朝鲜族百年美术发展历程与特性研究》（2009年度）。
区域研究的性质应属于文化研究，或者说是有关地方知识及在特定空间区域内文化关系的总体叙述，故在文化边界、共时性关系、差异性论述等问题上容易形成关注的焦点。只是目前美术学界对文化研究的方法及意义认识还不明确，故在写作时容易出现视野不清。其中最大的认识误区，就是将区域美术研究作为局部范围内的一般美术史写作，即被缩小了空间范围的通史性写作。实际上，这是两种不同类型的研究，其目的不一，研究对象与研究方法都不一样，要解决的问题更不相同。这一问题在2010年4月的“中国地域性美术史研究暨《北京美术史》学术研讨会”上已被提出，但并没有引起足够的重视。
四、边缘性的文化研究
边缘性的文化研究主要指跨学科的综合性研究。“十一五”期间，美术学及设计艺术学处于学科的基本建设阶段，新的边缘类型学科出现不多，其队伍基本是由民间美术、工艺美术及设计艺术等相关领域的研究人员构成，理论基础较为薄弱。其中最引人注目的是非物质文化遗产保护工作兴起后，带动了民间美术与民间工艺美术的文化研究热潮，但真正理论上的带动却是文化人类学及民俗学。如乔晓光的《本土精神：非物质文化遗产与民间美术研究文集》（2008年版）、吴志跃的《非物质文化遗产新视野下的福建民间美术》（2008年版）、沈泓的《节庆狂欢：民间美术中的节俗文化》（2009年版）等。还有一些研究课题在“十一五”期间陆续立项，绝大部分都属于调查报告④，其立项在美术及设计艺术类中每年的比例数高低不等，如2007年有五项（其中两项为国家重点），2008年有四项，2009年有六项（其中两项为国家重点），分别为当年美术及设计艺术类总立项数（含文化部项目）的19%、10%、17%（不含工艺史研究），但重点题所占比例很大，2007年为50%，而2009年则为100%。⑤
随着2007年当代艺术市场的火爆，艺术市场学也为人们所关注。有些学者开始研究艺术市场的运作规律，涉及种种与艺术品交易有关的经济现象，思考其中的理论问题，并涉及当代艺术的存在意义及其评价体系，重新判定艺术与社会意识形态之间的关系，重新判定艺术与经济社会之间的关系，重新面对艺术的公共性，面对在新的城市天空中艺术的存在方式及交流方式。艺术社会学的内容必须置换，重新书写，其研究方式也不是传统的历史学所能胜任的。应该说，这方面的研究正处于开始阶段，研究成果多是调研报告，以及建立在宏观基础上的分析判断。中国艺术市场的不规范，许多统计数字不可靠，资料来源也很复杂，给深入而客观的研究带来很大困难。有些学位论文涉及到艺术市场机制、艺术市场语境下的当代艺术发展问题，关于中国艺术市场史的研究也已起步。
2006年，中央美术学院成立了艺术市场分析研究中心，由赵力主持，并主编了一套《艺术财富》丛书，如《艺术财富》（一）（2006年版）、《艺术财富：全球艺术市场新格局》（2007年版）、《艺术财富：全球化与中国艺术市场》（2008年版）、《艺术财富：金融危机下的艺术市场》（2009年版）；同时艺术市场分析研究中心还陆续出版了2006年至2010年的中国艺术品市场的研究报告。自2009年起，国家文化部艺术市场研究中心也连续了2008年与2009年的《中国艺术品市场年度研究报告》。2010年4月，由北京市中关村科技园区雍和园管理委员会、艺术北京当代艺术博览会主办了“2010艺术经济论坛――后金融危机时代的艺术市场与艺术收藏”，其议题有宏观经济背景与目前艺术市场、中国经济发展和艺术市场复苏、亚洲当代艺术市场是否能够走出危机以及亚洲艺术市场的前景。
五、创作理论与实践研究
美术创作理论与实践的研究历来是美术学研究最为薄弱的环节。大多数著述都停留在基础性技法理论教材的编撰，也有结合自身的艺术创作实践总结一些经验，提出一些看法，有的也试图建构一个系统的创作理论框架，实现自己的艺术主张。
与原理论研究不同，创作理论的研究正在于实践性及可操作性，其中技术性的成分比重较大，或者说，其解决的主要就是技术理论问题。特别是在新媒介、新材料不断出现的当代社会，艺术的创新性不断为人所重视，而创作理论与实践研究却有所不足。研究比较活跃的应属设计艺术学科，如新媒体艺术、图形创意研究、传统文化元素在现代设计中运用等，论文数量较多，也有一定的见地，而那些传统的绘画与雕塑领域，创新性研究不多。但在“十一五”期间立项的一些国家课题，有望在这一方面取得发展。如2007年度的“中国画写意传统中的世界性研究”（国家重点）、“中西绘画图式与时空观念比较”（国家一般）；2008年度的“书法创作理论研究”（文化部项目）；2009年度的“当代中国水墨语言体系研究”（国家一般）、“中国北派山水画的自然形态与笔墨形态研究”（国家一般）、“基于工作过程的服装设计理论与方法论研究”（国家一般）、“数字传媒设计中中国元素的融入及其应用研究”（国家一般）等。
六、问题及反思
问题一：在国家社会科学基金艺术学选题规划上最突出的问题是美术学与设计艺术学依然混合在一起，既不利于设计艺术学的项目规划与立项，也在挤压美术学的项目资源。在国家学科分类目录上，美术学与设计艺术学都是二级学科；同样，在国家学科分类及代码表上，美术与工艺美术、书法也是并置的。
因为多项学科均囊括在“美术学”内，造成每年“美术学”类的项目申报数居高不下，从而引起项目资源配置上的问题，导致“美术学”类的申报项目被大量削减，影响了学科的健康发展。同时，我们还应该看到一些新兴学科的研究出现不少学术泡沫，与规划项目扶持不当也有关系。我们往往看到社会的需求，却没有注意到项目承担者的实际学术水平与科研能力。
问题二：学术创新最重要的就是要有独到的见解，这一点在集体编撰的项目中最容易被中和，最终使研究成果流于平庸。这并不意味着否定集体的智慧，否定研究课题的集体行为，否认学科带头人的积极意义，而在于我们如何正确处理科研立项中学科的“体系化”建设与“课题性”研究的关系。所谓“体系化”建设，即指那些学科的系统性理论建构；而“课题性”研究，则是针对某一具体项目的深入研究。从目前的学科发展情况分析，恰恰需要的不是这些“通史”或“通论”，而更需要在某一课题上深入发掘研究，得出新的研究成果，拓宽研究领域。如果没有基础性的“课题”研究先行，那么，“通史”和“通论”只能停留在编撰的水平，不断重复地拼凑组合，在所谓的“框架结构”上做文章。但这并不等于说我们不需要学科的体系化建设，学科的体系化建设不能只停留在“通史”、“通论”上，而应该形成各自不同的理论派别，从基础理论开始，形成“一家之言”，才能构成“百家争鸣”的大局，促进学术繁荣。
现阶段我们更需要独辟蹊径式的研究，从而加强某一选题的研究力度，以点带面，拓宽研究的领域。特别在传统的中国美术史学领域，鼓励那些最适合个体性研究的选题系列，形成几项有国际影响力的学术成果。如中国的宗教美术就是一个极有学术发展前景的研究领域，尚且不论四大石窟（云冈石窟、龙门石窟、麦积山石窟及敦煌莫高窟）美术，论敦煌学的影响及其在国际学术上的地位，就算那些零星散布在全国各地的佛、道美术作品，数量也极其庞大。中国古代美术遗品中，半数以上应与佛、道有关。这是其它国家和地区难以具备的文化遗产与学术资源。与非物质文化遗产保护工作一样，古代美术遗址及遗迹的保护与研究也迫在眉睫。过去，我们已经整理出版了大量的图录与图册，相关的文献资料也陆续加以整理，但深入细致的高品质论文却难得一见，相关的研究选题也很少。
另外，继续鼓励少数民族美术研究，以边缘性的文化研究排解单一性的主体叙述，建立中华民族多元一体的文化新格局。同时，由少数民族美术及边远地区的美术研究拓展至周边国家和地区的美术研究，提升区域美术研究的学术水平，既看到历史文化在不同区域间的交流与互动，也揭示美术在地区性政治生活与文化生活中的作用及意义。
问题三：美术基础理论研究贫弱。基础理论需要较长时间的学术准备，尤其需要由创作理论沉积一段时间后再行引发新的突破。目前，艺术创作空前活跃，艺术家的创作自由度也大，但却匮乏新的理论思考及相关艺术实验的研究报告。
我们不能说美术创作中没有学术问题。过去美术家总期待着理论家帮他们解决理论问题，而理论家往往又帮不了这个忙，因为那些理论问题都与创作实践密不可分。与其他的人文学者一样，美术创作者总为范式问题所困扰，而突破范式的束缚则被认为是天才的创造力的体现。但范式的成形及传播需要知识的帮助，一个成系统的新知识才能支撑艺术的新范式。当代艺术鼓励创新，也为新的艺术理论出场提供了前所未有的机遇。而这种理论又会支持新的艺术批评，促进艺术创作的实践，沟通艺术与社会公众之间的审美联系。（责任编辑：楚小庆）
① 仅就“十一五”期间国家社会科学基金艺术学项目立项情况统计，2007年度为18项，2008年度快速递增为29项，2009年度为30项，分别占当年立项课题总量的21%、30%及29%，连续三年居各学科之冠。“十一五”期间，美术与设计艺术部分的结题数量也高居各学科之首，2007年度为18项，2008年度为9项，2009年度为12项，分别占当年结项课题的53%、50%与40%。
② 统计资料来源于国家图书馆馆藏书目。
③ “十一五”期间，中国近现代美术研究的课题立项数占当年美术学及设计艺术学项目总数的比例约为23%（2007年）、25%（2008年）、31%（2009年）。
④ 如“当代中国的社会变迁与传统手工艺的保护、发展”（2007年度国家重点）、“中国民间工艺美术传承人口述史数据库”（2007年度国家重点）、“闽台民间美术渊源与流变”（2007年度国家一般）、“珠江流域少数民族铜鼓艺术与非物质文化遗产保护”（2007年度国家一般）、“毛南族传统织锦技艺的抢救与研究”（2007年度文化部课题）、“安徽省徽州雕刻艺术非物质文化遗产的保护与传承研究”（2008年度国家一般）、“现代社会湘西南少数民族民间美术生态与保护研究”（2008年度国家西部）、“赣闽粤边区客家服饰的艺术人类学研究”（2008年度国家青年）、“中国苗族刺绣艺术数据库”（2008年度国家数据库）、“中国现代手工艺术的发展研究”（2009年度国家重点）、“中国少数民族剪纸艺术传统调查与研究”（2009年度国家重点），“全球化背景下的岭南莨纱绸服饰文化资源保护与复现对策研究”（2009年国家一般）、“布依族摩教艺术调查研究”（2009年度国家西部），“民间美术资源的调查研究”（2009年度国家西部），“撒拉族文化遗产保护与研究――以青海河湟地区撒拉族民间艺术为例”（2009年度国家西部）。
⑤ 据《全国艺术科学规划历年立项课题汇编（1983-2009）》统计。
Primary Analysis on Research State for Chinese Fine Art in the 11th Five-Year Period
ZHENG Gong
篇4
太原师范学院热忱欢迎广大莘莘学子来这里深造成才!
音乐系
1、音乐学专业(本科、非师范类)
培养目标：培养具有一定的音乐基本理论素养和系统的专业基本知识，具备一定的音乐实践技能和教学能力，能在中、小学校特别是基层、中等师范学校、幼儿师范学校和艺术馆(所)从事教学研究工作，也能在群众和文化团体从事管理和宣传方面工作的高级人才。
主要课程：民族音乐学概论、中国传统音乐理论、世界民族民间音乐、中国古代音乐史、中国近现代音乐史、西方音乐史、音乐美学、艺术概论、田野采风技能、音乐学论文写作、视唱练耳、基础和声学、曲式与作品分析、复调音乐基础、配器法、歌曲写作与改编、钢琴或其他乐器演奏、山西民歌。
2、音乐表演专业(本科、非师范类)
培养目标：培养掌握音乐学科基本理论、基础知识与基本技能，能在各级各类学校、教学研究机构和文艺团体从事教学、科研和演出工作能力的高级专门人才。
主要课程：声乐演唱、键盘演奏、民族乐器演奏、管弦乐器演奏、合唱与指挥、钢琴即兴伴奏、基训与身韵、基本乐理、视唱练耳、基础和声学、曲式与作品分析、复调音乐基础、配器法、歌曲写作与改编、中国音乐史与名作欣赏、西方音乐史与名作欣赏、中国民族音乐、外国民族音乐、山西民歌赏析、艺术概论、朗诵与正音、意大利语音拼读。
3、作曲与作曲技术理论专业(本科、非师范类)
培养目标：培养掌握音乐学科理论、作曲与作曲技术理论，以及电子、电子计算机音乐理论、实践和创作方面的知识与技能，可在艺术传媒、新闻媒体、影视制作等企事业单位从事艺术创作工作，也可在高等和中等学校从事音乐教学和教学研究等工作。
主要课程：作曲与电脑音乐制作、视唱练耳、和声学、曲式与作品分析、复调、配器、合唱与指挥、钢琴或其他乐器演奏、山西民歌、中国音乐史与名作欣赏、西方音乐史与名作欣赏、中国民族音乐、外国民族音乐、音乐美学基础、艺术概论、音乐文献检索与论文写作。
美术系
美术系设有美术学、绘画、动画三个本科专业，自1986年美术系筹建、招生，至今已培养二十余届毕业生。2011年，获山西省重点扶持学科。2013年，获山西省的省级特色专业。
美术系教学设施完善，拥有良好的教学条件，建有多媒体教室、机房、工作室、图书资料室及美术展厅。美术系现有教职工38人，其中教授7人，副教授7人，博士1人，硕士14人。学生报考研究生的升学率已达到近20%。
1、美术学专业(本科、师范)
主要课程：素描、色彩、构成、装饰画、艺术概论、中国美术史、外国美术史、美术鉴赏与批评、美学、设计与制作、文化艺术名著导读、多媒体教学设计与制作、中国画、油画、雕塑、摄影、陶艺、水彩画、水粉画、多媒体艺术、大学语文、大学英语、教育学、心理学、中小学美术教学论等。
2、动画专业(本科、非师范)
主要课程：素描、色彩、设计基础、人体速写、动画基础、动画概论、人物造型、视听语言、动作设计、摄影基础、Photoshop、Flash制作、剧作、Maya、表演、动画前期、动画后期、动画创作、大学语文、大学英语、计算机基础等。
3、绘画专业(本科、非师范)
本专业有油画、中国画、版画三个专业方向，主要课程：素描、色彩、艺术概论、美学、中国美术史、外国美术史、油画材料与技法、油画创作、中国画基础、山水画技法解析、山水画创作、工笔人物画技法、工笔人物画创作、版画技法、版画创作、PS基础、大学语文、大学英语、计算机基础等。
设计系
设计系拥有一支结构合理、充满活力、富有经验的师资队伍，现有教职人员25人，其中教授1人，副教授7人;博士1人，硕士21人;学科带头人1人，学术骨干2人。全日制在校生七百余人。开设有视觉传达设计、环境设计、产品设计、服装与服饰设计四个本科专业。新建成设计系教学大楼近六千平方米，配备有图书资料室、计算机实验室、专业实验室及独立专业教室等。
1、视觉传达设计专业(本科、非师范类)
主要课程：设计素描、设计色彩、平面构成、立体构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、设计学概论、插图艺术、桌面出版与印刷、界面视觉设计、VI设计、书籍整体设计、数字动画设计、交互设计、包装设计、广告设计、数字媒体概论等。
2、环境设计专业(本科、非师范类)
主要课程：设计素描、设计色彩、立体构成、空间构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、设计人体工程学、效果图表现技法、建筑与室内设计制图、中外建筑史、模型制作、建筑设计、室内设计(陈设艺术)、室内设计(商业空间)、景观设计(住宅小区)、景观设计(公园街道)、景观施工设计、展示设计、效果图表现技法、装饰构造材料与施工、计算机辅助设计等。
3、产品设计专业(本科、非师范类)
主要课程：设计素描、设计色彩、平面构成、色彩构成、立体构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、人机工程学、产品设计效果图技法、模型制作工艺、材料与加工工艺、产品设计程序与方法、用户研究与市场分析、计算机辅助设计、制图、现代家具设计、传统家具创新设计、灯具设计、包装设计、设计心理学等。
4、服装与服饰设计专业(本科、非师范类)
主要课程：设计素描、设计色彩、平面构成、色彩构成、立体构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、服装设计基础、服装手绘效果图、服装工艺基础、服装设计元素整合、立体裁剪、中国服装史、西洋服装史、时尚网站设计、女装结构与纸样、服装材料学、服装设计与橱窗展示、服装商品企划等。
舞蹈系
1、舞蹈编导专业(本科、非师范类)
培养目标：培养从事中国舞、现代舞、芭蕾舞等舞蹈编导以及教学与研究工作的高级专门人才。
主要课程：舞蹈编导、舞蹈基本功训练、现代舞专业基础课程、舞蹈素材组合训练、舞蹈剧目分析、舞蹈创作实习、中外舞蹈史、艺术概论等。
2、舞蹈编导(舞蹈教育方向)(本科、师范类)
培养目标：具备能从事中外舞蹈史、舞蹈理论的研究、舞蹈教学以及编辑等工作的高等专门人才。
主要课程：舞蹈解剖学、 舞蹈心理学、中外舞蹈史论、中外美学史中外文学、芭蕾舞基础训练 、舞蹈编导基础、中国民族民间舞训练、舞蹈教育学、中国古典舞训练、现代舞基础训练、舞蹈剧目。
3、舞蹈表演(本科、非师范类)
培养目标：本专业主要培养舞蹈表演方面基本知识、基本理论和基本技能，掌握舞蹈表演学科的基本理论、基本知识，具有舞蹈表演及评论的基本能力。
主要课程：舞蹈、戏剧、影视表演原理与技能技巧 舞蹈基础训练。
书法系
太原师范学院书法专业，成立于1995年，在山西省内属首家，在全国也比较早。专业教师中，教授3人，副教授3人，中国书法家协会会员7名，中国书法家协会专业委员会委员2名，省书协副主席3名，省书协专业委员会委员5名。
1、美术学(书法方向)专业(本科、非师范)
主要课程：书法(真、草、隶、篆、行)、篆刻、书法史、古代书论、文字学、古典诗词、古代汉语、美学、中国画等。
影视艺术系
1、戏剧影视文学专业
培养目标：本专业旨在培养戏剧影视文学方面的高级专门人才。通过四年的本科专业教育，使学生熟知并掌握戏剧、广播、电影、电视方面的基础知识、基本理论，以及剧本创作、影视评论、摄影摄像、影视前后期制作等基本应用能力，能够胜任广播电台、电视台、影视公司、戏剧院团等制作机构的生产实践需要，同时能够从事大众传媒、教学科研、文化艺术管理机构、企事业单位和政府部门的策划、宣传、教学等综合性的工作需求。
主要课程：中国电影史、世界电影史、视听语言、电影美学、中国电视史、影视批评、电影作品读解、影视剧本创作、影视摄影与摄像、电视节目策划、影视批评写作、电视编辑、传播学等。
太原师范学院2015年艺术类各专业招生计划表
(具体分省计划以各省招办公布计划为准)
科类
专业名称
层次
学制
学费
（元/年）
计划数（人）
招生范围
测试科目
备注
艺术类（文理兼招）
美术学
本科
四年
7800
700
河北、江西、江苏、河南、甘肃、黑龙江
（山西使用省统考成绩）
素描、色彩
除山西以外使用省统考成绩的省份以当地招办公布的计划为准
视觉传达设计
本科
四年
7800
产品设计
本科
四年
7800
服装与服饰设计
本科
四年
7800
环境设计
本科
四年
7800
绘画
本科
四年
7800
动画
本科
四年
7800
音乐学
本科
五年
7800
230
山东、河北、河南、甘肃、湖南
（山西使用省统考成绩）
歌曲或乐曲一首
音乐表演
本科
四年
7800
作曲与作曲技术理论
本科
四年
7800
舞蹈编导
本科
四年
7800
200
山东、河北、湖南、河南、甘肃
（山西使用统考成绩）
舞蹈基本功（40%）、舞蹈片段（30%）、音乐即兴（30%）
舞蹈编导（舞蹈教育方向）
本科
四年
7800
舞蹈表演
本科
四年
7800
戏剧影视文学
本科
四年
7800
100
山东、河南、湖南（山西使用统考成绩）
笔试80%、面试（即兴评述）20%
美术学（书法方向）
本科
四年
7800
200
山东、湖南、河南、甘肃、江苏
篇5
[中图分类号]G642 [文献标识码]A [文章编号]1004-3985（2012）33-0158-03
装饰艺术设计专业是由多领域、多元化的不同专业相互交叉、渗透、纵横联系在一起的设计科学。①材料与工艺是装饰设计的物质基础和客观主体。教学要求学生掌握装饰设计中所涉及的材料及相关工艺的基本理论和技能，具备较强的装饰艺术创作设计能力、初步的科研能力、针对不同的设计目标进行合理的材料及工艺选择制作的能力。专业的特点决定了材料与工艺的实践成了教学的主要手段和形式，并贯穿整个教学的始终。
一、材料与工艺实践教学的现状
1.装饰设计专业学科定位模糊影响课程建设。这是一个影响实践教学的上层问题，也是一直困扰装饰设计艺术专业发展的问题。从20世纪80年代末开始，全国各大艺术院校的工艺美术专业出现萎缩甚至消失，但相关的教学资源，例如，师资队伍仍然存在，各高校根据现有资源进行重组建设。由传统工艺美术发展而来的装饰设计专业的学科定位问题却一直处于矛盾中。大部分院校将装饰设计艺术专业归并在设计学范畴，也有部分院校仍将它归置在艺术学范畴。问题在于设计艺术学有着很强的实用设计本质，设计主体明确。装饰艺术设计与其他设计专业相对比，设计对象范围广且模糊，设计内容不能明确地体现。再加上装饰艺术设计专业的学科特点，课程涉及面广，要进行不同材料与工艺的实践，使之呈现杂而乱的表象，造成了装饰设计艺术专业一直处于学科建设的边缘，不被重视。不能从科学的角度进行学科建设，配备师资和实验室，相关课程被拆分重组，甚至取消。专业建设远远滞后，甚至是处于停滞萎缩的状态。
2.新材料与工艺发展迅速，传统材料与工艺的实践仍是教学的主体。进入20世纪80年代，我国的各艺术门类飞速发展。装饰艺术是一门涉及众多材料工艺的学科，在各艺术门类相互交叉、多向发展，科学技术日新月异的背景下，新材料和工艺不断被推出。艺术家不断探索创新，将新技术引入到装饰艺术设计实践中去。在现有的教学体系中，教学涉及的材料与工艺基本以传统材料与工艺为主。在这方面，各院校积累了一定的经验，在师资、实验设备、材料等方面具有一定优势。相对当代艺术家活跃的艺术实践，院校的实践教学发展迟缓，创新意识弱，对新材料和工艺的探索滞后。
二、建立科学的材料与工艺实践教学体系
科学的教学体系关系到学科的有效发展和人才培养的质量，它的建立是要遵循科学的教育原则和目标。课程的建设是教学体系的最重要部分，围绕课程展开的实践内容是课程教学的有力延伸。在这套体系中，课堂内的实践内容与课堂外的实践内容有效渗透，让学生从不同角度对材料与工艺专业的学习有更深刻的体验和认识。
1.专业理论教学。理论是实践的基础，它可以提高学生的理论素养和研究能力，了解设计活动和设计风格的历史演变， 开阔学生的设计视野，从而更好地借鉴传统并汲取设计灵感，并打下扎实的设计思想和设计实践的理论基础。相关的史论教学，是指艺术及设计历史和理论，分为艺术通史部分，如中外美术史、社会文化史；专类史部分，如工艺美术史、设计史；艺术和设计理论部分，如设计概论、美学、艺术哲学；材料与工艺理论部分，如材料艺术与工艺、材料艺术学。这四部分是一个阶梯式的理论教学部分，应遵循它们的科学性，有序地进行。我院的装饰设计专业的史论体系如下：中外美术史、工艺美术史、美学、材料艺术与工艺（按开设顺序排序）。
2.专业课程实践教学。在掌握一定了理论基础之后，学生对专业涉及的材料与工艺有了初步的认识，再加上一定的专业基础训练之后，有针对性的材料和工艺专业课程成为他们学习的重点。我院开设的课程包括“综合材料绘画”“纤维设计”“漆艺设计”“金属装饰设计”等。学生在课程中详尽地学习各种材料与工艺的知识，并进行设计制作。这部分课程是专业课程的重中之重，涉及多专业领域和学科。各个专业领域的装饰艺术设计， 既有共性又有差异性， 既有共同的艺术设计规律， 又有不同的专业指向。在这部分艺术实践的教学中，教师必须具备一定的实践能力和创新精神。除了进一步讲授相关史论知识和设计要点，还要进行实践操作的示范和详尽讲解。带领学生进行相关的市场调研，对材料与工艺有更直观和实际的掌握认识。引导学生准确把握材料特性和工艺技巧，将其运用到设计实践中去，而不是固守材料与工艺的本身，失去艺术探索的根本目的。
3.综合课程实践教学。这一阶段的教学主要针对高年级学生，在涉及不同材料和工艺的专业课程结束后，学生对材料与工艺都有了一定的认识和实践经验。接下来是综合实践课程，实践内容由“单一型”向“综合型”转变，如“综合材料艺术”“装饰壁画”“装饰雕塑”“公共装饰艺术”。这些课程针对一定的载体（如壁画、雕塑），要求学生综合运用前面学习的知识，选择合理的材料与工艺进行设计制作，从而有效地进一步巩固和培养学生的实践创作能力。这一阶段的学了要求学生进一步地掌握材料与工艺的审美特性，并将其融会贯通在作品中，还要求学生具有创新意识，将新的材料与工艺引入设计中去，在实践中创新。在专业课程实践教学和综合课程实践教学中，重要的一个环节就是实验工作室的建设。工作室配套设备和人员的管理与建设直接影响实践教学的质量，例如，实践材料的配备、设备的维护和更新、教辅人员的实践经验、实验室场地及配套设施等等方面（详细内容在文章第三部分有论述）。
4.实践考察与调研。校外的考察调研与校内专业课程的教学是渗透交叉进行的，两者在时间和内容的安排上要有效结合、相辅相成。课堂上的内容及时在实践考察中得到有益补充，考察调研的收获又能反馈在专业教学之中。以下是我院开设的考察课程。“专业认知实习”是结合课程进行的专业认识实习内容，例如在“木雕装饰设计”课程中穿插为期3～5天的木雕考察，以浙江东阳为实习考察基地。使学生深入工艺制作的第一线，真切的感受课程的知识要点，激发学生的创作欲望，促进实践教学的效果。而“漆艺”课程的专业认知实习则会到扬州进行专业认识学习。“民间艺术考察”是以传统民间工艺为考察内容的教学环节。时间安排在专业课程实践教学之后，在综合课程实践教学之前。目的在于学生对单项专业课程有一定学习后，对考察目标会有综合的认识，便于之后的综合设计课程的教学。例如，我院建立的皖南民间美术考察基地，综合木雕、石雕、漆艺等实践教学的内容，让学生全面感受中国传统工艺的精华。“现代艺术考察”是以现代工艺和艺术为考察内容的教学环节，时间安排在所有课程之后，毕业设计之前，目的在于让学生感受现代艺术的魅力，开拓眼界，鼓励实践创新。实习基地建设，在以上的考察课程中，都建立相应的考察实习基地，实习基地建设是艺术设计学科重要的实践环节，基地的确定要经过周密的实地论证。通过与校外实习单位建立互动合作联系，资源共享，让学生将所学知识紧密结合实践运用，加深对课堂教学内容的理解。
5.科研项目实践。一是学生科研项目。大学生学术科研项目是高等学校本科教学质量与教学改革工程的重要组成部分，各高校都有针对学生的科研立项项目。大学生实践性科研立项，倡导以本科学生为主体的创新性实践研究，调动学生的主动性、积极性和创造性，激发学生的创新思维和实践意识，使学生在科研项目中得到更多的实践锻炼和科研能力的提高。此外，还可以组织学生在设计竞赛、自主创业等其他实践的渠道中进行全面锻炼，从课堂之外获得实践体验，并从取得的成果中获得成就感，从而进一步增加学生的学习积极性。二是教师科研项目。教育科研能力是一种高级的、来源于教育实践而又有所超越和升华的创新能力，也是一位教师的综合能力的体现。教师应该积极申请与教学相关的科研课题，提高自己的科研能力，在课题的实施过程中有针对性地研究专业领域的先进技术和前沿知识。鼓励教师以技术合作、技术转让等形式开展横向课题研究，并且在科研项目中调动学生积极参加实践，教师应该给学生在方法上提供有指导性的建议，使学生在参与项目的过程中不断思考，从中得到更深的学习体会。三是校企联盟。将相关企业的设计部门引入校内，或者在校外建立实习基地，双方在人力资源、场地设备、市场等方面资源共享，相互支持与合作。使学生在了解相关企业产业结构的特点及发展趋势，了解企业的生产技术和工艺流程。这样才有利于学生理论联系实际，学校也可以有针对性地进行专业课程建设及教学改革，使培养的学生在满足企事业所需的同时，也能提高自身的生存发展能力。
三、面临的问题及解决方案
从科学的学科建设角度来分析面临的问题，及时建立解决方案，并积极有效地推行方案，是专业带头人义不容辞的职责。首先，加强艺术学学科建设，完善课程体系，树立品牌与特色意识，是艺术教育可持续发展的途径。②装饰设计专业面对众多的方向，必须要主次分明，抓住重点，建立有特色的专业发展方向，树立品牌专业。明确的专业发展方向是解决问题的基本前提。其次，面对不同的矛盾问题要理性地分析，并分析整合问题的关键点，有重点、有针对性地解决一系列问题，为专业的实践教学铺平道路。实践教学不同于课堂教学，要面对课堂之外更多的实际问题，这些问题归纳如下：
1.师资队伍建设。第一，实践性教学师资知识结构与教育职能部门的职称评定导向存在矛盾。装饰专业教师必须在专业领域具备较强的实践能力，一名具备一线实践经验的教师，必定要把精力花在设计的具体实施中，其知识结构也必然与实践紧密相连。但是实践成果却很难在教师的职称评定体系中得到认可。实践教学岗位的教师的理论水平相对较弱，面对以学术论文为主要衡量标准的职称评定，两者的知识结构有着很强的差异。装饰专业教师要么放弃职称评定，从事专业实践；要么放弃专业实践，认真研究学术理论。无论哪种选择，对于教师和专业的发展都是不利的。作为教育的相关职能部门，尊重各个学科的规律，制定不同的职称评定制度，是科学发展的一项重要任务。最大限度地发展各个学科，“一刀切”只能产生反作用，如同“拦路虎”一般限制着专业的发展。第二，实践性教学师资的进修与学校的人才培养政策存在矛盾。鉴于目前我国高校的人才培养和引进模式，装饰专业教师的实践能力较弱，许多高校的老师是从学校到学校，面对以实践为主的装饰专业教学，许多高学历教师却无法胜任一线教学岗位，急需进行专业的进修学习和实践锻炼。但是学校的人力资源部门的 “唯学历、唯文凭”的教师培养观念却很难适用于设计专业，在这样的教师培养模式下，专业教师读研读博的渠道是畅通的，但是问题在于高校的高层次人才培养是以理论教学为主的，这样的人才完全满足不了实践教学的需要。相反，教学急需的实践经验学习的道路却是坎坷的，因为这些实践单位没有学历和文凭， “学历与文凭”又成了教师进行实践研修的第二只“拦路虎”。学校从管理制度上进行改革，采取一系列措施，不拘一格培养人才，把实践水平的培养作为人才培养的一项重要指标。
2.实验室建设。一是实验场地的建设。随着高校的扩招，生源的快速增长，相关的配套设施却不能及时跟进。材料与工艺的实践需要一定的实验空间，各门实践课程所需配备也各不相同，例如“漆艺”课程，在胎板制作、髹涂研磨、彩绘镶嵌的过程中需要各不相同的专用实验室，室内要配备换气吸尘设施，用水便利。工作环境封闭、清洁、没有灰尘。而“金属装饰设计”课程实验室则要求空间大，区域划分合理，设备布局合理，用电便利安全。二是设备的维护与更新。装饰专业实践的设备使用损耗率高，相应的管理和维护跟不上就会影响教学，往往因为一个钻头的缺失导致一堂课无法顺利进行。例如“金属装饰设计”课程中，众多的电焊机、电动工具，及配套的磨片、钻头、焊条等易耗品都要及时维护和更新。实际管理中，复杂冗长的设备购买和维护报修制度，影响了维护和更新的效率。简化手续，务实操作才是管理之道。三是人力资源的配备。除了硬件设施的配套，相关实验的管理人员，如技师、管理员的配套服务也显得尤为重要。一名好的技师可以胜任实践的任何一环技术环节，以丰富的经验弥补专业教师在技术实践环节的不足。管理人员的管理水平和责任心可以保障教学各环节顺利进行。
3.材料库建设。为了实践教学更顺利地进行，应建立配套的完整齐全的材料库。材料库可大可小，小的材料库起到材料和工艺的展示作用，除了材料的样本外，还应该把相关的信息一同展示，例如生产厂家、购买渠道、优劣对比、应用实例。这些展示便于学生更直观地感受材料和了解材料的相关知识和信息；大的材料库除了具备以上的功能，还是一个材料仓库，学校可以大批购进相关材料和工具，便于学生使用，因为很多装饰专业涉及的材料和工具，市场的保有量很低，小批量地购买存在一定困难，且成本很高。
4.新材料与工艺的引入。传统材料和工艺在很多方面具有一定的优越性，相关的资源配套比较齐全，管理经验也丰富，教学进行起来得心应手。而新材料与工艺则缺乏有效途径进入高校的实践训练，在课程设置和管理机制上缺乏对新材料与工艺的有力支持。如设立创新学分，鼓励师生进行新材料的实践，对引进新型材料与工艺的教师进行一定奖励。
四、结语
以上阐述的建立科学的材料与工艺实践教学体系的观点，是从实践教学中的经验与体会总结而来。科学的教学体系，最终的实现与完善都需要相关部门的有力支持，从尊重学科发展特点的角度出发，给予专业建设和改革更广阔的空间。
篇6
根据产品设计专业的学科特征，本专业的培养要求主要体现在以下在三个层面上：
1、在能力结构方面，要求学生应具有一定的设计创新思维意识，初步具备综合运用所学知识，分析和解决工业产品造型设计过程中遇到的研究、开发、设计等方面问题的能力；要求学生具有准确、清晰、形象表达设计思想和设计意图的技能，能熟练操作各种设计表现技法和计算机图像及三维成型技术等；要求学生熟悉产品设计程序与方法，能综合把握产品的功能、材料、结构、外观、加工工艺、内部机构、市场需求等诸要素，在此基础上进行合理的产品改进性设计和开放性设计。
2、在素质结构方面，要求具有良好的政治素质、思想素质、道德品质，以及法制意识、诚信意识、团体合作意识；在文化素质上具有较好的中国传统文化素养、文学艺术修养，并具有现代意识、人际交往意识；身心健康。
3、在知识结构方面，要求除本专业确定的学科基础知识和专业能力外，同时具有一定的外语、计算机及信息技术应用、文献检索、论文写作等方面的工具性知识，以及文学艺术、历史、哲学、心理学等方面的人文社科知识。
核心课程：设计素描、平面构成、色彩构成、立体构成、设计表现、工艺美术史工艺美术史工艺、美学与艺术欣赏、工业设计史论、计算机辅助设计、产品结构设计、产品造型设计、产品设计方法学、产品设计调查与策划、人机工程设计、产品语义设计、产品创新设计、产品包装装潢设计、产品模型制作、生产实习、毕业设计等。
修业年限：四年。
学位授予：艺术学学士。
就业去向：学生毕业主要在产品制造企业、文化事业单位、产品开发研究单位、专业设计公司从事以产品创新设计和产品造型设计为重点的设计、管理、科研或教学工作、也能从事与产品创意设计相关的视觉传达设计、信息设计、礼品纪念品设计、环境设施设计或展示设计等工作。
130502视觉传达设计专业：招收60名
本专业培养适应我国经济社会发展需要，德、智、体、美全面发展，具有视觉传达设计学科的基本理论、基本知识、基本的设计方法以及专业表达技能，掌握传统平面(印刷)媒体和现代数字媒体设计的基本能力，成为基础理论实、专业口径宽、工程能力强、综合素质高，具有国际视野和创新精神的应用型高级专门人才。
核心课程：设计基础、形态构成、设计概论、图案与装饰、图形创意、计算机辅助设计、文字与标志设计、版式设计、包装装潢设计、书籍装帧设计、企业形象设计、广告招贴设计、展示与陈设设计、数字媒体设计与制作等。
本专业总体实践教学体系是将专业核心课程与实践教学内容密切地联系在一起，一是课程理论教学和设计实践相结合，二是应用性专业课结合社会、企业的实际项目课题进行实践训练。
修业年限：四年。
授予学位：艺术学学士。
就业去向：视觉传达设计专业的学生毕业后主要从事包装装潢设计、书籍装帧设计、企业形象设计、多媒体艺术设计、展示设计、装饰艺术设计等领域的实践和教学工作，也可以进一步攻读相关专业的硕士学位。
130503环境设计专业：招生30名
本专业培养适应我国社会主义经济建设的发展需要，掌握专业基础理论、相关学科领域理论知识与专业技能，并具有创新设计实践能力，能在教育机构从事环境设计及教学、研究工作，在环境设计机构从事公共建筑室内设计、居住空间室内设计、城市环境景观与社区环境景观设计、园林设计，并具备项目策划与经营管理、教学与科研工作能力，成为基础理论实、专业口径宽、工程能力强、综合素质高，具有国际视野和创新精神的应用型高级专门人才。
核心课程：素描、色彩、形态构成、环境设计效果图表现技法、计算机辅助设计（二维、三维）、环境设计制图、建筑模型制作与工艺、中外建筑史、室内空间设计、人机工程学、家具设计、展示设计、室内设计、景观设计等。
修业年限：四年。
授予学位：艺术学学士。
就业去向：在教育机构从事环境设计及教学、研究工作，在环境设计机构从事公共建筑室内设计、居住空间室内设计、城市环境景观与社区环境景观设计、园林设计等相关设计及项目策划与经营管理，也可以进一步攻读相关专业的硕士学位。
二、报名
1、考生凡符合所在省招生办规定的报名条件要求，凭本人身份证及身份证复印件，均可报名。
2、考生报名时由本人填写《专业考试报考登记表》，经审查符合报考条件者发给专业《考试证》。
3、报名时须交省物价部门批准的专业考试费180元/人。
三、招生计划及考试科目
专业代码
专业名称
层次
学制
招生科类
计划招生人数
考试科目
130502
视觉传达设计
本科
四年
艺术(文、理)
60
素描、色彩
130504
产品设计
本科
四年
艺术(文、理)
60
素描、色彩
130503
环境设计
本科
四年
篇7
一、培养目标趋于多元化
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点
传统上，我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中，美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业，培养专业美术工作者和研究人员；工艺美院以实用设计门类划分专业，培养应用型专业设计人才；高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置，以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始，这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小，中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和，而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代，设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业，而高师美术院校也不甘落后，相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例，华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科，并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生；东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系，其中只有美术教育系为师范类专业；陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系，并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才；北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业，专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才；西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业，只有美术学为师范类专业；华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业，其中艺术设计为非师范类专业；华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业，设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系，多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新
专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下，学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾，因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有：一是形成“大美术”的理念。今天，美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外，还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等，在这些专业中还可以分出多个分支，它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前，多数高等师范院校都撤系建院，并实行按院招生制度。学生入学后不分专业，统一进行基础教学，在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后，再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校，已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有：(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业，后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践；中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习，最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程，修读双专业并获得双学位，为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中，实行“4+0”模式者，学生毕业即就业；实行“4+2”模式者，学生本科毕业后再读两年硕士学位，培养目标是重点中学的骨干美术教师；实行“4+3”教师教育模式者，采取本硕连读的办法获取硕士学位，学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。
二、教师教育趋于专业化
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(CarrSaunders，A．M．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务
在我国，高师美术教育从本质上看仍属于职业教育，其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的，教师专业化程度很低。为此，我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出，美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标，《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”，其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课，“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课，其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来，我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向，注重专业技能课训练，忽视美术史论课学习，这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出：“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出：“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中，美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会，更需要教师具备全面的文化素养，因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握，还应在教育学、心理学等方面有一定的修养，成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来，教师的知识可分成两类，即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础，在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此，高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多，其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等，这些都有利于推动学生的专业发展。
三、教学过程趋于数字化
(一)数字化改变了人们关于美术的感知方式
篇8
总之，国外还没有一个可以能够包含史、论、评含义的美术学概念。同时，也似乎不存在一个学科管理意义上的美术学。在中国古代美术文献中，常常把画评、画史、画论结合在一起进行探讨。例如南齐谢赫的著名批评著作《古画品录》便是这种体例。谢赫在这部著作开头，就对画品即绘画评论做出概括，“夫画品者，盖众画之优劣也”，接着对绘画的功能和作用发表见解：“图绘者，莫不明劝戒，著升沉，千载寂寥，披图可览。”这段话便是他的美术观念和绘画理论的表述。谢赫提出的绘画六法，即品评绘画的六条标准：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。这六条标准成为此后绘画批评中的根本原则，也成为我国古代美学理论的重要内容。由此可以看出批评理论和美术作品研究也可以进入史的范畴，中国古代画论常将史和批评融汇其中。
美术批评与美术史、美术理论是三个既有联系又有区别的学科，它们却构成美术学的基本内容。美术批评学可以作为美术学的一个重要的分支加以研究，当然在批评学领域，美术批评学也可以作为批评学的一个分支，与文学批评学、音乐批评学等并列。美术批评运用一定的批评方法与原则，对美术作品的形式、语言、题材、内容、思想和风格进行品析、评判，揭示其价值，分析其优劣，或者对美术现象，美术思潮、美术流派、美术活动进行分析评价，揭示其内在规律和发展趋势，这种活动就是美术批评或者叫美术评论。美术评论和当前的创作实践活动联系比较紧密，批评家要参与美术活动，及时了解创作动向，推动创作活动的发展，美术批评家有时还可参与策划美术展览，组织创作研讨等活动，因此美术批评也是一项操作性、现实性比较强的活动。而美术批评学则是从理论上总结批评规律，提出批评观念、批评标准和方法，或者总结历史上的批评成果，建立起理论形态的批评学科。
美术史是由美术史家和历史学家或考古学家对历史发展过程中的美术作品、美术文献、美术遗迹进行发掘、研究、探讨，客观地揭示美术发展的历史过程和基本规律的科学。中国第一部比较系统的美术史著作是唐代美术史家张彦远的《历代名画记》，它开创了撰述中国美术史先河。西方美术史学科的建立可以追溯到16世纪意大利画家瓦萨里写作的《大艺术家传》。这部书记录意大利文艺复兴时期的杰出画家和雕家的生平、活动和创作，为后人研究文艺复兴美术家提供了丰富的资料，该书首次出版于1550年。西方艺术史学科的真正建立应以18世纪德国艺术史家温克尔曼出版《古代艺术史》作为标志。这样，中国的《历代名画记》早于瓦萨里约700年，早于温克尔曼约900年。所以，中国美术史的学科建立实际上始于盛唐。
美术理论是对美术问题的理论探讨，通过对绘画、雕塑、建筑、工艺美术及设计艺术作品也可以包括书法及摄影的功能与作用、基本特征、形式、结构、语言、风格及其中的审美规律和思想活动，揭示美术的普遍特点与规律。美术理论在狭义上主要是指美术基本原理，在广义上则可以包括美术美学、美术哲学、美术心理学、美术社会学等内容，从某种意义上讲美术批评理论也是美术理论的组成部分，但鉴于美术批评理论和美术评论活动相对的独立性，因此美术批评和美术理论常常分成两个相对独立的学科进行探讨。
篇9
一、教学策略：由“教导性”教学转换为“发展性”教学
按照传统的教学习惯，艺术史论课的教学大多是“教导性”教学，即教师在教学中占主动地位，多为讲述艺术史内容、传达艺术事实、提供正确答案，重在知识输出。在课堂上，教师的“讲”很重要。当学生总是处于被动聆听者的角色，部分学生会在无意间依赖教师的督促，因为教师掌握着教学的主动权和学生所需要的信息。“发展性”教学则强调教师是一个引导者，而学生才是学习的主动者与积极参与者。在教学中，教师的主要作用是帮助学生发现问题、引导学生掌握一定的治学方法来更好地完成学习。教师不再是提供正确答案，而是要提供“好的问题”，并重点关注学生研究思维的建立和发展。每个学生的学习与成长是他们自己的责任，学生在学习过程中不应依赖教师的教导。一般情况下，教师不会去修正答案，而是引导学生去发掘答案。为了确保学生能真正学到手，除了要求学生用心听讲外，练习、作业、考试与课堂教学同等重要。
二、教学目标：由“知识输出”转换为“研究思维培养”
发展性教学的教学目标是最关键的要素，它决定教学过程中的各个环节。一般情况下，高校的艺术史论课教学都以知识输出为主，即以教授艺术史知识为基本目标，让学生学会从历史的角度来看艺术现象、艺术作品等产生和发展的规律，提高审美能力。在授课的过程中，教师一般都会旁涉文化、习俗、哲学、宗教等方面的内容，以提高学生的综合素养。这种教学目标固然没错，但在当今时代，通过各种电子媒体获得知识已经非常便捷，课堂上单纯的知识输出对于学生来说没有新意，甚至没有必要。在这种情形下，教学目标由知识输出转换为“研究思维培养”势在必行，其优势在于：第一，符合大学生人才培养的发展规律。按照我国应试教育传统，知识输出型的理论课教学很容易被看做是中等教育的延续。尽管课程更专业、教师级别更高，但从教学本质来看，高校的课堂教学几乎跟中小学的课堂教学没有什么差别。唯有研究思维培养才更符合高校的人才培养规律。中小学大多没有研究思维培养的意识，以致学生到了大学甚至研究生阶段，依然非常缺乏研究思维。大学生最基本的素质是具备独立学习和问题研究的能力。对于艺术设计专业的学生来说，分析问题、研究问题、解决问题是艺术设计创作和创新的基础。艺术设计专业课以技能培养为主，不注重研究思维的培养；而在艺术史论课上，研究思维培养却可以贯穿整个课程，学生可以从艺术史的角度来看艺术的发生、创作和发展过程，并由此提高学术研究意识。第二，符合“用较少的课时，达到最好的教学效果”的要求。一方面，在大多高校艺术设计专业的课程设置中，专业课时量占较大的比重，而作为基础课的艺术史论课一般课时安排较少，通常是在大学一二年级开设。在目前一般大学的低年级基础课教学中，英语、体育、政治、中国近现代史等必修课程往往占据一学期的主要学时，这样，留给专业基础课的课时就非常有限。另一方面，艺术史的广度和深度是无限的。在有限的课时里，所教授的内容要涵盖中外艺术史的大部分知识是有难度的。知识输出型教学重在知识的教授，因此“获得多少知识点”就成了教学效果的一个评估指标，而有限的课时是这个教学指标的瓶颈。研究思维培养导向的教学则可以轻松化解这个难题，因为学生对研究方法的掌握和研究思维的建立，可以使知识的获得、选择与利用变得长期有效。第三，符合基础理论课教学和专业设计实践结合的要求。高校课堂教学不能仅局限于知识和技能的教授，艺术设计专业教学更应培养学生成为具有独立研究、思考和创作能力的人才。研究思维培养导向的艺术史教学，可以从艺术、历史、文化、政治、宗教等多维度出发，帮助学生成为有独立思考能力的人，进而成为有独立创造能力的设计师。
三、教学实践：教学各环节的改进
（一）教师教授方法的改进
在发展性课堂教学中，教师从课堂的主角身份转变为课堂的引导者和支持者。教师无需在意自己讲得有多好，而要把重点放在引导学生的思维和潜能。碰到针锋相对的讨论或问题时，教师在教学心理上不是要用自己的权威去压制学生，而是要以谦卑与宽和的心态，激发其展开更深入的思考。在具体的教学手段上，教师应力图做到以下五点：第一，教学语言口语化，尽量使用易懂易记的语言讲解枯燥难懂的学术内容，让学生把握艺术史的整体脉络与课程重点；第二，注重图例分析，训练学生的记忆能力与观察分析能力；第三，多采用问题启发式教学，以问题吸引学生的课堂注意力，并培养学生对知识的重点掌控能力和问题研究能力；第四，运用艺术史上艺术作品的古今、中外对比，提升学生对艺术史的整体理解与融会贯通的能力；第五，强调学有所用，培养发散思维和设计思维，开发学生的想象力和创造力，提高其设计创作能力。
（二）学生的课堂讲解与分享
学生在课堂上以PPT课件形式进行讲解和分享是课程设计的一个必要环节。在笔者的教学课堂上，笔者负责教授艺术史的整体内容，而学生负责讲解艺术史上的一个知识点，即某时期的某个艺术流派，或某位艺术家作品的分析。学生的讲解不仅能反映他们在课外自主学习的能力与学习效果，也能够使他们加深印象与发现问题。对教师而言，根据学生的讲解情况，可以补充教学内容、及时发现和解决学生的学习问题。这样即使是一名教师教授不同班级，也可以掌握每个班级中每个学生的学习情况，并采取灵活多样的教学方式。此外，有的学生学习态度认真，在课外下了大功夫，他们所呈现的讲解内容往往非常丰富，对其他同学也能起到积极的激励作用。对于学生的讲解有几项基本的要求：首先，学生选择的讲解内容要与教师的教学进度保持一致，要在课前先掌握这些知识，杜绝讲解时照念大段文字；其次，学生在学习和讲解的时候，必须从一个问题出发，把握一个中心，所讲解内容不求多，而求重点突出、思路清晰；最后，鼓励通过简短的视频资料来丰富所讲解的内容。
（三）课外考察
鼓励学生课外进行各种实地考察，如参观博物馆、艺术馆、艺术院校的展览馆、艺术区画廊等。课外考察的要求主要有四个方面：一是考察前和考察后的学习研究工作。以学习中国园林史的学生考察颐和园为例，在考察前应阅读教材中关于颐和园兴建与演变的历史，掌握各时期的园林规划平面图，并观看一些关于颐和园的视频。二是有主题地进行考察。以学习中国建筑史的学生考察北京故宫为例，可以有意识地重点考察故宫的规划布局与主轴线设计、建筑中的伦理规制、宫与殿、大门和门院、屋顶与脊兽、建筑与花园等；三是以思维导图的形式提交考察报告。学生自由选择一个能表达自己研究思路的思维导图，根据教材内容和网上的辅助学习资料，结合具体考察经验与实地照片，以图文结合的方式，反映课外学习研究与考察的结果，如需要也可以配上自己手绘的图例；四是根据考察和研究设计创作方案，画出草图或实际效果图。
（四）课程考核
按照高校理论课的教学要求，艺术史论课的考核应是提交论文报告，但真正潜心于撰写研究报告的学生只占少数。笔者经过多年课程考核的实践与总结，发现以闭卷的形式进行考核能够取得较好的效果。虽是闭卷考试，但试题的设计不是传统的选择、填空、名词解释题等。试题应是一个大题，侧重于考核以下三点：一是注重学生对教材范围内的艺术史纲要的掌握，要求学生能掌握艺术史的主要脉络，并进行艺术古今中外的对比；二是能用艺术史的眼光来分析当代艺术的问题；三是能从所学知识中有所领悟，并应用到自己的设计创作中。通过课程考核的特别设计，能督促学生从宏观上把握艺术史的发展脉络和重点，并从学术研究的层面来思考艺术的问题，同时有助于开发艺术设计的创作思维。
（五）网络课程
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一、培养目标趋于多元化
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点
传统上，我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中，美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业，培养专业美术工作者和研究人员；工艺美院以实用设计门类划分专业，培养应用型专业设计人才；高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置，以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始，这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小，中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和，而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代，设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业，而高师美术院校也不甘落后，相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例，华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科，并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生；东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系，其中只有美术教育系为师范类专业；陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系，并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才；北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业，专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才；西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业，只有美术学为师范类专业；华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业，其中艺术设计为非师范类专业；华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业，设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系，多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新
专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下，学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾，因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有：一是形成“大美术”的理念。今天，美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外，还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等，在这些专业中还可以分出多个分支，它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前，多数高等师范院校都撤系建院，并实行按院招生制度。学生入学后不分专业，统一进行基础教学，在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后，再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校，已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有：(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业，后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践；中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习，最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程，修读双专业并获得双学位，为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中，实行“4+0”模式者，学生毕业即就业；实行“4+2”模式者，学生本科毕业后再读两年硕士学位，培养目标是重点中学的骨干美术教师；实行“4+3”教师教育模式者，采取本硕连读的办法获取硕士学位，学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。
二、教师教育趋于专业化
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(CarrSaunders，A．M．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务
在我国，高师美术教育从本质上看仍属于职业教育，其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的，教师专业化程度很低。为此，我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出，美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标，《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”，其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课，“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课，其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来，我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向，注重专业技能课训练，忽视美术史论课学习，这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出：“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出：“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中，美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会，更需要教师具备全面的文化素养，因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握，还应在教育学、心理学等方面有一定的修养，成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来，教师的知识可分成两类，即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础，在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此，高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多，其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等，这些都有利于推动学生的专业发展。
三、教学过程趋于数字化
(一)数字化改变了人们关于美术的感知方式
篇11
2011年3月，国务院学位会员会颁布实施《学位授予和人才培养学科目录（2011年）》（以下简称“2011学科目录”）。新的学科目录（本文把面向研究生培养的学科目录简称为“学科目录”）在“艺术学”门类下设了5个一级学科，但未设置二级学科，并明确说明：“《学位授予和人才培养学科目录》分为学科门类和一级学科，是国家进行学位授权审核与学科管理、学位授予单位开展学位授予与人才培养工作的基本依据，适用于硕士、博士的学位授予、招生和培养，并用于学科建设和教育统计分类等工作。学士学位按本目录的学科门类授予。”①
时隔一年半后，2012年9月，中华人民共和国教育部颁布实施新的《普通高等学校本科专业目录（2012年）》（以下简称为“2012专业目录”）。新的专业目录（本文把面向本科生培养的专业目录简称为“专业目录”）在艺术学5个专业类（一级学科）下设33个专业（二级学科）。至此，纷纷争争的新一轮的学科、专业目录修订工作已经尘埃落定。按照规定“学科目录分为学科门类、一级学科（本科教育中称为“专业类”）和二级学科（本科专业目录中为“专业”）三级。”②这意味着从国家层面而言，新独立的“艺术学”门类所具有的“合法”目录是：5个一级学科，33个二级学科。
但是，尘埃落定并不意味着存在的问题已经解决，也不意味着“合法”的就是“合理”的，特别是对于新独立的“艺术学”门类而言。但是，尘埃落定却意味着在相当长的时段内，我们已经“无能为力”。学科目录设置管理办法规定：“一级学科的调整每10年进行一次”，“二级学科目录每5年编制一次”③。教育部新颁布的《普通高等学校本科专业设置管理规定》也明确规定：“《专业目录》十年修订一次；基本专业五年调整一次，特设专业每年动态调整。”④尽管如此，鉴于学科、专业目录是引导艺术学门类建设和艺术教育发展的指导性、规范性文件，既涉及严肃的学科范畴和学科逻辑建构的学术问题，也涉及面向社会现实需要搭建艺术人才培养目标体系的系统工程，我们更有必要对学科、专业目录存在的问题进行探讨，以期在未来5或10年的调整时机能够有所进益，使艺术学门类的学科、专业目录日臻合理和完善。为达此目的，系统地比较、分析国内外艺术学门类的学科、专业目录设置状况，认识不同的设置理念和原则，并思考我国艺术学门类学科、专业设置的合理取向，当是一条重要的借鉴途径。
一、美、英、德、俄四国艺术类学科、
专业目录的设置与分析
作为高等教育的规范性指导文件，学科目录及其下属专业的设置，根本的原则理应是既符合学科和学理逻辑又符合国家教育实际和需要。纵观当代世界主要发达国家的学科目录，各国作为独立学科门类（或称学科群）“艺术”或“艺术学”都有自成体系的学科和专业群（参见表1⑤）。同时，它又是和其他学科门类有着明显的交叉、融合优势的生长学科群。不过，由于艺术教育自身所包含的“艺术技能教育”（术科）与“艺术研究教育”（学科）的天然差异⑥，各国在学科目录中对艺术学科门类名称的概括是不同的，只有德国最理性和客观，并列使用“艺术，艺术学”作为门类名称。但是，各国在一点上又是相同的，即该门类中都包含有艺术技能教育（术科）和艺术研究教育（学科）两类学科、专业，凸显了现代专业艺术教育“学术”与“技术”并重并相互结合的学科教育理念。
分析世界主要国家艺术学学科目录的设置，大致可归为两类设置逻辑和设置状况：一类是以艺术的“种”概念划分为基本根据的、学科数量较多又相互独立的设置格局，突出艺术品种、种类的专才教育。同时，又通过开设“综合”或“其他”学科，为艺术种类融合或艺术与其他学科交叉等新艺术学科、专业的拓展留出发展空间。这种设置格局以美国、英国等国为代表。另一类是以艺术的“类”概念划分为基本根据的、学科数量较少并相对独立的设置格局，突出艺术类型、类别的通才教育。同时，它一般又在学科类别中设有少量的独立专业，或依据传统在个别学科中保持有较多独立专业。这种设置格局以德国、俄罗斯等国为代表。
下面不妨选取美、英、德、俄四个国家的艺术学学科目录为例，做些比较分析。
（一）美国的学科目录最初是由统计高校现实的学科专业状况而产生的，因此不具有指令性职能，但近年来对高校的指导性作用已开始显现。CIP-2000于2002年定稿，划分为38个学科群（相当于“门类”），下设326个学科（相当于“一级学科”）。按学位差别总体上又区分为三大类：一是以学术型学位教育为主的学科群，共13个学科群124个学科。主要是人文、社科、理学、交叉学科等。二是以应用型与专业学位教育为主的学科群，共13个学科群168个学科。主要包括工学、医学、农学、法学、神学、教育学、管理学、艺术学、建筑学、新闻学等学科。三是以职业技术教育为主的学科群，共12个学科群70个学科。包括军事技术、各种职业技术、家庭科学、休闲健身等学科。为便于比较，我们可以不计它的职业技术教育学科群，这样美国的学科目录（适用于研究生和本科生）就是26个学科群292个学科。
在美国的学科体系中，艺术学属于“应用型与专业学位教育为主”的学科群，下设9个学科（一级学科），52个专业（二级学科）。但它依然包含技术和学术两类学科和专业，并且在学科和专业两级都以设置“综合”和“其他”的方式为交叉和新兴学科、专业留出了发展空间（参见表2）。这是美国学科目录设置的一大亮点。这种亮点还表现为它在学科群中就独立设有“交叉学科”、“文理综合”门类，下设22个一级学科，为业已兴起的新兴、交叉学科和专业开绿灯。与我国艺术学目录的第二个明显不同，就是保留有“工艺、民间艺术与手艺”一级学科及其专业，为传统手工艺术形式的传承和创新提供了教育保障的途径。第三个显著不同是二级学科（专业）的设置显然是根据各一级学科艺术种类的发展和专业实际，采取“种”观念来设置的，专业数量较多，且各一级学科之间显然是“不平衡”的。以“美术”为例，二级学科（专业）并没有被整合为绘画艺术、雕塑艺术等专业，而是按“画种”分设的。第四个特点是设有大量艺术与市场结合的专业，比如“戏剧艺术经营”、“影视制作与出品”、“艺术经营”（实为美术经营）、“音乐商业营销”等，为艺术在现代社会的生存、传播和发展提供专业支持。
此外，美国的“艺术教育”是被归在“教育学”门类下的一级学科“特定学科与职业教师教育”中，设有“艺术学教师教育”、“音乐教师教育”专业。在“神学”门类下设有“宗教音乐”的一级和二级学科。“建筑学”是独立的门类，下设有8个一级和二级学科，其中有“建筑环境设计”、“室内设计”、“风景建筑设计”等学科和专业。在“农学与农业经营”门类中有“应用园艺/园艺经营”一级学科，设有“观赏园艺”、“风景与庭院美化”等专业。学科目录还设有“传播与新闻学”门类，下设有“传播与媒体”、“广播、电视与数字通讯”、“公共关系与广告”等一级学科。
（二）英国的学科目录也是由统计、综合高校现实的、具体的学科专业状况而产生的，至今对高校不具有指令性和指导性职能，至多只具有参考作用。JACS产生于2002年，由20个学科领域（相当于“门类”）组成，下设159个一级学科。其中，“创造艺术和设计”作为独立的学科领域，共设有10个一级学科，44个二级学科。
“创造艺术和设计”门类所设一级学科和二级学科的状况与美国相似（参见表3）。一级学科层面也保留有“工艺”一级学科及其具体的二级学科；在二级学科（相当于“专业”）的层面，英国在部分专业的设置上比美国略显概括，比如用“音乐类型”、“舞蹈类型”等概括了具体的种类，又为按种类、类型设置和实施专业教学保留了空间；同时，在一级学科用“宽口径学科”、“其他学科”、在二级学科用“未分类学科”的方式，为新兴、交叉和综合学科、专业留出了发展空间。
与美国和中国学科目录明显不同的一点是，它在一级学科中设有“想象性写作”学科，下设“剧本写作，诗歌写作，散文写作”专业。这对我国不失为一种启示，为艺术界呼吁将“文学”纳入“艺术学”门下提供了一种思路。其实，要将“文学”全部纳入艺术学门下是不可取、也是不可能的，不要说作为门类的“文学”，就是作为一级学科的“语言文学”也不能全部纳入艺术学。这里的关键是区分“语言学”和“语言艺术”，只有创作性的语言艺术才是属于艺术范畴的艺术种类之一。第二点不同是，美术学科下设有“精美艺术保存”专业，这应该是针对美术品的修复与保护专业。这个专业放在艺术门类中对我们也有借鉴意义。第三点不同是，英国的艺术类学科、专业中似乎不涉及“电视艺术”领域，在学科目录中另行设有“大众传媒和文件”学科领域（门类），其中有“媒体研究”、“媒体生产”等学科、专业。
另外，英国的学科目录在“历史和哲学研究”门类的一级学科“专题历史”下设有“艺术史”、“建筑史”、“设计史”等专业。但“音乐史”、“舞蹈史”、“电影技术及摄影历史”等却设在“创造艺术和设计”门类中，这应该与他们的学科教育传统有关⑦。还有，他们的学科目录中没有明确设置“艺术教育”学科和专业，在“教育”和“创造艺术和设计”门类中均未见明确的艺术教育专业。或许包含在“教育”门类中所设的“教师教育-专门化”、“专业教育理论研究”等相关专业中。“建筑学，建筑和规划”是独立的门类，下设6个一级学科，在“园林设计”学科下设有“园林建筑”、“风景研究”等专业。
（三）德国的学科目录也是由统计高校现实具体的学科专业状况而来，对高校不具有指令性和指导性职能，只具有参考作用。德国的学科目录有两个体系，一是“专业群、学习范围和学习专业目录”，用于“学生和考试统计”；二是“专业群、教学与研究范围和专业领域目录”，用于“人员和岗位统计”。简单地说，前者是学生学习专业的目录，相当于我国的学科、专业目录；后者是教师教研和科研专业领域的目录。相比而言，前者比较概况，后者比前者所设学科专业要多、也详细得多。
2004年的“专业群、学习范围和学习专业目
录”共计10个专业群（相当于“门类”），下共有83个学习范围（相当于“一级学科”）。其中“艺术，艺术学”门类下共有5个学习范围，30个学习专业，相比于美国和英国的设置要概括、简洁得多。显然，学生学习的学科、专业都要宽泛得多，以某种“类”性质来归纳，具有一定的综合性（参见表4），可谓宽口径培养策略的体现。以一级学科为例，按我国的习惯来看，其设置基本可以概括成“艺术学、造型艺术、设计艺术、表演艺术、音乐艺术”5个一级学科，我国刚公布的“2011学科目录”与之有相似性。下设专业仅在“设计艺术”和“音乐艺术”中略显具体，其他专业均较概括。第二个明显的不同是德国重视“艺术研究”学科和专业，不仅是传统的艺术史和单科艺术学（如戏剧学、音乐学），而且为普通艺术学设置了艺术教育、艺术品修复学、艺术和艺术学的跨学科研究等专业。这不仅使作为一级学科的“艺术学”有了丰富的专业支撑，也表明该学科有自己相对独立的专业内涵、发展空间和现实价值。这是非常值得引起我们重视和借鉴的方面。第三个不同点是将“艺术教育”的专业设置在“艺术，艺术学”门类下，既有综合的“艺术教育”研究专业，又有单科艺术教育（如舞蹈教育、音乐教育）专业。这种关于艺术教育的学科归属和层次设计，突出了专业性质和依托关系。
另外，在德国“建筑学”不是独立的门类，属于“工程科学”门下的一级学科，有“建筑学、室内建筑学”专业。在“农学”门下有“园林建筑”专业等。
（四）俄罗斯高等教育传统的学制和学位制度比较特殊，经过近20年的引入国际通行制度的改革，形成了现行的大学教育的两种学制和学位体系（俄罗斯的副博士和博士学位教育均属于大学后教育范畴）：一是由学士到硕士的学制（4+2年），二是培养文凭专家的学制（5-6年）。前者获得“硕士学位”，后者获得“专家资格”（如工程师、经济师等），两者大致相当，都可以报考研究生，攻读副博士学位。这种设置大致可以理解为有如中国全日制研究生中的学术学位硕士和专业学位硕士之别。另一方面，俄罗斯近20年来也在努力改革传统的、以窄口径的“专业”培养人才造成的弊端，实施按照新的、宽口径的“方向”来培养学生的新模式，这方面主要集中在工科、技术科学等领域。同时，还在整个学科目录中设置了“跨学科专业”门类，为新兴、综合和交叉学科与专业的发展开辟了教育实施途径。这样，就形成了俄罗斯的高等教育学科目录在结构上的特殊性。
2000年俄联邦教育部了最新的学科专业、方向目录，具有指令性职能。这个目录分为三个部分：一是培养学士、硕士的方向目录，其中包括自然科学与数学类、人文与社会科学类、教育类、技术科学类和农业科学类，共5大类95个方向。二是培养文凭专家的专业目录，其中包括自然科学类、人文社科类、经济管理类、文化艺术类、教育类、农业经济类、医学类、服务类、跨学科类以及信息安全领域中的专业类，共计10类170个专业。三是培养文凭专家的方向目录，其中包括技术与工艺类、农业类、艺术与建筑类、语言学与信息学类，共4大类84个方向。由于三个目录的学科门类与专业设置是相似的，本文以“培养文凭专家的专业目录”为分析依据。
俄罗斯学科目录的一个显著特点是，与“艺术”相关的专业或方向在三个目录中都有设置，且归属多个学科类，比较分散（参见表5），并大致表现为学术型、专业型、技术型的层次差异。在培养文凭专家的专业目录中，独立设置“文化与艺术专业”门类，其下设有可归属于不同种类艺术的专业30个。笔者按中国一级学科的习惯，大致归并了戏剧、舞蹈、音乐、电影、美术、设计与工艺、文学制作、图书馆与博物馆等8类，属于艺术的共7类27个专业。第二个特点是，专业目录在层次上只设两级，即学科类（门类）、专业或方向（二级学科），不设一级学科。与美、英目录相比，在专业或方向的设置上俄罗斯还是比较概括的，注意了宽口径的要求，但又用“按类型、按领域、按种类”等要求为保持专业性留出了空间。第三个明显不同的特点是，将专业化、应用性比较强的“文化”专业与“艺术”归为一个门类的设置作法，这其中应该包含着主张两方面结合的理念，特别是在“博物馆业与文物保存”、“社会文化活动”等专业方面，艺术与之联系密切又有共通性是显而易见的。另一个归入这个门类的比较不同的专业是“文学制作”，这也是在其他国家的艺术学学科目录中未曾有的专业。第四个不同之处是，它的“艺术学”和“艺术教育”专业设在其他门类中，前者是“人文-社会专业”门类下的专业，后者设在“教育学专业”门类下，有“音乐教育”、“造型艺术教育”两个专业。
在另两个专业目录中，比如在培养学士、硕士的方向目录中，“人文与社会-经济科学”门类中设有“艺术”和“建筑学”等专业；在“教育科学”门类中设有“艺术教育”专业；而在培养文凭专家的方向目录中，在“艺术与建筑学”门类下又设有“建筑学”、“纺织与轻工业产品的艺术设计”两个专业。
综合比较上述四个国家“艺术”或“艺术学”门类的学科和专业设置情况，有共性又有各自明显的特点，都是在各自国家的文化传统、大学教育理念和高等教育现状的基础上总结设置的，具有学理逻辑性又具有现实针对性，各有所长。总结其中体现的设置学科的学理逻辑和培养人才的教育理念，至少有两点是明显的：一是引导艺术学门类下领域和形式各不相同的学科和专业，相对独立地自我发展，突出其“种类”的专业性，以“窄口径”培养具有专精的专业创作和实践能力的艺术专门家，或具有深入的种类艺术学专业研究能力的专家为主要人才目标的教学理念。典型的代表是美国的学科目录。当然，这样的理念并不否定艺术类学科的综合、交叉等创新学科和专业的教育，专门辟有这方面的学科和专业发展途径。二是引导艺术学门类中相近、相关领域的学科和专业融合发展，突出其“类型”的专业性，以“宽口径”培养具有兼容的艺术创新和实践能力的领域艺术家，或具有专业素养的艺术研究、艺术学研究专家为主要的人才培养目标。这以德国的学科目录为典型代表。自然，这种理念也并不否认专业技能教育，它的实施得益于建立在比较发达的艺术学研究基础上的、学术与技术并重的专业教育。
二、中国学科、专业目录中“艺术学”
专业设置的历史与现状
回顾我国高等教育学科目录的变化历程，自1981年实施《中华人民共和国学位条例》以来，主要经历了四次变化⑧：第一次是1983年公布试行的《高等学校和科研机构授予博士和硕士学位的学科专业目录（试行草案）》，含11个学科门类，64个一级学科和647个二级学科（含1985年增补的军事学门类）。同时，还有自1984年以来国家教委分科类先后公布实施的本科专业目录。第二次是1990年公布实施的《授予博士、硕士学位和培养研究生的学科、专业目录》（以下简称“90学科目录”），共设置11个学科门类、72个一级学科和620个二级学科，设试办专业34种。同时有1993年公布实施的《普通高等学校本科专业目录》（以下简称“93专业目录”），设10个门类（不含军事学），下设专业类71个，504种专业。第三次自1997年开始，《授予博士、硕士学位和培养研究生的学科、专业目录（1997年颁布）》（以下简称“97学科目录”）增加了管理学学科门类，一级学科增加到88个，二级学科调整为382个。后经1998年和2005年两次补充修订，调整为89个一级学科，392个二级学科。同时有1998年公布的修订后的《普通高等学校本科专业目录》（以下简称“98专业目录”），设11个学科门类（不含军事学，增加了管理学），专业类71个，专业249种。第四次是2011年公布的《学位授予和人才培养学科目录（2011年）》，增加了艺术学学科门类，共设置13个学科门类、110个一级学科，未设置二级学科目录。与之相应的是新修订版《普通高等学校本科专业目录（2012年）》，设12个学科门类（新增艺术学，不含军事学），专业类92个，专业506种。
下面以1990年以后学科目录、专业目录中的“艺术学”学科为例，统计其学科、专业设置数量的变化（参见表6），结合历次修订原则，概括分析其变化轨迹。
1.“90学科目录”中，“艺术学”属于文学门类下的一级学科，下设16个二级学科，2个试办专业。另在文学门类“中国语言文学”学科下设有“文艺学”二级学科；在法学门类“民族学”学科下设有“中国少数民族艺术”二级学科；在工学门类“建筑学”学科下设有“建筑设计及其理论”和“风景园林规划与设计”专业，在“纺织”学科下设有“纺织品设计”、“服装”专业；在农学门类“农学”学科下设有“观赏园艺学”专业。“93专业目录”中“艺术类”下设43个专业，另有控制设点专业3个（参见表7），还在“新闻学类”下设有“广告学”专业；在工学“土木类”下设有“建筑学”、“城市规划”等专业，在“林业工程类”下设有“室内与家具设计”专业，在“纺织类”下设有“纺织材料及纺织品设计”、“服装”专业；在农学门类下设有“观赏园艺”、“风景园林”等专业。
对于这次修订，“90学科目录”中写道：与之前的目录相比“有一批专业拓宽了专业面，调整、充实了专业内涵；同时，删掉或归并了一些划分过细、偏窄的专业，增加了一批新专业。”⑨这种修订原则也贯彻在本科专业目录的修订中，并起到了明显的作用，修订后的专业数减少了309种。不过，这种拓宽专业口径和内涵的理念在“艺术类”方面并不明显，从对照表中可以看出，不论是学科目录还是专业目录，二级学科（专业）的数量仍较多，且专业划分比较具体，突出的是以不同的艺术种类为基本专业的理念。这种设置状况很类似美国、英国的学科专业目录。当然，目录在整体上也显示了归并的意图，这在“90学科目录”的二级学科设置上比较明显，在“93专业目录”中也显示了把设计与工艺、戏剧与戏曲、电影和电视设置在一起的意图。比较好方面是，目录在各个种类的专业群中，多设有研究、教育专业；另外，设有独立的“文化艺术事业管理”专业。
2.“97学科目录”中，“艺术学”仍属文学门类下的一级学科，下设8个二级学科。另在文学门类“中国语言文学”学科下设有“文艺学”二级学科；在法学门类“民族学”学科下设有“中国少数民族艺术”二级学科；在工学门类“建筑学”学科下设有“建筑设计及其理论”和“城市规划与设计（含：风景园林规划与设计）”专业，在“纺织科学与工程”学科下设有“纺织材料与纺织品设计”、“服装设计与工程”专业，在农学门类“林学”学科下设有“园林植物与观赏园艺”专业。“98专业目录”中，“艺术类”下设20个专业（参见表8），另外在“新闻学类”下设有“广告学”专业；在工学“土木类”下设有“建筑学”、“城市规划”专业，在“轻工纺织食品类”下设有“服装设计与工程”以及包装、纺织工程等专业，在“环境生态类”下设有“园林”专业等。
这次两个目录“修订的主要原则是：科学、规范、拓宽；修订的目标是：逐步规范和理顺一级学科，拓宽和调整二级学科。”⑩修订后与之前的目录比较，二级学科（专业）种数大幅减少，专业的内涵被大大拓展了。以艺术类为例，学科目录的二级学科被统一以“学”归并为8个学科，本科专业被归并为20个，专业名称设定为综合性很强的“类”概念。如“音乐表演”专业，涵盖了“93专业目录”的“指挥；演唱；键盘乐器演奏；管弦（打击）乐器演奏；中国乐器演奏”等5个专业，“美术学”专业包括了原目录中的“美术学”、“美术教育”专业，“艺术设计”囊括了原来的7个专业，“戏剧影视美术设计”归并了原来戏剧、影视学科中的5个专业。这次修订使学科目录规范、简洁了，但也造成了一级学科、二级学科和专业方向之间名称的重复之弊。而且，二级学科“艺术学”之下未设本科专业，“舞蹈学”之下未设“舞蹈表演”专业，原“93专业目录”中的“工艺美术学”、“工艺美术设计”专业完全被“艺术设计学”、“艺术设计”专业取代等等，这些显然也是不得当的。同时，“文化艺术事业管理”专业被取消，另在新设立的“管理学”门类下设有“公共管理类”，下设有“公共事业管理”专业（可授管理学、教育学、文学或医学学士学位）。
3、“2011学科目录”中，艺术学设为独立门类，下设5个一级学科；另外在工学门类下设有“建筑学”、“城乡规划学”、“风景园林学”等一级学科，在管理学门类下设“公共管理”一级学科。但新的学科目录中未明确设置二级学科目录，这必然造成本科专业目录中的专业设置将成为学科专业目录体系中的二级学科之实。新颁布的《普通高等学校本科专业目录（2012年）》在艺术学5个一级学科下设29个基本专业、4个特设专业，共计33个专业（二级学科）（参见表9）。
另外，将艺术教育方面的专业集中移至教育学门类的“教育学类”下，设有“艺术教育”专业（可授教育学或艺术学学士学位）。在管理学门类的“工商管理类”下增设“文化产业管理（可授管理学或艺术学学士学位）”专业，在“公共管理类”下仍设有“公共事业管理”专业；在文学门类的“新闻传播学类”下设有“广播电视学”、“广告学”、“传播学”专业；在历史学门类下设有“考古学”、“文物与博物馆学”、“文物保护技术（T）”专业；在工学门类的“纺织类”下设有“服装设计与工程（可授工学或艺术学学士学位）”、“服装设计与工艺教育（T）”专业，“建筑类”下设有“建筑学”、“城乡规划”、“风景园林（可授工学或艺术学学士学位）”和“历史建筑保护工程（T）”等专业；在理学门类“地理科学类”下设有“人文地理与城乡规划（可授理学或管理学学士学位）”专业；在农学门类“植物生产类”下设有“园艺”、“林学类”下设有“园林”专业。
在2010年《教育部关于进行普通高等学校本科专业目录修订工作的通知》中，对“98专业目录”的评价是：“改变了过去过分强调‘专业对口’的本科教育观念，确立了知识、能力、素质全面发展的人才观，对引导高等学校拓宽专业口径，增强适应性，加强专业建设和管理，提高办学水平和人才培养质量，发挥了积极作用。”在谈到存在的问题时说：“现行本科专业目录已不能很好地适应经济社会发展和社会需求的变化，不能很好地满足高校多类型、人才培养多规格的需要，存在着与培养研究生的学科专业划分不够一致、新兴学科和交叉学科专业设置困难等问题。”纵观20多年我国学科、专业目录的修订轨迹，从1990年的修订原则到2010年的修订思路，可以清晰地看到，拓宽专业口径以增强适应性，改变过分强调“专业”的本科教育观念，确立全面发展的人才观，是国家这些年来学科、专业目录修订的贯穿思想。这种理念的直观体现就是学科、专业的名称越来越向上层概念靠拢，含义越来越包容，学科和专业的数量越来越少，但专业指向性也越来越模糊。问题是，这种越来越普泛的学科专业目录，作为针对各个学科的全国一刀切的指令性、规范性的学科专业规范，是不是“能很好地满足高校多类型、人才培养多规格的需要”？是不是解决了“新兴学科和交叉学科专业设置困难等问题”？从艺术学门类和艺术教育的情况看，并不能令人满意，事实上存在着诸多的问题。
三、从中外比较中反思我国艺术学门类学科、
专业目录的设置问题
前文在比较分析美、英、德、俄四国艺术类学科专业目录中，可以看到各国的目录设置是各有特点的。总结其中体现的学理逻辑和人才理念，不论是基于“种”概念还是“类”概念的划分，体现“窄口径”还是“宽口径”的理念，其目录的设置逻辑是统一的，内涵是一致的，理念的贯通的，且很好地体现了现代专业艺术教育“学术”与“技术”并重并相互结合的办学理念。
我国近20年来学科、专业目录的修订，始终存在着要求将“艺术学”从“文学”门类下独立出来的呼声。如今，“艺术学”自立门户，但也面临着自身学科、专业体系建设（含学科、专业目录的建构）方面的若干问题。这方面的建设并非单纯的学理问题，还必须结合现实需要和长远发展。从中外学科、专业目录比较的角度，探讨和反思我国艺术学门类的学科和专业在设置方面的相关问题，无疑是会用所收益。
1.既整合又分离：学理基点和逻辑不统一现象
从总体上比较，可以得出这样的判断：我国的学科专业目录在总体布设方面类似美国的体系，在具体学科专业归并方面又类似德国体系，试图将两种体系的长处结合起来。美国的学科专业目录中，与艺术、艺术学教育相关的学科专业不仅集中在“艺术学”门类下，也按主要属性散布在一些相关学科门类中。但德国的学科专业目录中极少有这样的现象，突出学科归属清晰的逻辑取向，除了“建筑学”下的“室内建筑学”、“农学林学”下的“园林建筑”专业外，基本没有艺术相关专业设在其他学科门类下的情形。而且，这两个独立设置的专业与“艺术，艺术学”门类中“设计”学科下的专业也没有交叉之处。在这方面，英国的学科专业目录也有相似之处。我国的学科专业目录在整体布设方面显然更类似美国的学科目录取向，“散布”现象明显（参见表10）。
基点和逻辑是统一的，可以概括成以理论研究为基点的“艺术学”、以创意应用为基点的“设计艺术”、以形象创造为基点的“造型艺术”、以形体演艺为基点的“表演艺术”、以音律创作为基点的“音乐艺术”五大类，而中国的五类归并显然是原“97学科目录”中8个学科的合并，虽然照顾到了学科间的相关性，但又不能说学理基点和逻辑是统一的、一以贯之的。在专业层面，德国目录比较概括，特别是“艺术学”、“造型艺术”、“表演艺术”学科中的专业，似乎还含有专业融合的倾向；只在“设计艺术”和“音乐艺术”学科中还保留有部分相对具体的“种”专业。对比可见，我国的“98专业目录”比德国更概括，已难以看到具体的“种”专业，几乎只剩下“类”概念。“2012专业目录”在总体上延续了这个特点，除了新增专业和4个特设专业外，其他专业没有变化，只是按新的一级学科并置（比如“音乐与舞蹈学类”下的专业）或合并（比如“戏剧与影视学类”下的专业）在一起而已。目录中最“显眼”的变化，是设计学一级学科下的“艺术设计”专业，一夜之间又退回到了“93专业目录”的状态，变成了7个比较具体的专业，其中新增的专业有“公共艺术”、“数字媒体艺术”，其他5个专业多为过去曾列入目录的专业的更名。一方面是“聚零为整”地拓宽口径，一方面又“化整为零”地缩小口径，我国“艺术学”学科专业目录所呈现出来的、这种在一级学科和专业双重层面的既整合又分离、学理基点和逻辑不统一的现象，透露出在“艺术学”学科建设和教育理念方面的紊乱问题，这方面问题的影响将是长远的，不能不引起我们的高度重视。
2.宽口径或窄口径：专业和人才培养口径问题
我国的学科专业目录自1990年以来一直奉行的改革原则是：拓宽专业口径以改变过分强调“专业”的教育观念，确立知识、能力、素质全面发展的人才观。这在学科专业目录的设置上取得了明显的改观，例如“98专业目录”中的艺术类专业均概括成“类”概念。但是，这种改革在我国艺术类学科专业教学与人才培养中的实际收效却甚微――几乎所有招收艺术类专业的高校，不论是专业艺术院校，还是综合性、师范性、理工医农类大学的艺术专业，均是在“98专业目录”所列“专业”后面以括号加注“专业方向”的方式来实施招生和专业培养的。例如：绘画（油画方向）、艺术设计（视觉传达设计方向）、音乐学（音乐教育方向）等等。这说明，过于笼统的“类”专业是难以实现专业艺术教育的，存在着培养“口径”模糊之弊。那么，对于艺术学门类的学科建设、专业教育而言，究竟是“窄口径”还是“宽口径”更适合学科逻辑和人才培养，即艺术学门类的学科和专业的设置基点定于什么宽窄度更适合？对于这个问题，恐怕难以一概而论，各国的学科专业目录存在宽窄两种口径就说明各有所长，同时又与各国的传统和国情需要相吻合。
以美、英为例，艺术学门类的学科是按照通常的艺术种类划分的，专业主要是按照“种”概念区分，但又没有无限扩张，主要是按照领域、品种来概括的；同时，也有类似“音乐演奏”、“音乐类型”、“舞蹈类型”等比较概括的专业，但又为按种类、类型设置和实施专业教学保留了空间。四国中德国的专业设置最概括，但在“设计艺术”和“音乐艺术”等品种差异较丰富的学科中又保留有较具体的“种”专业，这也可以说明某些艺术专业完全以“宽口径”恐怕难以实施。俄罗斯的学科专业目录具有和中国相同的指令性性质，并向实施“宽口径”专业方向改革，专业设置较概括，突出了“类”概念，但是又用“按领域”、“按类型”、“按种类”等要求为保证专业性留出了空间。上述国外的设置作法表明，只有平衡把握好专业层面的“类”和“种”的设置关系，才能真正有利于艺术学门类实施人才培养和学科体系建设。鉴于艺术学各学科自身种类和关系的复杂性，专业（二级学科）设置方面的问题还需要学者们做进一步深入探讨。
3.综合性与专业性：理论性“艺术学”专业的平衡
一般说，欧美国家的艺术教育体系中是比较重视理论性的“艺术学”专业教学和研究的，这方面我们有相当大的差距。主要有两种体系，一是类似英国和俄罗斯的体系，将“艺术史”或“艺术学”专业设在人文社会科学类的学科中，又在艺术学门类中也设置部分种类艺术史专业。同时，把“艺术教育”设在教育门类下。这种体系突出了这类专业的人文和理论基础，以综合型学术性见长。二是德国的体系，将艺术学研究作为独立的一级学科设置在“艺术、艺术学”门类中，不仅重视传统的艺术史，也重视普通艺术学，而且将艺术教育、艺术品修复学、艺术和艺术学的跨学科研究等专业设于其中。同时，在各类艺术一级学科中也重视专业艺术学（如戏剧学、音乐学/音乐史）和专业艺术教育（如舞蹈教育、音乐教育）的建制。这种体系突出了艺术学研究专业的艺术专业和理论基础，以专业型学术性见长。
我国的学科专业目录对待综合型学术研究性艺术学专业始终不够重视，长期未设置普通艺术学学科和专业，基本上是把艺术研究局限于专业之内，如在艺术类各二级学科中设置音乐学、美术学……舞蹈历史及理论等专业，以及音乐教育、美术教育……舞蹈教育等专业。这种状况在1990至2010年间实施的学科目录和专业目录中可以看得很清楚。“97学科目录”中虽然下设了独立的“艺术学”二级学科，但在“98专业目录”中并未设置具体专业――也就是说，不在本科层面实施理论性“艺术学”专业教育。还需说明一点，“90学科目录”和“97学科目录”中，都在文学门类下设有“文艺学”二级学科，有人视为中国式的独立“艺术学”专业，但是，究其实毕竟不能等同于“艺术学”，而且同样不在本科层面实施“文艺学”专业教育。中国艺术教育的这种局限于艺术类型的史论专业、艺术教育专业的传统，虽然突出了专业性，但又极大地牺牲了人文性和理论性，难免导致艺术类学术研究的分裂和弱化，进而导致艺术学科教育被定位于技能型教育，普遍而轻视它的学术性属性，不仅造成了艺术学研究长期滞后于文学研究，而且长期误导了学术界、艺术界和社会大众――认为艺术基本没有、也不需要学术性研究，甚至是学艺术不需要多少文化水平观念。这不能不说是中国艺术教育的严重缺陷。但是，这种缺陷在当前仍未得到根本性扭转，在“2011学科目录”中，“艺术学理论”虽被设为艺术学门类中的一级学科，但其在“2012专业目录”中仅仅设了“艺术史论”一个本科专业。这根本无力弥补中国艺术教育体系和现实的缺陷，也无力扭转悲剧性的误导。笔者认为，我们应该借鉴德国的经验，既重视专业艺术史论的专业建设，更要加强“艺术学理论”学科下的普通艺术学、艺术史学、比较艺术学、艺术管理与产业、艺术学跨学科研究等专业建设，充分发挥学科、专业目录的导向作用，树立艺术学门类学术性与技术型并重的专业品格。
4.传统专业与新兴专业：并重扶持的学科理念
欧美国家学科专业目录中对待传统艺术专业和新兴艺术专业的作法，也值得我们学习。在保留艺术传统专业方面，他们均将“工艺”和“民间艺术”纳入目录，为传统艺术的传承和创新提供了教育保障。例如：美国在“设计与应用艺术”学科之外独立设有“工艺、民间艺术与手艺”一级学科及其专业；英国也在“设计”学科之外开设有“工艺”一级学科及其大量的具体二级学科；俄罗斯也保留有“装璜应用艺术与民间手工”、“民间艺术制作”等专业。众所周知，基于工业革命而兴起的“设计艺术”与传统的“工艺美术”并非艺术取向和专业技能等同的专业，两个专业领域可以有借鉴乃至部分交叉，但并不能相互替代。我国原有的工艺美术学院先是纷纷并置开设“工艺”与“设计”专业，后又纷纷更名为“设计学院”而放弃原有工艺美术专业，一律改为“××设计”专业，终至将“设计艺术”与“工艺美术”混为一谈、“工艺美术”被清除出学科专业目录。这种做法的危害到今天已经显示出了恶果，特别是在大力倡导保护和传承文化遗产、非物质文化遗产的当代，尤需我们及时纠正错误。“2012专业目录”在“设计学”一级学科下设置了“工艺美术”专业，可视为一种拨乱反正的举措。不过，笔者觉得还是很单薄，不足以挽救“工艺美术”自身众多专业的颓势。
在对待新兴艺术专业方面，欧美国家均将重要的、业已显示出发展方向特性的专业列入学科专业目录，为开展必要的新兴艺术专业教育保驾护航。例如：美国不仅在艺术学门类的“美术与艺术”中设有“多媒体”专业，在“设计与应用艺术”中设有“设计与可视传播（综合）”专业，另外还在“传播与新闻学”门类下设有相关一级学科；英国也在一级学科“设计研究”中设有“交互及电子设计”专业；德国则在一级学科“造型艺术”中设有“新媒体”专业等。在我国，艺术院校开设“新媒体艺术”、“数字媒体艺术”、“网页设计”等专业方向，挂靠在“美术学”、“设计艺术学”学科名下招生办学的历史早已不是三年五年，但它们迟迟难以列入艺术类的学科专业目录中。虽然这次“2012专业目录”在“设计学”一级学科下设有“数字媒体艺术”专业，可谓一大突破，但是，类似的很多新兴专业依然面临着难以“名正言顺”的尴尬局面，比如下面谈到的“艺术管理”等专业。这里的关键是要设计出一种灵活的目录设置机制，能够保障社会所需新兴专业能够有“合法”的成长空间。2012年《普通高等学校本科专业设置管理规定》中对“特设专业”规定的“每年动态调整”，“批准设置的新专业列为特设专业”等政策不失为一种改革。另外，这方面我们不妨借鉴美国的目录设置方式。
5.艺术学科与社会：艺术教育的职业需求专业
当代艺术学科和艺术教育已不再仅仅是技能教育，也不再局限于艺术自身的创作问题等小圈子中，而是更多地与社会生活、文化生活、文化遗产保护、文博工作等相结合，使艺术类专业在学术性、创造性、技能性教育的基础上真正成为与社会需要相结合的职业教育和产业教育。因此，我们可以看到美国的目录中设有大量的艺术与市场结合的专业，几乎每个学科都有，为艺术在现代经济社会的生存、传播和发展提供专业支持。另一方面，还可以看到俄罗斯在文化和艺术结合方面的理念，将与艺术关系密切的专业化、应用性比较强的“文化”专业与“艺术”归为一个门类，其中设有“博物馆业与文物保存”、“社会文化活动”等方面的专业。同时，可以看到英国在美术学科下设有“精美艺术保存”专业，德国在“艺术学”中设有“艺术品修复学”专业。
对于上述专业，我国的学科专业目录均不视为艺术学门类的专业，分别设置在别的门类和学科中（参见表10）。“93专业目录”中曾设有独立的“文化艺术事业管理”专业，到“98专业目录”中竟因新增设“管理学”门类而被取消了，改在“管理学”门下设“公共管理”一级学科，下设有“公共事业管理”（可授管理学、教育学、文学或医学学士学位）。这种改变对于艺术学专业似乎没有多少作用，虽然有些院校在“公共事业管理”名下自设“文化艺术事业管理”专业方向办学，但更多的艺术院校照样在“艺术学”下自办“艺术管理”专业、在“音乐学”下自办“音乐管理”专业、在“美术学”下自办“美术管理”专业等等。这说明我们的学科、专业目录不免脱离社会实际，也缺少新兴专业的生存空间。这种状况即使在“2012专业目录”中仍未改变，依然不在艺术学门类中设立我国当代文化艺术发展急需的管理类、经营类或产业类专业，而是归在管理学门下。除了原有的“公共事业管理”专业，又在“工商管理”学科下增设了“文化产业管理（可授管理学或艺术学学士学位）”专业。这种设置格局虽然可以有所补益，但在实际办学中，这类艺术管理和艺术产业类专业又难以脱离艺术学基础。
类似的情形还有，我国的“文物与博物馆学”、“文物保护技术”专业一直设在“历史学”门类下，“历史建筑保护工程”专业通常设在“建筑学”学科中，没有像美国那样设置在“交叉学科”门类中。近年来，艺术院校中也有开办“文物鉴定与修复”、“文化遗产”等专业的实践，并有不断增长趋势。就专业属性而言，文化遗产、文物保护、文物修复、文博工作等专业当然不完全属于“艺术学”范畴，但是历史文物和非物质文化遗产的大部分类项，又都属于艺术品和民间艺术范畴，对它们的修复、保护、传承和研究都离不开“艺术学”的基础，离不开与艺术学相关学科的结合。因此，在艺术学门类中开设相关的艺术遗产保护、鉴定和修复等专业，也是合理和可行的。英、德、俄的学科专业目录也说明了这种可行性。
6.文学及其他：需引起我们特别注意两点
篇12
[文献标识码]A
[文章编号]1002―5006(2006)09―0046―04
饮食审美对象是特定人群在特定区域及其地理条件下，经过不同历史阶段的演变，基于长期的共同生活，共同的，使用共同的语言，具有共同的生活习惯和爱好，渗透进自然、社会、历史因素而升华形成的饮食审美倾向，其特色往往通过特异的食料、食具、食技、食品、食规、食趣和食典展示出来。因此，饮食活动的社会性与文化性使其成为旅游活动“吃、住、行、游、购、娱”六大构成要素的第一大要素，而饮食审美更是旅游审美不可或缺的组成部分，进而饮食美学也成为需要旅游美学研究深入探讨的新领域。
中国是在美食观念的悠久历史传统中形成的，具有人类先进饮食文明的国家。由《说文》中“美者，从羊从大”、“甘者，口中含一”以及“美，甘也”，可知中国人最初的审美意识，源于具有物质功利性的“肥羊味甘”的味觉感受。而在漫长的中国饮食历史进程中，随着“味”的观念不断推广与深化，“味”不仅指饮食的“五味”美感，成为中国烹饪追求的核心，还指向了更广阔的社会和艺术领域，如“韵味”、“意味”、“品味”等，而成为中国审美的最典型感受。这使得中国饮食文化发生了本质的变化，具有了超物质功利性以及感性思考的特征，也最终将中国饮食提升到了艺术的高度，使饮食的目的作用由维持生存走向了审美观照。但基于中国感性思维的民族性，自古以来的历代美食家多关注于烹饪理论和烹饪技巧的总结与介绍，而鲜有将饮食上升到哲学层面进行论述和探讨的论著。回顾中国饮食美学研究演进的轨迹，可以清楚地看到它的发展历程。
一、饮食美学的研究进展
在国内，我国饮食美学的研究起步较晚。20世纪80年初，改革开放带来了我国经济的繁荣和人民生活水平的提高，餐饮业也得到了迅速发展；此时，中国烹饪界提出了“中国烹饪是文化，是科学，是艺术”，而将以烹饪为核心的饮食提升到了新的层次。与此同时，随着社会生活实践的不断深化，在实践美学观的指引下，为适应人们饮食生活双重目标的追求，饮食美作为社会美中最重要、最普遍、最直接、最广泛的实体部分，才逐渐进入人们研究视野，成为专门研究市场经济时代饮食生活领域美、造美与审美活动的实用美学。因此，我们说中国饮食审美的历史虽然古老，但饮食美学的学术年龄却的确过于年轻。其年轻的表现，就在于从研究对象、概念范畴到基本理论体系，都尚少有定论。
1．“立足美学”的起步阶段
由于美术学者的发起和一些心理学家、烹饪大师等的多方参与，饮食(烹饪)美学研究的起步阶段在学科的界定上呈现以美学逻辑为特征，并一开始就进入了饮食美感领域的研究。
青年美术史论学者郑奇第一次公开提出了“烹饪美学”的概念，提出“烹饪美学是一门边缘学科，它是社会科学和自然科学的结合体，是文科和理科的结合体，是精神文明和物质文明的结合体，是审美价值和使用价值的结合体，是艺术和技术的结合体”，以及“烹饪美是自然美、社会美和艺术美的结合体”、“烹饪美学的重点是烹饪艺术”等系列观点，为当时的中国烹饪研究开辟了一条新路。在饮食美感研究方面，《江苏商专学报》刊登的记录郑奇与生理心理学博士朱锡侯教授关于饮食美感问题的谈话《饮食・生理心理・美学》一文，第一次提出了“饮食美学”的概念。随后，朱锡侯教授从感觉系统的发生机制论证了与美感的一致性，而确立了饮食美感这一研究方向。同时，郑奇又从“美感的生理基础”与“的心理效应”人手，论证了低级感官味觉至少可以通过统觉反映通向高级的审美感。在此基础上，陈孝信对“饮食审美的范围、饮食美感的生理基础、饮食美感与一般美感的异同、饮食美感的特殊性(综合性、实用性、个性、多样性、特殊地位)”作了系统研究，建立了饮食美感的体系雏形。此外，吴志健从审美联想的角度，论述了其在塑造菜肴形式美中的作用，以及烹饪审美过程中审美联想的特征、分类及应用，是早期对饮食审美联想的深入思考。后来，郑奇通过论述烹饪美学的研究概况，并从实用与理论两方面论述了烹饪美学学科建立的意义，进一步确立了烹饪美学的地位。在专著方面，郑奇编著的《实用美术(22)――烹饪美学知识专辑》和纪晓峰编著的《烹饪美学》将烹饪技艺上升到了美学层面来探讨。郑奇、陈孝信合著的《烹饪美学》纳入《门类美学丛书》出版，标志了从学术观念上将烹饪美学正式纳入实用美学体系。
2．“局部探索”的初级阶段
饮食(烹饪)美学研究的初级阶段，学术界着眼于饮食美学的局部研究，虽然对于某些方面的研究有了一定的突破，但由于研究者立论基础各异，而使这个阶段各研究成果在内容上既存在相互涵盖交错的区域，又存在相互割裂的真空地带。
丁应林对饮食触觉美的审美特征、触觉审美的过程及其机理，以及菜点触觉美的创造规律进行了研究，肯定了饮食美感中触觉美的地位。而吴志健首先从联系的观点，提出中国烹饪艺术作为中华传统艺术之林中的一株奇葩，当然也应是“真、善、美”的高度融合、和谐统一的观点，阐述了烹饪艺术“真”、“善”、“美”的内涵及其联系；随后，从“意境”人手，又提出了“烹饪艺术意境是由形象及食品的味道交融、化合和升华等三大部分构成”的观点，分析了烹饪意境“情”、“景”的关系，以及常用的烹饪美的意境及其塑造。
笔者曾从审美客体的角度人手，探讨了美食概念、美食的构成要素和美食的直接创造者，形成了美食构成中“三特性”(质美、感觉美和意美)的理论雏形，并初步论述了美食三要素与饮食心理的关系。在此基础上，笔者又对筵席设计与美学的关系做了深入的剖析，指出筵席设计由两大原则支撑：基本原则和特殊原则。基本原则又由自然科学基础和美学基础构成饮食美，并进一步从饮食美具体存在的方式的角度，提出了饮食美的概念、性质和构成要素，包括“三特性”、“十美”(质美、味美、触美、嗅美、色美、形美、器美、境美、序美和趣美)；特殊原则分别为筵席的主题(左右筵席的表现形式)、规格(左右筵席的档次)和礼仪(左右筵席的程序)。后来，笔者又对饮食美研究范围与性质进行了新的界定，提出了“饮食美是人们在饮食生活中的美的创造和审美，是自然美和艺术美的有机结合”的观点，并作了简要的论述，还提出了饮食美感是“高级心理活 动――精神”的观点。
此后，学者们继续从不同的角度，用不同的着眼点，阐述着自己对于饮食美的理解。万建中从“中国饮食对味的追求是产生原始审美意识的直接动因”、“古典美学中的‘和’这一美学范畴，也是建立在中国烹饪调和鼎鼐基础上”的立论，指出中国饮食文化具有浓厚的社会功利性特征，后来，又进一步提出“中国烹饪的美学原则是‘自然美与艺术美的巧妙结合’、‘食用与审美的和谐统一’以及‘实体美与意境美的有机结合’”的观点；汪悃款、张力平着眼饮食美感功利性突出的性质，论证了饮食烹饪美感的功利性存在的合理性，并以饮食烹饪文化的众多事实阐明审美活动和功利性二者之间客观、辨证的特殊性质；麦浪介绍了中国烹饪美学的综合性特征。此外，苏娜的《饮食的美学特征》、李长生的《烹饪艺术与美学》以及王迎全《试论中国菜肴的“属性”》(上、下)，实际上都是对烹饪艺术美表现形式(饮食美形态)的介绍；季鸿良联系中国古代的美食思想，说明美食和风味的关系、饮食美感的内涵，讨论了饮食文化的社会功利性，最终提出了“‘致中和’与‘大统一’观念为当代中餐的饮食审美原则”的观点。
而在论著、教材方面，杨东涛等人编著的《中国饮食美学》，从中国饮食美学思想发展史、“美性”概念、饮食美感及饮食美的创造等方面进行了论述：以通史的形式对古典文献中的饮食美学思想进行了梳理，并概括总结不同时代的相应特征，并从属于直觉感悟的一种传承认识模式――美性认识的角度，对中国人的饮食观念和饮食制度产生进行了论述，还从饮食、美感的关系，饮食美感的构成以及饮食审美能力的构成及规律三方面对饮食美感进行了较系统的论述。而顾仲义主编的《餐旅实用美学》、苏志平，王利琴编写的全国中等职业技术学校烹饪专业教材《烹饪美学》，从严格的烹饪美学的体系来说，它们仅仅涉及到了烹饪美的形式美层面。周明扬编写的全国高等教育自学考试餐饮管理专业指定教材《餐饮美学》界定了餐饮美学的概念，指出“餐饮美学是运用美学原理研究餐饮消费与餐饮服务中美的创造与美的欣赏问题，研究餐饮环境、建筑、装饰、形象、食品造型以及色彩、音响、灯光在餐饮业各个服务领域中的应用法则”的观点。从整体上看，该书虽然突破了烹饪(餐饮)美学教材的一贯研究范围――烹饪工艺美术，但还是局限于餐饮活动中形式美的层面。
综上所述，目前，在国内对于饮食美学的研究中，极少有人注目和涉足饮食美学的全面思考与系统研究，造成现有的相关成果由于集中形成于其研究的起步阶段而内容陈旧，且缺乏研究深度与广度。大多数人集中于饮食美的形态研究和美感研究。不可否认，在一些饮食美学者的努力下，对饮食美学的这两方面的研究已经有了一定的突破，如对于饮食美的形态，建立起了“三特性”、“十美”的体系构架；对于饮食美感，在《中国饮食美学》的“饮食与美感”中也有了较系统的论述。但除此以外的大多数研究成果，要么局限于烹饪工艺美术，这在相关《烹饪美学》、《餐饮美学》等教材中表现得尤为明显；要么习惯以中国古典哲学切入，仅着眼于饮食活动的意蕴进行深入探讨；要么从美学美感人手，进行饮食美感的局部研究。因此，可以说，迄今为止，由于缺乏美学体系的理论指导，国内饮食美学研究零散而不成体系，而对饮食美学全面性、系统性的把握尚未真正开始，还存在学术空白。
二、饮食美学内涵界定
篇13
混合学习模式能“既发挥教师引导、启发和监控教学过程的主导作用，又充分体现学生在学习过程中作为学习主体的主动性、积极性和创造性”。[1]开展混合学习[2]需要网络学习平台的支持，目前国际上比较流行的网络学习平台有Blackboard、WebCT、Moodle等，这几种平台比较成熟、稳定，功能比较完善，已广泛应用于国内外众多综合性大学的课程教学中。苏州工艺美术职业技术学院作为一所地方艺术设计类高职院校，虽然与综合性大学有一定的共性，但特性更为突出，比如课程设置方面，分为艺术类专业课程和公共基础课程，比较注重基础课程和艺术专业课程相融合；艺术类学生有自己的个性特征和学习特征等。所以学校向公司定制了适合本校特色的网络学习平台，力求通过个性化的学习平台开展混合学习，变传统的以教师为主导的课堂教学模式为以学生为主体的课堂教学、网络教学和实践教学三者相结合的混合教学模式。对于艺术类地方高职院校来说，探索基于校园网络学习平台的混合学习模式，有助于推动学校课程改革的进程，构建适应艺术类高职院校特色的课程体系和拓展高职高专课程教学改革的思路和方法。
一、校园网络学习平台的功能
苏州工艺美术职业技术学院定制的校园网络学习平台为师生提供数字化教与学的虚拟环境，主要分为两大功能模块，一是学习平台模块，具有教师学习资源和学生自主学习的功能。此功能模块包括学习平台、学习社区和教务信息系统。教师通过学习平台可以上课内容、学习文件、学习资源等（包括视频、音频、图片、动画等多种媒体文件），还可以进行问卷调查、课程测试、课程答疑等。学生通过学习平台自主选择时段进行学习，对申请的自主学习课程可以查看课程作业，进行学习自测，可以通过查看学习统计数据了解自己的学习情况，如各门课程的学习进度、学习时间、参与学习论坛的情况（参与主题数、参与次数）、作业完成情况（完成率、最佳成绩、平均成绩）、考试情况（考试次数、完成率、最佳成绩、平均成绩）等。学生通过学习平台可以对自己的学习过程有一个比较全面的把握，从而根据自己的学习情况适当调整学习进度，有助于提高学习效率和学习效果。学习社区是学生展示个人作品的一个窗口，学生可以通过学习社区组建学习共同体、兴趣小组、学生社团等，这也是学生之间和师生之间交互的一个主要平台。教务信息系统提供学生选课、成绩查询和网络报名的功能。公共基础课程采用通过网络平台自愿选择上课时间和任课教师的方式，学生可自愿选择一门或多门课程进行学习。特定课程的等级考试或证书考试如英语四六级考试、计算机等级考试、艺术软件证书考试、普通话考试、专业课程证书考试等都通过网络报名的方式进行，同时学生可通过网络学习平台查询个人的考试成绩。二是资源库模块。此功能模块包括资源中心、课程展示、图文信息中心三部分。资源中心提供各种学习资源，教师和学生都可以上传各种媒体素材，同时，资源中心提供三种导航方式，分别是专业库导航、专题导航、课程导航。课程展示模块主要展示各系的专业课程和公共基础课程，分为精品课程、课程总览和重点专业群核心课程三部分。图文信息中心主要提供图书馆馆藏资源。
二、基于校园网络学习平台的混合
学习模式的研究和探索
（一）基于校园网络学习平台的混合学习模式的探索
苏州工艺美术职业技术学院从课程性质和课程资源整合与展示两个维度进行分时段、分层次的改革。在课程性质这个维度，把课程分为两部分：公共基础课程和艺术设计专业课程。在第一个阶段，先进行公共基础课程的网络资源整合和课程展示，然后基于校园网络学习平台进行课堂、网络和实践三位一体的混合式教学实践。在公共基础课程建设的基础上，及时总结教学经验，弹性调整学习进度，根据学习效果的反馈情况，进行第二个阶段的艺术设计专业课程的建设和教学实践。
在初期阶段，基于校园网络学习平台，每一门课程的所有信息和教学资源如课程介绍、授课计划、教学设计、多媒体课件、课程教案、学习主题、教学视频、教学案例、历届优秀作品、学习评价、课外资源、参考资料等被整合到网络学习平台中，学生通过校园网络学习平台可随时随地获取与本课程相关的所有信息，可以通过学习平台中的学习社区及时参与各种主题活动或者与其他同学和教师进行沟通交流。目前学校已经实现了所有公共基础课程如大学英语、大学语文、两课（思想道德修养与法律基础、形势与政策教育、思想和中国特色社会主义理论体系概论）、史论（中国工艺美术史、西方美术史、艺术概论）、体育、信息技术和信息素养、艺术设计软件（PHOTOSHOP、3dsMAX、Auto CAD等）、心理健康等近三十门课程的资源整合和课程展示，下一步将对2012级学生进行公共基础课程的课堂教学、网络学习和实践学习三位一体的混合学习模式的教学实践。
（二）基于校园网络学习平台的混合学习模式的教学设计
“混合式学习对于学习者来说是一种能力的体现，从所有可以得到的并与自己以前的知识和学习风格相匹配的设备、工具、技术、媒体和教材中进行选择，帮助自己达到教学目标”。[3]对于教师来说，设计好一门课程的混合教学，能很好地帮助学生进行混合学习，培养自主学习能力，激发学习热情，提高学习质量。
公共基础课程教学内容分为三部分：课堂教学、网络教学和实践教学，因此混合学习模式的教学设计也从这三个方面进行。结合黄荣怀教授提出的关于混合学习中课程设计的三个阶段，基于校园网络学习平台的混合学习模式的教学设计流程如图1所示：
课堂教学、网络学习和实践学习自始至终贯穿于整个混合学习过程中，教师通过面对面教学控制和主导整个教学过程，学生通过学习平台进行个别化的自主学习或小组合作学习。实践学习部分主要是为了培养学生的动手操作能力和团队合作能力，学生通过小组合作共同完成实践活动。教师通过课堂教学了解和指导网络学习效果和实践活动成果，并对学生的学习成果进行分析、评价，根据反馈结果对教学过程进行整体反思和经验总结，及时调整教学步调和修正教学设计内容，对整个课程的混合学习过程进行改良设计，以提高学生的混合学习能力和学习效果。
1. 课程导入
每一门课程在正式授课之前，都要有一个详细的课程分析报告和课程导学计划，主要对课程的教学目标和教学内容进行分析和归纳，针对学生的知识层次、学习特征、认知风格和网络学习行为，确定课程的课堂教学内容、网络学习内容和实践活动内容。
（1）教学目标分析
每一门课程有一个整体的教学目标，说明学生学完这门课程之后，其综合能力和综合素质在哪些方面有所提高以及提高的程度有多少。整体教学目标主要体现在学生的创新能力、实践能力、分析和解决问题能力的培养上。和教学目标对应的是学习目标，通过分析课程的教学目标，确定课堂学习目标、网络学习目标和实践学习目标。不同类型的课程有不同的基本学习目标，如基本概念、基础知识、章节知识点和学习主题，通过学习主题，学生应该学会哪些知识，应该掌握哪些基本方法和基本原理，在哪些能力上有所提高，这些基本学习目标组成课程的整体教学目标。
（2）教学内容分析
通过分析教学内容确定哪些内容适合网络学习，哪些内容适合课堂教学，根据学习内容确定学习主题，每一个学习主题既要包含课本知识，还要拓展课本内容，更要体现课程改革要求。学校提倡公共基础课程与艺术专业课程相结合，通过信息技术实现学科之间的整合，学生在学习公共基础课程知识的同时还要穿插学习艺术专业知识，教师在分析公共基础课程教学内容的同时，还要详细分析和设计如何将艺术专业知识和本门课程知识相融合，通过公共基础课程的学习促进艺术专业的学习。
（3）学习者特征分析
“对学习者特征进行分析，主要是通过评定学习者的预备知识、学习风格、学习偏好等掌握学习者的相关特征”。[4]不同的学科类型要求不同的预备知识，要分析学生对于特定学科已经具备的基础知识和能力，以及学习本课程要求事先掌握的知识和能力，根据两者之间的差距，确定课程的导学内容。学生的学习风格和学习偏好主要表现在由于地区差异、年龄差异和性格特征等所导致的学习行为的不同。虽然苏州工艺美术职业技术学院是一所地方院校，但是学生来自全国各地，学生的知识能力和素质水平参差不齐，不同类型的学生要求不同的导学计划，这就要求教师要针对不同的学生进行因材施教。课堂教学、网络学习和实践学习三者之间相辅相成，从某种程度上可以弥补和缩小学生之间的差异，尤其是网络学习对学生的个别化学习和辅导显得尤为重要。
2. 虚拟学习环境设计
“混合学习所构建的环境充分整合了传统教学和数字化学习所构建的环境的优势”。[5]虚拟学习环境是课堂学习环境的扩展，在虚拟学习环境中，教师开发和整合有关课程的教学信息和教学资源，设计学习主题，学生进行基于多种教学资源和学习工具的自主学习和合作学习。可以说，这一部分内容在混合学习过程中处于核心位置。
（1）教学信息输入
在网络学习环境中，教师需要把有关课程的教学文件告知学生，如课程标准、教学大纲、教学设计、课程教案、考核标准、课程介绍等，使学生通过教学文件初步了解该课程的内容框架、课程教学目标和学习要求、教学流程、学习方法以及该课程结束后如何评价和考核，让学生对该课程有一个整体的认识和了解，并对自己已有的预备知识和将要学习的新知识进行初步的整合和建构，为下一步课程的深入学习奠定基础。
（2）教学资源整合
教学资源不但包括特定课程的内容知识，还包括引导和帮助学生学习本课程知识的课外知识，以及延伸本课程内容的拓展知识和辅助学生进行数字化学习的学习工具与技术。虚拟学习环境的设计需要教师开发和整合丰富、灵活、多元化的教学资源，设计多种类型的媒体素材，提供支持学生自主学习和提高学习绩效的学习工具和学习技术。通过学习平台进行基于资源的学习，“不但可以增强学生的信息素养，而且有助于培养学生终身学习的能力”。[6]
（3）主题活动设计
梅丽尔的首要教学原理认为，“学习只有在学习者解决真实世界里发生的问题时，只有当学习者能够通过论证或应用激活已知知识、并将其作为理解新知识的基础时，新知识才会被整合到学习者的世界当中”、“只有在学习者承担了合适的任务，并知道应该怎样去做的时候，有效的学习才会发生。”[7]主题活动的设计是混合学习设计的核心内容。教师根据特定课程的整体教学目标和单元基本学习目标，对课程内容进行知识分类，通过归纳和总结，按照内容深浅程度和时间序列形成一系列的可操作的具体任务。教师要明确哪些任务适合自主学习，哪些任务适合小组合作学习，并详细描述完成每一个任务之前需要学生事先具备的内容知识、要掌握的学习工具和学习技术等，以及完成主题活动后需要达到的学习目标。无论是自主学习还是合作学习，主题活动的设计都要充分调动学生的积极性和主动性，让学生充分利用各种学习资源（网络资源、学习平台资源库、电子图书馆、馆藏资源等）和学习环境（校园网络学习平台、虚拟学习社区、博客、QQ群、图书馆、教室、机房、实训中心等）进行轻松愉快的学习，通过实践活动，培养和提高自身的创新能力和问题解决能力。
3. 学业评估
课程评估的目的是检验和评定学生对于特定课程的学习结果。笔者认为，对于学生的学习评价不应该仅仅局限于课程考试分数，考试成绩只能体现学生掌握课程知识的多少。“授人以鱼不如授人以渔”。一门课程的学习，同样不能局限于课本知识的学习，更重要的是在学习过程中，掌握学习方法，提高学习能力以及提升个人素质。所以课程评估方式不但要多元化，而且要能激励和促进学生的全面发展。
（1）学习过程评价
基于学习过程的学习评价包括网络学习评价、合作学习评价、课堂表现、课堂考勤。网络学习评价主要参照网络学习平台记录的个人登录学习平台的次数、每次学习的时间和时间分配、参与学习论坛的情况（发帖数量和质量）等。合作学习评价从小组面对面讨论、小组活动贡献、网络沟通记录几个方面进行考核。课堂表现主要体现在课堂发言次数、与他人互动情况、课堂成果展示三个方面。课堂考勤考查学生是否有迟到、早退或者旷课情况。
（2）学习成果评价
学习成果包括个人学习成果、合作学习成果和课堂作业三部分。个人学习成果主要指个人通过学习平台进行自主学习或合作学习完成的作业或个人作品，如练习题、学习心得、论文等，以及参加各级各类比赛所取得的成果。合作学习成果是小组成员共同完成主题活动所取得的合作作品，如实验报告、调查报告、小组专题网站等。课堂作业一般是教师在课堂上布置的当堂完成或者课后完成的作业。
（3）期末考试
公共基础课程除了体育之外，其它课程在课程结束后都要进行期末闭卷考试，考试题目多样化，根据特定课程的性质包括不同比例的客观题和主观题。
一门课程的学业评价包括学习过程评价、学习成果评价和期末考试。评价主体由单一转变为多元，主要由教师评价、学生自评、同伴互评和小组互评组成。至于三种评价方式的比重分配，要根据课程的性质和内容来决定，一般期末考试成绩占50%，另外两种考核由任课教师决定分配比例。
三、结语
混合学习虽然不是一个新名词，已经广泛应用于各级各类教育机构和企业培训中，而且取得了不错的效果，但是对于高职高专这样的地方院校来说，进行全校大规模的课程教学改革，实现所有课程的混合学习，不仅对于学校来说是一个庞大的工程，对于教师来说也是一个巨大的挑战。本文仅从公共基础课程的角度对混合学习模式进行了研究和探索，接下来要做的工作是对特定课程进行混合学习模式的实践探索，并在教学过程中不断对教学设计进行修正，以使学生的学习能力和学习效果实现最大程度的提高。
[参考文献]
[1] 周红春. 基于Blackboard 学习平台的混合学习模式的探索与实践[J]. 电化教育研究，2011，（2）：87-98.
[2] http：///academist/hkk/blending.htm
