引论：我们为您整理了13篇表演艺术论文范文，供您借鉴以丰富您的创作。它们是您写作时的宝贵资源，期望它们能够激发您的创作灵感，让您的文章更具深度。
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（二）语言
影视人物的形象除了看的见得形体以外还包括听觉即使人物的语言和声音，因为语言和声音是表达人物情绪和内心世界的重要途径，也是众多角色之间交流和冲突的重要途径之一，影视是一门视听艺术，演员塑造的形象和其声音必须高度统一，和谐，也不是说声音要有磁性要好听，而是声音要富有感情，符合当时的情景和人物的心理具有高度的真实感，这样所塑造的形象才能栩栩如生而不是和周围的环境和整体格格不入。
（三）形象
当然，自身的人物形象模型一定要丰富，因为一名演员不可能只出演一部影片，而不同的影片演员的经历及性格都会不同，所以优秀的演员一定要热爱生活，细心观察生活的细节，生活中形形的人，包括他们的神态，表情，动作，语言，处事方法，以防对陌生的角色缺乏了解而茫然无措，演员还需要培养和锻炼自己的音乐及舞蹈方面的能力，有些时候的演出需要，要求演员唱歌或者跳舞，比如《西游降魔篇》中的女主人公，在月下翩翩起舞，增加了作品的视觉冲击和美感，所以在此方面也需要适当的培养和发展。如果在某个影片中需要唱歌，但是演员不会和是对口型的话，或者需要跳舞但却四肢不协调的话，的确会让观众大感不舒服，更多的是虚伪的东西。
（四）感悟
优秀的演员还需要有自己的理解和对饰演角色的感悟能力，当明确了自己饰演的角色时，要根据当时的情景反复模拟角色的心理活动和恰当真实的反映和语言，力求最自然，最贴切。当然也不是一成不免的死剧本，临场的随机应变感悟最真实却也不失艺术的台词或者动作也是优秀的素质，很多优秀的作品反而是在反反复复的修改，演员和导演之间交流演出心得和建议而来。
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随着市场经济的快速发展，“大众文化”也越来越多的出现在我们的日常生活当中。精神世界的追求不再是“贵族”、“权贵”的特有。我们每个人对“高雅艺术”的向往也越来越浓烈。这也给商家带来以一线生机，钢琴表演艺术也通过市场经济的运作也悄然走进我们的生活当中个人钢琴演奏会、钢琴演出、甚至酒店、婚礼上也能发现钢琴的身影。它越来越走进我们普通人的生活当中，越来越多的小学生开始学习钢琴，这些现象也表明钢琴不再是望不可及的高雅艺术。同时人们精神文化的消费也日益满足了对高雅艺术的追随和享受。钢琴表演艺术的市场也大大推动了人们的审美观也把钢琴文化更好的推广！
三、民族化与现代化相结合的发展方向
中华民族有着五千年来博大精深的文化积淀，他是作曲家艺术家寻找发现我们民族化的“根”，传统的艺术形式也是艺术家创作灵感的来源。在顺应时代化发展的同时我们不能抛弃几千年来我们自己民族传统的文化元素。钢琴是从西方引进而来，我们只是演奏哪些西方特有色经典曲目，那钢琴演奏将不会有“中国特色”，我们如果把本民族传统乐器的曲风应用到钢琴的作曲中来，或者以一种新的形势将钢琴的演奏与传统民族乐器一起演奏，将会产生不一样的听觉感官效应，同时，将会让世界更多的人来欣赏我们中国的音乐，也会更好的将我们自己笨民族的文化传递出去！
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一、表演艺术中无表情表演的经典瞬间
拍摄于1942年第二次世界大战期间的经典影片——《卡萨布兰卡》，展现了当时民众反法西斯的激情，同时也描述了一段唯美动人的爱情故事。故事的情节紧凑、紧张、曲折、流畅，对话也十分简单。当美丽多情的女主角遇到神秘潇洒的男主角，一段唯美的爱情故事即将上演。影片于1943年获奥斯卡最佳影片、最佳改编剧本和最佳导演三项奖，是电影史上的经典之作。在特殊的历史时期，由于影片的剧本一直没有确定，所以拍摄期间剧本几度修改，没有人知道剧情的走势将会如何，女主角的爱情最终将走向何方。所以在影片拍摄过程中，女主角一直保持无表情的表演状态，让人们也对结局充满猜想，是亨弗莱•鲍嘉还是保罗•赫里德，影片里无表情的表演瞬间，是羞涩为之的爱情经典。提起无表情表演，人们不得不想起《瑞典女王》中著名演员葛丽泰•嘉宝所扮演的女王角色。在影片最后一个镜头中，那种无表情表演的魅力，被世人誉为“精典镜头”的“冷面表演”。影片中女主角为了追求爱情和自由，甘愿抛弃高贵的王位。但是当她抛弃王位之后，却得到了恋人故去的消息。海风拂过秀发、拂过船头，她面部没有任何表情，眼神直向前方，这一刻的经典瞬间，为人们留下了无限的遐想空间，有惆怅、有怀念、有辛酸、有新的渴望，无表情表演的时刻，或许演员都无法用言语诠释当时的心情，但是却通过艺术的诠释，升华了艺术的格调与魅力。在很多分镜头讲解中，无表情表演的讨论中，这个镜头无疑是经典中的经典。如作为张艺谋早期的经典作品的电影《红高粱》中最后一个镜头，扮演爷爷的姜文也因为在剧中的出色表现，受到大众的喜爱。最后镜头上没有丝毫表情的瞭望远处，伴随着一首儿歌的旋律，观众们可以想象的是一种失去亲人伙伴的失落、是对未来生活的绝望、是愤怒的波动，也可能是瞬间的思想放空。经典的瞬间带给人们无限的遐想，这就是无表情表演的最大魅力。
二、似有还无，无中生有
从以上经典的表演瞬间来看，这种风格、方式和表演技巧，都是一种突破和心意，是演员和角色融合在一起后，根据情节特殊需要，最大限度的表演方式。看似有内容的表演方式，却体现着无表情的画面；看似无表情的表演却深藏人物内心复杂的情感状态与情绪表达。这种表演绝不是随意而为之，而是一种人物基础的把握，要掌握分寸火候，要高度保持角色和演员表演的统一性，统一内部与外部的环境需求。经典的无表情表演，是表演艺术中的一种，是境界也是神韵，绝不是投机取巧的方式。如果不知道如何拿捏人物，更好的诠释人物的心理状态，随意表演出一种无表情的状态，绝不会产生最佳效果。只有在扎扎实实的表演基本功基础上，充分的理解剧本和角色，认认真真的塑造角色，才能够通过无表情表演，展现出“没有痕迹的表演”魅力，让人物更加逼真、充满艺术魅力的表演，才能更好的满足观众审美需求。无表情表演不是绝对存在，是一种相对于表情变化快速的说法，在演员强大的理性把控下，面部肌肉呈现基本固定状态，是无表情的表演方式之一。此外，还包括精神高度集中，关注内心焦点；精神极度松弛，大脑放空的神态表现等等，不同的无表情表演，表现更多的是无表情，但绝不是无内容、无实质的表演。结语表演艺术中无表情表演是一种特殊的艺术效果，其效果的产生源自剧情需要、源自演员精湛演绎。在库里肖夫效应的影响下，演员通过技巧和艺术修养的提升，来寻求表演素质的突破，来诠释无表情。为观众们带来经典瞬间，让观众们对影片和角色充满想象，提升了作品和人物自身的审美格调。
作者：李艳萍 单位：内蒙古大学艺术学院
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（一）表情与形体动作的训练
表情和形体动作是歌唱者进行舞台表演时的形象要素，也是歌唱者塑造角色的一种技术手段。因此，为更好地完成舞台表演，提高表演水平，应善于利用表情和形体动作进行表演。为此，需要进行表情和形体动作的训练。
1、面部表情的训练
所谓的面部表情，指的是面部肌肉、嘴、眉毛、眼神等的变化[3]。面部表情可以表现一个人的各种感情，其中，眼神的训练最为重要，正所谓“一脸之戏在于眼”。歌唱者应重视眼神的训练，如可对着镜子做各种表情，训练眼睛以嘴巴的协调性。也可多观看一些优秀歌唱者舞台表演时的面部表情，进行模仿学习。或选择不同情绪风格的歌曲进行练习，以丰富自己的面部表情，争取表情的拿捏到位。
2、形体动作的训练
歌唱者应有意识地训练、策划自己的形体动作，包括合、定、引、托等手势动作，并进行反复练习。但表演过程中并非手势越多越好，而应根据歌曲需要而定，做到协调、自然，有意无意之间，使感情、手势、歌曲很好地融合在一起[4]。
（二）心理素质的训练
歌唱者是进行舞台表演时，其心理活动直接影响发挥水平，如果歌唱者心理素质不过关，存在怯场、紧张等心理障碍，往往会影响到面部表情，有些还会出现忘词、走音等情况，影响表演效果。因此，对于歌唱表演者而言，良好的心理素质至关重要。为此，歌唱者有必要加强心理素质训练。首先，歌唱者应树立正确的歌唱态度。根据自身的实际能力和嗓音特点选择适合的曲目，以提高自信心，保证表演水准。其次，进行自我心理暗示，努力使自己习惯于各种场合、各种环境下的表演，而不受其他因素的干扰作用。
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首先，从剧目上来说，有花旦表现的剧目的内容的大多数是由“小花旦，小生，小花脸”组成的戏。这样的人物的组合大多数是表现的生活的琐事，表现出生活中的趣味性，没有严肃的历史性的题材。这样的剧目的内容让戏剧的表现主要是在演员对话的逗趣性上。这种特点让京剧在南方地区的表现出现了冷场，因为南方观众听不懂以北京话为基础的京剧俏皮话。这样的特点让有剧情的花旦戏更多的在南方被接受。剧目上内容的局限性使得花旦的发展过程中，应该更加注重剧目和表演的相辅相成而不是传统的依靠对的花旦表演。在花旦表演发展的今天，为了让表演更加吸引观众，已经打破了传统的老的花旦的表演的形式，结合了青衣、刀马旦等表演形式，让花旦的表演在观赏性上更加的丰富。这种多种形式的结合的表演，反而让花旦的戏变得更加好看。
三、节奏鲜明，身段灵活
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二、黄梅戏中的“亮”
所谓亮，其表面的含义是亮丽。在黄梅戏的表演当中很少有沉重或者是凝滞，这种审美的形式和其它的剧种也是有着很大的差别，亮丽的舞台表演风格其中包含以下几个方面：我国黄梅戏起源于民间，它的主要观众基本都是农民群众，在农民阶层，人们饱尝了生活中的酸甜苦辣，在黄梅戏的观赏过程中，表演者都需要一吐为快，他们需要的是一种理想社会的慰藉。所以，在对黄梅戏的剧情进行编写的过程中，对内容采取善恶分明的编写态度，对社会中丑陋的一面总会受到强烈的嘲讽，光明的一面总会受到戏曲的大力赞扬。
另外，黄梅戏在不断发展的历程中逐渐向以女性角色为主要形式的格局，在当前黄梅戏中的大小戏曲，女性的角色总是占据着主要的位置，因为女性的嗓音细而高，生动美妙，外加剧本当中的对女性保持赞扬的态度，使得黄梅戏当中的“亮”体现的淋漓尽致。
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一般电容式拾音头在拾音表现、拾音原理以及制造结构方面基本与常规有效电容话筒相同，相较于动圈式拾音头而言，其高频部分的表现、瞬时响应以及拾音灵敏度更优，并且体积更小。因此在舞台表演中应用最为广泛。
（二）动圈式拾音头
目前动圈式拾音头主要用于头戴耳麦式拾音，其具有较强的抗环境噪声能力，但是灵敏度较低。此外动圈式拾音头受其制造结构的限制，高频部分的表现以及瞬时响应不如电容式拾音头，因此在高环境噪声场合应用较为广泛，如解说与通信等。一般综艺演唱会的舞台伴奏现场具有较大的监听声压，因此动圈式拾音头是最佳选择。
二、领夹式无线话筒的选用
（一）领夹式无线话筒的选择
为了选择出适当的领夹式无线话筒的拾音头，在开始演出的扩声工作之前，要采用频响测试的方法来对每一拾音头的音色特点进行了解。一般在录音棚使用SmaartLive以及TrueRTA等音频测试软件对粉红噪声进行播放，并利用测试话筒调平直其噪声曲线；然后用无线话筒的音头代替测试话筒，并在原插入测试话筒的插口插入无线话筒接收机的音频输出端。这样能对拾音头的频谱特性进行直观观察，并对其银色特点进行分析。此外，为了确保话筒接收机音频输出端的输出相位的准确，也可以采用测试软件进行检测，如果音频输出相位与主要接收机的输出相位相反，可以调换平衡输出端接点位置，确保其输出相位的一致性，从而有效保障演出扩声的顺利进行。在对无线话筒进行选择时，必须要结合演员的实际状况，以拾音头固定位置及指向模式为依据，可选用超心形拾音头，并将其固定设置在演员的头部。一般如果演员台词较少，可以在其胸前佩戴心形拾音头。如在话剧以及戏曲的演出中，演员经常会在胸前中央位置佩带无线话筒的拾音头。其主要原因就是演员在表演过程中，其头部会摆动，因此对拾音头进行全方位选用，在胸前中央佩带拾音头，能减少其头部摆动时产生的声音大小的差别。
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（二）歌唱者应当善思好问
在日常生活、工作和学习过程中，作为歌唱者不能固步自封、自以为是，相反，应当善思好问，以此来打开想象之门。研究发现，人的思维与想象之间存在着非常密切的关系，思维即想象开启的大门。由此可见，激发、培养歌唱者的想象力非常重要，我们必须培养、发展学生独立思考问题的意识和能力，特别是他们的创造性思维能力，即歌唱者应当善思、好问。在日常的生活、实践过程中，歌唱者应当大胆地去探索，多与人接触，多问对方关于某某声乐作品的看法和认知，以此来丰富和深化自己对作品的认识。
（三）歌唱者应当热爱生活，有丰富的情感
艺术源于现实生活，艺术想象力的获得都是以生活为载体的，因此应当善于发现日常生活中的感动。对于歌唱者而言，只有真正地捕捉到了我们生活中的那份真实和感动，才能深刻地诠释声乐作品的内在情感，这要求歌唱者对生活必须具备激情。音乐是情感的产物，同时是一种对美好事物的情感宣泄形式；同时，想象力是通过抒感慢慢变化的，情感既可以充分调动歌唱者的内心情绪，又可以有效唤起内心深处的记忆。因此，对于歌唱者而言，应当对生活保持激情、新鲜感，用心去体验、感悟人生的酸甜苦辣，只有这样才能使情感更加的丰富，才能使作品演绎的有血有肉。
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二、音乐表演艺术教学模式的创新与实践的探索
（一）创新教学方式方法，激发学习热情。教学中要根据教学内容，结合教学目标和任务，创新教学方法，引起学生学习兴趣。还可以在多媒体辅导下，让学生对动作要领有更为全面、深刻的了解，引导学生进行实际表演，熟练掌握演奏技巧。条件允许的话，可以组织学生到艺术院校观看表演、彩排等，让学生对基本功和教学内容有更为深刻的认识，提高学习效率。教学中要注重合作学习法、情境教学法、参与式教学法等方法的应用，调动学生学习兴趣。让学生在这些活动中掌握动作要领，更好表达情感，促进教学效果提升。
（二）合理组织课堂活动，提高参与程度。教学中为学生提供上讲台的机会，让学生展示自我，在展示自我的同时认识不足，不断进步和提高。要根据音乐表演艺术教学具体内容，合理组织课堂活动，提高学生参与程度，让学生在参与活动中得到锻炼。活动的形式是多种多样的，例如，让学生单独表演，将学生分成不同小组进行分组表演，班上同学集体表演等。通过这些活动，让学生接受锻炼，明确自己的不足，并根据同学和任课老师的建议，改正自己的缺点，促进学习效率提升，也为以后表演和参加实践活动奠定基础。
（三）注重实践锻炼，提高学生表演技巧。进行实践锻炼，加强音乐表演艺术的交流与合作是十分必要的。任课老师要调动学生学习热情，组织学生进行表演，参与实践锻炼。在这些活动中加深对教学内容理解，掌握动作要领，提高教学效果。要注重加强与其他学校的交流，相互学习和相互进步，不断提高表演技巧。鼓励学生参与音乐表演艺术学习兴趣小组，定期对组员进行培训，并开展演出活动。在学院和学校组织大型音乐艺术表演活动，扩大影响力，让学生在实践中得到锻炼，促进教学质量提升。
（四）重视教材编写，更好指导教学工作。任课老师开展教学时，也要注重教材编写工作，加强科研，对教学理论进行探讨，以更好指导课堂教学。教材要注重紧跟时展步伐，更新和完善内容，加入少数民族音乐表演艺术、国外音乐表演艺术等内容，完善教学内容设置，为教学工作顺利进行奠定基础。可以开设选修课，将理论学习、音乐艺术欣赏、音乐艺术表演等实践教学联系起来，让学生更好感悟到音乐表演艺术的魅力，提高学习效果。
（五）提高教师素质，注重师资队伍建设。引进专业基础扎实、思想观念先进、表演技巧强的高素质教师队伍，提高任课老师素质，为顺利开展教学工作创造便利。重视对任课老师的培训，让他们以对外交流学习、进修、访问等方式，更新教学思想观念，接受新的教学方式方法，有效指导教学实践。另外，任课老师也要加强学习，不断充实理论知识，提高表演技能，课堂组织能力，科研能力等。促进自身综合素质提高，更好开展音乐表演艺术教学工作。
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（二）继承基础上的创新
在王昆先生的作品当中，极具代表性的《白毛女》中的《哭爹》，王昆在演唱过程中充分融入了河北梆子当中“哭头”（又称为么二三）板式的演唱风格。这里所谓的“哭头”指的是一种特色专用的板式，它以在唱腔过门间大锣一击、二击和三击而闻名天下。歌曲在旋律上借鉴了河北梆子紧打慢唱的特点，比较强调“3-2-1-6-5”以及“6-5-3-2-1”级进上行的反复方式，上乐句落音于“1”，下乐句则是落音在“5”。另外，王昆在演唱东北歌曲的时候不仅保留了东北民歌中韵味十足并且吐词清晰的特色，而且在有效借鉴了韵白延长的特点，尤其是强调歌词与旋律的完美结合。比方说在演唱《王二嫂过翻身年》中，王昆不仅保留了原有特色，而且有效融入了旋律性的声韵。比方说在第七小节中的“编”字，将调值从高到低分别用5个数字来表示，为5、4、3、2、1。这样一来就可以清楚的看出平调值为“55”，阳平调值为“35”，去声调值为“51”，上声调值为“214”。
二、王昆声乐表演艺术风格的成熟期——高亢而富有激情
（一）融合与拓展
王昆是于1944年正式进入延安鲁迅艺术学校学习的，当时正值文艺之后调整学习的方式和方向的大好时候，这时他可以零距离的学习了民歌和地方戏曲，在民间音乐沃土的滋养下大大丰富了自身的艺术储备，从秦腔、碗碗腔、眉户到后来的新秧歌剧，到后来《白毛女》取得巨大成功之后，使之成为民族新歌剧的奠基石，为我国的民族歌剧开辟了一条正确的道路。通过研究发现，王昆所用的大部分是从戏曲和民歌中吸取精华而逐渐形成的。首先表现在唱法上，歌剧与民歌相比较而言，它更为强调人物造型的塑造，因此人物形象是比较固定的，不会随意改变。因此王昆实现初步设计好了人物的声音造型，并且依次为前提在演唱过程中有效融入了人物的核心思想，并且通过综合不同的唱段体现出人物的思想感情。而在表演上，主要是源于生活中的动作，《白毛女》主要强调的是“民族”性，也就是有中国的特色。鉴于此，王昆借鉴了中国传统特色因素，并且采用了大众喜闻乐见的民歌、戏曲、曲艺的歌唱方法，而并非西洋唱法。
（二）创新和应用
在这个过程中，王昆借鉴了秦腔的唱腔技法，比方说“梢子音”，这是假嗓发声中的一种，这在花脸、小生、小旦中应用得比较多。事实证明，这种假嗓发声好似从真嗓中捎带出来的，并用来增强气势、拉宽音域的目的。比方说在陕北民歌中信天游的代表曲目之一《赶牲灵》就有效运用了这样的演唱技法。这首歌曲是从女性视角出发，对着赶骡子的脚夫引吭高歌，充分反映出陕北高原上脚夫们的生活状况。从“走头头的骡子”，骡子戴着的“铃子”，“三盏盏的灯”到赶脚的人“我的哥哥”，王昆从对骡子、铃子、灯等的演唱，到“我的哥哥”的演唱。这演唱对象的转换其实是一个崭露真实情感的过程。
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钢琴表演艺术随着社会的发展和需要更应突出个性化的艺术表演形式。任何艺术如果脱离了创新与发展，就会变得苍白无力，没有生命力和活力。这就对传统的钢琴表演形式有了更高的要求和迫切的需要，同时对表演者来说，除了要有深厚的文化底蕴外，还要有跟上时代的敏锐头脑，来丰富自己个性化的钢琴艺术表演过程。
二、时代化表演是推动钢琴表演艺术发展的因素
“美”产生于人——主体的愿望，而主体愿望的产生则源于他的“社会性”！[2]任何创作活动都有一定的社会性，同样，钢琴艺术的表演形式也不能脱离社会性而存在，它与时代的不断发展有着必然的联系。
钢琴表演艺术传统延续下来规范化的表演模式可以被真正有音乐修养的少数群体所接受，是“精英”“贵族”式的欣赏方式。时代的发展、社会的需要、网络传媒等现代交流手段方式的迅速发展与改变，使钢琴音乐面对的是更多、更为广泛的群体，钢琴表演艺术应从音乐表演多元化角度，积极探索如何在表演形式以及音乐表现上使广大观众更好地接受。这也是推广钢琴音乐、提高国民整体素质教育和音乐修养，使更多的人能够欣赏和享受音乐的“准精英”式钢琴音乐的推广方式。
钢琴表演艺术发展至今，由于现代社会文化、观众对象的不同，“阳春白雪”式的钢琴表演艺术在后现代文化的特征上应有所突出。由于“观看并不是一面一成不变的镜子，而是充满生气的理解力。”[3]所以根据观众理解的差异，对于作品的艺术表演再现做出的反映，有可能正确、有可能歪曲。当然真正的艺术是不能以大众的喜好和接受能力作为艺术的标准的，这违反了艺术的原则。正如戏剧界所认同的：“观众不一定都是对的，但无视观众的艺术家却永远是错的。”[4]为了让社会能够更为广泛地接受和认同严肃音乐，我们可以在钢琴音乐的表演过程中采取更容易被大众心理所接受的传媒方式和艺术表现手段。人是精神和肉体的结合物，所以每遇到一种运动，不仅视之而已，同时还有意用我们自己的动作来表出它们。……”[5]所以表演者在钢琴表演过程中，由于从内心生发了音乐的感受并产生了肢体动作，从而更好地表达作品内容及抒发自我情感的手段，即表演形式。它是音乐表演的重要组成部分，是音乐作品和观众思想产生共鸣的必要手段。作为媒介，表演形式有着举足轻重的作用。它帮助表演者创造一种情景，通过观众的想象来产生感情。随着时代、网络、高科技的发展，观众对钢琴音乐特别是适合现代钢琴作品新的表现手段有着强烈的渴求和愿望，希望表演者具有时代感、与生活体验相接近的表演形式，表现与观众共有的对现代生活的体验与感受，从而感染观众，同时也给钢琴表演艺术注入新的血液和生命力，使钢琴表演艺术从不同角度更完美地获得其美学体验。这也是现阶段社会发展对钢琴表演艺术的迫切需要，也是钢琴音乐、钢琴教育和文化发展的一个重要的方向和目标。
三、民族化表演是钢琴表演艺术发展的灵魂
21世纪更是一个在不断发展中求生存的时代，音乐的审美价值趋向多元化、开放性，但总的文化精神是一脉相承的，体现着一种民族精神，闪耀着华夏祖先的文明和智慧。
李凌的美学思想认为，“所谓‘民族风格’，它包括了这个民族的思想、情感以及它要表现这些思想、情感所选取、缔造的音乐形式上的一切特色的总和。”[6]追求表演艺术的民族风格，应该成为钢琴表演艺术遵循的一个美学原则。中国第一位在国际上获得西洋音乐演奏奖的钢琴家傅聪，正是因在他的钢琴演奏中充满了中国灿烂文化的诗情画意般的境界，以及中西贯通的音乐表现力而享有“钢琴诗人”的美誉。他演奏的肖邦被认为“赋有肖邦的灵魂”。傅聪之所以对西洋音乐理解得深刻，“大半得力于他对中国古典文化的认识与体会”。因为“只有真正了解自己的民族的优秀传统精神，具备自己的民族灵魂，才能彻底了解别个民族的优秀传统，渗透他们的灵魂。”[7]这也是傅聪在钢琴表演艺术上能做到真正中西融合贯通，用中国的古典文学表现西方音乐意境的精髓所在。
中国古代对音乐美学的研究源远流长。儒、道、法家对音乐美学都有系统化、理论化的研究。傅聪的父亲傅雷非常重视对傅聪进行中国传统文化教育。自小用近乎私塾的方式，从孔孟先秦诸子、《国策》《左传》《晏字春秋》《史记》《汉书》《世说新语》上选教材，以富有伦理观念与哲理气息、兼有趣味性的故事、寓言、史诗为主，以古典诗歌与纯文艺熏陶结合在一起，亲自对他施教。“我的东方人的根，真是深，好像越是对西方文化钻得深，越发现蕴藏在我内心里的东方气质。”[8]所以在傅聪的演奏中有蕴含中国音乐美学的“无我之境”。这和他自小得益于中国深厚的文化背景和成熟的领悟力是分不开的。
民族性有着博大精深的文化底蕴。是艺术再创造的土壤和源泉，是创造具有特色的表演艺术的动力所在。中国的钢琴表演艺术要坚持发扬民族性，与时代共进，突出个性意识，才能使钢琴表演艺术在社会发展潮流中始终保持活力，在时代变革过程中展现新的魅力。
内容摘要：钢琴表演艺术作为一门理论实践性的艺术学科，它的发展趋势与社会发展时代化、个性化及民族化有着必然的联系。钢琴表演艺术应密切关注时代化、个性化以及民族化的时代特征，与时俱进，从而更好地推广钢琴作品、音乐艺术，使钢琴表演艺术学科日趋完善、成熟。
关键词：钢琴艺术表演时代化个性化民族化
钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程，是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动：一是表演者把内心的精神转化为音乐，即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神，即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演，积极地影响和感染观众，帮助观众提高对音乐的鉴赏能力，调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展，对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步，以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展，还要考虑出新，结合不同层次群体的心理需要，从现代社会人们希望出现新事物的角度，以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求，真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。
参考文献：
[1]赵保清《浅谈音乐表演艺术》南京艺术学院院报2001年第2期
[2]《论音乐表演艺术的创造性——从布莱希特“陌生化”表演艺术理论得到的启示》冯效刚人民音乐1997年第11期
[3]艺术风格学：(瑞士)海因里希·沃尔夫林著、潘耀昌译：中国人民大学出版社2004年1月第251页
[4]《试论音乐表演艺术中表演者主体地位的确立》张放音乐探索1999年第1期
[5](德)罗采《卡里哥纳》H·里曼著缪天瑞译
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—、声乐表演艺术再创作中的感情作用
艺术的本质就是表达感情，没有感情就没有艺术。感情对于艺术，犹如血液对于人体一样，有了感情才能使艺术有生命力。但艺术所需要的感情，决不是矫揉造作的虚假感情，而是从心灵深处流露出来的真情实感。一首好的歌曲是一段浓缩的精神生活记录，是作曲家基于自己对外在世界和内在世界的审美观，有感而发地通过作品表达的思想感情。从二度创作的表演艺术角度来看，一部作品就是感情作用的产物。作为一名歌唱者，对自己演唱的作品一定要明确身心感受，通过对作品的全面理解和认识，使自身感情受到震动，从而唤起歌唱表演时再创造的热情，产生出渴望表达感情的强烈欲望。如此，才能更好地进行艺术再创造。音乐能够表达文学、戏剧、舞蹈、绘画等无法表达的丰富复杂的感情，在各类声乐作品中，有的可以激发听众理智的感情；有的可以激发听众道德的感情；有的使人得到感官的愉悦；有的表现为悲哀痛苦的形态；有的则表现为欢乐轻松的形态；有的则表现为幽默滑稽的形态等。歌者正是在这种感情激荡的心理状态下去进行美的创作，歌者的责任就是引导听众去发现美、欣赏美和品评美。歌唱艺术是一门全方位反映生活的艺术，它涉及音乐、文学、绘画、戏剧、表演等各个领域。歌唱不仅仅是技术，而且和个人的文化底蕴相关，所以我们要不断地提高自身的文化素质，这样声乐表演时才能更深入、更贴切、更动人。
二、声乐表演艺术再创作中的艺术想象力
艺术想象力是艺术创作中一种必不可少的心理功能，它始终和形象思维、情绪情感等心理过程互相联系、互相渗透和互相作用，艺术想象本身也是一种创造性的劳动，这种活动本身就可以诱发创造者的感情活动。想象诱发感情，感情推动想象，二者是相辅相成、互相作用的。每部声乐作品都具有特定的诗情画意，表演者通过艺术想象的功能，结合自己生活经验的积累进行创造，让自己在想象的环境中生活，表演者在这种状态中通过自己真实的体验获得真实情感，所以说艺术想象和艺术创造是密不可分的，想象的直接结果是创造新的形象，它在音乐艺术活动中有着巨大的作用。在艺术构思过程中，歌唱者在想象中犹如真正感知体验到了自己创作的形象，好像想象中的形象就是自己实际看到、听到和感受到的某种生活、环境和人物，这样歌唱者才能更好地进人角色，只有对作品理解得深刻，表现才能更生动。所以，艺术想象必须将想象和情感活动相结合才能起到作用，这种充满歌唱者主观感情体验的幻想和幻觉，也是移情作用的心理基础。创造是人类最美好的、独持的品质，而想象更是人类特性的一种，它往往是创作的前奏。声乐表演艺术再创作的主体是歌唱者，因此歌唱者必须具备较高的道德情操和文化修养，才能在艺术实践中不断发展自己的艺术想象力。三、声乐表演艺术再创作中的艺术个性和艺术风格
艺术个性的形成，是在原创共性的基础上形成的，它和后天个人的经历、生活环境、文化素养等有着直接的联系。歌唱者应该培养自己的艺术个性，很好地发挥个人在演唱上的独特魅力，并从心理和感情上充分展现自己的艺术个性。在处理、表现歌曲时，一定要有自己独到的见解。首先要准确把握歌曲的思想实质，明确主题并了解作者意图、时代背景，还要分析旋律和歌词的结合情况、乐曲的结构特点、节奏特点、速度和力度的变化以及调式调性等，进而找出歌唱技巧上的难点和歌曲的，并处理安排好感情的层次变化。同时，还要善于把握歌词语调的强弱高低、抑扬顿挫、重音、语势、气势等，这样才能创造出真切感人的艺术形象。歌唱者感情的表达方式是丰富多彩的，这些都是艺术个性的独特表现与反映。感情豪放、深沉的歌者适宜于演唱牧歌式的抒情作品；淳朴、憨厚的气质则善于表现平凡而又质朴无华的内容；那些生性活泼、机敏的歌者，必然善于表现跳荡、欢乐的情趣。所以，只有充分使歌唱者的艺术个性、审美理想和他所表现的艺术内容处于十分和谐的状态，才能获得理想的艺术效果。一个歌唱者，他的自我和艺术个性，正是其艺术素质和品格的集中表现。假如歌唱艺术没有艺术个性，则艺术形象就不会充满强烈的、独特的感彩，就不会引起听众的共鸣，也就没有感染人的艺术力量。所以，艺术形象的个性特征越鲜明，也就越能获得感人的艺术效果。艺术的风貌和格调，就是艺术风格。歌唱艺术的风格是演唱者的音质、音色、共鸣、力度运用、情感处理、美化语言能力等音乐表现方面具有的独特性。要完美地唱好一首歌曲，不仅在音色、速度和力度等方面要恰当地处理好，还必须把握好歌曲的韵味，并配合必要的歌唱技巧，精心地装饰美化旋律，以表现出作品独特的艺术风格。
以上所论述的声乐表演艺术再创作的几个方面，只是在独唱方式范畴内探讨表演创作的一般特点。在声乐教学中，让学生了解和掌握声乐表演艺术再创作的规律，他们才能在舞台上更好地发挥自己的演唱水平，产生出更完美的声乐表演艺术效果。
参考文献：
篇13
艺术批评标准的确立原则，与批评者如何看待艺术活动的本质息息相关。马克思、恩格斯曾经提出了美学的与历史的这一艺术批评的最高标准。人类所从事的艺术活动，是依照美的规律进行的，因此作为审美评价的艺术批评必须是美学的。同时,艺术不仅审美地反映生活，而且也是人们自觉地掌握世界的重要方式之一，因此艺术批评必须相应地对作品作出社会的、政治的、道德的分析评价，亦即是历史的。两者的统一，喻示了艺术批评标准确立的基本原则，即艺术作为人类把握世界的方式之一的本质属性——审美性原则，以及艺术在人类生活中不断生成的意义——价值性原则。
关于审美性原则。艺术家对世界的把握始终是情感的和形象的。在艺术批评中，对于艺术家把握世界方式的评价，也应主要以其情感性、形象性特征作为主要方面，同时以完美的艺术形式来体现。情感性，即指作品蕴涵的情感特色与趋向。审美情感是指处在审美心理系统中交聚位置上的情感心理要素。情感是人对客观事物是否符合自己需要的体验、判断态度，是人对现实的一种特殊反映形式。它具有独特的主体体验形式和外部表现形式，不同的体验形成不同的情感，审美情感是一种特殊的情感，它超越了功利感、理智感与道德感，是诸种情感的平衡与中和；形象性，即指作品创造的形象体系是否真实与典型。艺术形象必须具备真实性，但又不同于生活的真实，而是以其是否符合生活发展的真实的逻辑、符合人物性格发展的真实的逻辑为旨归。艺术形象的典型化是在生活真实性的基础上，艺术家通过具有鲜明的个性特征的艺术形象，对于现实生活所做的艺术概括和集中，典型则代表了艺术形象创造的高峰；形式因素，即指艺术作品中那些与特定民族或地域的大众审美习惯与审美理想相适应的形式特点。艺术形式通过声音、色彩、线条、形体、语言的组合方式和运动方式而构成独特的审美之维，由于人们的社会存在、民族归属、地域特点、文化结构等诸多方面的差异，不同艺术主体对于外部世界形式特征的接受、认知与化合也会呈现差异，具体表现为人们对形式美感的把握有所不同，这正是艺术主体独特个性的体现。艺术形式虽然有其独立存在的价值，但对艺术形式的追求，很难脱离艺术的内容因素而孤立存在，因此，艺术形式美的独立性只能是相对的。在艺术传达过程中，形式完美与否直接关系到艺术价值的高低优劣。
关于价值判断的原则。艺术批评离不开价值判断，艺术批评也从未放弃过对艺术作品进行价值判断。其价值判断主要包括以下几个方面。其一，功利性，即指作品是否符合特定社会、民族与大众的精神需求；其二，人类性，即指作品是否表现了人类共同关注的问题和共同的意愿。它包含阶级性、民族性等，但又超越了这些方面，具有更大的涵盖性和包容性；其三，人性，即指作品是否表现了普遍的人性。主要指人类的本质属性，即人的真善美方面。这一人性概念，着眼于人的尊严、人的价值、人格理想、人的感情，比如人的喜、怒、哀、乐等。作品中的人性美，是人性中生动情感的形象显现；其四，社会性，即指作品是否与特定社会的价值判断相吻合。作为一种社会意识的表现形式，艺术中包含着一个社会的统治阶级的主导价值倾向和思想观念。作为一种社会心理的反映，艺术中体现出一个社会的风俗习惯和人的行为举止与特点。作为一种文化载体，艺术中折射出一个社会的文化价值类型。这些共同要求从根本上说是人在认识世界、改造世界活动中，面对人与自然、人与社会、人与他人、人与自我的种种关系所产生的普遍情绪和愿望。艺术作品的社会性主要表现为艺术作品中所蕴含的社会伦理性，人类文化的人伦本体与社会功利主义的态度共同决定了艺术作品的道德立场。
当代中国艺术批评在构建多维的价值功能系统的过程中，始终贯穿着艺术批评标准的主导作用。无论是在中国民主革命时期提出的“政治的”、“艺术的”双重标准，或是在改革开放以来人们相应提出的诸如“政治的”、“艺术的”、“民族的”以及“思想性”、“审美性”、“娱乐性”等不同标准，均是遵循着基本的审美性原则及其价值判断原则。在以往的年代，我们曾经有过对于艺术批评标准的形而上学的把握，特别是将所有的艺术形式、艺术作品置于同一种价值尺度、同一个标准之下，对艺术发展产生过不利的影响。但是如果因此而否认艺术批评标准的客观性与必要性，否认艺术批评的基本原则与标准，将会产生更为有害的后果。
艺术批评标准是一个多层次的复杂的动态系统。具有哲学方法论意义的美学观点和历史观点的批评，是属于文艺批评标准中总体的、具有指导性的最高层次的批评标准或原则，是人们共同认可的、共同恪守的基本原则和尺度。而各式各样的具体的批评标准，则是适用于不同艺术种类和艺术作品的不同题材、不同体裁、不同风格流派的较具体的批评标准。据此，艺术批评标准应当是多样性与同一性的统一，可变性与稳定性的统一。
各种批评标准存在的多样性。从艺术发展史上看，不同国家、民族、时代、流派，不同的批评家，甚至同一个批评家在不同时期，都会出现不同的批评标准。不同的艺术种类、不同的艺术家与作品、不同的体裁、不同的风格流派，也会出现多种不同的批评标准，诸如现实主义批评、社会历史批评、艺术心理学批评、神话原型批评、形式主义批评、结构主义批评、接受批评等等。艺术批评标准的多样性是客观存在的，其一，艺术批评对象的多样性是构成批评标准多样性的重要因素；其二，艺术批评标准的多样性是批评主体多维选择的结果；其三，多元的审视艺术活动的角度为艺术批评标准的多样性提供了多维的批评语境；其四，艺术活动本身发展的开放性也要求多维视角的欣赏、阐释、批评成为可能。以上因素的存在，均要求艺术批评标准是多样的，而不是惟一的。
但艺术批评标准又具有同一性。不同的国家地区与民族，虽然艺术批评的标准有着一定差别，但究其实质，在人类与社会文化发展的坐标系上，它又是非常接近的，正是在是否有利于人类进步以及有利于人的健康发展这些基本问题上，世界各民族均有着共同的追求及其利益。也正是由此，艺术批评的同一性方能成立。因此，艺术批评既要坚持以最高标准的宏观指导，又要提倡多样化批评标准的灵活运用。当代我国批评界曾经出现的批评标准虽然提出年代不同、内涵略有差异，但大都从内容与形式两分法切入，既要求内容求实、健康，合乎历史发展，又要求形式完美、独特，合乎美的规律，具有感人力量。显而易见，这些标准已经具有了衡量广泛艺术活动及其作品的可能性。
艺术批评标准又是可变性与稳定性的统一。其可变性主要表现在两个方面：第一，体现在艺术批评标准内涵的历史性中，批评标准总是与产生这一标准的时代相关联，因此，它必须随着时代艺术发展和艺术批评活动的发展而不断变化；第二，体现在艺术批评标准内涵之中。应当看到，艺术批评作为一种运行过程，并非一个自我封闭的独立系统，而是处在社会文化大系统中的一个子系统，其他文化子系统和各种文化因素对艺术活动均具有深刻的影响，时代、社会的变迁是艺术批评标准变化的根本动因，但最直接、最活跃的动因则是源于批评主体自身，基于各种原因，其既有的理论与评判尺度在批评实践中受到挑战，使之有了变迁与分化，并使得批评本身多姿多彩起来。别林斯基把文艺批评称为“运动着的美学”，这是非常精辟的见解。
艺术批评标准的可变性特征，有时体现为开放性姿态，这同时也凸显出艺术批评活动积极进取的特质。不同批评标准之间具有类同的质素，只有坚持开放而不封闭，使不同批评标准之间相互交融、沟通才能共同发展。作为艺术批评家，既应有其基本的艺术批评的原则或指导思想，同时也应在具体的艺术批评活动中把握具体的评价尺度和标准。由于批评家的知识结构、心理素质、审美判断能力、批评视角等批评个性的差异，再加上具体批评对象的内在要求，便造成了批评标准的可变性。批评家应当遵循科学的、客观化的标准，但同时又须懂得，任何具体标准均是有其适应范围的，可以与其他标准交融的，否则就无法解释艺术潮流的演变、流派的纷呈、风格的多样、鉴赏的异趣。标准的存在正是以其多样性和历史嬗递的方式展示出来的。
但是，无论艺术批评标准如何变化，也只能是在其整体原则与宏观视域框架下的变化。而从艺术批评的整体原则与规范来考察，艺术批评的标准又是相对稳定的。不仅作为艺术批评的人类的普泛性原则具有极强的恒久性，同时作为一定时代和时期的批评标准，以及一定地区和民族的批评标准也是相对稳定的。其稳定性标示着人们对于那些具有共同价值基础的评价尺度和标准的认同的一致性与持久性。否认艺术批评标准的稳定性与客观性，同样不是科学的态度。
近年来，我国艺术批评界出现了诸多问题，其间，缺乏对于艺术批评应当恪守的价值观及其评价标准的认识，正是其问题的核心。
个人化批评。认为艺术批评本无统一标准，可以率性而为。其实，在人类社会，从来也没有绝对个人化的艺术活动，也不存在绝对个人化的艺术批评，艺术批评不应人云亦云，而应肩负推进人类社会发展和提升民族精神水准的重要职责。艺术批评提倡充分发挥艺术批评者个人的精神建树和审美意趣，但这不同于个人化与私密性意趣的泛滥，更不应以某种对于社会发展的偏见充作自己与众不同的卓见。而如果以个人化批评为借口，对待那些以民族救亡、社会变革为主题的作品中颠倒是非、美化丑类的倾向津津乐道，视若罔闻，不做或是做出相反的是非判断，则无异于自我道德与良知的丧失。
