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所以说艺术与生活是一致的,同样油画与生活也是一致的。生活和表现生活的艺术依赖着我们一条极其细腻的心灵来贯穿,所以我们要用心的去体会。在我看来有形物体主要是由一块块色彩元素构成的,也有赖于色彩周围的事物。因此一幅油画作品是沉浸在颜色颤动,重叠交错的气氛当中,在我的油画作品当中,我始终追求着这种气氛感觉,并成为我追求油画表现生活的重要载体和无限渴望。
我们需要观察生活体验生活,不断地与大自然交流,从中获得充满活力的感受。绘画是一种视觉艺术,曾经有位学者说过,面对丰富多变的自然物象,我们将自然生活的美转化为艺术美不是靠文字或语言来完成的。观者之所以能从画中那些平凡的题材中看到自己从未发现的美,那是缘于画家眼睛超常的敏锐。一片景物,其所以美,是因为含有一种微妙难说的意义。
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作为一名油画画家,要深谙各种材料所能够带给参观者的视觉感受。比如:红色可以带给人似火的激情,绿色给人带来生机勃勃的感觉,等等,我们可以将这些材料用巧妙的手段杂糅在一起,生成一幅让参观者如痴如醉的画面。由于每一种材料在油画画家眼里都有着独特的含义,在画家进行创作的过程之中,他们就可以把自己的情感通过色彩的组合巧妙地展现出来。通过这样的方式,一幅画作就不再简简单单的是色彩的有机组合,也不再是各种材料之间的随机搭配,而是蕴含着作者人生情感和哲学情怀的艺术作品。当然,画家实现情感宣泄的过程绝不是简简单单的事情,参观者也难以在接触的第一眼就发现蕴含在画作背后的深厚内涵,这一切都需要通过人的思维去进行深度的思考,去分析蕴含在色彩搭配背后的深层次涵义,才能够真正地了解一幅油画作品背后的真实内涵。
三、如何通过综合材料展现出油画的情感特征
(一)综合材料与自然情感的共性
充满神秘材料的大自然向来是画家进行创作灵感的源泉,在历史的长廊中,无数的画家都通过对大自然的欣赏,迸发出自己内心灵感的火花。大自然是多姿多彩的,无论是蓝天碧水,还是一望无际绿油油的草原,都拥有着自己的独特的综合材料,画家在欣赏这些美轮美奂的景象之后,会情不自禁的动用手中的画笔,把自己对大自然美的情感体现出来。与此同时,大自然拥有着自己的独特的综合材料,例如:绿油油的小草象征着蓬勃的生命力,画家通过使用绿色的素材可以体现出自己对于生活的希望,让参观者感受到综合材料背后的生机与活力;天空的湛蓝色让人有一种空旷的感觉,画家通过手中的画笔将它体现在画作之上,可以抒发出画家心中空灵的感觉,也可以让参观者体会到灵动的感觉,给予参观者心灵的洗涤。自然拥有着和谐之美,古往今来无数的画家都是在观摩自然的同时迸发出灵感,从而创作出一幅幅传世的佳作,而综合材料又是大自然的属性之一,每一种美轮美奂的自然风景都拥有着其独特的综合材料,例如九寨沟的风景就是各种不同材料的搭配,使无数的中外游客叹为观止。综合来看,综合材料具有与自然同在的共性,在整个人类发展史上,综合材料都通过其独特的特点,触动画家的心灵,进而诞生了一幅幅优秀的画作。
(二)综合材料与社会情感的共性
综合材料不仅仅是大自然所拥有的独特属性,还是人类所处的社会的根本属性之一,从原始社会开始,不同的综合材料就被赋予了神秘的色彩,人类对于某种综合材料的狂热,也是那个时代的主旋律之一。随着时代的发展,人类社会对于综合材料的认知越来越透彻,对于综合材料产生的原理也更加了然,根据各种综合材料产生的原理的不同,人类社会也赋予了各种综合材料不同的特点。其中,可见光之中,红色具有较高的能量,太阳在人类的视觉之中也呈现的是红色,因此,在人类社会环境中,红色象征着活力与激情。除此之外,综合材料中的黄色则拥有着和最为贵重的金属——黄金相同的材料,这也就导致在人类社会中,黄色成为了地位尊贵的象征,与此同时,由于黄色象征着财富,而在第一次工业革命时期,隐藏在金钱的巨大罪恶下同时又赋予了黄色奢靡暴力的象征。综合材料的社会性特征赋予了综合材料很多背后的内涵,优秀的画家可以运用综合材料背后的不同含义、使用不同材料的搭配和对综合材料浓淡的应用,抒发自己内心的情感,创作出一幅饱含自己的感情的作品。
(三)综合材料的情感特性
所谓综合材料的情感特性指的就是不同的群体对于综合材料的认知程度和引发的内心情感是不同的,也正是因为这种综合材料的情感特性,而引发了不同的画家所创作的画作其蕴含的内涵,需要时间的积淀才能够被看清,这也是很多著名的油画作品在沉寂多年之后,突然拍出天价的根本原因。除此之外,不同参观者对于画作的观看也有着自己不同的认识,这也是画作的独特魅力所在。
(四)综合材料在不同环境下生活的创作者面前体现出的情感特性
在对综合材料进行选择的时候,不同的生活环境也会对创作者的选择造成重大的影响。例如:有些画家在进行创作的时候,使用最多的是黄色,黄色代表暴力与奢靡,这是因为他一直生存在纸醉金迷的城市贵族生活环境之下,产生了本能的对金钱的抵制。但是,在一些田园派画家里面,金黄色的材料代表秋天的丰收,也代表了充满生机与活力,这就与城市画家笔下所表现的内涵存在着本质的区别。
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荷兰后印象派画家文森特•梵高是表现主义的先驱,可以说他是主观性色彩的创始人,其油画艺术作品中,色彩表现具有强烈的个性特征。在他的作品中能够强烈地感受到画家在创作过程中的内心情感。例如1890年创作的油画作品《乌鸦群飞的麦田》被称为是梵高的“绝命书”。整幅作品画面色彩鲜明而强烈,绿色的小路在大片黄色的麦田中伸向远方,乌云密布的天空压抑着金黄色的稻田,流露出阴郁与不安,让人感觉空间凝固,无法喘息。低飞的乌鸦以及狂暴跳动的笔触增强了压迫感与反抗感,让骚动的画面增添了激动、振奋与不安的情愫,整个画面被蒙上了一层紧张与不祥的预兆,充满着恐怖、不详的感觉。画面中没有表现出自然物象真实色彩之间的对比关系,却表现出画家本人内心的思想与情感体验,而这极具个性的艺术语言,成功地使整个画面获得了强烈的视觉表现效果与精神感染力。法国画家、野兽派创始人亨利•马蒂斯认为,艺术创作色彩的选择应该是以创作者个人观察感受的经验为基础,色彩表现的目的是表达创作者的情感意识,而不是复制客观存在事物。
(二)主观性色彩具有象征性
色彩因联想而具有象征性,红色能够联想到火与血;黄色能够联想到太阳;蓝色可以联想到海洋、天空等。不同的色彩能够令人想到不同的事物。然而,色彩不仅能够象征不同事物,还可以象征一些抽象意义的概念,比如精神信仰等。在油画艺术创作中,色彩的象征性特点表现得尤为突出,并且为艺术家提供了更加广阔的油画艺术创作的空间。与塞尚、梵高合称后的印象派三杰——法国后印象派画家保罗•高更就是一位善于运用象征色彩来进行油画艺术创作的优秀画家,其代表作之一——《雅各与天使的搏斗》看起来像是宗教题材的作品,实际上是以象征主义为特点,运用红、蓝、黑和白色组成的画面。整幅作品显得十分神秘,运用强烈的对比与大面块的设色。而这种独特的色彩选择与结构安排使得画面表现内容极具象征特性。
(三)主观性色彩具有表现性
德国画家、思想家约翰•沃尔夫冈•冯•歌德曾经对色彩与人的关系进行阐述,并从人的心理与情绪的角度进行分析,他认为色彩可分为主动色彩与被动色彩,能够传达出人们内心积极或者是消极的情绪,这也就是色彩的表现性。在油画艺术创作中,客观描摹对象的色彩不是用来被复制的,而是使之升华用于表达情感。
(四)主观性色彩具有装饰性
画家在进行艺术创作活动过程中,为了充分表现自身的情感体验,往往采取平面性、秩序性的手段将貌似简单的各种色彩有规律地组合在一起,形成线条与面块,将画面中的色彩元素进行分割或者是重叠,利用点、线、面的相互映衬,使得画面内容丰富且生动起来。如高更的作品《塔希提妇女》,画面中描写的对象没有立体感,而是用近乎是平涂的手段,使画面产生一种原始的韵味。画中盘里鲜红的水果色彩与人物赭石、红棕的色彩,以及人物腰部裙衫的苹果绿与深黑等色彩形成了鲜明的对比。再如一直追求艺术探索的马蒂斯,其曾经从东方艺术中汲取了绘画表现手法以及平面的表达手段,使画面极具装饰感。
(五)主观性色彩具有节奏性
绘画艺术如同音乐一样,能够表情达意,抒发内心情绪。内心情感的迸发表现在油画创作中,借助色彩冷暖与明暗的表达,就形成了富有思想和灵魂的节奏。如同俄罗斯画家瓦西里•康定斯基创作的一系列作品,其画面中所表现的内容充满了节奏感,并且是伴随着创作者的情感波动而产生变化的。其作品《在褐色中展现》描绘了一个人从呈褐色微暗的室内登上向外的台阶的情景,当门打开时便出现了明亮的光,显然这个人走向了光明。画面中褐色与白色的面块相互映衬,明亮与灰暗之间巧妙地产生了不同的节奏,同时又清晰地表达出创作者的内心情绪。
二、在油画创作中对主观性色彩运用的思考
(一)油画创作主观色彩的产生源于创作主体的艺术个性与艺术感悟
在油画创作中,主观性色彩的运用就是创作者艺术个性表现的重要表达方式与手段。而油画色彩语言是由不同创作主体来决定的。不同主体的主观性会创作出不同的色彩语言形式。主观性色彩是创作者艺术个性的体现,而艺术个性也代表着主体对客观描绘对象的主观性认知。因此,主观性色彩与艺术创作者的艺术个性是一致的。在具体的创作过程中,绘画作品中的主观性色彩体现着创作者的个人审美、个性特征与思想情感。如同有的艺术创作者喜欢意象表达、有的喜欢象征主义、有的偏爱表现主义一样,不同的创作主体的自我情感与精神不同,因此在艺术创作中,其对于色彩的运用也就有着不同的内涵与意义。
(二)油画作品中主观色彩的产生是创作者在创作中的主观思维表现
主观性色彩在油画中是创作者主观性的直观展现。在油画创作中,虽然艺术表现的内容是客观性的,但是形式与色彩却是主观性的。客观存在的表现内容是艺术家创作的基础,而主观性的色彩表达就是要将其中蕴含的美表现出来,并使之升华为艺术美。油画作品的主观性色彩就是创作语言的主观性,其与创作者的主观性一致,是艺术家在具体的创作过程中主观思维的艺术化体现。在实际的创作过程中,艺术创作者的主观性思维体现在多个方面。首先,在绘画内容上,不再像以往那样按照主题来进行创作,艺术家可以根据自己的喜好来决定题材,只要是感兴趣的题材都可以进行创作。其次,绘画创作材料与技法的主观性。伴随着时代的进步以及科技的发展,各种各样的材料都可以作为艺术家进行绘画艺术创作的工具。在现代举办的很多画展中,很多优秀的绘画作品很难看出是什么样的画种,却同样具备很高的艺术价值。再次,绘画形式上的主观体现。以往的绘画创作都有条条框框的规定,需按照规则进行作画,然而在今天的绘画创作中,很多艺术家已经突破了固有形式,抛开观念上的束缚,创作出了属于自己的画作,有着自身独特的表现形式。色彩是油画艺术创作的基本构成元素,其本身就带有非常强烈的主观特征,但是因为有不同的表达方法,色彩又有了主观与客观之分,而现代艺术家们在油画艺术创作中,越来越多的表达出自己内心情感世界与精神世界,在画面中有意识的去构建属于自己的色彩规律,尤其是带有寓意以及象征性的色彩语言,成为绘画作品的主体色彩。
(三)情感与精神是主观性色彩的核心
现实主义的色彩一般是以客观再现为主。而具有代表特性的主观色彩则是以表现情感为主要目的。在油画艺术创作中,艺术家主观世界心理与情感的表现,必须要有客观存在的限制,用表达强烈的色彩语言,或夸张、或对比、或变形等方式去表现情感。艺术家将整个世界看作是“自我”的空间,就能够用主观性的情感去看待整个创作,用主观精神去对客观存在的物象进行再创造,重新组织画面的色彩规律,融入更多的个人意识,体现出个人的审美情感。比如在现代画派中,同样是一片天空,不同的艺术家会有不同的创作表现,有的画成蓝色,有的画成绿色,即同样的描绘主体,因不同情感的左右而产生不同的视觉心理,便有着不同的情感定位。艺术创作中,主观性色彩在形成一定规律的同时,上升到精神层面的表达,以突出主题思想以及创作者的精神观念。在很多画展中,我们都会看到一些作品,其内容与形式都很虚无,但整幅画面的色彩表现却有着很强的感染力,能够吸引观者去思索,这就是绘画中主观性色彩的精神性,同时也是其根本核心。
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(一)游戏原画的特征
通过越来越多计算机绘画软件的应用,原画师可以创作出细致入微的画面效果,在计算机绘画软件的帮助下爆发出更加有视觉冲击力的画面。由于电脑绘画软件可以更方面的生动的刻画出特殊的效果,因此游戏原画的视觉效果更具感染力。电脑所提供的创作环境已经远比现实中纸张上的创作更加自由和强大,在cg艺术创作普及的现在,绘画软件越来越成熟,越来越人性化,这给原画是创作出更高端的做头提供了更加有力的平台。
(二)游戏原画的定义
游戏原画属于美术领域,它是从传统美术绘画中衍生出来的一种艺术创作手段,但又有别于传统的美术。它是游戏制作中一个重要的环节,是把策划的文字变成画面,给三维模型和特效提供参考和依据的环节。游戏原画描绘具体游戏元素形象的绘画,包括角色、场景、道具等,通过游戏原画,可以表现出场景元素中的造型、色彩、纹理,甚至角色的精神、气质、精神面貌和场景的环境氛围等。
(三)游戏原画的类别和作用
1.制作类原画的概念及其作用
制作类原画是原画师在完成游戏美术的整体设定的基础上,对角色和场景的构成元素进行细化,从而在造型、结构、色彩、纹理等方面为3D部门设计人员提供的制作参考和标准。制作类原画的作用和意义在于,进入大规模的游戏制作过程后,可便于规模化生产,提高制作质量,加快生产周期。
2.概念类原画的概念及其作用
在游戏制作的前期,游戏原画师会根据策划人员的构思和设定,绘制出相应的游戏场景和角色。这时绘制的原画作品不一定非常惊喜,而是要综合色彩、造型、灯光、雾效等多个因素,再经过反复的修改和斟酌,最终确定符合游戏整体氛围的美术风格。
3.宣传类原画的概念及其作用
宣传类原画是用来制作宣传海报或者宣传用途的游戏原画。出于宣传目的,这类原画作品大多绘制精美,造型夸张、人物形态逼真,场景气势恢宏、氛围浓烈,常常会引人驻足注目。
二、潮流文化
潮流文化有相当的灵活性和复杂性,因此对于潮流文化的定义也比较广泛,可以从很多方面和角度来进行界定。
英国的社会学家赫伯特・斯宾塞(Herbert Spencer)认为:“潮流是社会关系的一种表演活动。人的天性促使人在社会活动中追求时装的外观形式,而且,通过时装外观的讲究和不断变化,各个阶级和阶层的人之间实现了相互模拟和区分。这种情况下,潮流文化产品的使用也具有一定的社会礼仪的意义”。
由于潮流文化在现实中会有多种表现形式。生活中也有各种各样的表现,潮流文化所具备的多样性和其在各个面向上的概念。简单理解,潮流文化是时尚、时髦、消费、休闲文化、奢侈文化、物质文化、潮流文化方式、流行品味、都市文化、次文化、大众文化以及群众文化等观念所组成的一个内容丰富、成分复杂的体系。
三、潮流文化于游戏原画中的应用
(一)哥特
哥特来源于一个民族――哥特族。哥特族存在于罗马帝国时代,并被罗马人称为蛮族,随着两个种族之间战争的进行,哥特文化融入到欧洲多个国家的文化当中,而后又衍生出哥特式建筑、哥特体字母、哥特风格装束等。哥特文化的许多方面已经融入到游戏美术设计当中,成为游戏中世界观的重要组成部分,尤其是哥特建筑在游戏场景已经形成一个特有的风格。
高耸的尖塔,主体建筑两侧的飞浮壁、宽厚层叠的叠圈门和玫瑰窗、建筑雕塑,这些都是哥特建筑的外部特征。原画师如果能将哥特建筑自身特性与游戏建筑功能巧妙结合,则能很好地烘托游戏背景。
(二)黑暗
黑暗一词通常使人联想到的是压抑和恐怖等一些并不令人愉悦的感受。在字典中,黑暗被解释为一种形容词,漆黑,与光明相反,或用来比喻类阴沉的心理状态。
黑暗文化在游戏中的应用:在游戏中“黑暗"一词可以被认为是通过一系列的视觉元素带给给玩家D种阴沉压抑的感觉,这些元素包括:死亡、昏暗、腐朽等。运用这些具有黑暗特征的元素,经常用来塑造强大的反派角色,给人压迫感,一般用来刻画非人类的魔幻角色,如死神、亡灵、黑暗法师等。
(三)潮流时尚
时尚可以理解为一种潮流,是时与尚的结合体。时,乃时间,即在一个段时间内;尚,则有高尚,高品位,领先。
时尚文化在游戏中的应用:游戏的时代背景各有不同,游戏中角色的服饰与妆容必须与时代背景相适应。在有些游戏中,策划人员所设定的世界观常常与现实世界相去甚远,因此角色的服装也显得与现实世界差距很大,这样的设计对于游戏玩家来说难免会觉得过于奇特而难以接受,从而影响游戏的带入感。这时就需要在游戏角色的服饰中融入一些当时潮流的、时尚的、玩家熟悉的元素,以增加玩家的熟悉感。这些元素主要体现在服装款式、物品配件、角色发型等,并且有时可以在一定程度上有意识地保留一些传统的元素,这样可以让游戏的时代和现实的元素更好的结合。即不会破坏游戏本身的时代背景,又能更好的运用现代潮流的元素,让原画更具有设计感。
四、结语
随着越来越多的现代元素出现,越来越多潮流个性元素被运用到游戏原画的设计制作中,来丰富游戏画面,使其更加生动和接近现实,让玩家更容易接受。一些潮流的元素已经成为游戏原画创作中不可忽视的重要组成部分。对一些当今潮流元素的把握,能让原画设计师创作的作品更加生动,更具有时代感。一个优秀的原画师能够随时吸收和运用不同时期潮流的设计元素,让其作品更加完美。
参考文献:
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1. 民族性特征
辽阔浩瀚的内蒙草原到处跃动着美的元素。先祖的传说、独特的自然环境和社会环境,造就了内蒙草原这样一种“自然环境”和“人文环境”,而在这种“环境”中滋养、成长、成熟起来的艺术形式,必然有着有别于其他艺术形式的民族性特征。它不同于别的民族的文化心理和文化结构,反映的是特定民族的民族精神,它经过长期的积淀而形成,具有一定的稳定性,同时又在民族文化的发展过程中不断得到丰富和创新。自古以来,蒙古高原就是一个多民族聚居的地方,但多以游牧民族为主。无论在衣食住行各个方面,他们都具有自己独特的风俗习惯。在内蒙古草原画派的油画创作中,很多本民族甚至生长在内蒙古的其他民族画家自觉或不自觉地借用了民俗形象作为载体,开始将民俗形象引入油画创作中,并以传承性为主要特征,以在传统民俗中所显现出的现代人的民族生活为内容,我们看到在草原画派油画创作中,画面多蒙古袍、羊群、蒙古包等民族特色的形象,而这些民俗形象正是经过长期积淀并发展丰富而来的,所以我们说草原画派油画创作中呈现出民族性特征。
2. 宗教性特征
在人类历史的民族融合中,蒙古族不断吸纳其他各民族优秀文化来丰富和发展本民族文化,使其固有的传统文化更趋完善,其中不乏宗教文化从而形成了具有中华民族文化共性和民族个性的蒙古族新文化,而草原画派正是在这种民族文化土壤中产生形成。而作品的产生取决于时代精神和风俗文化,蒙古族的或民间信仰,在他们的艺术中反映得最为明显。内蒙古的少数民族主要信奉佛教,也信奉萨满教、喇嘛教。作为一种意识形态,宗教对内蒙古少数民族人们的思想意识、道德伦理、价值观念、生活习俗都产生了深刻影响,这也是形成各少数民族民俗文化特质的重要因素。如同蒙古族的生活习俗一样,草原画派从产生到发展都与佛教、萨满教、喇嘛教紧密联系在一起,其他的少数民族基本上也都或多或少与本民族的宗教文化联系在一起。虽然当代草原画派是多民族的集合体,但无论本民族画家还是其他民族画家都会不自觉地受蒙古族宗教文化影响。所以,宗教性也是少数民族油画题材的一个明显特征。这在蒙古族画家的作品中有明显的表现,他们的作品设色多注重色彩的简洁与概括,以及色块与色块之间微妙的冷暖明暗变化等。用大面积的灰白营造一种空旷和辽阔,这正是北国之冬冷寂的风景,因为是水或是土的固有的明度和色度,在银灰的调子中显出差别。灰白是蒙古民族传统的喜好色,蒙古族有着“天人合一”、“天神合一”的理念,而这些色彩的运用更使画面增添了宗教的神秘感氛围。
3. 生态性特征
在蒙古族民族文化中,无论是在思维形态、生产方式、伦理习俗还是方面都渗透着鲜明的生态意识与环保思维。也就是说,在蒙古族人的生产生活中始终渗透着对生命与生存意识的深层领悟,他们在长期的生产劳动中,创造并选择了以游牧方式为主的草原文化,其中就包含着丰富的崇拜自然、敬重生命、珍惜资源、保护生态的文化传统。受西方生态学说影响,中国出现生态意识热同时这一思想也影响到当代蒙古草原画派的创作,很多草原画派画家的画面中体现出一种生态思想。这一思想也突出的反映在朝戈的作品中,就风景画而言,源于朝戈对“自然和人的关系”的特殊理解,他的风景画体现了一种生态反思意识。朝戈自20 世纪80 年代以来画了大量具有原野风貌及蒙古高原地貌特征的风景画,在朝戈的风景画中使人感受到人与自然相互依恋,相应而相互存在,自然不仅是人安身立命的场所,同时也是精神寄托的场所,在这里人与自然的融合达到了“天人合一”的永恒意味,渗透着画家深刻的生态环保意识。在生态破坏日益严重的今天,在以朝戈为代表的一批草原画派画家的画作中仍然可以寻找到了“天人合一”的生态画面,渗透着画家对和谐生态的呼唤。
4. 地域性特征
地域特色是文化和自然结合的成果,对于画家来说,本土的地域是他们最熟知和了解的地方,蒙古高原独特的自然风貌与景观自然生发不同的风土人情,人们的生活方式及情感表达方式,也都有所不同。辽阔无垠的内蒙古大草原,是北方游牧民族的发祥地,他们的祖先曾在这里生活繁衍,创造了优秀的草原文化。诚然,独特的地域特征和游牧生活方式造就了北方游牧民族独特的民族性格、文化心理和民间习俗等,同时也形成了本民族特有的审美心理、审美追求。崇尚英雄、自由、乐观和富于激情浪漫的色彩,从而多以山岗、丘壑、沙漠、草场等入画,这正是游牧民族的审美取向,也是其突出的文化特征。这与在辽阔、苍茫、雄浑的草原这一独特地域上所形成的本色、率真、粗犷、彪悍的民族性格密切相关。当代草原画派画家都出生在内蒙古大草原,具有独特的地域环境。因此他们的绘画均以描述蒙古草原的自然景物、少数民族的游牧生活为主,形成特定地域里的特定描绘对象,苍茫的草原与绵延的山峦以及普通的牧民生活,尽收于画家的画作之中。因此,在当代草原画派油画创作中,蒙古高原的山岗、丘壑、沙漠、草场等地域性成为其一个显著特征。
5.人文性特征
中国草原画派从 20 世纪 80 年代开始关注“人文精神”的弘扬,从当代草原画派代表画家朝戈的画作中我们就不难发现这种人文性特征。而我当时的印象我们的生活中没有对人的关心,对人的性格,对人的内在感情——比如人之间的爱慕、友好等心,在现实中你会觉得处处受到冷遇,现实是很粗暴的,你会感到环境缺少一种关于人的文明”。朝戈又是一个敏感的人,他感受到当今人们正在失去人的内在价值出现信仰危机,因信仰危机而出现种种畸形变态的当代艺术,是价值丢失的必然结果。坚守内在的价值是朝戈的追求,蒙古族画家的作品出对人类的某种精神信仰的执着和迷恋。他们用独特的心理去敏锐的感受当代社会,关注内蒙古族乃至人类文化发展,关注精神信仰和强烈的心理冲突,所有这些都体现在他的油画作品中,画面的节奏产生强烈的精神,因此,可以说以批当代草原画派画家在其画作中体现了一种人文性特征。诚然,当代草原画派虽在酝酿成熟过程中,但已经凭借其独特的文化特征呈现出蓄势勃发的冲劲。每一种艺术形式都包含一定的文化内涵,中国进入 21 世纪后,面对全球化浪潮,要更加注重本民族文化,同时作为中国艺术成员之一的草原画派,应以其独特的文化特征为中国艺术争得更多荣誉。
参考文献:
[1] 苗景昌.21 世纪中国美术家——苗景昌[M].沈阳:辽宁美术出版社,2006:2.
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1 江苏现当代油画创作与传统文人画的艺术关联
探讨现当代江苏油画的文人趣味性,就一定会联系到中国传统绘画中的文人画。在现阶段的油画作品,很多画家并没有一个统一的风格,而江苏现当代的油画艺术创作多追求画面的意境表达,现代的油画中的部分作品其审美表达与文人画中的诗意、墨韵有很大的相似之处,很多作品中强调对个人情感的渲染也与文人画主观主义个人精神的表达相一致。绘画艺术的创作往往是要求突破物象本身固有形态,重点在于创作者的个人感受,外在的表现仅做参考,进行绘画创作的是感受,而非物象的写实再现。
我传统文化对于现当代的艺术创作者们影响是深刻的,很多油画艺术家一直在尝试将中国传统绘画精髓融合到现在的绘画创作中。精神层次追求已经成为现代人们致力的一个方向,艺术创作者们也正努力将这一主题引入到油画创作中,将传统文化中有价值的元素运用到油画创作中。例如现南京师范大学博士生导师盛梅冰教授作为当代江苏油画界的翘楚,对于文人笔墨风格非常的青睐。在盛梅冰教授的众多油画作品中无不传递出一种江南画家特有的意趣和性情。虽然画家在作品中仍然忠实于西画的绘画技巧,但作品大都显示出了平淡、质朴的绘画风格。在盛梅冰教授近期的一些创作中,我们能明显地感受到画面中具有的宋画意味,在许多的风景画面中他将日常生活中我们所感受到的自然之间的关系以一种质朴浑厚的笔触表达出来,这正符合盛梅冰教授“以平淡之心造写天成之物”的创作理念,也代表了当代中国油画家对待自然的真诚态度。
艺术创作的主体行为者是创作者本身,传统的文人画通过从事艺术创作的艺术家自身的影响与感染从而影响其艺术行为,在江苏地区不少油画创作者都或多或少的受到了文人画的影响,文人画艺术创作在促进古代绘画发展的历程中有着不朽的功绩,在今天,关于我国油画艺术事业的拓展也是一笔宝贵的财富。
2 江苏现当代油画创作中的民族地域特色以及时代性特征
江苏地区油画创作从整体上来看,写意油画多引用传统绘画中南派画的表现,传统的民间绘画用色等也能够从很多油画作品中看到其踪影。例如当代著名油画艺术家苏天赐的创作,其风景油画作品中的写意性,将传统的中国山水画的精髓融入笔触当中,写意是其创作中的核心,其清新略带朦胧的画面,明亮而又婉约的色彩,交织出一幅幅灵秀飘逸、静谧温婉极具文人趣味的优秀油画作品。从苏天赐的诸多优秀作品中可以看出其作品具有非常鲜明的地方特色,给人一种温婉、惬意之感,与江南美丽的风景一样温润、清新,这也是他油画创作的一大特色。不能不说,作品风格的形成与民族地域风情有着很大的关系。
绘画创作的时代性是指相对于传统而言,并与当代的作品相比较得出的时代特征区分,江苏诸多优秀油画作品每个时期都带有着其鲜明的时代特征。中国现代油画家徐悲鸿是将西方现实绘画主义以及审美观念引入中国的先驱之一,在其留法期间和归国初期是其油画创作的巅峰,他的油画作品与西方油画的热烈、丰满、敦实是有所区别的,在其写实主义风格的油画创作中,也体现出了一种含蓄、内敛、宁静、优美的东方意蕴,有着鲜明的文人趣味色彩。而徐悲鸿的艺术人生与时代是紧密相连的,他的写实主义风格与苏联的社会主义现实主义风格相似,个人认为这也是其能够确立在中国美术史重要地位的原因之一。
3 江苏现当代油画创作中的笔触与意蕴的书写性
绘画艺术的创作在西方文化中讲究的是形式美感,在我国艺术领域讲究的是节奏与韵律,艺术表现形式一直是所有艺术门类共同关注的。我国绘画艺术在历经各种绘画风格流派的一番洗礼,对于艺术创作材料技法的探索研究越来越重视,并在创作中与超越现实自然物象追求诗意一般的意境相融合。从诸多现当代的油画作品中看,江苏油画更加重视从中国传统文化与绘画技法中吸取养分,创作的材料以及表现语言,很多在创作中便体现了浓重的文人趣味性。
我国的绘画家常常在真实客观的表现描绘物象时,更加注重的诗将个人的思想情感与艺术审美融汇进去,通过对用笔的轻重缓急、抑扬顿挫来控制笔触,传递情感。江苏油画诸多作品中,无不重视对点与线的运用,尤其是风景画的创作,在画面中恰当地运用表现使之形成别具一格的艺术特色。当代江苏籍画家王荣先生,他的风景油画创作享誉国内外,他在清淡雅致的画布上,时而轻点细勾,时而提按点画,对于点与线的运用得心应手,王荣先生的杰作《春山多胜事》油画作为国礼赠送给了他国总统,这幅作品让人感觉到春意盎然的暖,朦胧意境的雅,画面中如诗如梦般的意境,让人深深沉醉其中。
我国艺术创作领域,本就有“书画同源”之说,书法与绘画艺术的融合,恰好塑造了中国绘画的基本艺术特征,一方面是绘画技术上的书法用笔,另一方面,是艺术家本身在创作中修身养性的写气,我国传统的文人画艺术特征可以说就是汲取了书法艺术的审美。江苏现当代油画家杜璞,其油画作品《牡丹亭》等系列作品中鲜明地体现出对笔法的书写特性,尤其是对人物衣带的刻画,汲取了书法用笔行云流水般的飘逸美感。书法艺术中线条的魅力,对于绘画艺术的创作影响是非常大的,很多艺术家在创作中运用线条艺术,既是个人化的一种表现形式语言,同时又是一种富有表情与意象的一幅图像,在油画创作中,线条的完美运用就像是创作者心灵的轨迹与艺术生命状态。
4 结语
江苏油画创作中的文人趣味性,根本上讲是由其“写意”本质来决定,作品中是对画家精神思想与内涵的体现。绘画艺术创作本身就是对画家自身意识与心灵的一种映射,是画家精神情感的表达,而油画艺术的发展与进步是需要在继承传统中寻找新的东西,在发挥油画技法材料与特征的基础上,更要不断汲取传统文化的养分,重视意境与诗意的追求,以使具有东方特色的油画创作地位更加稳固。
参考文献:
[1] 王刚.浅议中国当意油画中的文人画精神[J].青年文学家,2009(15).
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一、当前大学油画艺术教育存在的问题
油画这一艺术种类源自西方,反映了西方独有的艺术风格。高等艺术教育在中国油画的发展过程中起到了重要的推动作用。当下,我国大学油画艺术教育取得了显著的进步,教育模式也趋于成熟,艺术教育进入发展的新时期,这对大学油画艺术教育也提出了更高的教育目标和要求。如今,我国已有许多大学的美术学院开设了油画艺术教育相关课程,培养了众多优秀的美术专业人才。但大学油画艺术教育也存在一些不足之处,包括过于注重油画创作的技能训练而忽视了对学生人文素质的培养;过于注重规范式的系统教学而忽视了对学生审美能力的培养;等等。此外,一些高校采用单一的模式化教学方式,不利于学生创造力和艺术思维能力的培养。面对当前大学油画艺术教育存在的问题,各高校的美术教师需要不断开拓教育思路,注重采用多元化的教育模式,以提升学生的全面素质和综合素养为目标,实现艺术人才的创新培养。
二、大学油画艺术教育的优化发展方向
1.应用多元化的教学理念,促进大学油画艺术教育的创新发展艺术会随着社会的发展而呈现出时代化的特征,在这个过程中,艺术观念层面的创新往往起着促进艺术发展的先锋作用。我国大学油画艺术教育的固有观念偏重于油画创作技法传授,教学模式较为单一,且具有模式化的特点,过于注重油画写实风格和色彩表现等,这种教学模式在一定程度上阻碍了大学油画艺术教育的创新发展。因此,在大学油画艺术教育过程中,教师需要创新教育观念,应用多元化的教学理念,设置更为合理的油画课程,设计更为全面的课程内容,包括油画艺术造型表现、油画艺术鉴赏以及油画艺术综合探索等多个层面的内容,融合多样化的文化元素,不断丰富油画艺术的内涵。事实上,在西方油画教育理念中,多样化的异质艺术元素都可以作为油画创作的灵感来源,如法国的莫奈等画家都曾应用日本的和服等异质文化元素作为油画创作的素材。采用多元化教学理念正是基于艺术无国界、无界限的开放观念,这可以为大学油画艺术教育事业提供更多的生命力,丰富我国油画艺术的视觉表现和人文内涵。2.重视审美意识教育,提升大学油画艺术教育的实效性艺术作品是自由表达意识感知和内在情感的重要途径,艺术鉴赏等美术活动有助于加强人们的审美意识、鉴赏能力以及对美好事物和情感的感知能力。审美意识是建立在个体美术知识储备、基本认知能力、情感倾向以及兴趣偏向等基础上的对于艺术作品的审美心理过程。加强审美意识的教育和培养,实质上是为了提升人们对于优秀艺术作品的感知能力和领悟能力,帮助人们获取更深层次的艺术熏陶,这也正是艺术的魅力所在。油画作品便是通过极具视觉吸引力的图案、色彩等造型元素传达积极、美好的艺术情感,抒发不同的艺术思想。如,凡•高的油画作品《向日葵》便是以基于实物的变形手法创作了更具视觉冲击力的艺术造型,让向日葵这一实物概念更加具有色彩感染力、艺术灵气和张扬的美丽,让人们获得独特的审美享受。在大学油画艺术教育过程中,教师要想强化对学生的审美意识教育,首先要改善大学艺术教育的环境,为学生创造能全面感受艺术之美的良好氛围,以有效提升学生的审美素养。其次需要增加相应的审美实践课程,应用经典油画作品鉴赏或学生自主练习创作等多样化的途径,将艺术理论与现实生活有机结合起来,帮助学生构建更为丰富的人文精神世界,促进油画技法与人文内涵的统一。
结语
油画艺术教育的发展是一个长期的过程,因此,探索适合我国大学油画艺术教育的教学模式是十分必要的。为了更好地适应时代和社会的发展,大学油画艺术教育需要向更加多元化的方向发展,从而更好地提升艺术教育的实效性。
参考文献:
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印象派对油画创作中应用图像素材的方法贡献很大。印象主义以有别于古典主义的新型构图角度创造了新的构图方式,即不使用完整场景构图,而是选择一个生活片段,用画框进行任意切割,这种新的构图角度与方式正是来自于摄影图像。
图像素材的创作应用发展至今天已经发生了极大的发展与变化,现代化的发达科学技术与网络的普及令图像资源无论是在深度上还是广度上都达到了以前难以企及的高度,在深度上大到宇宙星辰,小至微观世界,在广度上则几乎没有边界限制。极端丰富的图像资料开拓了艺术家的视野,也给他们带来了更多的全新艺术创作思路。通过对所需图像素材的处理与艺术加工,艺术家可以更具独创性地完成自己的油画作品。
二、图像素材应用于油画创作的问题
平衡是油画创作的关键因素,图像素材在油画创作中的应用虽然有许多优点,但如果过度使用进而产生过度的依赖性,破坏了其与艺术性的平衡,那油画艺术势必将走向末路。许多艺术家沉迷于丰富的网络图像资源,导致了视野的狭窄,只看得见屏幕上的图像,却看不见生活中更加丰富的创作素材,本末倒置,对艺术创作有害无益。
需要注意的是,图像素材只是油画创作的途径之一,而不是唯一途径,如果单单只执着于这一种手段,必然大大损害作为油画艺术灵魂的创造性。绘画之妙,正在于似与不似之间,过度应用图像素材,会使油画作品沦于一味描摹抄袭的下乘境界,不只在表现力上显得空洞贫乏,更无法创造出新的形象。艺术家如果完全依赖于图像素材,就等于放弃了感受自然、体验生活、感受万物、沟通世界的宝贵机会,最终只沉醉于图像素材那狭小的天地里,令自身的创造性枯竭殆尽。
油画创作有一些必要的创作过程,比如提炼概括形象、表现色彩个性、取舍不同的造型等,这些过程都是需要数量庞大的训练与推敲的,可以说是创造的积累与沉淀。而过度应用图像素材会令这些过程严重简化,底稿的绘画只依靠对图片的抄袭临摹甚至图像喷绘来完成,既没有对生活的真切体验,也缺乏对绘画性的思考与研究,这种恶性的模仿循环会令绘画艺术的本来意义不复存在。
因此图像最有效的运用方式是将其作为一种辅助物或备忘手段,只用于辅助油画创作或者代替速写、写生的相关细节,而不是与图像创作混同,成为使用油画颜料的复制与仿制。
对图像素材的不当应用令油画创作被形式主义禁锢束缚,更令油画艺术沦为复制图像的方法,这种不良现象使大量油画创作者产生了严重的惰性,只依赖于图像,将写生与观察的过程完全抛弃,最终导致了绘画技术的退化和主观把握能力的缺失。因为写生过程是对多方面美术创作技巧的一种练习,在进行写生时,写生的对象并非如同图像一般是完全静止不动的,而是会与绘画者一直产生某种细微的变化,这种细微的差异正可以培养绘画者的主观把握能力,让他能通过主观判断将这些细微的变化从多角度总结概括成最终的图画,这种能力的培养是图像素材所做不到的。
三、图像时代我国油画创作的发展
我国的当代油画自85新潮美术史始,一直致力于探索多元化绘画形式,但图像素材的广泛运用是在90年代后。这以后图像不再只作为参考素材,而是在油画创作中被直接加以运用,画家拼合历史、政治与流行图像,在作品中留下鲜明独特的图像符号。这一改变是大众文化开始进入艺术领域的象征。
90年代末期,图像素材在油画创作中的应用产生了新型的独特方式,一些油画家首先利用摄影技术,对景物摆拍或者抓[第一论文 网( dylw.NET) 专业提供写作论文的服务,欢迎光临]拍,然后使用计算机对图像进行处理,再将处理后的图像转换为油画。这种绘画方式相当于对计算机处理的图像进行了再创作,不只是作品的表现方式方面,连造型与画面效果也因此得以呈现出崭新的面貌。
80后的艺术家们近些年也已逐渐成长起来,他们的油画作品里淡去了伤痕的影子,少了对现实的描述,更加注重于内心世界的表达与因境而生的感悟。丰富的幻想与更多的资讯令80后艺术家的作品充满活力与生命力,这其中的一类代表就是卡通油画。卡通油画中不仅使用了众多的卡通视觉符号,而且风格极其混杂多变,是现代社会年轻人新型价值观的体现。
四、计算机图像处理技术与油画创作
早期的图像处理技术功能性很差,只能处理部分规则图像,这使得其几乎没有什么表现力。但随着技术的进步,图像处理不仅能对设计进行辅助,更可以对传统艺术进行模仿,这为画家们将该技术应用于油画创作提供了前提条件。油画的创作者们可以以图像处理软件对图像素材施以符合自己创作需求的处理,包括剪裁、色调变化、拼贴合并、画面变形等处理方式,通过将这些处理过的图像灌入感情,赋予涵义,并应用到油画中去,可以大大影响油画的创作意义。计算机上的图像处理软件可以按照工作原理进行分类,分别是像素图软件、矢量图软件和三维软件三种。三种软件各有用途和长处,目前应用于油画创作上较多的是像素图软件中的Photoshop软件,其操作简单,功能强大,可以进行图像编辑、图像合成、校色调色、滤镜等多 种图像处理,是将图像素材应用于油画创作的绝佳辅助工具。
五、结语
虽然图像素材的运用不只为油画创作带来了便利,更促进了油画创作的思维拓展,但它归根结底只是一种辅助手段,用于表现艺术家的创作构思,协助完成最终的艺术创作。因此切忌本末倒置、反客为主,将图像素材当作油画创作的主体。新时代的油画创作需要的是继承与创新并重,借鉴大众视觉图像所提供的创作素材,接受这种新的审美取向,拓展全新发展空间,将图像素材和其他媒介相互融合,从而创造出油画的新样式,让油画创造焕发出新时代的蓬勃生机。
参考文献:
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③贾永红.数字图像处理[M].武汉大学出版社,2003
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评价艺术作品的好坏最重要的标准是它的艺术性,所谓艺术性应该说是文化性,是所有艺术创作的出发点与归宿。用(独立艺术家,《天书》作者)的话说,优秀的艺术作品是能代表这个时代的最好的‘文化’。未来人们在回顾我们现在生活时代的文化的时候,首先能想到的作品就是这个时代最好的作品。它代表着这个时代人的所思所想,代表着这个时代的精神内核。既然创作的是文化,那么绘画,或者说油画,就不是这个时代我们可以采用的唯一媒介,甚至在这个时代,绘画都算不上是最理想的媒介。我们有摄影,有影视,有各种各样更有利于表达艺术性或表达时代文化的媒介。那么在这个时代油画又能做些什么呢。
在我们这个时代,艺术领域中架上绘画可以说是传统的甚至是保守的表达方式,在今年的上海国际双年展上,真正意义上的架上绘画只有一个艺术家在做,影像占了大部分,其余的是装置。先不论他们表达的精神,文化有没有价值,显然艺术家找到了更好的表达精神的媒介。
在当下作为架上绘画的油画还是可以创作出好的作品的。既然艺术本质上是创作出有价值的精神产品,那只要创作者是个有深刻思想内涵的人,他就能创作出好的作品。作为年轻的从事油画创作的艺术工作者,又如何去走接下来的绘画道路呢?85后90前出生的我们基本上产生不出什么有价值的思想,我们表现在画面中的所谓思想是很幼稚的。我们中的绝大多数人并没有深厚的优秀传统文化的积累。但是油画作为一个画种,依然有它无可替代的方面――油画语言的魅力。
绘画性是油画创作的一个突破口。油画材料有着丰富的语言表现力,可以像水一向流淌也可以像石头一般坚固。绘画性是油画特有的领地,是区别于其他一切媒介的特有表达方式,源于油画工作者对于油画材料的敏感运用,多年练习过程中形成的特有手感,以及对作品气息的控制。这在设计与摄影如此发达的今天绘画性就显得尤其珍贵。单纯写实的绘画在今天是没有生命力的,今天的图像是如此的泛滥,各种图像充斥着我们的视线。通过电脑的创意,图片可以实现各种你想像不到的奇幻景象。数字微喷技术把高清图像打印到油画布上,有纯粹写实绘画无法比拟的便利性。单纯的构成是学设计的人可以做的,而且可以做的很好,而唯独笔法与材料的运用是油画所独一无二的,他是一个画者,在多年的绘画中由心而发的一种感觉,是从事其他领域的人所无法达到的,这是绘画者的独特性与唯一性。当然精湛的技艺并不足以产生好的作品,但是在未来好的作品却要伴随着精湛的技艺。作为年轻的绘画工作者,不妨先从绘画性上入手,这是产生好的作品的前提条件。绘画时关注点在画面上,注意绘画性。生活中关注点在艺术性上,关注思想性,精神性。当创作者的思想达到一定的高度的时候,你的思考会不自觉的体现在作品中,而不是现在向作品中强加一些不成熟的想法。
选某种风格的技术手段并不代表选择了某种思想,不能奢望通过改变效果来改变你的思想高度。风格只是代表了你对于绘画的喜好,想让你的画面呈现哪种效果。对于年轻艺术家来讲应该寻找自己的绘画语言体系,并把它发展成自己的特色,为思想的注入做准备工作。其实在选择何种表达方式的时候,实际上已经有了相应的偏好,这种‘偏好’就是你最懵懂的思想。当然也不能独断的说先有技术后又艺术,这两者应该是在不断的磨合当中慢慢的形成的。艺术家需要有一个成熟的过程,思想不断深化,技术不断发展,当两者达到成熟状态时,好的作品才能产生。
以南京艺术学院教授毛焰为例,毛焰老师的作品可以说是技术性与艺术性的完美结合。是这两方面共同形成了毛焰老师的艺术成就。他有令人赞叹的绘画语言,描绘人类的精神世界,通过游走于精神末梢般的精致刻画,使画中的人物仿佛灵魂出窍。毛焰老师有独到的绘画语言,而且在艺术上,他的立意较高,站到人类的精神领域(图1)。可以说是它的技术语言帮助他完成了精神的表达。但单从绘画性上他的作品也是无人能及的,这种油画特殊的魅力是其他艺术门类无法复制的,是油画语言所特有的。南京艺术学院张新权教授最有名的作品是轮船系列(图2),他用一种近乎写意的笔法描绘工业时代的庞然大物。油画语言的特殊魅力在他的作品中表现的淋漓尽致,精湛的技艺站到了工业文明的高度。张老师最初画风景的时候就是寻求一种下笔落定不去修改,书写似的绘画语言,并慢慢的把这种绘画语言运用到描绘历史风景的高度,使张老师的艺术有了更高的价值。单从绘画性上讲也是令人惊叹的。南京艺术学院邢健健教授的作品中有很多是速写性质的,在绘画语言上是很独特的,充分运用了油画材料的独特魅力,作品的绘画性很强,是其他画种无法替代的。邢老师又能把这种独到的绘画语言在艺术性上提升到很高的高度。邢老师的近作《伟大的墙》就是用速写的方式画几百幅历史人物的头像,把它们摆放成一面墙,这样用独特的绘画语言描绘历史的图像,使邢老师作品有很高的艺术价值。绘画作品应该可进可退,退有绘画性,进有艺术性。
油画在今天的价值在于它的无可替代性,既独特的材料运用所形成的绘画性。正是因为当代艺术正在远离绘画,对于要继续从事油画创作的艺术家来说,油画自身的语言表述力更成为不可取代价值,也成为油画本身继续存在的理由。当然这样说并不应该成为为技术论的理由,好的作品依然是用精神价值去衡量的,但作为年轻艺术家,不妨以绘画性作为自己艺术生涯的开始。(作者单位:南京艺术学院)
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一、油画风格:
风格是人们常常谈论的话题。“谈到绘画的风格,又常常把它和流派联系在一起。从意义上说,风格是作品艺术特点的综合表现,是一种艺术语言,它包含了内容”。一部美术史,上下几千年,甚至可以追溯到更远,但发展到出现油画的阶段,是数百年的事。油画风格流派博杂,尤其是当今的时代,艺术样式更是林林总总,数不胜数。艺术风格是一种气质,是艺术家的生活阅历、文化素养、思想感情包括天赋禀性等等因素在作品上的综合折射。艺术观念随时代的变迁而发生着变化,但是对纯艺术来说,“风格是人”却是不易之理。“艺术的品质贵在直率坦诚内容形式,它不容丝毫矫情。也排斥强自为之的做作。性情率真,格调自然流露。所以我认为油画风格是由画家自身所处的时代及世界观所表现出来的一种属于自己独特个性的一种绘画形式。从某种意义上说它又具有一种标志性,比如说一看到向日葵,大家都会知道这是凡高的画。艺术都应该有属于自己的风格,因为艺术风格是艺术家的一种创造个性与艺术作品的语言、情景交互作用所呈现出的相对稳定的整体性艺术特色。风格是一个艺术家创造个性成熟的标志,也是一幅作品达到较高艺术水准的标志;它又包括艺术家个人的风格,也包括流派风格,时代风格,民族风格等。
二、绘画语言:
美术的基本语言元素是点、线、面、色,任何美术种类的任何语言表达方式都是在这四个基本元素的基本上形成和演化开来的。绘画语言是指画家用一定的手段和工具材料,使艺术作品获得的视觉感受形式。绘画语言包括线条运用、明暗色调、色彩原理运用、空间、透视、构图和笔触等绘画元素。完成绘画作品不仅是表现形式的作用,而且还要有内容的体现,精神内容的传达,即所谓的绘画主题。绘画的内容与形式,密切相连,形式是观念、情感和技术的体现。由此看来绘画语言实际上是包含了技巧、形式和内容的有机融合。它是一个相互制约,相互渗透的有机整体,画家的情感是靠特有的绘画语言表现。这种语言的运用,是根据画家自身的艺术表现力而愈具特色。所以,对绘画语言所占有的深度和广度是检验画家艺术水准高低的标准。绘画语言的不同运用,产生不同风格的绘画作品。
油画用笔作为绘画语言的独特表述形式同造型、色彩一样是情感的符号,精神的载体,具有独立的审美价值。艺术门类的表现手段称作“语言”,不同的门类,有其不同的语言。艺术家的绘画语言要求真诚、精到、优美,有自己的个性。绘画语言的形式、发展、变化取决于艺术家个人对自身、对世界的主体认识与价值态度的更替。绘画语言应是敏锐的,深刻的和富有激情的。这种绘画语言形式,必须是艺术家内心深层次对现实的反映以及对诸多因素的整理、增减、强化和净化。
三、油画风格和绘画语言的关系以及自身的看法:
贡布里希说没有什么艺术史,只有艺术家。过去一切只是那些人的演绎,他们留下的是风格,画的面貌就是语言。油画风格和绘画语言是一种相辅相成的关系内容形式,油画风格是一种目的而绘画语言则是一种形式,两者是密不可分的。有什么样的绘画语言就有什么样的绘画风格与之相适应论文格式。无论什么风格的油画都是利用绘画语言并按照创作需要和美的规律与法则对现实生活进行抽离、集中、概括和综合等艺术处理。
绘画语言构成一副画的基础因素,而我认为任何绘画因素只是表象而这种表象却又是客观的,如何反映一幅画的真实情感才是最重要的。无论是油画风格还是绘画语言表现出来的都应是有灵魂或是有精神的东西。其中灵魂、精神是种抽象的概念,构成这种概念的因素就是形式与内容。
人类起初开始时都是注重表象,由于照相机的出现人们注重写实。当然又因为人类本身的不满足,觉得这样是不够的。从19世纪末叶开始,西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和,因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创作原则,艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然,而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介,以想象、幻想等方法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。凡高以奔放的笔触,使浓厚、明快的色彩充满强烈的力感。表现内心情绪的不安。高更以象征的色彩和造型构成画面,作品的空间与传统的形式相违,具有非描述性的神秘气氛。塞尚探研用几何形构成艺术形象,创造出画面是一个富有自身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。在20世纪油画中,由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化,甚至被推向极端,油画形式语言受到高度重视。近百年来西方现代油画流派纷繁,相继更替,只要以油画工具材料为造型媒介,艺术家可以创作任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大,导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位趋势。我觉得这个演变的过程是一个在不断完善的过程。
形式有很多种,内容也是一样可以分为简单内容、一般内容、复杂的内容就如同儿童画、中国画、世界名画一样。最终都是要表现一个人的内在思想,这才是最重要的。如何表现那就要看你对同一事物认识的深刻性了。有句话“至广大,尽精微”这是所有艺术的标准,衡量它的并不是技法内容形式,而是修养。或许由于我们崇高这一标准向陷入语言的无奈困境但绝不是因为追求标准的错,而错于亦步亦趋的思维方式没有文化意志和精神倾注。任何技巧都会使油画走向堕落。堕落的绘画是逃避时代的做任何事都需要精神和意志的控制。我们知道打仗之首是要激发战士的斗志,如果只是凭手中的刀枪厉害就没有中国革命的胜利,艺术之所以伟大,是因为它不能自然而然的产生“艺术等于人加上自然”—培根。吴冠中先生说过“笔墨等于零”,脱离了具体画面的孤立笔墨,其价值等于零,正如未塑形象的泥巴,其价值等于零。同样只注重形式和表象那你就什么也没获得,一幅画没有生命力的画也就成了装饰画。
总结:
每个时代都会产生伟大的油画家,他们对生活的认识与体验是相通的,他们的精神是一致的。所不同的,正是艺术语言的使用与艺术风格的形成。绘画语言正像法国画家莫罗所说的那样:“它是上帝的!人们从沉默的艺术中理解到雄辩力量的那一天将要到来,绘画语言的特点、本质以及对人们内心的感召力是无限量的。对于它,画家已付出了全部的精力和心血。运用线条、色彩、图纹以及造型的力量唤起思想:无论是绘画风格还是绘画语言表现出来的都应是有灵魂有精神的东西,这是所有艺术家所要遵循的,也是我在绘画这条道路上不断探索的。”
参考文献:
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在艺术创作中,艺术体验是指艺术家对生活的感受、观察和思考,也是进行创作的基础。艺术家在进行创作之前所认识到和体验到的东西使其精神上产生一定的反应并形成情感体验,它是油画创作的基础和最初动因。所以,艺术体验就是艺术家在自身的生存状态和对周围事物的主观感受中获得的情感体验。他们创作的任何作品,都有一个足以激起其创作欲望的直接动机,对周围的世界有独特的感受、体验和理解。以《伏尔加河上的纤夫》为例,列宾亲眼目睹一群衣衫褴褛的纤夫艰难地拉着纤绳,歩履维艰,强烈的体验促使他迫不及待地要将这一难忘的场面记录并表现出来。画家将每个人物的表情、神态、动作都塑造得十分真切,映射出当时劳动人民对艰苦生活的苦楚与无奈,对残酷命运的抵抗与挣扎。这幅伟大的创作是画家在当时真实的艺术体验,也是其心境的真实写照。所以,艺术家应仔细观察和感受周围的生活,切身体验生活,使艺术体验与内心情感得到升华,并由此激发创作欲望,这样创作出来的作品才能够真正感染观者。当艺术家个性化与充满愿望的幻想在其创作中得以实现时,他的作品才能够变成真正的艺术作品。
二、油画创作中的艺术构思与情感
油画创作中的构思活动,就是艺术认识上升到理性认识,并按照艺术现象进行提炼、加工。这一过程中,情感是一个非常重要的心理因素。画家对客观对象进行主观审美改造和艺术加工,把自己内心真实而深刻的认识和感受通过画面的形式展现出来,使情绪和情感得到抒发,从而形成完整的、艺术构思独特且感情丰富的作品。著名画家毕加索在进行创作时,注重直觉的理念,善于运用一些抽象、概括的形体和夸张、立体的表现手法表现直觉的感受。他的许多作品中充满了动感、刺激、夸张的形象,如《格尔尼卡》(图1)、《亚威农少女》(图2)等。在创作《格尔尼卡》时,毕加索刻意选用低沉、阴冷的黑、白、灰三色进行表现,采用象征与半抽象的立体主义手法表现画面中的人和物。这些看似随意却构思精细、严谨的变形图,映射出毕加索对无辜受害人民的痛心与对法西斯暴行的强烈愤慨。托尔斯泰认为艺术就是情感的传递,绘画艺术在于通过独特的艺术构思和形象的艺术语言引发人们内心的感应,使人与人之间能够更好地交流。
三、油画创作中的艺术表现与情感
油画创作的最终成果是艺术作品,油画艺术家的艺术体验和艺术构思,必须经过各种艺术媒介和艺术语言才能够形成最终的艺术作品,也就是最后呈现出来的艺术表现形式。艺术表现形式多种多样,不管是对艺术语言的塑造,还是对艺术手段的处理,都是用来表现创作者的内心世界的。所以情感不仅表现在艺术的创作过程中,更重要的是体现在艺术作品里。油画创作中的情感即艺术情感,是油画创作中不可缺少的元素,它源于自然情感而又高于自然情感,是艺术魅力的发源地和生生不息的原动力。从创作之初对客观事物的体验与观察到创作过程中的构思与提炼再到最终成果的表现与抒发,情感一直贯穿其中,发挥着不可替代的作用。总之,情感在油画创作的整个过程中始终发挥着举足轻重的作用,没有情感注入的艺术作品就没有灵魂和思想。我们在进行油画创作时,要积极融入情感因素,这样才能创作出包含时代气息、具有独特艺术魅力的油画作品。
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色彩是人类所共有的,不受国籍、民族、地区等的限制。绘画和音乐一样,是一种人类共享的艺术,也是人类表达情感的一种语言,更是进行审美的一种方式。油画中的色彩给人强烈的视觉冲击,是油画内涵的重要表现元素,缺乏色彩的油画是没有生命力的。色彩是主观意念的表达,是可见的判断依据,也是客观现实。色彩的丰富性在于利用不同的组合和排列,能够呈现出不同的效果,以此展示画家丰富的情感世界。在现代油画作品中,色彩是不可缺少的、特殊的艺术语言,具有不可替代的重要地位。每一位油画家都有用色的特点,从而表现出不一样的风格,优秀的油画家总是善于组合和排列色彩,以此表达情感和呈现创作意图。油画作品中有和谐也有扭曲,这些都是为了表达情感,通过艺术形象将情感呈现给观赏者。由此可见,色彩自带艺术性,油画家运用其艺术性表达情感,给观赏者带来美的体验,也展现出油画特殊的艺术魅力。
二、色彩在油画中的地位
随着色彩种类的不断丰富,油画艺术有了更多的表现形式。中西现代油画艺术中的色彩也由以前的单一变得多元,由平淡的用色到大胆的组合,从表现客观事物到展示内心情感,色彩的变化给油画艺术带来了巨大的影响,油画家有了更多的色彩进行情感表达。中西油画创作中,色彩是重要的构成元素,更是表达情感的工具。从心理学角度看,色彩对人类而言十分重要,在文化发展中起添砖加瓦的作用。从西方油画艺术的发展过程看,色彩不仅以形的方式存在,还具备审美功能,拥有表达情感的重要作用。油画家只有将情感寄托于色彩中,才能创作出有感染力的油画作品。
三、色彩的象征性
在中西现代油画艺术中,色彩往往具有深刻的象征性。随着时代的发展,色彩表达的情感有所变化,范围不断扩展,内涵也在不断深化。在西方油画作品中,象征性的色彩使用得较多,这时的色彩不仅表现具象事物,而且具备象征抽象意念的作用。现代油画作品中,色彩的象征性明确,象征内容也十分丰富。目前,色彩的象征性被广泛运用,已经成为油画创作中一种重要的表达手段。西方现代油画家常常利用色彩的象征性阐释创作意图,通过对色彩进行组合和排列以突出作品主题。
四、色彩在油画创作中的作用
1.意念载体在油画艺术中,色彩元素具有强烈的视觉感染力。首先,色彩是油画作品的生命,不仅能够表现画面内容,增强画面的感染力,还能表达作者的思想与情感。其次,色彩是寄托意念的主要手段,画家运用色彩元素进行油画创作,色彩是画家与观者共鸣的桥梁。2.艺术语言油画创作是用色彩塑造形体的过程。中西方的历史文化有很大差异,所以在审美观念上也会有差异。画家对审美的认知不同,在色彩运用方面也有差异。但是色彩是人类的共同语言,无论画家怎样运用色彩,目的只有一个,就是要表达自身的情感,这是画家创作的一个共同点。他们对色彩的不同理解方式使他们能够创作出有特色的优秀作品,让受众得到不同的情感体验和审美感受。结语色彩和人类共同出现,它存在于人们的生产、生活中。色彩能丰富生活和心理感受,不同色彩和处于不同环境的同一色彩都能给人不同的情感体验,色彩是油画传达情感的重要媒介。中西方在文化、地域、宗教、生活习惯等方面的不同,造就了中西方油画色彩情感表达的差异,但油画作为一种艺术,其所承载的情感有着异曲同工之妙。
参考文献:
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一、吴冠中《荷花》作品中的空间造型
《荷花》作品是由油画去表现画面的,作品中主要是用粉绿大红土黄银灰色褐色这几种颜色,画面主要色调是以粉绿色为主,画中主要是表现一个湖水中的一群荷花叶和即将开放的荷花苞。吴冠中在法国留学期间,受其老师苏佛尔皮教授的影响。苏佛尔皮教授对吴老影响非常的深远,苏佛尔皮教授说观察对象时的感受是最重要的东西,像饿虎扑食,咬透捕获物的灵与肉,而且艺术应该分成两种,小路艺术娱人,大路艺术撼人,吴老深受启发。《荷花》这幅画透出的意境也是震撼人的,画中表现出花朵即将盛开的往外使劲延伸的力量。画中省略了很多细节,但意境幽深,留下的都是精华的东西。吴老受西方造型的熏陶,也表现在这幅作品中,画中的空间感很强还有透视的处理,荷花明暗和光影的表现。前面的荷花明暗对比强烈,后面的就虚了,应为西方的绘画注重表现物体的空间造型,用透视去表现空间的延伸感。
这幅《荷花》作品既有西方的空间感又有中国画的意境,我认为是一幅用西方的技法去表现中国画中的意境的一幅作品,西方主要强调空间造型,而且表现的工具大部分是用油彩,这种颜料给人一种厚重的感觉。而中国画重画中的意境,追求作者画画时的想法,而且工具上是用水墨。荷花作品用油画颜料表现了中国画的意境。
我的创作也是借鉴吴老的《荷花》这幅作品,想用油画颜料表现画的意境,怎么把油画工具用在表现意境上,是我这幅毕业设计要研究的问题。油画工具,颜料的调和是用油调,油与水比较,比较好掌握,不会让颜料融化的很快,很好控制,油画颜料的遮盖能力非常强,即使没有干,再罩别的颜色也能罩上,所以很多的油画都可以画很长的时间。油画颜料中的象牙黑是透明颜色,用象牙黑时里面要有底色,而且要画很多遍,才能黑。吴老的《荷花》作品中黑色中也扁土黄褐色的颜色,能看出来画中的黑色是画了很多层的。我的毕业作品也这么表现。西方古典的画画习惯是每画完一遍后,要用工具清理画表面的凸起,保证画面越平整越好,但是吴老的这幅画就没有清理凸起,而是特意的保留,为了突出运笔,增加画面意境的表现,这与中国画中追求运笔很像。我也借鉴了这一点。《荷花》作品的构图整体呈s型构图,s型的构图看着很漂亮,舒服,是很早就有的构图的形式。后面的湖面和前面密集的荷花形成了强烈的对比,平衡了视觉感,前面的一堆荷花才不会看着有拥挤的感觉。荷花作品的颜色也很漂亮,正常的荷叶都是绿色的,但这幅画中的荷叶是粉蓝色的,吴老对颜色进行了变色处理,虽然没有粉蓝色的荷叶,但观看的人却没有觉得奇怪,反而感受得到荷叶的生机勃勃,也突出了画中的意境。我也要学习吴老对颜色运用的技巧。表现出我要的意境,通过各种技巧方法的运用,用油画颜料也能表现出不同的味道。
《荷花》作品的空间感很强,利用散点透视表现画,虽然这幅作品没有像传统油画写实的画,但表现的空间感觉是差不多的。画中运用中国画的运笔等技法表现了画中的空间感。
二、吴冠中《长江万里图》画中的形式美
吴老1973年到1974年创作的《长江万里图》,为人民大会堂绘制的风景画,作品主要色调是淡蓝色,画中前面的几株松树高低错落有致,松树并排着有高有低,形式上很有美感,远处几座房子错落的非常好看,房子的表现方式是点线面的穿插结合,画面很有节奏,吴老充分利用了点线面的特性。画面中只有前面的松树稍稍作了一些细节的刻画,剩下的景物都是很抽象高度的概括,使画面空间感很强。这张作品在吴老的作品中属于很写实的作品了,里面还保留了很多古典油画的一些东西,没有高度的概括。《长江万里图》表现出气势磅礴的意境,人们欣赏着长江的伟岸,就好像长江是个有倔强脾气的孩子一样。
形式美是吴冠中艺术的基本的特征,因为吴老正处在艺术的低峰期,很多人对吴老的这种绘画观点进行打击和压制,但吴老没有屈服,而是出版很多书籍,甚至还专门撰文讨论摄影与形式美的关系。他坚持认为,绘画的本质是通过形式美来体现美感的,吴老说画家当然起码要具备描画物象的能力,但关键问题是能否敏锐地捕捉住对象的美,如果说西方古代艺术的主体是客观真实,其中潜伏着一些美感,那么现代绘画则是在客观物象中扬弃不必要的物件叙说集中精力捕捉潜伏其中的美,而将它奉为绘画的至尊者,绘画之门道在形式构成中。表现中形式美是很重要的,是画面的主体,画面中的物象排第二位,长江万里图的形式美感体现出画中的意境。
《长江万里图》表现的形式是根据它的内容题材而定的,因为它是要挂在人民大会堂所以表现出的气氛要庄重,不能像吴老原来的表现江南水乡的作品那样活跃轻快。画中要表现出长江的气势磅礴,表现形式上不能抽象的用简单的点线面去表现,所以画中有很多的写实的东西在里面。同时也表现出吴老的艺术功底。
三、结语
艺术作品的价值寓于真情实感。创作出真正有价值的作品必须具备的能力,但他的出发点是真情。具备这些复杂而艰难条件的作者不是很多,真正杰出的作品是很少的,古今中外,都是不例外的。风格的诞生缘于情感的赤诚,虚情假意是绝对伪造不出这样的风格的,毕加索说创作时如同从高处往下跳,头先着地还是脚先着地,事先并没有把握,自己无从事先设计自己的绘画风格。
我的创作就是跟着吴冠中的脚印,让形式美在现代艺术中有不同的感受,画面的意境是最重要的核心,围绕核心试着运用形式美去表现画面,画中的内容不是很重要,重要的是感觉,画面表现出的意境。在艺术创作之中寻求自己的个人风格,像毕加索说的画前都不知道画会不会成功,优秀的作品是真时的情感,不是设计。我用西方的油画燃料去表现中国的山川,不是用很厚重的铺,用很薄薄的一层去表现创新。表现那种意境在其中,而不只是简简单单的写实。