引论：我们为您整理了13篇艺术风格论文范文，供您借鉴以丰富您的创作。它们是您写作时的宝贵资源，期望它们能够激发您的创作灵感，让您的文章更具深度。
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无论是中方还是西方的动画片，在美术的设计风格看，各国动画创作者都从本土的传统艺术形式出发，从中吸取本土文化的养料，并形成了各国独特的表现形式，创造出属于自己的艺术风格，在美国动画美术设计风格中连环漫画起到的影响是最大的，具代表性的作品如动画作品中的《大力水手》等，初步构成美国动画片的艺术风格。西方动画片多为剧情片，注重刻画细节，动物形象的设计多以夸张的手法处理，形象逗趣，“米老鼠”等形象成为著名的西方动画形象代表风格象征。人物设计的风格一般造型巧妙、个性突出，取得了完美的画面效果。以美国动画设计风格为首的西方动画，影响了许多其他国家的动画作品创作思路和造型风格。中国早期动画影片的形象在很大程度上吸取了西方的动画形象，但在中国动画风格的形成过程中，影响最大却要数中国古典的传统艺术形式。在中国传统戏曲的影响下，中国动画形成了自己独特的意象化表征，如在《大闹天宫》与《天书奇谈》等动画片中，中国传统戏曲风格都得到具体的体现。例如影片中动画人物的脸谱化处理，形象生动的表现了人物的心理状态和性格特点。在中国动画美术设计中绘画表现形式是很丰富，在单线平涂的形式中有重彩和工笔，儿童画、岩画、壁画等各式各样的动画更是独具风格。
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二、装饰绘画的语态认识观
装饰绘画灵魂是求美，形式美感高于一切，即形式高于内容。这正是装饰绘画区别于其他画种的重要特征，同时也是“装饰绘画艺术功能在各种绘画中比较起来更长于歌颂、象征、启发、诱导”…的原因。正因如此，装饰绘画被有些人认为是肤浅的，缺乏崇高的审美理想，而难登大雅之堂。艺术就像一个大舞台，各种艺术形式就像不同的演员，它们在艺术的舞台上极尽能事表现自己，目的是在愉悦中教育观者。在这里，只有小演员，没有小角色。任何一种客观存在的艺术形式，都有他们赖以生存的环境和条件，当然这是以社会发展的需要为前提。
现代科技的发展，网络技术的应用，使得“全球化”的生存趋势也影响着艺术领域，艺术语言、艺术风格趋向国际化、多元化，而多元化、民族化的文化特征，使得装饰绘画在现代社会显示出特有的生命力和特殊的艺术价值。装饰绘画有它自己独特的艺术风格、语言形式，审视装饰绘画的语态认识观，具有现实的社会价值。
1．装饰绘画的“现代”时态认识观
“现代”时态的语态认识观，是将装饰绘画的语言，放置于当下的时代文化大背景之下，使装饰绘画的本体语言保持着鲜明的时代特征。装饰的风格是以特定的时代背景和中心思想为基础一～诸如宗教、哲学、王权、风俗、实用和唯美等意识形态所产生出的装饰艺术，往往会形成一种不同于前一历史时期的艺术风格。已故工艺美术家陈之佛先生曾说：“装饰艺术即是思想的表性，故装饰亦与其他美术同样有其时代的背景。埃及时代的装饰，希腊时代的装饰，罗马时代的装饰，文艺复兴时期的装饰，王权中心的装饰，自然各自由时代思想为背景而表现出来的。”由此可见，任何艺术形式、美术样式都不能脱离当下的时代文化背景。要坚持装饰绘画的本体语言，就必须将其置于当下文化的时代大背景之下，只有坚持“现代”时态的认识观，才能更准确、更有效地反映时代的精神。
(1)全球性、多元化的时代背景
当我们穿着牛仔裤，吃着肯德基，喝着可口可乐，看着世界足球赛，挂在互联网上聊天、购物，欣赏着高清好莱坞大片，谈论着次贷危机、金融风暴的时候，所有的这一切都在提醒着我们，在人们的13常生活中，正在发生着全球化的过程。“全球化”是一个涵盖了经济、政治、社会、文化的多维、复合的概念。全球化不仅带来了全球经济的相互依赖，也带来了文化的多样性发展。当代中国文化正处在全球范围的国际性文化交流的大环境中，中国艺术也在这样的语境中转型。一个民族的艺术想要得到振兴发展，必须吸收他种文化先进的、科学的、有益成份，经过异质同构，使民族民间的艺术获得新生。“当一项艺术开始拒绝向另一项艺术吸收营养时，它就开始僵化了。”丁韶光先生的重彩装饰绘画，就是传统中国重彩画与西方现代观念的完美结合。丁韶光先生的画作融中国线条、中国风格的重彩、敦煌主题，以及西方画家毕加索和马蒂斯创作中的平面变形人物于一体，形成了一种风格独特的现代装饰重彩画。由于有中国古代工笔重彩的传统技法、又有西方装饰绘画的韵昧以及世纪末分离派艺术的情趣，丁先生的现代装饰重彩画作品能为东西方普遍接受。
(2)后现代主义的文化特征
后现代主义也是当下文化的一个重要特征。后现代主义是20世纪60年代在西方出现的哲学思想潮流，它深受尼采、弗洛依德的影响，表现出深刻的怀疑主义和反本质主义。在后现代主义思潮的影响下，后现代主义艺术家试图突破传统审美法则的约束，淡化和消解艺术与生活的界限，主张艺术贴近民众，大量采用大众传播媒介。在多数作品中带有某种戏谑的调侃的意味，带有强烈的娱乐性。后现代主义的艺术探索，实际上都是要求改变以往西方文化艺术“人”的“主体”和“物”的客体相分离、相对立的状况，以人们需要为本，进入“人”和“物”、“主体”和“客体”相联系，相融合的更高的境界。它的一个突出特点是强调同传统文化的联系，在其创作中，传统被引用、被改造和重构，使之生成新的意义。后现代主义思潮的影响下的装饰艺术吸收历史上各种装饰风格，汇集了各种文化、历史、美学和视觉语言的材料，表达出了从未有过的多种多样的方式；鲜亮色彩的不调和，在自然中看似矛盾的材料组合，奇异造型的堆砌，让材料自身说话，以表达个人情愫，使艺术呈现出纷繁复杂的局面。美国艺术家麦克·j·阿信布莱纳的作品常以玻璃、金属、麻绳以及树皮等材料制作，以表现“骨骼”为主，以此来象征战争之恐怖。他的作品通过综合材料和奇特的造型构成关系，给人的视觉和精神上带来强有力的刺激，风格独特、制作精细，给人留下深刻的印象。
(3)和合的审美趋势
自从“国家问世界”转变成了“全球世界”，许多知名学者提出了关于全球文明的见解，其中先生与张立文先生的学说最有代表性。先生认为经济全球化大环境下，我国文化应在“天人合一”、’中和位育”、“和而不同”的传统哲学思想基础上，加上新人文精神的追求，促进世界文化“各美其美，美人之美，美美与共，天下大同”的多元和谐共生状态；张立文先生指出，中国文化目前面临着人类共同的五大冲突：人与自然、人与社会、人与人、人与心灵、不同文明间。他根据和合生存世界(地)、和合意义世界(人)、和合可能世界(天)的原理，提出和生、和处、和立、和达、和爱，用和合观来化解冲突、构建新文化。“和”即和谐，和睦，和平；“合”即融合，结合，合作；“和合”即是两种以上不同要素的协调、结合、融合与和谐。和合包括了冲突和融合，冲突是融合的原因，融合是冲突的结果。这些不同的要素处于共同存在、共同生长的状态。
滕守尧先生在《审美文化与艺术生存》一文中指出了文化与艺术的关系，“一种健康的文化最终必然发展成一种审美文化，而审美文化就是以文学和艺术为核心的文化，就是物质生活不断向审美和艺术的层面提升的文化，也是真、善、美融为一体的文化。”张先生的“和合”的文化观建构了“融突”、和和愉悦、审美意象，以及审美体验的主客体、情与景、心与物、善与美的融突和合。这些和合美学要素的构成方式，是最具生命力的方式，是艺术创造和心灵境界的生命活动。但它们只有在融突和合中才能获得生命的存在、延续以及发展，“全球化”、“多元化”、“后现代主义”、以及“和合”的审美趋势，是装饰绘画本体语言的大语境，装饰绘画的本体语言要保持鲜活的生命力，就要坚持“现代”的语法时态。转2．装饰绘画的“主动”态认识观
装饰绘画本体语言的演进和丰富是一个主动的过程，它在不断地自我增益、完善中成为了语汇丰富、句式多样的语言形式，它不断以主动的姿态完善自我，作为主体的创作者也应以主动的姿态坚持装饰绘画的本体语言。
自然界的物种多种多样，才使得整个生物世界的生态保持着平衡；人类的艺术世界也因为不同艺术门类，不同画种各自独立的面目，才使整个文化艺术世界生机勃勃。纵观人类艺术历史的发展，我们可以发现：每一个艺术门类都具有其它艺术门类不能替代的本体语言。同样是戏剧，话剧不能代替歌剧；同样是曲艺，相声不能代替小品；同样是绘画艺术，油画不能代替版画，水粉不能代替水彩，装饰不能代替装饰绘画。不同艺术门类的本体语言构成了艺术种类的多样性，这种多样性的根源，就在于客观社会生活的丰富多彩和人们审美感觉能力的丰富多样。装饰绘画以其独特的面目和形式，记载和表达了人类的情感，扩大了人类的审美感受，丰富了人类的精神世界。如果装饰绘画不坚持自己的本体语言，而向某一大画种看齐，那它就没有继续存在下去的理由，因为装饰绘画原本就是借助于别的画种的表现方式，由于具备了自己独特的风格而得以脱离依附，具有任何画种不可替代的审美价值。装饰绘画如果放弃自身的本体语言，就等于放弃了装饰绘画本身。
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李叔同在1918年旧历7月到杭州虎跑定慧寺披剃出家，这一年的9月在杭州灵隐寺，他受共49天的具足戒，此后就成为了一个“比丘”。《我在西湖出家的经过》这篇文章中，李叔同是这样陈述这段经历的：“落发以后仍须受戒的，于是由林同庄君介绍，到灵隐寺去受戒了。灵隐寺是杭州规模最大的寺院，我一向是很喜欢的。我出家以后，曾到各处的大寺院看过，但是总没有像灵隐寺那么好！”在1918年秋、1922年夏李叔同之后还挂单灵隐寺。李叔同出家以后的活动局限于浙江、福建一带，后示寂于泉州，且仅限于佛教界。出家后他在有生之年，研律、著律、讲律、弘律。李叔同曾在《发愿文》中说：“愿以今生，尽此形寿，悉心竭诚，熟读穷研《南山书钞》，及《灵芝记》，精进不退，逝求贯通，编述《表记》，流传后代，冀以上报三宝深恩。”所以，之后词、诗、文作明显减少，李叔同大量写作从内容上分析，都与弘扬佛法、护持佛法有关，除了诗作还有在各处的推崇佛法的演讲、对有关光大佛学的研究著作等所作序跋题记、有关僧人的疏铭传记，以及佛学论述也是如此。李叔同将其所余精力，都集中放在了佛学上，对于这一点我们都是有目共睹的，其特点与出家前大相径庭。
2.1佛学意味浓厚
大量佛学词语在李叔同所写题赞、题偈、说偈中随处可见体现了这一点，在此不多说了。其次，如《印光李叔同文钞题赞》、《西冷华严塔写经题赞》、《竹园居士幼年书法题偈》等等的李叔同写作大多和弘扬佛法有关，还有很多大致相同的序跋题记。识律师、心灿禅师、法空禅师、本妙禅师还由弘一李叔同作传。
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二、单体木结构装饰
我国古代木质结构建筑中，不管是民舍还是宫殿均由很多单独的建筑物组合而成，但是对于每个单体建筑物来讲主要由屋顶、屋身以及台基组成，不过在北宋时期将这三个部分称之为上分、中分、下分。下面主要围绕这三部分内容对北宋建筑装饰艺术进行分析。
1.北宋屋顶装饰特点
（1）屋面装饰特点。北宋大型建筑中以九脊殿为主，例如黄鹤楼和滕王阁均是采用九脊殿屋顶组合而成。九脊殿和四阿顶相比多了两个山花面和四条屋脊，欣赏起来形象更加丰富，而且还多出一些装饰位置，北宋屋顶装饰包含的内容比较多主要有正脊和鸱尾、垂脊和垂兽、走兽和嫔伽、瓦当和重唇板瓦、垂鱼和惹草等内容。
（2）正脊和鸱尾。在礼制思想影响下，北宋建筑等级较为严格，其中正脊和鸱尾受建筑物等级划分影响比较明显。建造时必须依照建筑物的等级，通过调节瓦的层数来确定正脊高度，另外建筑物等级高低还会给鸱尾大小带来影响。对现存的北宋建筑调查并参考相关文献得出北宋建筑鸱尾形象有两大特点：一是和之前鸱尾相比造型更为丰富，欣赏价值有了很大的提升。北宋建筑鸱尾除了边沿刻画有鱼鳍外，身上布满了鱼鳞，而且其嘴、眼以及头部位置的雕刻更为精细。整体形状也有很大的区别，有高度较高且呈现矩形的，也有高度较低接近于方形的。二是鸱尾的形象由鱼逐步向龙转化。通过对《瑞鹤图》中宣德楼鸱尾的研究，很明显能够感觉到眼、须以及鱼鳞等造型和龙的造型非常接近。
（3）垂脊和垂兽。北宋时期的建筑中垂脊由瓦垒砌而成，和正脊的主要区别在于高低和位置的差别。垂兽和唐代相比有了很大变化，垂兽由平板浮雕方式逐渐向立体龙头形象转变，其上唇向前伸，同时张开大口，不过后身仍然保持直板状态，形成了只突出头部形象而不露身躯的垂兽形象。
（4）走兽和嫔伽。早在隋唐时期垂兽之前，走兽并没有出现，当时建筑建设过程中通常使用三角形戗砖支撑上部的垂脊，到了北宋时期才添加了走兽和嫔伽形象。走兽和嫔伽在很多北宋建筑上都有体现，比如开封铁塔每层塔沿挑角位置都布置有嫔伽形象，雕刻精细，造型非常优美。考古工作者在北宋永昭陵甚至发现了陶制的嫔伽形象，由此可见北宋建筑中嫔伽形象已经得到了广泛的应用。
（5）瓦当和重唇板瓦。北宋建筑上使用的瓦以圆瓦当比较常见，并且在瓦当正面雕刻有、宝相花等图案。例如在北宋皇陵中曾经出土一批瓦当和重唇板瓦，并且瓦当上雕刻有兽面纹、莲纹等。整体来看这些瓦当和之前时期的瓦当相比，装饰性更强，而且图案各种各样，更加贴近人们的生活。
（6）垂鱼和惹草。这两种形象主要用于装饰屋顶山面，北宋《营造法式》对这两种的使用尺寸和位置有明确的规定：“凡悬鱼，施之于屋山搏风版合尖之下；惹草，施之于屋山搏风版之下，搏水之外。”其中垂鱼能够使拼接更加牢固，而惹草能够达到遮朽的目的。其实这两种物件的作用是保护椽头，避免雨水腐蚀，只是古代建筑建造者利用自己的聪明才智对其进行了处理。《营造法式》中“造悬鱼惹草之制”对垂鱼和惹草纹样做过描述“或用花瓣，或用云头造”。该描述和黄鹤楼建筑上的垂鱼和惹草形象基本符合。建筑物上的垂鱼和惹草能够很好地装饰山面，增加了山面的可观赏性。
2.柱子和柱础装饰特点
北宋建筑中的柱子造型多种多样，主要有方形、八角形等，其中圆柱占据很大比重。圆柱材质以石料为主，且圆柱上雕刻有各种花纹。在北宋现存的遗物中，晋祠圣母殿前龙檐柱和登封初祖庵大殿石雕柱均是北宋建筑柱子的典型代表，其中晋祠圣母殿前龙檐柱是我国现存的最早的木盘龙柱。初祖庵大殿石柱雕饰和《营造法式》中的描述基本相同，尤其对雕刻的花纹、人物等内容和其记载的完全一致。从雕刻手法上来看，其技术已达到较高水平，十二根内、外柱上雕刻的内容含有几十幅画面，植物和人物的安排非常巧妙，几乎没有雷同。例如，在莲花、荷花等花草中出现的化生童子形象各不相同，十分生动有趣。内、外柱使用的雕刻手法不同，在柱头和柱脚位置能够清晰地观察到内柱的八角轮廓，但是在柱身这八个棱面则融为一体，和雕刻画面起伏不定，只能大致分清正面和背面。其正面雕刻的是一个手持宝剑站立的大王，其头上雕刻有飞舞的降龙，脚下雕刻有云朵。背面雕刻有飞舞的双凤，采用的雕刻手法十分巧妙。宋代柱础大多使用仰覆莲和覆盆等形式，且柱础上大都雕刻有花草、动物图案，例如河南汜水等慈寺柱础上雕刻有多只玩耍的狮子等。不少柱础上雕刻有很多花纹，其中以莲花和牡丹花比较常见，例如，苏州罗汉大殿柱础上雕刻的有牡丹花纹等。另外，有时候即便使用同一种花纹其表现形式也多种多样。通过对北宋建筑的柱础研究，得出当时人们已经将柱础当作重要的装饰位置这一重要结论。
3.北宋建筑台基装饰特点
台基是古代建筑三分中的下分，一般使用砖石砌筑，当时使用台基主要为了增加建筑的气势，从而达到“高台榭，美宫室”的效果。为了实现和地面的自然过渡，需要建设成不同形式的台阶，其主要由阶基和须弥座组成。
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形象，是一把壶的外在包装；而人文，是一把壶的内涵底蕴。王寅春的壶艺创作坚持“源于生活而高于生活”的原则，不拘泥于传统标准和形式要求，善于挖掘内在文化价值，将中华文化内容巧妙融入作品中，制作了很多高水准、高内涵的壶艺作品。长期以来，君子文化一直影响着紫砂壶艺的创作，君子文化是中华民族独特的精神标识，也是中华民族特有的文化概念。“君子”二字代表了中国人独特的理想人格，包含了入世有为、自强不息、厚德载物、文质彬彬的君子品格等，在“汉君壶”上，君子文化的蕴意被充分地诠释了出来，给予人强烈的精神共鸣。“汉君壶”的人文特点无疑升华了壶的内在气质，使其核心价值得以体现。
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1为人生的艺术
万一战争爆发，罗兰和他的同辈青年一样，势必应征入伍，被送上火线。青年罗兰氶于在文艺上留下一点成绩，便开始了他的创作，其创作的目的不在于追求个人名利；他追求的是“光明”,是“真理”，他说：“我在地底下盲目地、长期地摸索，竭力设法达到光明之路。光明在那儿，我知道，如果我不是中途而死，我一定能达到光明。”后来《约翰•克利斯朵夫》被他写下。并且在第一次世界大战爆发的时刻，写下了被众多有识之士赞誉的《超乎混乱之上》，它能凌驾于国家边界，种族矛盾等问题之上。他无视当时的法国当局对他嗤之以鼻，仍然相信自己是正义且正确的观点。在《贝多芬.序言》中有几句曾经脍炙人口的名言，说得非常动人：“欧洲的空气污浊，令人窒息，快打开窗子吧，让英雄的气息吹进来！”几乎同时，他给友人索菲亚的信中又说：“我们需要找到给人以清新之感的灵魂。这种灵魂是不多见的，我们必须创作它。1916年，罗曼•罗兰被瑞典文学院宣布为当年的诺贝尔文学奖得主。被当时的法国抛弃的他，获奖后说：“这个荣誉不是我个人的，他是属于整个法兰西人民的。如果这个荣誉有助于传播使法国在全世界受到热爱的各种思想，我感到幸福。”胸襟博大，正如在《约翰•克利斯朵夫》中所写，“他不知道自己满腔的热爱在四周发射出光芒，而便是在这个时候，他自以为永远孤独的时候，他所得到的爱比世界上最幸福的人还要丰富。”西方的评论家把艺术分为两类，一类是“为艺术而艺术”；另一类是“为人生而艺术”。罗曼•罗兰的艺术属于后者。罗曼•罗兰的艺术以表现“和谐”为最高境界。他的主要作品《约翰•克利斯朵夫》和《母与子》，都是用最后若干页表现主人公临终前的心情时，突出“和谐”的意境。这正是作者的画龙点睛之处。他既强调艺术的社会作用，又强调艺术的个人主义特点；既强调艺术的现实性和斗争性，又强调艺术的“纯洁性”，甚至提倡“纯诗”。“纯诗”的说法是他在1934年5月给苏联作家协会写信时提出的：“必须为诗歌保留‘纯诗的沉思’的自由场所和精神的广阔天地”。他在日记中写道：“谁也没有像我这样提倡艺术家和具体现实的活生生的结合任何不以行动为归结的思想，不是流产，便是叛卖。我一贯努力使我的著作成为行动。”他认为必须“抢救”人的灵魂：“现在我觉得我的第一责任在于将人从虚无中抢救出来，在于不惜代价地给人灌输魅力、信念与英雄主义。”以上各观点，都体现在罗曼•罗兰早期创作的剧本当中。戏剧代表他的为人生而艺术的第一阶段。到了第二阶段，这种艺术观点主要表现为“人类爱”，正如托尔斯泰所说：“一切使人团结的是善和美，一切使人分裂的是丑和恶。”代表这一阶段的作品是《约翰•克利斯朵夫》。为人生而艺术的第三阶段，即最后阶段，从“人类爱”转变为具体行动拥护无产阶级革命，代表作品是《母与子》。罗曼•罗兰认为艺术应当为人生服务，应当发挥它的社会作用，它的最高使命在于增进人与人之间的互爱互助，互相团结，因为艺术的灵魂是一种博爱。
2豪爽质朴的文风
风格是灵魂的镜子，罗曼•罗兰的豪爽质朴的文笔成就了他的艺术成就，刻画了在时代的大风大浪中，追求光明、正义识分子形象，他无愧于“人”这个称号。他成功地塑造了知识分子典型，几个从个人奋斗、个人反击出发，在时代的风浪中受到教育，在艰苦的生活中受到磨练，逐步提高觉悟走上进步道路。他能够把现理想与现实的矛盾个人与社会的冲突分析和表现出来，也能够在反映这类矛盾冲突的过程中，将处于剧烈动荡与深刻变革中的社会生活的一些横断图展示给大家。罗曼•罗兰的文章，常常掩卷沉思，觉得这个作家豁达的气度，宽广的襟怀，和他的经常面向未来和全人类的激情，确实能使读者的精神世界也被引向无限开朗的地平线上，瞩目于辽阔和光辉的愿景。罗曼•罗兰认为在艺术风格上的优点只希望别人用诚恳二字来评价，他一生的最高奢望和抱负，就是能够做到始终如一的诚恳、真诚。罗曼•罗兰生平最憎恨文学艺术上的谎言。1959年增订重版的《内心旅程》中，有一段从1912年的日记中摘下来的话：“从全部文学中，经常出现谎话，像一团腐臭的烟雾，冉冉升起。谎话等于死亡。这些作家，如果他们有一种强烈的生活要表达，何至于这么说谎一切风格上的花花草草，都是发臭的有病的躯体上掩盖的衣服。艺术的第一条规矩是：如果你没有什么可说的，干脆闭上嘴；如果有话要说，直截痛快地说，别扯谎。”他对自己也是这样严格要求的。“真诚”分为两方面：一是提笔来写作品的原因是有话要说，而且非说不可；二是不要口是心非，想说什么就说什么，言必由衷。这两条说起来简单，但实际上都不容易做到。要做到，必须付出代价，下苦功，要正确地用最清晰、最准确、最直接和最简练的方法，正确地表达你要说得真实情况。“真诚”的先决条件，是言之有勿。罗曼•罗兰不止一次地强调这个艺术创作的大前提。在小说《比哀和吕丝》中，他写道：“你不应当去搞艺术，除非你所感觉的东西实在太多，绝对不能将它们闷在心中而不加以发泄”。创作是什么？创作是艺术家内心火山的喷爆。喷射出来的是光和热。不能设想，一个艺术家心中冷冰冰的，根本没有火山，却偏要假轰隆轰隆的爆发和喷射。不幸的是，这样的“艺术家”，世界上确实是有的。而罗曼•罗兰绝对不是这样的艺术家，也绝不欣赏这样的艺术家。罗曼•罗兰心中充满了非发泄不可，非表达不可的激情。往往他一个作品尚未完成，已经忙于构思第二个，第三个了。创作是他唯一的乐趣：“我所有的一点快乐，几乎全部从创作中得来。”总而言之，如果艺术家内心充实，不必借助于华丽的外衣，也能产生好作品。如果艺术家内心空虚，华丽的外衣，是足以证明他在说谎。罗曼•罗兰说：“一句漂亮的句子不是艺术。一处漂亮的笔触不是艺术。这都是物质标志，通过它们，眼睛瞧不见的艺术得以表现。艺术存在于艺术家的内心。”因此，在20世纪初，西方文坛正面形象聊聊无几，颓废派作家们塑造的那些意志消沉被《约翰•克利斯朵夫》的主人公战胜了，感情反常的有气无力的人物，在英雄消解的时代屹立不倒，并且与作品所描绘的强烈的具有正面价值的光辉图景一起向读者展示了向上的生命力量和不息的奋斗精神。罗曼•罗兰的一生是处在人类历史上可以说是空前重要的交叉路口。对于生活在这样一个历史时期的他来说，选择了正确的方向，罗曼•罗兰认为，人们精神的软弱，担当不起纯粹的真理，生命力强烈，对于浮华表面下虚假的艺术他给予无情的批判，尖利的嘲讽和苛刻地指摘，他认为，应摒除所有缺乏生命力的艺术，他要创作乐曲要震撼欧洲，他要把响彻世界的英雄交响乐建立在艺术废墟之上。在世纪末的欧洲，他恰似一盏指路明灯，探索拯救人类精神的方略，一生追求人类生存的真理，照亮了处于迷茫、颓废的人们前进的道路。在罗曼•罗兰的一生中，塑造了许许多多为其所定义的英雄，始终关注的就是—人，他有崇高理想，为传承西方人文精神做出了卓越贡献。莎士比亚的脂汁，伏尔泰的沃土，瓦格纳壮士们所饮的蜜酒，托尔斯泰纯净饱满的谷粒，还有斯宾诺莎那美妙的葴言为年轻的罗曼。通过罗曼•罗兰自己的融会贯通，化成他独特的生命泉流，罗兰提供了精神世纪的一切甘露，既有传承，又有发展，融欧洲历代思想家、文学家、哲学家的人文精神及自己人生感悟于一身，使濒临衰败断裂的艺术精神得到凤凰涅槃般的新生。
作者：兰铁梅 单位：辽宁省辽阳灯塔市中等职业技术专业学校
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作为“以意描形、意在而形神皆备”的独特画派，写意画历来讲究构图布局的设计运用。写意山水画也是如此，在淡化了对于景物对象的具体描绘之后，构图布局就成为了影响画作整体表现力的关键因素，从“一山一水皆为己之物，移置腾挪便知境有无”中就能看出构图布局的重要性。石涛深谙构图布局的肯綮之理，常于云游之际遍览景致，变换景物之性，融合己身所思，在构图布局上力求出新，所以其写意山水画的构图布局也每每给人以耳目一新之感。这种洒脱新奇的构图特色也使得石涛的写意山水画充满了意趣之妙。石涛的写意山水画注重以寻常之物入画，描摹其形而自出己思，其疏朗明妍的幽奇意境遂飘洒自成。在石涛的山水画作品之中，看似随意勾画的浅淡山峦、苍茫江湖、连绵芦岸、蜿蜒小道自然分布，粗看上去平淡无华，细细把玩顿觉丘壑万千、意境无穷，其构图布局所蕴藏的妙思奇想不由使人击掌称快、激赏不已。《淮阳洁秋图》即是颇能体现石涛构图之妙的典范之作，该画为石涛晚年定居淮扬胜地扬州时所作，对于构图章法的设计驾驭已臻化境。作者先预留出了画面最底部的空间进行粗笔晕染的浅色留白，凸显了秋日雾霭淡薄、江水苍茫潋滟的空濛之态。接着再对底部画面的起伏江岸进行晕化处理，以粗笔斜染出一条草色浓重的坡岸，坡岸之上垂柳摇曳、密槐高耸，坡岸东侧又随意散落着若干灰瓦人家；而在坡岸西侧，作者又以皴笔斜点出高低崎岖的坡岸、斜划出随风婆娑的苇丛，这一条随性挥划的坡线就巧妙地将画面底部的主体部分分割为东南、西北两部分，这两部分一侧浓深、一侧淡浅、一侧密重、一侧疏清，两片画面彼此呼应，使得闲适澹泊、幽深自得的渔家野趣相映而生、自然天成。而在坡岸的高槐、垂柳之上，作者又以连贯曲折的侧锋笔继续勾画出连绵起伏的江岸轮廓，用笔沉练、晕化浑厚；在滨岸的转弯之处则回笔以左侧留白，并用大量的涂染晕化对江岸的水岸相接之处进行晕化处理，这样江岸由近及远就呈现出了清晰隐约的变化之态；在江岸之上又用笔法一致而色彩渐淡的侧锋斜划出了深远的连绵密林，密林随江岸起伏延伸而呈现“之”字形的蜿蜒纵深之势，悠远淡幽的淮扬江色跃然纸上。在江岸的尽头，作者则用粗笔大片以浅色斜抹晕化，形成了江雾烟波的清空之态，在江岸尽头的偏西南侧，作者则用侧锋浓染出了一痕江岸，从而使其与对面东侧的疏淡江岸相互呼应，强化映衬了浩渺淡远的秋日江景。而在画面中心偏左的沧江之上，作者又以细笔侧锋轻勾出了一叶扁舟与一名渔客，此可谓神来点睛的绝妙之笔。统观整幅画作，蜿蜒纵深的坡岸、深幽绵延的林木以及浅色留白的江水浑然交汇、融成一体，悠远清淼的沧江飞烟澹阔之感布满画纸、流动摇曳，洒脱巧奇的章法布局与恬淡闲逸的高远意境水融，令人胸生江乡、品味无尽。
三、爽净明润的用色表现
石涛初学山水丹青之初，对于水墨较为偏爱，常自取水、自调墨进行创作，其在水墨山水的用色上也主要效法元明文人山水画的淡墨清约来进行。而在完成对于笔法技艺以及构图布局的提升改进之后，石涛开始尝试在保持己身风格的基础之上，大胆进行多种色调的撞合交汇，以求色彩表现的淡净轻朗和疏爽盈润。在石涛中期以后的写意山水画中，浅青、淡绿、白灰、褐靛、幽蓝等冷快莹润的色彩元素频频出现，这也使得其写意山水画的用色表现整体呈现出了爽静明润、匀和朗秀的鲜明特色。不惑之龄以后，石涛对于写意山水画用色表现的雕琢运用日渐纯熟，往往随地近取染料、以心作稿、旋即调色、乘兴挥笔，在用色表现上彰显出了随性潇洒的朗润盈爽之态。《溪南八景图册》是石涛暮年之时追忆壮年旅居皖南黟县溪南村的思怀之作，整体用色明润精爽、秀朗纤丽，其眷念旧居之情无不渗于丹青之间。该图册中有三册为水墨作色，余下皆为多色描摹。其中第二图册描绘了溪南村后山的清幽闲逸之景，用色以浅绿、淡黑、浅青为主。作者先以大片的浅青晕化擦染出了占据画面右侧大部的山间云岚，在云岚左下侧则以中锋细笔勾描出了淡黑色、浅青色相间的茂密林木与低矮石坡，色调清润深幽。在矮坡之上，作者以中锋直笔勾描出了几株较为突出的淡黑高树，在郁葱淡碧的林木之间，数间浅灰茅屋错落分布，与云岚、矮坡相呼应。而在茅屋人家的上方，作者又以略显浓粗的侧锋笔法斜勾出了起伏绵延的主体山峦，用浅绿、浅青双色自如稳转地罩染点抹，山坡之旁的灌木乔木用色深微匀净。浅碧山峦的尽头又是几户用中锋淡灰色所勾描的茅屋人家；在茅屋人家的右侧，作者以侧锋细笔勾划出了数株密布的淡黑乔木，并使其飘然腾立于右侧浅青晕化的山间云岚之上。细赏该作，淡远晴润的山峦遂连绵而起，沉深无尽的乡思悠然而生。
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(二)淮阳泥塑的文化背景
淮阳，古代称“宛丘”。地处周口市，是黄淮平原的中心，也是华夏民族文化的发祥地之一。据《路史•太昊纪》记载“:太昊伏羲氏，都于宛丘。”太昊伏羲在淮阳建立了中国第一个都城，称为宛丘。淮阳是“三皇五帝”伏羲的建都之地，伏羲死后埋葬在淮阳城北三里的太昊陵，后人又名“人祖庙”。[4]淮阳泥塑中以泥泥狗最具代表性，泥泥狗产地主要分布于太昊陵附近的金庄、许楼等村落。每年农历二月初二到三月初三，大型的祭祖活动在这里盛行。庙会上“泥泥狗”是最受大众欢迎的民间泥塑艺术品，“泥泥狗”又称“陵狗”，是祭祀伏羲的“神物”，当地人认为它是为伏羲、女娲看守陵庙的“神狗”，它是原始祖先崇拜、图腾崇拜观念的物化遗存。人们怀着祈盼与祝福来到这里祭祀，祈求生育繁衍，盼望着人丁兴旺。泥泥狗是意象形态下的物化实体，是人类生殖崇拜的表现物，是图腾文化在现代社会的表现形式，也是中原祭祀文化的“活化石”。凤翔泥塑与淮阳泥泥狗都有着同样深厚的文化底蕴。淮阳泥泥狗受地理方位的局限，上层主流文化没有太多的影响到它，更多的保留着朴素本原文化与生殖崇拜的原始思维理念。相比较而言，凤翔泥塑在漫长的形成过程中，受农耕文明影响较多，作品中运用大量含有美好寓意与精神诉求的牡丹花卉纹样作为装饰。
二、两地泥塑艺术风格的比较研究
(一)制作工艺的比较
凤翔泥塑随着时代的演变流传，最古老的制作方法已不可寻，但通过笔者在六营村的深入调查发现，这一古老的民间艺术品，依然以纯手工制作的方式代代相传，并且没有引入工厂批量生产的模式，而是以家庭作坊式为主要创作方式，利用当地粘性很强的“板板土”为原料，注水、添入纸浆进行混合搅拌，以此增强泥塑的坚韧性，使之不易破碎。艺人将混合之后的泥料灌入事先制作成型的模具，翻制成泥胎，再将泥胎晾干，打磨、抛光，随后上白、绘彩，制成空心的泥塑作品和浮雕式挂模。与凤翔泥塑不同的是，淮阳泥泥狗以当地特有的“黄胶泥”为原料，泥土取自于深层土坯。在制作工艺方面，与凤翔泥塑艺术也有所不同，淮阳泥泥狗以徒手捏制为主，尽管现在有部分的手艺人，采取了效率更高速度更快的制模倒型的制作方式。但据笔者了解，在当地大多数手艺人依然采用传统捏制手法，用和好的“黄胶泥”捏成要表现对象的大体形状，再用简单的工具塑造对象细节的部位，捏制过程是整个塑造的关键环节。而泥泥狗泥塑中黑底色是用锅底灰加动物骨头胶熬制而成，将素模泥胚放入熬制的锅中浸泡，制成黑底泥胚。随后将大红、中黄、翠绿等颜料上色，制成实体形泥塑作品。
(二)造型的比较
凤翔泥塑与淮阳泥泥狗在造型特征方面有着非常明显的差异。主观的审美意象表达为突出泥塑造型特点提供着必要条件。凤翔泥塑的造型分为挂片、泥玩具、立人三类。泥塑形象丰富，但主要以十二生肖动物形象为主，表达艺人对美好生活的无限憧憬。凤翔泥塑造型简明、具象，在塑造形象的过程中进行了大胆的夸张和变形。在挂片类泥塑中，艺人们偏重于强调物体的面部神情，设计时遵循着“动物的眉要皱，眼珠大，人见了又喜又怕”的创作口诀；[5]在泥玩具与立人类泥塑中，泥塑的造型非常准确地突出了物象的身形特征:如马、狗、兔、猪或财神、钟馗等泥塑形象，即使是在没有上色与绘制的泥胚状态，都是极容易辨认的。淮阳泥泥狗的造型与凤翔泥塑相比则更加怪诞、奇特。受图腾观念体系的影响，泥泥狗总体为立柱式造型，犹如印第安人的图腾柱形状，神圣的祭祀与朝拜相关联，给人一种深邃莫测的庄严与神秘感。淮阳泥泥狗形象还与伏羲女娲的神话传说有着千丝万缕的渊源，古老的生殖崇拜对泥塑形象的形成有着非常深远的影响。日常生活中常见的动物形象，经过艺人们加入动物叠加形象的元素之后，变得抽象且极具神秘色彩:淮阳泥泥狗多以人物与动物、动物与动物的两两结合的复合造型为主，如“人面狗”、“双头狗”、“九头兽”等，当褪去泥塑模型上所绘制的图案与颜色时，这种古朴、敦厚的泥塑形态，往往使人们无法直接清晰辨认出泥塑的所指形象。
(三)纹饰的比较
纹饰差异性是两地泥塑艺术风格较为明显的区别。凤翔泥塑在立体的白色泥模上，大多采用具象的太阳纹、石榴纹、牡丹纹、动物纹饰进行装饰。纹饰的创作形成来源于艺人对日常生活物象的高度提炼，表达艺人们对生活的无比热爱。凤翔泥塑用黑线勾绘纹饰，匀称的黑色轮廓线犹如中国画的线描艺术，具有较强的装饰性。充满直白与清逸的审美情趣。凤翔泥塑纹饰常在两侧及背后全部绘制，纹饰的紧凑布置使得泥塑绚丽多姿、丰富多彩。淮阳泥泥狗中具像的图形与纹饰并不多见，更多的是点、线组合形成抽象装饰纹样。例如，以长线为主，加短线和圆点组合形成圆形、三角形、长方形等组合装饰形状，用来表示女阴图腾纹，用简练的彩色直线表示生生不息的生殖繁衍。抽象的线条型纹样描绘给人以迷惑与神秘的视觉感受。犹如哈特拉古城中萨纳特鲁奇君王石雕装饰艺术，石雕上衣装饰满圆形拼接成的弧形状花纹，同样抽象的点线结合的表现手法，在泥泥狗艺术造型中比比皆是。在泥塑装饰构图中，泥泥狗泥塑针对主体正面进行线纹彩绘装饰，侧面和背面不做描绘，使得视觉焦点更为集中。
(四)色彩风格的比较
色彩的象征在中国古代文化有着鲜明的特色，其渊源可以追溯到影响着我国千百年来民间艺术发展的“五行色彩观”。“五行色彩观”受阴阳五行思想的影响，沿袭民间用色基本规则。[6]凤翔泥塑和淮阳泥泥狗的色彩以“五色”为主，五行色彩观体现着民间美术本源文化审美情感，色彩的表现手法展现出传统文化的审美意趣，其色彩审美是中华本原文化对外展示的窗口。凤翔泥塑分为彩塑与素模两种。常见的凤翔彩塑以白色为底，黑色勾勒，再施以彩绘；也有部分彩塑以黑色为底，白色点睛，然后再进行彩色描绘。素模有两种色彩，常见素模以黑白二色交错描绘，以白色打底，黑线花纹勾勒的素模，取清爽利索之意，有着单纯简洁之风。泥塑艺人在着色时，对于同一种颜色位置的安排，没有固定的模式，往往是依据个人的审美感知和视觉心理来创作的。在凤翔彩塑的用色中，把五行色巧妙地运用在白色泥胚上，创作时常将高度饱和的色彩、高明度的大红、桃红、明黄、翠绿等色彩直接描绘，不做任何调制与混合。在色彩的搭配上，似乎也鲜少讲究过渡、渐变的设色手法。高度饱和的红色与绿色、白色与黑色通过黑线分割，毫不掩饰地组合在一起，大块的色彩给人以绚丽而不失厚重，热烈而不失庄重的视觉感受。色彩的大面积布局处理手法极力凸现出凤翔泥塑的个性特点，而淮阳泥泥狗在艺术创作上则另有设色手法，因受地域条件与风土人情等因素的影响，淮阳泥泥狗还保持着传统远古艺术的文化气息。淮阳泥泥狗黑色泥胚是有别于其它泥塑艺术最显著的特点之一，黑色底色上绘画制红、黄、白、青色彩线加以点缀，与黑底奇妙的达到融合，真实的表达出大众的审美情趣。黑与高明度色形成强烈的对比，黑底表现色彩比白底表现色彩更能突出泥泥狗泥塑色彩精炼与纯粹、深沉与庄严的审美特征。在凤翔泥塑色彩体系中，蓝色不曾使用，在五行色彩体系中，青指代蓝，并高于蓝色，民俗审美观念中认为，蓝白为阴色，红黄为阳色，在大众民俗观念中以趋阳避阴的审美心理为主，泥塑创作中常将“蓝色”常作为偏色处理，多用绿色代替，而在淮阳泥泥狗创作中，蓝颜色的频繁运用，使得泥塑色彩丰富而饱满，增添女性生殖崇拜的意味。在凤翔与淮阳两地，阴阳两色处理形式各有偏重，也决定了各自显著的视觉风格。
三、泥塑艺术传承途径的思考与探讨
在现代数字信息化高速发展的环境下，人们的生活方式、审美追求都发生了巨大的变化，带有古老文化意蕴的民间泥塑艺术品已不再是人们追捧的对象，承载着民众精神向往与心灵沉淀的传统泥塑正在远离人们的生活环境。分析凤翔和淮阳两地泥塑风格，总结两地泥塑造像规律，提取概括泥塑造型特征，借用造型对比、色彩冷暖对比规律来加强画面的艺术表现力，把泥塑色彩元素巧妙地运用到现代设计之中，恰当地把民间泥塑艺术的色彩精神与现代设计的色彩语言有效结合，是设计师为之不懈追求的目标，也是使其传承与保护的手段之一。
(一)泥塑艺术原始造型的利用
通过模拟原态直接应用的设计方法，利用泥塑特有的地域民俗元素进行抽取，使立体的造型平面化，用流畅的线条勾勒出泥塑造型纹样，如提取凤翔“挂面虎”泥塑中描绘眼睛的太阳纹、装饰眉毛的双鱼纹、装饰躯干的牡丹纹，巧妙地运用到现代设计空间。又如提取泥泥狗“独角兽”泥塑中的叶纹、菱纹、女阴图等花纹装饰图案，以其组合变形图形本身含义，巧妙合理的布局，使设计在保持民族性特征的同时，有着较强的形式美感。通过画面设计，使之产生直接、对比的欣赏美感。把现代设计当作过去与现代空间角色传递的中介形式，直接把泥塑造型与纹样应用到宣传海报上，直接应用能勾起人们回忆过去的情思。如恒源祥集团彩羊系列品牌商标设计，设计者直接提取泥塑艺人胡新民制作的泥塑羊为原样造型，运用绘图软件把立体图形平面化处理，把原始造型的色彩直接运用到品牌商标中，有效传递着吉祥富贵、幸福如意的品牌理念。
(二)组合衍生品造型设计
衍生品设计是当今的时尚宠儿，衍生品的出现使得工艺品成为消费品。社会环境与文化环境的变化使得泥塑失去原始性的功能，在保持原始功能效应的同时，设计具有现代风格的泥塑衍生品是有必要的，为适合现代市场环境，通过重组、拼贴、变形将立体的泥塑造型平面化，用简洁的线条勾勒原有特征，创造出变形夸张的卡通泥塑造型，有益于年轻人接受泥塑文化。如制作泥塑卡通形象挂件、卡通泥塑鼠标垫、手机外壳、泥塑形象的便签夹等，泥塑卡通衍生品设计把庄重威严、神秘的泥塑形象拟人化，在欣赏卡通外形色彩的同时，让消费者感知泥塑文化的吸引力。
(三)泥塑动画角色设计
新的视听生活方式正走进人们的生活，乡村社会生活方式也在发生巨大的改变。原本习以为常的泥塑，如今却变成方枘圆凿。动画新颖的艺术表现手法，备受年轻人的追捧，例如，北京奥运会吉祥物福娃，其形象设计蕴藏着传统中国元素，五个拟人化的娃娃形象代表着五行唯物论，五个福娃的原型和头饰都有中国传统形态寓意。两地泥塑也可以借鉴这些成功案例，提取泥塑美好寓义的造型运用到吉祥物设计中。如凤翔泥塑中有辟邪纳福寓义的“五毒蟾蜍”挂片，泥泥狗中古拙奇特的“人头狗”等。典型泥塑造型通过卡通Q化的造型手法，以“人头狗”造型的泥塑为例，在保持泥塑造型头大四肢短小的原有特征的基础上，把“人头狗”泥塑原始的面部表情进行拟人化设计，给泥塑穿上现代流行的衣饰。卡通的造型容易被大家接纳与认同，也吸引大家关注到传统的民间泥塑艺术形式。
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二、瓷器包装的装饰艺术发达，纹饰题材丰富，纹样华美
瓷器包装的装饰工艺除了刻花、画花、剔花、堆塑、点彩等装饰手法之外，宋代瓷器还将绘画手法用在装饰上。由于宋代绘画艺术有了很大的发展，山水画、花鸟画都以独立的画科得到发展，人物画也发展得更加精细完美。宋代宫廷画院和文人士大夫将中国画导向了一个鼎盛时期，这自然影响到同时代的瓷器包装上的纹样。宋代出现了磁州窑系的釉上彩或釉下彩装饰工艺与釉结合的新型装饰工艺，白釉釉下黑花，釉上红绿彩就是典型。主要形式是绘画、诗文。宋瓷的装饰纹样，随造型的多变而为之一新，题材丰富、构成形式自由活泼。常用的装饰内容是花卉、龙、凤、麒麟、鹿、虎、兔、游鱼、鸳鸯、鸭等，人物纹中婴戏、自然风物中山水等也是常见纹样。另外，回纹、卷枝、卷叶、曲带、云头、钱纹等也是中间纹饰和边饰的常见纹样。宋代瓷器包装中，还利用不同的处理手法，表现出不同的神情意态，与器物形态巧妙结合成完美和谐的整体，有主题突出构成完整的图案纹样，还有利用窑变、釉裂、流釉等可控制技术表现自然装饰的新装饰方法。三、器表所饰瓷釉晶莹剔透，纹理优美
宋代是最为重视釉本身对陶瓷器的美化装饰作用的时期，也是最成功地真正实现数百年来人们不断追求的釉质如冰似玉、釉色雨过天晴、千峰翠色的愿望。此时期釉本身的装饰效果达到前无古人、后无来者的高度。
宋代上层社会特别看重的是瓷釉和釉质所具有的特征，这种审美情趣以上层社会和文人为甚。如果说宋代被誉为是一个“瓷器的时代”的话，那么瓷釉所体现的艺术特色与工艺技术成就即是这一“瓷器时代”的特征。宋瓷包装中无论是单色釉和复色釉所采用的厚釉装饰方法，还是釉与胎体纹饰结合的薄釉装饰方法，都极力追求釉色的自然美。这种自然美的形成，则又体现在制釉工艺技术与艺术审美及艺术表现的完美结合上。这种审美观，受益于宋代盛行的理学审美思想，崇尚天然真实，鄙薄雕琢伪饰，把自然朴素之美作为理想之美的典范，可谓达到了浑然天成、天衣无缝的妙境。例如，均窑创造了窑变釉、铜红釉。汝窑、官窑、龙泉窑，均重视釉本身的美化装饰作用，只凭单色釉本身就制造了极佳的装饰效果，釉的凝重、深沉、含蓄、厚润，极好地美化了瓷器，达到了其他装饰手法达不到的装饰效果。正是基于这种原因，宋代各种精美的瓷器包装，被世人誉为奇珍异宝，这也是宋代瓷器包装能在世界上享有盛誉，并成为宋代包装中最具代表性的种类的重要原因。
宋代瓷釉的美不仅体现在釉色上，而且更体现在釉的肌理上。如果说，釉色之美还只是瓷器包装体现的共性之美的话，那么，肌理之美则是体现其个性之美。古代文人曾以许多名词称颂这些纹理，有的和纹理的形式有关，有的形容它的颜色。如“冰裂纹”是形容官窑器上的开片，有如冰块之晶莹透亮作层层开裂状；“鱼子纹”是指哥窑器内小开片，状如鱼子之密集者；“牛毛纹”是形容钧窑厚釉流淌的纹理，如同牛毛状；“橘皮纹”是指烧成中釉内气泡密布破裂所造成的表面呈细小针孔状，若橘皮；“兔毫”是形容建窑器之铁釉结晶有如兔之毫毛；“鹧鸪斑”是形容黑釉上的白色斑点，恰似鹧鸪鸟胸部羽毛黑白交杂状而言。
结语
瓷器包装是中国古代包装最常见的形式之一，宋代瓷器包装艺术在中国古代包装艺术中写下了光辉灿烂的篇章，在装饰和造型设计以及审美体现方面都为现代包装设计展现了中国传统文化的色彩，对丰富包装形式有着传承和借鉴意义。
瓷器包装是一种生活日用器皿，同时又是根据各时代人们审美意识创作出的工艺品，是实用性与艺术美和谐统一的产物。宋代是我国陶瓷发展史上的一个繁荣时期，瓷窑遍布全国各地，各具特色。其中以五大名窑、窑系为代表，最能凸显沉静素雅的美学风格。宋代在中国陶瓷史上是一个名窑峰起、名瓷迭出的承上启下的一个非常重要的历史时期。宋代的瓷器，在中国瓷器史上已达到出神入化、登峰造极的境界。宋代的制瓷技术精益求精，在工艺、造型、釉色和装饰上，既各具风格特征，又在地域分布上表现为交错关联，并相互仿效，使中国陶瓷呈现为“百花齐放”的精神面貌和艺术境界。在众多的传世瓷器中，有许多是作为包装容器而使用的。宋代瓷器包装，总的来说，有如下的特点。
参考文献：
[1]霍然.宋代美学思潮，长春：长春出版社，1997第1版.
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奥古斯都的雕塑作品无计其数且丰富多样，有穿托加祭司状的，有英雄般立姿的，也有代表他青春不老的胸像等等。在这里，笔者以一尊普利马———波尔塔的“奥古斯都”雕像分析为主体来探讨古罗马雕塑美化与写实相结合的艺术风格。从图像上看，熟悉希腊古典雕塑的观者都可以一眼看出此尊雕塑有着神一般的英雄气概，毫无疑问，美化的艺术手法在这里占据了上风。在当时，对所塑人物理想化，希腊神话题材雕塑是最好不过的范本了。而从制作祖先蜡质遗容发展起来的古罗马雕塑，又有着自己特有的写实风格。如何把这两种风格揉捏在一起，就成了当时艺术家不得不解决的问题。于是，雕塑家在人物特征基本写实的情况下，通过借鉴和运用希腊神话特有“人物”或“物什”这一象征性手法，来达到作者想要表现的既美化又不脱离客观对象的目的。在古罗马的雕塑中，那些象征性的局部不是为其自身而存在，我们必须从作品以外的特定历史情况以及社会风尚去观察它们，这样才有可能“读懂”这些象征性细节的内涵。如果缺乏对希腊神话故事、希腊古典雕塑和古罗马当时社会情况的了解，观众就会如潘诺夫斯基假设的《最后的晚餐》在南美土著的眼中仅是一群人的宴饮一样。从图像上来看，这不过是一个穿着盔甲、光着脚丫、面部表情严峻沉着的青年。而这样的结论则与作者想要表达的意图差之十万八千里。那么这个主题是如何通过雕塑艺术清晰地传达给观众的呢?我们看盔甲的正中间是一个士兵在接受一杆旗标。从他们的着装我们可以清晰辨认出:右边士兵身穿典型的罗马军服，他右手伸出准备接受旗标;左边是一个穿着宽松服饰(当时东方人的标志)的双手拿旗标的帕提亚人，旗标的顶头立着一只鹰(鹰是宙斯的宠物，象征统治与权威)，他正在把旗标递给罗马士兵。这里的士兵实际就是整个罗马军队或者罗马人民的代表，而那个帕提亚人同样也代表着整个帕提亚，旗标的收回标志着胜利果实的收获。旗标的收回、胸甲下方的大地之母忒路斯手举满盛丰产水果的丰饶角，这都预示着美好和平;而胸甲上方的天神双手高举华盖，这象征着和平已经降临整个古罗马帝国。再看胸甲四角:右下方是手持七弦琴的音乐神阿波罗，左下方是骑着鹿的狩猎女神狄安娜，胸甲右上侧是驾驶四驾太阳车的太阳神索尔(罗马神话中的太阳神)，左上侧是手持火柱的月亮女神卢娜(罗马神话中的月亮女神)。在古代的希腊，人们对体力与美给予了普遍而崇高的估价。体魄的强健、意志的锻炼，对于祖国保卫者———民军参加者的培养来说，意义非凡。希腊学校的基本课程内容就是运动、竞技训练，无论男女老少，都把经常的锻炼视为一个和谐发展的漂亮人的必要因素。每四年一次的奥林匹克运动会，就是对参与者肉体上和精神上双重的检阅，胜利者会赢得鲜花和掌声，同时人们还会为其树立雕像。在当时希腊人的实际生活中，人们也的确着装很少，一般也就一件套衫。而在古代的罗马，人们的服饰则丰富多彩，内着内衣和托尼外套托迦，还有着大披肩、短披风、带风帽的大氅、长袍、蒙头长袍、军袍、羊毛短袍等各式披风。古罗马的学校也不再仅仅以体力锻炼为主要目的，他们教授学生学习拉丁文和希腊文，早期男女孩都要学习读、写和算术，较大年龄的男孩还要接受修辞学的训练。时代不同，雕塑艺术也随之发生变化，除了直接复制的希腊雕塑之外，着托迦的雕塑在古罗马基本占据着主流，只有少数的雕塑还是创作的。具体到这尊普利马———波尔塔的奥古斯都雕像上，奥古斯都身着盔甲，左手托缠绕腰间的斗篷。而与希腊诸神雕塑的联系就在于奥古斯都光着的双脚，这就意味着雕塑中的他是一位英雄，甚至俨然就是一个神。他脚边骑着海豚的小孩则被人们普遍认为是丘比特，丘比特的出现，更加预示着奥古斯都犹如神灵一样的身份。
三、《奥古斯都》与《持矛者》雕塑动态比较
我们再来看看这尊奥古斯都雕像的动态，相信熟悉希腊古典雕塑的人都会想起坡力克利特的《持矛者》，除去右手姿势的不同，其它各方面均是惊人的相似。这尊《持矛者》雕像是古典风格的代表，很好地利用了“对偶倒列”艺术手法，通过右侧收缩与左侧伸展这一对衬来达到动态的平衡，打破了古风时期雕像左右两边基本互为镜像的那种静止的对称。这一古典“对偶倒列”艺术手法，被后世艺术家一遍又一遍的运用，赋予了许多艺术作品中各种人物形象以非常生动有力的感觉。《持矛者》精心的姿态设计、安详的形象、威严的气氛肯定也深深地打动了古罗马的雕塑家，这从普利马———波尔塔的奥古斯都雕像上就可以窥见一斑，其骨架结构基本与《持矛者》雕像如出一辙。毫无疑问，表现人民对统治者权力的尊敬和对其伟大的赞赏，才是奥古斯都塑像的目的所在。而《持矛者》意在表现人的英雄气概、热爱生活的精神和对于人的崇高品质的尊重，这显然与奥古斯都雕像的表达意图有差入。那么，雕刻家是如何在美化和写实两种艺术手法中采取一种折衷，神话与现实互相结合塑造出奥古斯都的形象呢?首先，《持矛者》表现的肯定不是现实中实际存在的个体，而是一个希腊人民想象中的神的形象。如果完全按《持矛者》的形象来塑造奥古斯都，那就失去了与现实的联系，奥古斯都仅仅是个神的形象而非特定的奥古斯都本人;而实际生活中的奥古斯都则身体矮小、体弱多病、面容苍白，如果按现实中的这些特征来写实塑造雕像肯定也是行不通的。于是，雕刻家就在基本忠实奥古斯都真正面貌的基础上做了许多理想化的修改，使其面容显得威严高贵，这样才能与《持矛者》纯正的体型达到一种和谐的统一，不至于头身脱节。其次，《持矛者》雕像表现的是形象。如此塑造英雄形象，对于当时的希腊人来说是很正常自然的。但对古罗马人而言，特别是对一个古罗马传统礼节的统领者而言，塑造成这种形象就显然不合时宜了。再次，《持矛者》反映的是一种生活常态，没有视线的焦点和方向，缺少统领者的威严气概。如梦一般地散步于空间对古罗马皇帝来说，这是不可想象的。与之相反，他应该以一个统治者的形象出现在众人面前，向古罗马的臣民直接演讲并统领他们。相比《持矛者》，奥古斯都的头抬了起来看着前方，右臂不再自然垂落，而是扬起成了一种指挥的姿势。通过视线和手势的修改，奥古斯都似乎在以他伟大的个性力量支配着眼前的空间。
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朝鲜族音乐的节拍多数是三拍，三拍及三拍形成的复合拍6/8,9/8,12/8,18/8等复拍在朝族音乐中占据极为重要的地位，而这种三拍式的极富特色的节拍感是与朝鲜族语言密切相关的，众所周知朝鲜族的语言中单词有鲜明的长、短音节之分，而在语言中的重音安排上往往形成了前长后短或前短后长的形式，因而受朝鲜族语言表达形式的影响，朝族音乐中采取了有鲜明的长短区别而又能使长短间的对比感觉恰当好处的三拍子节奏形式。朝鲜族三拍子的音乐艺术节拍表现形式在柔和自然的情况下完美的彰显了朝鲜族语言的自然美，因而朝鲜族人在音乐创造中极富智慧，在用歌声表达了自己的情感的同时为朝鲜族音乐创造了一种独特的艺术风格。
三、朝鲜族音乐艺术风格特点一：独特的调式
上平调、平界面调、下界面调、平调及界面调是朝鲜族音乐中最为常见的五种调式，五种不同的调式与汉族五音中强调的宫、商、角、徵、羽的五音调式极其相似，根据调式的色彩及功能的不同五种调式可以具体的分为平调、界面调等两大类。而形成朝鲜族音乐艺术风格特色的便在于朝鲜族音乐中对旋律的组织上与特色的民族语言的运用上。而调式与调式音阶中音级间的相互关系及音乐节奏的共同作用生成了朝鲜族音乐中极富特色的音乐艺术风格。而单独就朝鲜族音乐的调式分析可知，平调与界面调是朝鲜族音乐中最关键的两个调式，在平调类音乐中音阶多为大二度，即各音阶间存在的是纯音程与大音程的关系，如《青春歌》等突出的是一种明朗的听觉效果；而界面调式主要强调的是二度、四度的连接性质，从而使朝鲜族音乐在旋律上保有独特感，该种调式下生成的音乐多数是含蓄的，且将哀怨融合进柔和的声音中去让人灵魂随之萌生一种触动感，从而强化了朝鲜族音乐的撩拨听众情绪的魅力。
篇13
肖斯塔科维奇一生创作了100多部作品，遍及交响乐、歌剧、芭蕾舞剧、合唱曲、清唱剧、器乐协奏曲、室内乐等各种体裁。肖斯塔科维奇的创作具有其鲜明的特征：
1肖斯塔科维奇的一生经历了两次世界大战及苏联的重大变革“，这样的变迁在肖斯塔科维奇的作品中，得到了展现和印证。他的作品就像一面面镜子，为后人记录了历史”。肖斯塔科维奇的第七C大调《列宁格勒》交响曲（OP.60）等胡思思肖斯塔科维奇《d小调大提琴和钢琴奏鸣曲》的艺术风格摘要迪米特里•迪米特里耶维奇•肖斯塔科维奇一生创作了大量的作品，其中《d小调大提琴和钢琴奏鸣曲》op.40创作于1934年9月。本文基于对该作品丰富的音乐织体、多种音乐表现手法、传统的曲式结构、多样的和声、调性的变化、多变的节奏等方面的研究分析出发，对其艺术风格进行阐释。通过全面的分析与研究，以更好地鉴赏与表现该作品的艺术风格。关键词：肖斯塔科维奇《d小调大提琴和钢琴奏鸣曲》艺术风格作品，都反映了重大的历史事件和社会生活。
2和穆索尔斯基对其影响。生前三次到俄罗斯演出，他本人非常喜欢俄罗斯。的交响音乐对苏联作曲家有重要影响，肖斯塔科维奇等作曲家在之后继续使用奏鸣交响套曲这一大型形式创作，使苏联保持了交响乐的传统。对肖斯塔科维奇的影响也是非常大的，肖斯塔科维奇曾说“：他（指）是我学习的榜样。”肖斯塔科维奇也深受穆索尔斯基等俄罗斯音乐家的影响，曾说“：穆索尔斯基是我最感亲近的作曲家。”我们在他早期与中期的创作中可以看到穆索尔斯基对其的影响。
3肖斯塔科维奇的创作特征。肖斯塔科维奇的艺术面貌异常独特，音乐语言和风格自成一家。他一生创作体裁广泛，音乐织体丰富、表现手法多样、曲式结构具有独创性、旋律常以古调式为基础、和声很有特点、音乐具有很强的表现力。肖斯塔科维奇的《d小调大提琴和钢琴奏鸣曲》op.40创作于1934年9月，由库巴斯基和作曲家本人于同年12月25日在列宁格勒首演。这首作品是作曲家早期的作品，但次音乐已显现出肖斯塔科维奇成熟时期的一些风格特征。本文拟将分析的肖斯塔科维奇的《d小调大提琴和钢琴奏鸣曲》四个乐章展现了他的思想性与创造性。丰富的音乐织体与主题形象、多种音乐表现手法、传统的曲式结构、多样的和声、调性的变化、多变的节奏、大提琴与钢琴的多种演奏手法、大提琴的技法无不展示出肖斯塔科维奇独特、自成一家的艺术风格。
三《d小调奏鸣曲》的艺术风格
肖斯塔科维奇《d小调大提琴和钢琴奏鸣曲》四个乐章的曲式结构较为传统，肖斯塔科维奇在作品的四个乐章中充分展现了大提琴的抒情优美与钢琴的丰富演奏手法，使之融合、交相辉映。在该作品中的大提琴部分，肖斯塔科维奇运用多种大提琴演奏技术，这些演奏技术不仅展现了大提琴的抒情、歌唱性特点，也发掘了大提琴的特殊音效，刻画出丰富鲜活的音乐形象，形成了他独具特色的音乐语言。以下将从肖斯塔科维奇这首作品的音乐织体、表现手法、曲式结构、和声、调性、节奏及旋律表现等方面，对其艺术风格进行阐释。全曲共有四个乐章：
第一乐章是一个奏鸣曲式，呈示部主题和副题的旋律都很抒情。在这一乐章中，肖斯塔科维奇运用了多种大提琴与钢琴演奏手法，表现了他丰富的音乐思想。在钢琴的短小伴奏音型下，大提琴奏出了忧伤、抒情的呈示部主题。这段调性为d小调。肖斯塔科维奇作为一位苏联作曲家，他的旋律具有其他俄罗斯音乐家所共有的一些特点：旋律抒情、绵长。大提琴是弓弦乐器，它的声音具有歌唱性的特点，能很好地展现音乐的抒情性。钢琴随后也奏出呈示部主题的片段，两者共同演绎这一主题的丰富织体。大提琴音区大多集中在中音区，直至最后大提琴再次演绎呈示部主题是在高音区。节奏方面，开始是以宽广、时值较长的四分音符、二分音符和二分附点音符节奏型居多，随后变为大量八分音符及后面的三连音节奏型。力度起伏也较大。呈示部的副题首先由钢琴在54小节奏出，大提琴持续在属音上演奏5小节的伴奏音型。副部主题转为B大调，与主题形成对比，随后主题由大提琴奏出。在呈示部的末尾第107小节，钢琴奏出八分音符与四分音符组合的一种固定跳音音型，这个急促的、节奏感强的音型之后一直贯穿于发展部与尾声。这种音型使音乐具有一种不安与急促之感。大提琴也有很多这种音型，分别用pizz和arco演奏。大提琴在115小节用pizz演奏这种音型，使这段旋律具有神秘感。而在126小节，大提琴用连跳弓演奏这种音型，使这段旋律多了一点连贯性。大提琴多样的演奏手法丰富了这段音乐的表现力。115小节进入发展部，这段调性不稳定，大提琴的旋律主要由呈示部末尾的固定跳音音型与宽广的旋律组成。140小节，旋律的力度幅度增强，大提琴随后采用三和弦强有力的演奏，把音乐推向。200小节进入尾声部分，d小调，大提琴再次奏出呈示部主题。大提琴的演奏加上弱音器，暗淡的音色给尾声增添了一份忧郁之感。
第二乐章是一个三段体的结构。钢琴和大提琴共同演绎了这个乐章的多个主题。第一段调性为a小调。在乐章的开始部分，钢琴在大提琴持续、固定的节奏与音型下奏出诙谐的主题，这是典型的肖斯塔科维奇艺术风格。肖斯塔科维奇用钢琴把有活力的跳音与连音相结合，演绎出俏皮、典雅的舞曲。大量重音、跳音使这部分音乐充满动力。大提琴声部从第1至23小节是每一拍带重音的持续八分音符连音音型，音乐变化不大。但钢琴与大提琴的搭配，还是使这段音乐别具一格。大提琴在第24小节的pizz、和弦演奏，为这段音乐增添了色彩与音色变化。第34小节，变为大提琴演奏主题钢琴伴奏。肖斯塔科维奇在大提琴声部运用了丰富的演奏技术：八度音程、大跨度和弦拨奏等，第68小节大跨度和弦的ff演奏，把第一段音乐推向。从第76小节开始，第二乐章进入中段，调性变为D大调。钢琴首先在大提琴高音区滑音的伴奏下演奏出抒情的主题，随后大提琴演奏这一主题，钢琴琶音伴奏。抒情的旋律与灵动的琶音相结合，使这段音乐具有很强的歌唱性。中段的调性在96小节转为bA大调，旋律也转为带跳音的欢快音乐。伴奏声部则运用了具有舞蹈性的三连音跳音音型。112小节还原为D大调。钢琴与大提琴多样的音乐演奏方法、大跨度的音区变化、特殊的音效与和声，使中段音乐织体丰富。123小节为第二乐章的再现段落，a小调，这个段落基本再现第一段落。
第三乐章是一个三段体的结构，调性为b小调，这个乐章是个悲伤的广板。在乐章的开始部分，大提琴先演奏一段序奏。在钢琴固定的八分音符伴奏下，大提琴在21小节奏出第一段主题，这段旋律低沉忧郁，大提琴的特性能很好地展现了这一特点。在这一乐章中，大提琴的演奏需要演奏出悲伤、浑厚的声音。49小节是乐章的中段。这段旋律是由第一段旋律发展而来的，这段旋律从高音区至低音区、由fff至ppp，起伏很大，具有极强的表现力与张力。到72小节进入乐章再现段。开始的主题由钢琴演奏。整个第三段是持续的ppp、pppp等力度演奏，最后由大提琴演奏的旋律结束整个乐章，充分展现了肖斯塔科维奇的悲伤之情。
