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2.新材质的审美主张
除此以外,对新材质的运用是未来装饰设计的新焦点。以往服饰饰品讲究使用外观精致的、华丽的饰品,如珠宝亮片、色彩绚烂的刺绣图案、具有金属光泽的珠链等,取而代之的是追求自然纹理质朴、粗犷,以致粗糙的现代饰品材料,如天然的石材、木材、铁艺、布艺等材料使用的很普遍。显然,现代饰品理念的拓展,极大地丰富了饰品材质的运用范围,随着现代人对饰品的个性化、时尚性、趣味性新价值观的追求,新材质的运用也必须不断更新、发展,与时俱进。
3.服饰饰品的功能性设计
服饰饰品的设计,形态是基本要素,而寻求新饰品材料的质感和肌理感,成为未来装饰设计追逐的目标,也是探索创新的主要途径。除了生理功能和心理功能之外,服饰饰品的实用设计也是不可忽视的创意点。其一生理功能,在设计服饰饰品时,必须考虑饰品形态的大小、轻重、体积、材质、造型风格等以人的生理结构为依据,如图二,选择纽扣作为装饰饰品时,不能太重,如果太重不仅会导致衣服下垂,影响图案的整体外观,还会增加人体的负荷。同时,从佩戴装饰的安全角度出发,装饰饰品也不能选择尖锐的金属制品。因此,选择合适恰当的装饰饰品需要深思熟虑。其二心理功能,作为美饰功能的饰品,通过形态能传递使用者信息,如身份、地位、审美趣味等,一般亲子装会选择可爱的卡通漫画,展现了大人们对儿时童趣的追忆和孩子的天真烂漫,同时,相同或相似的漫画形象,成为家庭幸福象征的标志。其三实用功能。饰品设计追求美感是第一位的,这点毋庸置疑,但如果能将审美与实用功能集于一身,这也算是另辟创新之路。服饰饰品的实用性的载体是口袋,将口袋与装饰融于一体,如,裙摆部分用布料拼接在一整块布上,从表面上看,许多打起褶子的小布料起着装饰的作用,同时它也是口袋的外观部分,这样装饰与实用功能真正的统一起来了。服饰饰品设计的语言来讲,其形态应与时俱进,在遵循形式美规律的同时,需要不断创新,不断的丰富自己的语言,现代饰品理念的拓展,极大地丰富了饰品材质的运用范围。随着时代、科技和艺术的发展,饰品设计的形式也将不断更新。
二.服饰饰品的DIY实践
1.图案选择、材料搭配、艺术加工制作的“随意性”
“随意性”在这里并不是“随心所欲”意思,而是在设计师的指导和建议下,根据消费者自身的兴趣和喜好,选择余地更大更自由。从服饰的装饰造型即图案选择上来说,可以选择设计师已经选好的图案:或简单素雅的黑白图案,或复杂唯美的彩色图案,或适用于亲子装和情侣装的流行漫画形象……如若对已有图案不满意的,也可以自带图案或者让设计师按照顾客的要求重新创意设计。在图案确定的前提下,需要考虑图案应该用何种形式表现,是纯纺织颜料涂色,还是涂色加装饰材料共同塑造形态,都是随顾客的意向制定。采用纯色表现的,设计师可以提供几套色彩搭配方案供其选择;若采取综合表现的,需要与设计师沟通的更多更深入,因为饰品材料更多更复杂,如纽扣、金属饰品、布艺材料、塑料珠片等,选择合适的材料需要仔细斟酌,如果从人体舒适度和安全性的需求考虑,选择作为装饰饰品的金属饰品需轻便,不能有尖角;如果选择布艺材料搭配,既要考虑布料的材质,一般采取不易松散的,易缝制的,又要搭配好色彩。因此,顾客可以选择饰品的表现方式和装饰材料,但又不是完全的“随意性”,同样,最后的艺术加工亦如此,有的动手能力强,可以做复杂的,有的动手能力弱的,可以选半成品,易加工的。
2.DIY制作过程的趣味性与互动性
趣味性。任何件手工作品制作都种具有造型结构复杂、颜色搭配、创造材料选择和制作的过程,在服饰饰品制作过程中,DIY制作是不断修改完善全程充满创造精神的实践活动,是形象思维、逻辑思维交融,在综合素质培养方面有其独特的优势。DIY制作在某种意义上,它是一种欣赏美、鉴别美、创造美的过程。现在的年轻人都富有想象力,无时无刻不充满着惊喜和创意,在这样的手工制作中,可以重拾失去已久的童真和乐趣!互动性。在着色和不同材料的制作过程中,设计师根据消费者自身的喜好和因文化层次、年龄特点给予的建议性的指导,例如图一,图案的线条既可以用纺织颜料勾勒线条的方式,也可以是用彩线绣成线状,这就取决于个人的爱好和手工制作能力。再如图三,这里的花朵可以自己裁剪布料制作花瓣,自己缝制;也可以用彩色丝带盘结而成;动手能力弱或者喜欢成品花朵的,也可以在网上买来直接缝制。因此,在设计师与消费者之间,对于指导理解以及实际操作可行性程度不同等因素,共同构成了一个互动的空间。虽然对服饰饰品制作选择不同,DIY者参与的程度或繁复或简单,但重要的是在制作过程中,DIY为消费者带来了亲自选择的图案,亲自参与设计色彩、缝制不同材质饰品的互动体验的感受与乐趣。
3.DIY成品的创意性与独一无二性
服饰饰品的创意设计与制作的首要特点是个性化。根据服饰饰品设计时选取的不同题材及设计制作手法的不同,服饰饰品着色与制作的完成品是丰富多彩甚至会有意想不到的效果,即在制作过程中,会有突发奇想,将材料搭配或者加工手法稍作改变,都会产生不一样的感受和视觉效果。即使采用了同一样式的图案样式,消费者也可以有自己的一些独特见解,改变某些相同的元素,增加不同材质饰品的使用,制作出完全与众不同的独特服饰饰品样式,彰显属于自己的独特个性与时尚。服饰饰品的独一无二性。从构思饰品的形态造型、着色搭配、材料的选择与加工制作,到饰品的制作完成,整个过程都体现了它的与众不同与个性。
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1.服饰图案分类。在服装和饰品上凡是有图形或构成一定形式美感的肌理现象,无论是平面的还是立体的,具象的还是抽象的,这些视觉效果都是图案,都属于服饰图案设计的范畴。图案的范围很广,一个简单的图形,一朵纯色的花卉,甚至一个文字都可以构成纹样,大致可以分为花卉图案(包括各种形式的花朵纹样,展示花朵的肌理,形态,色彩)、动物图案(因其具有形态美,花纹美)、人物图案(有如照片的写实,也有点线面构成的抽象表现手法,或是在色彩上进行变化,有色彩的,单色的,黑白灰的构成等)、风景图案(用以抒感,风景图案使得图案设计的形式美法则达到面料的完美性)、文字符号(如英文单词、拼音、汉字,还有中国传统文化,如甲骨文、小篆、书法等)、几何抽象图案(规则或不规则的几何图形,有时仅仅几个色块相互流动、渗透、模糊不清、背白混淆带来视觉美感)、佩兹利图案(因似火腿造型,被称为“火腿纹样”,造型有水滴状、卷草状、旋涡状等,是一种带有一定宗教性吉祥纹样,豪华气派)、格纹图案(运用线条组成大小、粗细变化的格纹)、动物纹图案(各种飞禽走兽身上的色彩花纹)、其他纹样(自然和社会中一切美好的东西作为设计元素,大到如汽车、飞机、船,小到鞋子、石头、昆虫等,而在飞速发展的现代社会更是五花八门)2.服饰图案的表现形式。从空间形态划分可以分为平面图案和立体图案,其中平面图案包括手绘,印染,喷绘,扎染,蜡染,编织等制作在其材料上的平面图案效果;立体图案包括一定的手工艺或机械加工等方法在造型材料上制作出有凹凸感图案纹样,包括服装结构形成的褶皱、凹凸镂空和附在其上的立体花、立体纹饰、纽扣等,有浮雕、立体效果的装饰及挂饰装饰灯,刺绣、面料拼贴,面料再造、镂空、钉珠、挑花编织等手法制作出来的图案纹样。
三、服饰图案应用部位
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(1)少数民族文化的利用。
唐朝频繁的民族交流使得各民族服饰之间也展现了强烈的影响,唐朝服饰的理念上,对其他民族服饰展现了极大的热情和兴趣,尤其胡服,对当时的唐朝服饰产生了极大的影响。胡服等少数民族服饰文化被唐人所接受的原因一方面是其少有的无政治地位区分属性;另一方面是其简单、方便的实用性,这两方面都非常易于被当时的人们所接受。少数民族服饰从款式设计上看,偏向贴身,一方面有利于突出女性突出的身体线条;另一方面有利于男性活动与劳动,这些特色都逐渐被唐朝服饰所吸收和融合。唐朝服饰的这些设计艺术风格在受现代服饰设计理念影响较小的西部地区,仍然保留着当初极为丰富的服饰特色。
(2)服饰与生活关系的关注。
服饰的起源目的是防寒,但随着人们生活水平和质量的提高以及对服饰要求的提升,服饰逐渐发展成为社会文明的一种反映,逐渐与人们生活和文化形成了相互关系。唐朝开放的思想和观念,使服饰的发展得到了极大的延伸,与生活、文化紧密结合。此时的服饰设计被赋予更多的思想和文化,冲破了陈旧观念,这种思路给当代服饰设计带来了宝贵的财富。
(3)中国传统文化的体现。
每个时期的服饰都离不开当时经济社会发展水平和思想文化意识。在唐朝来说,当时的社会文化氛围直接决定了唐朝服饰的特色和文化,其兼容并包的思想造就了服饰款式、工艺等方面丰富多彩。在当时社会,唐人的衣着相对较为自由,他们乐于接受其他民族的服饰,乐于创新服饰,乐于展现自己文化的服饰。这也正体现了真正的精神文化理念,使得唐朝服饰蕴含了丰富的中国传统文化,对现代服饰设计产生了深远的影响。
3唐朝服饰设计元素在现代服饰设计中的运用
(1)面料和款式的设计。
唐朝流行的服饰面料为丝绸,丝织品以其柔软、飘逸、细腻、华丽的特色用于现代女性服饰的设计中,将能够极大的展现当代女性魅力,是丝绸的魅力与女性魅力完美的融为一体。款式方面,展现唐朝服饰款式设计元素运用最为显著的就是现代旗袍,完美地运用了唐朝服饰紧身、窄小、高腰、束胸、贴臀、下摆齐地的样式特点,成功的展示出女性身体曲线,凸显女性美。因此,可以一定程度的认为,唐装尤其是旗袍在世界方位内的流行突出了唐朝服饰元素在现代设计中的应用。
(2)色彩的设计。
唐朝服饰色彩讲究浓艳、大胆、奔放,色彩单一突出,尤其是红色,在世界服饰色彩设计中逐渐形成了中国特色的色彩。运用唐朝服饰各种色彩所蕴含的文化内涵,灵活的运用到现代服饰设计中,一方面能够体现色彩与气势的搭配;另一方面还能够展现民族特色,给服装赋予丰富的文化内涵。
(3)图案的设计。
第一,基本纹样的设计运用。唐朝服饰的基本纹样主要包括宝相花、团花、折枝花、联珠纹、唐草纹、动物纹样等几种。宝相花具有浓郁唐朝特色,其强烈的形式感和配合感都能产生变化有序、丰满稳定的艺术效果,对现代服饰设计中的织物服饰具有非常积极的价值。团花以圆形为设计主体,各种自然事物为点缀,形成均衡饱满的图案,非常适用于现代服饰设计中的卫衣、毛衣、外套等类型服饰的设计运用个,能够使服饰产生精美细致、饱满华丽的效果。折枝花又称单独图案,适用范围较广,主要展现和谐统一的思想,能够在现代服饰中广泛应用。联珠纹的田园风貌特色对现代服饰中的休闲类服饰设计具有一定的借鉴作用和价值。第二,唐朝服饰图案在现代服装设计上的应用部位。图案在服饰上运用可分布在多个部位,不同部位展现出不同的艺术效果。首先,在上衣上,前衣片为图案装饰的重点部位,通常采用单独图案和适合图案的形式;在后衣片上,如果前衣片有图案,可形成统一图案,若没有,则可选择单独图案。在领口部位,唐朝服饰图案展现最为丰富,但限于衣领面积较小,图案的设计可采用二方连续图案或角隅图案,可延长至门襟。其次,在裤子上,图案的设计运用多以配合上衣为主,与上衣图案形成呼应,达到整体和谐的装饰效果。例如,牛仔裤的图案设计,部位上,一般腰头处或后片的育克部及口袋。最后,在裙装的装饰部位,连衣裙可整体沿用唐装的图案设计风格,满身花较为常用。童装可采用单独图案。第三,唐朝服饰图案在现代服装面料设计上的应用。唐朝服饰设计原色在现代服饰图案结合面料的运用中,最能显示中国风格。图案可广泛运用于丝织面料、针织面料、牛仔面料上,其中丝织面料运用最为常见。例如,凤鸟、牡丹在丝绸上的运用显得极为富丽华贵,并且花朵的色彩要单一浓艳,与底色形成鲜明对比。在男性服装常用面料上,宝箱花纹较为适用,配以黑色、褐色、蓝色等深色调的底色,能够有效地展现出男士的沉稳。
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光泽类面料可以表现出褶线的流光溢彩,所作的立体褶裥,褶纹有着微妙的光影和光泽的变化,如图4中潇洒飘逸的白色裤子就创造了集层次感、节奏感与韵律感为一体的空间效果,形成了凹凸、虚实的对比,产生出一种荡漾起伏、若隐若现的视觉效果,成为了极具魅力的作品。由此可见,“材料骨架松软造就的褶纹边形线条柔软、飘逸,材料骨架硬挺造就的褶纹边形线条转折、坚硬”。其次,面料的悬垂性能是影响褶裥造型的一个重要因素,悬垂性优良将十分有利于褶裥造型,特别是对立体褶裥而言,其造型虽然夸张,但仍十分讲究自然和谐的感觉,而面料良好的悬垂性则能使整体造型显得柔和自然,不会因为感觉生硬、突兀而使人不舒服。再者,是面料的丝绺方向对褶裥造成的影响,若要形成垂直挺拔、刚劲有力的直线特征的褶纹,就应该采用直丝绺;若要形成自然柔和、富有生机和活力的褶纹,就需要利用面料的斜丝绺。总之,面料的基本性能决定了褶裥造型的好坏——效果好的立体褶裥,褶裥量大,悬垂性好,下摆平齐,而且褶裥的波纹分布、波峰与波谷均匀;效果不好的立体褶裥,褶裥量小,悬垂性差,下摆不平,褶纹分布不均匀,褶裥的波峰、波谷也不平衡。
人体因素
服装因人体而产生,并为人体服务。要研究服装的立体褶裥,就必须研究人体,研究褶裥与人体的关系。在服装中,常常使用褶裥元素的有袖山、袖口、领口、肩部、胸部、腰部、腹部、侧缝、下摆以及脚口等部位。褶裥的应用按照这些位置可以分为两类,一类是纯装饰性的,如有些应用在服装的肩部、下摆的褶裥;另一类是装饰性和功能性兼备的,如使用在服装的胸部或腰部的褶裥。一般装饰性和功能性兼备的褶裥,主要是在接近人体凸点或者人体屈曲转换面的位置,这样就便于将服装因为人体曲面转折而产生的多余量转移到褶裥之中,起到塑型的作用。
胸部是服装结构设计的重点所在,它是人体躯干最为饱满的部位,尤其是成年女性,突出,呈圆锥状,是上衣胸部的着力点。因此在立体褶裥造型处理中,如何使服装达到胸部的合体舒适,且能体现女性的曲线美是设计的难点之一。在立裁时首先要考虑褶裥需突出胸部的曲线和高度,其次是完成造型需要多大的褶裥量。为了使服装的胸部造型呈现出符合人体形态的隆起状态,在结构设计中要根据服装款式特点选择相应的褶裥造型,应用省道转换的设计原理,将胸省量转移至褶裥之中。一般胸部多采用缩褶、辐射褶或缠绕褶(见图5)。这些褶裥在胸部边缘分割线上或侧缝处的褶纹较密集,面料大量地重叠在一起;而在BP点处,褶纹则相对稀疏,重叠量也较小,这是因为胸省被转移后已融合于褶裥中,使褶裥的深度增加,褶量加大,立体感增强。
腰部介于胸部与臀部之间,是塑造服装美感的区域之一。腰部是躯干处最细的部位,也是身体活动量最大的部位。腰部的凹形曲面——腰侧和后腰,对应服装形成“凹省”,制版时为了符合人体体形,需要在腰部进行收腰处理,但是收腰如果处理过紧,则不利于腰部活动,因此,在腰部做褶裥立裁时应该根据款式造型留有一定的松度。一般来讲,服装中褶纹的起点处在人体的“凹部”,腰部就集中了多数褶裥的端点,通过折叠、扭曲、抽缩与缠绕等手段,形成褶纹方向朝着人体的“凸部”,如胸部、腹部以及臀部隆起的部位。
处于腰部的褶裥有缩褶、垂坠褶、折叠褶和辐射褶等,深度都大于处于胸、腹、臀等部位的褶裥的深度,堆积量较多(见图6)。而褶纹的长度受其深度的影响,深度越大,褶纹的长度就延伸得越长,这是腰部立体褶裥结构处理时必须注意的技术要领。领部常见的褶裥有波浪褶、垂坠褶和缩褶等(见图7)。设计时领口位置的选择至关重要,它关系到领部褶裥造型是否美观、穿着是否舒适的问题。人体颈项与躯干界限的确定,决定了服装衣领的基本位置,将人体前颈点、侧颈点和后颈点的3点弧形连接,就构成了前低后高、前弯后平、前窄后宽的领圈基本造型。颈部能够旋转运动,但运动的幅度不大,一般前颈部运动幅度比后颈部大,后领圈部分相对稳定,前领圈部位稳定性较差。因此,领部无论是设计什么造型的褶裥,立裁时都要以后颈部为基准,再考虑前颈部动作的影响。袖山处于人体活动最频繁、运动幅度最大的肩端部位,此部位的褶裥多为缩褶、折叠褶及垂坠褶等(见图8)。造型时其在肩端静态和动态下的美观、合体是袖山结构设计中必须注意的十分重要的一环。袖山褶裥造型跟袖山张开的量有关,张开的量越大,袖山的隆起就越明显。袖山处的褶裥在立裁时,根据人体的特征和运动规律,衣片袖窿处要留有一定的宽松量,这样服装既满足了人体的运动需求,又不影响褶裥的立体造型效果。需要注意的是人体胳膊以前抬为主、后摆有限,因此衣片后背袖窿处的宽松量,应比前胸处的要略微多些,以适应运动的规律。立体褶裥将空间造型与人体运动巧妙地结合,其塑型和变形作用能充分展示出褶裥的舒适和动感,以及节奏与韵律等优点。根据不同部位的人体结构进行针对性的立体褶裥设计,可以变幻出很多舒适且独具韵味与创意的造型,演绎服装绚丽多姿的视觉艺术效果和丰富无比的文化价值。
因此,设计师要想创作出奇妙无比的立体褶裥,就必须认识人体结构,探讨人体运动规律,再通过精湛的立裁工艺以及令人眼花缭乱的技法组合,科学地完成服装的褶裥造型,方可达到褶裥与服装、人体的完美组合。
工艺因素
立体褶裥的工艺设计,是体现服装结构与纸样合理性的一个重要内容,它和常见的省、分割一样,都是处理服装造型的方法,但却要比省和分割夸张、个性,富有体积感。在立体褶裥设计中,褶纹的形成方式很多,一般采取自然悬垂、抽线、折叠或缠绕等工艺形成。立体褶裥工艺设计手法的不同,会产生不同的款型效果,造就不同的服装风格。如何处理立体褶裥工艺,需要我们对此作系统全面地研究。
立体褶裥是一种由深度、长度和宽度构成的三度空间,立裁时随着褶裥方向、尺寸、数量的调整,呈现出千变万化的设计效果。折叠或捏褶工艺是按照一定的尺寸和数量把面料进行顺序或相向折叠,“折叠部位的褶裥宽度可在5cm-10cm左右”,过小拉开的量太少而无法形成一定的体积和态势,过大又会因量太多给人以臃肿的感觉。褶裥的大小和数量、褶纹的方向根据设计要求以及人体特征进行变化。方向一致、尺寸数量稳定的褶,视觉效果比较严谨整齐,如图9为Chanel的2012春夏高级定制系列中的一款,给人的感觉优雅而精致,是一款适合白领女性的小礼服设计。当褶裥的方向、大小和数量发生变化,如方向和大小、数量都改变或方向不一致但大小、数量一致的褶裥,给人的视觉感受也会随之发生改变,这在很多国际顶级品牌会上设计大师们刻意设计的各种立体褶裥中均能得到印证。图10是Dior在09年春夏女装会上的一款,它所采用的是辐射褶,利用褶纹方向的改变,给人以统一中有变化、变化中又有一定的秩序的感觉,使得整款连衣裙活泼灵动,和谐有序。
另外还有一类利用面料的抽缩、层叠形成的立体褶裥。抽缩工艺是用手工或缝纫机在面料上大针距地缝制,在顶端预留一段较长线头,然后拽着线头逐渐抽紧面料,缩至其所需要的尺寸。
“先在布料上画出要抽缩线的轨迹,然后按照型的抽缩长度×(2-3倍)来计算布料上需抽缩的线的轨迹长度”;面料原先的宽度越大,抽出来的褶纹就越密。根据造型需要理顺褶纹,一般不要将抽缩量平均分配,这样会使褶纹平铺划一,缺乏节奏感。另外,还可以使用松紧带紧缩而形成随意自由的褶纹,宽松紧一般用于服装的腰部或下摆,还有一种如缝纫线一样粗细的松紧,则可用于服装的任何部位。层叠手法是将面料制作成一定的立体形状并按一定的规律进行重叠,形成雕塑感强烈的、自然的外观立体造型。这类褶裥的要点就是造型夸张、饱满,赋予服装或华丽大气,或天真可爱的风格,如层叠堆彻形成的羊腿袖、花式袖等。因此,服装褶裥的造型手法极为丰富,可以表现得多种多样,在进行设计时,要按照款式造型确定褶裥的种类。
总之,服装立体褶裥的造型工艺可以表现得多种多样,这些手法既能单独使用,也可以综合使用,极为丰富。立体褶裥在构成时应该注意这样几点:
第一,立体褶裥的褶量通常由人体浮余量、胸腰(或臀腰)差量和装饰量3部分组成。立体褶裥形成的褶纹极具量感,其装饰量就必不可少。
第二,立体裁剪时布料丝缕必须归正,不允许错位。丝缕归正后得到的衣片才能保持平衡,与人台上的造型相一致,否则就会出现正式布料制作的造型歪斜错位现象。
第三,褶裥立裁操作起始位置的选择,如若选择不当,服装可能无法成型。波浪褶、辐射褶操作的起始位置一般是从褶纹上方处开始操作,垂坠褶、折叠褶、缩褶则是从褶纹的根部位置开始操作的。
第四,褶裥造型要使服装有一定的松量。人台是静止的,是人体的静态状况,当人呼吸运动时,需要一定的呼吸量与运动量,因此,即便是贴体的礼服,围度也须要有2cm-4cm的呼吸松量。
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到底如何设计整套服装的装饰图案,怎样的装饰图案才算是成功之作呢?其实说到底,服装的装饰图案就是通常人常所说的服装设计的一个组成部份,它事实上只是平面设计的一个分支,它的构成要案一定要与服装的款式、面料及颜色等有机的结合起来,而不能款式走款式的路,图案走图案的路,最后只是将二者硬性的拼合上去,这样的话势必造成一件服装最终的不协调,成为一件不成功的产品,而这样的设计非但不能起到锦上添花的作用,反而使整服装失去了它本身的价值。那么,服装服饰图案的设计该从何入手呢?首先,它一定要以服装的款式为依托,再辅之以各种设计的技法,结合市场的需求来进行。
服饰图案设计的教学应用
职业美术教育教学中,引导学生的创新思维,对事物的跟踪关注能力极为重要。通过服装图案设计的教学实践,在指导学生应用能力方面,我们在教学设置上,把服饰细分成男装、女装和童装,现对图案的应用进行举例说明。
近年来,女装图案有向着多元化方向发展的趋势。如题材的多元化,包括怀旧的设计装饰性很强的设计、少数民族和民间传统设计。人类对于童年的向往和对大自然的亲近,使舒适放松成为现代人的渴望和追求柔和阳光下的水色,与大自然森林色调相配时发出缕缕的清香,变得鲜艳轻盈。对于信息高度发达的现在,地球已经小到只是一个村落,多元文化的集合正是当今世界的写照,多民族、多肤色,各种文化相互交融的文化大拼盘。在服装的世界里没有色彩跳跃、充满对外来文化的拒绝,有的是各青春活力的图案和配色。
男装的款式应体现其阳刚之气,女装(套装、裙子等)要体现其秀美、柔顺的气韵,而童装则应着重表现出一种稚拙之气,一套童装如果辅之以各种色彩艳丽的装饰图案,那么它很有可能就不是一件成功之作,在市场中也就得不到它所应得的位置,童装的装饰设计一方面可根据它的款式,大小和男女之分,尤其是宝宝装就更为通用了,所以,在设计时,如有男女之分的款式,我们所设计的图案就应有所区别地加以发挥。现代的儿童是伴随着卡通片成长的,众所周知,与儿童相关的产品只要有了卡通的意味就会有一定的市场。现在有很多的童装企业都注意到了这至关重要的一点。如喜洋洋与灰太郎卡通形象的应用就是一个成功的典型。童装的图案设计多数以具体图像为主。实际上儿童对抽象图案有着丰富的想象力,我们应适当加以引导,这样也能在潜移默化中提高儿童的审美能力。
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舞台服装色彩与布景的和谐关系
营造舞台情境氛围,调和舞台布景与服装的和谐关系,对于把握人物心理诠释人物形象来说是至关重要的,尤其是舞台布景与舞台服装的色彩搭配。舞台服装的色彩是舞台画面上流动着的乐章,它与灯光、布景协调搭配,描绘出一幅幅灵动的画面,它直接影响到舞台的整体效果,对改善观众视觉效能有积极的意义。把握色彩三要素之间的协调关系,处理好服装色彩与背景色调之间的关系,有助于更完美地利用服装色彩诠释舞台的表现力。我们可以将舞台布景比喻为画布的底色,而舞台服装就是会活动的色块,局部色块必须服从于画面整体的风格和色调。因此在一套舞台服装中,色彩的设计在一定程度上会受到布景色彩的影响和限制,尤其是在场面宏大、布景不断更换的舞台表演中,通常会将服装色彩控制在五种以内,当然印花面料的色彩除外。如舞台背景是红色调时,为了使演员显得更加突出,舞台服装的色彩就不能大面积使用红色调,选用冷色调的设计时人物在舞台上的直观形象会由于暖色调的对比显得尤为鲜明突出。
刷新了舞台吉尼斯世界记录的长隆国际大马戏《森林密码》就采用了世界上规模最大的森林实景式舞台,宽100多米,纵深50多米的舞台创造了舞美史上的奇迹。布景层次多达11层,以热带雨林为背景,将山水树木和动物融为一体搬上舞台,真实情景的舞台布景增加了表演的神秘感。由于《森林密码》的主题是展现发生在神秘丛林中的离奇故事,所以舞台服装的设计都是以森林为母题,紧紧围绕着马戏节目及故事情节进行构思的。其服装造型怪异大胆,色彩艳丽丰富,与舞台布景呼应成趣,大大提升了马戏的视觉效果,瞬间就将观众推进了原始的大自然情景中。充气小丑的斑马纹连体衣、有曼妙舞姿的金发女郎的金缕衣等绚烂华丽的舞台服装,都给人留下了深刻的印象,极大地满足了现代观众挑剔的眼光。
舞台布景、服装、灯光的协调统一共同打造了这场视觉盛宴,再现了人与自然的和谐共生,堪称是一首美丽生灵世代不息的生命礼赞。因此,将服装色彩与舞台布景的色调维持在一定程度对比又和谐统一上,既能丰富整个舞台的色彩感受,又主次分明,更利于每种色彩充分的表现其特征。又如大型儿童舞台剧《雪孩子》中,演员的服装统一为白色。舞台布景采用蓝白相间的冷色调幕布,加上白色雪花的辅助,与“小雪花们”身穿的白色雪花裙、头戴的白色雪花帽相呼应,营造出了美轮美奂的冰雪世界。
面料与舞台服装色彩的关系
对于舞台服装设计来说,最先受到关注的是款式结构和色彩,而材料最易被人忽视。其实服装面料不只是制作的物质手段,也是内涵丰富的舞台表现语言。舞台服装设计师为了引导观众进入舞台的规定场景,常对面料进行提升与组合,赋予面料新的外观和明确的内涵,并通过面料构成的服装形式来引发观众的思考。服装面料表面的纹理纵横交错、凹凸不平、粗糙或平滑的肌理与服装色彩之间有深刻而复杂的关系。面料对于服装色彩的影响主要是由两方面因素决定的。
首先是面料的质感,纤维组织形成的各种面料对于光的反射、吸收、透射程度存在较大差异,色彩的色相、饱和度和明度也会因此产生变化。表面粗糙的织物,对光的反射能力弱,色彩的饱和度和明度就会比用同样染料染制的表面光滑的面料低,如同样情况下丝织物比麻织物对于光线的反射能力更强,色彩的明度和饱和度也相对较高。另外面料的表面肌理也是重要因素。
即使面料的组成纤维相同,但因纤维的组织不同形成不同的表面肌理,也会影响服装的色彩。锦缎面料等表面光滑的织物对于光线的反射能力最强,其次是平纹、斜纹的面料,表面凹凸不平的粗糙面料最弱,色彩的饱和度、明度也呈现从高到低的表现。例如话剧《雷雨》中,周朴园和鲁侍萍的服装都是蓝色调,但周朴园的长袍选用锦缎面料,纤维组织细腻表面光滑的面料对于光的反射能力强,色彩的饱和度和明度较高,呈现出的色相较为明确。特别是在舞台灯光的照射下,光鲜华丽的服装质感彰显出角色的身份和地位,冰冷的蓝灰色诠释出周朴园的自私与冷漠。
而鲁侍萍的服装选用粗布面料,表面凹凸不平的粗糙材质对于光线的反射能力较弱,色彩的明度较低饱和度不足,服装色彩显得暗哑陈旧,完全符合角色的境遇,反映出鲁侍萍无奈的处境与坚韧的性格特征。
色彩的地域性与民族性
在经济文化全球化的今天,艺术更强调地域性和民族性的特征。舞台服装的色彩应用当然也离不开这一规律。色彩体系已经远远超越了审美和实用的功能,体现出深远而广泛的文化影响力。不同地区和民族的服装色彩由于受到自然地理环境、社会生活环境和等因素的影响,反映出强烈又鲜明的文化特征。对于色彩的偏爱和情感蕴涵了一个地区或一个民族人们的性格与思维方式。例如我国的传统文化中尤为偏爱红色,认为红色是吉祥喜庆的象征,对于黄色也相当推崇,甚至被认定为是只有皇族才能使用的色彩。
然而在墨西哥,黄色的花朵象征着死亡和绝望,而红色则代表着诅咒与怨恨。同样在巴西黄色也意味着会让人感觉陷入绝境,是患病的征兆。在巴勒斯坦由于所罗门教的僧侣穿着黄色的长袍,因此黄色便被贴上了宗教或政治的标签,是谨慎使用的色彩。所以,了解不同地域和民族中的色彩的观念和认识及审美趣味,能使我们深入探析其色彩视觉心理,以便更好地为舞台服装的色彩运用服务。恰当地把握和运用色彩的地域性与民族性特征,有助于观众和演员的内心情感沟通,对于舞台人物形象的塑造和氛围情境的营造也有着不可忽视的作用。例如涵盖了中国各藏区最具代表性的经典歌曲、乐器和舞蹈的大型藏族歌舞乐《藏谜》,是国内第一部全景式反应藏文化的音乐诗篇。为了完整真实地再现藏族人民的生活面貌和文化传承,剧中的近三千套舞台服装都是根据本族服饰的特征而设计的。
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一、应对中国传统文化有所了解
我国的历史悠久,传统艺术的遗产极其丰富并且辉煌,每个时代都拥有各自不同的文化特征,各地方各民族都有着不同的地域、民族和宗教文化。剪纸、绘画、书法、音乐、舞蹈、戏曲、工艺美术等等,都有几千年的积累,都有伟大的创造,都透着五千年文明古国深厚的文化底蕴。传统艺术是中华民族的宝贵财富,也是全世界的宝贵财富。中国传统艺术以其浓郁的乡土气息、淳厚的艺术内涵和生动的历史痕迹,越来越受到世界人民的喜爱和欣赏,成为众多设计师们创作的灵感源泉。
服装文化的发展决定着服装的技术、服饰审美趋向等发展变化。古希腊风格、古埃及风格、巴洛克、洛可可风格,这些在现代服装大师的作品中随处可见,在不同的民族、不同的国家,我们看到的服装设计作品中更多的是差异:而这种在服装作品中的差异,往往成为服装作品的生命力。服装艺术设计,归根结底是通过艺术、思想和科学共同合成的。一个对本民族传统文化知之甚少或者一无所知的服装设计人员,就不叮能有什么优秀的创意作品:
我是从事教学作的,我认为往教学过程中应该计学生学习了,解传统文化艺术的思想,特别是要领会中国传统的哲学思想以及意境美、形式美。这些都可以为我们今天的学生,明天的服装设计师的未来创作活动,打下坚定的创造基础。认真研究、挖掘和弘扬中国传统文化和历史,正确认识中华民族悠久而又丰厚的文化知识宝库,把握中华民族文化精髓,吸收其他国家与民族的精华,对学习服装设计的学生来说大有益处。通过对本民族传统文化和历史的了解,使学生的视野拓宽了,设计构思更丰富了,审美观念也提高了,对民族文化有了良好的认知,才能创造出源于传统历史和文化的时尚服饰作品,并在作品中,体现出本民族的独特风格、风土人情及人文情怀,在世界的舞台上展现带有中国韵味的服装,也能让世人更好的去了解围。
二、如何继承中国传统文化
艺术的成功在于有根,而我们的创作之根就是中华民族之根!中国五千年的义化沉淀了很多优秀哲人的思想,留下了很多深刻的思想,提供给我们的是一种思考形式:五千年历史文化发展过程中,展现出众多的表现形式,很多元素可以用现代的思维方式去诠释,用现代的语言,去解读以前民族文化的表现形式多元传统文化将是我们进行艺术创作的灵魂。不管承认与否,我国传统多元文化与历史潜移默化影响着我们的审美观和创作观
当我们追溯传统文化的渊源,民族服饰的特色,去解释当前的服饰现象和当代的服饰风格时,可以看到,现代服饰并不是所处时代仅有的和自发的创造,而是历史进化的产物、传统文化的延伸一服饰没计的艺术表现力需要丰富的文化内涵来支撑,没有文化积淀的作品是苍白无力的、浅薄的。因此,传统文化至善、至真、至美的文化内涵,是现代服饰设计中的灵魂文化,传统文化深厚的艺术美感,是现代服饰设计创作的灵感与激情源泉:
在民族化设计巾所表现的不应只是表面文章,这样做必然要受到工业化生产和审美观念的制约。民族化存各时代所共有的超时代性才是我们所要追求的=继承传统不是复古,而是继承前人的艺术创新精神,继承传统的正确态度是不断地丰富它,不断地推陈出新,使传统与现代融合,从而创造出有个性的新风格服装在学习借鉴传统民族文化的同时,不能简单地模仿某一个民族传统的服饰,照搬图案或修改传统的款式使之成为具有民族性的服装,而是应强调本民族的文化内涵,民族性的灵魂和精神。时代改变了,服装设计的语言也要与时俱时。服装设计必须立足于当代人的审美要求和穿着习惯,这就要求设计师能够敏锐地捕捉时尚热点。并将其巧妙地揉入自己的设计风格中,服装设计不再是简单的款式照搬,而应体现为人们对时尚生活方式的理解,是一种生活方式的设计。
三、在继承中发展中华文化
中国的传统艺术,形式多样、内容丰富,在服装设计中给予了我们很多的启示。在服装设计表现手法上适当运朋当代服饰设计艺术新设汁理念与设计手法,通过现代的思维方式与生活方式,将服装的造型、色彩、面料与现代时尚潮流完美结合,来诠释民族性的服装设计,也就是说汲取传统文化的精髓,借鉴、继承、改良、发展并赋予它新的形式、新的变化,从而创造出一种具有浓郁中国特色的服装风格,所以深刻了解巾华民族这个千年古老文明国度的深厚传统文化艺术底蕴,并将它与现代意识巧妙结合,是我们孜孜不倦所追求的目的,也是每一个设计师都不可忽视的课题。
(一)在传统文化上进行改良
创立中周风格的服装,不是一味钻研民族服饰,而弃世界流行大趋势于不颐,我们知道,任何民族的文化在历史的进程中,总是交织着与其他民族文化的碰撞与融合,在如今全球化风潮扑面而来时,创造具有浓郁中国特色的服装,应该是在世界性、时代性这个前提下,立足于中国风格,即“世界之精神,中国之本质”。中西服装文化观念虽然存在差异,但二者并不是格格不入,相反进行一定的吸收和借鉴能够增强服装的生命力和时代感。
借鉴传统文化,是对传统素材的再认识、再创造,包括文化内涵的改变与表现形式的转换;而不是简单的照搬、照抄,设计者必须把激发创作灵感的原型因素转化为切身的心灵感受,分析、归纳原型因素的主要特征并加以提炼,然后以一种明确的、恰当的、符合时代需求的形式表现出来。如旗袍,本是中国满族女子穿的一种长方形大袍,开始的造型并没有显示出女性的性感特征,也没有体现女性的形象美。后,旗袍大胆吸取西方女装的先进观念、现代人文精神和设计、造型艺术特点,使旗袍的款式造型和裁剪制作方法得到改进,中西女装的长处有机地融人旗袍之巾,花样不断翻新。改良后的旗袍变得收紧腰身,缩短长度、提高开衩,甚至出现低领无袖的造型,由卡住整个颈项的高领逐渐改变,直到取消领子时还未休止.义把领子开低,使美丽的颈部和颈饰完全显露出来,进而再把肩部变为吊带,充分展示人体的曲线美.这种中两合擘的服装款式既是借鉴西方服饰文化传统的结果,也是中国传统服饰文化的传承和发展。
(二)提取传统文化中元素进行创造
我国优良的传统文化与艺术是一座蕴藏丰富的宝库.为现代时装设计乃至其他众多艺术、设计领域提供了极其丰富的表现形式和设计素材。具有中国元素的传统文明产物数不胜数:艳丽的唐三彩、灵秀的水墨、素雅的青花甚至亭台园林、坊间乡趣都可以激发设计的灵感。例如,“天意·粱子”的主题“濡”中.借鉴中国书法艺术中纤毫、墨水和宣纸之间的轻灵接触,一气呵成、体现出纤浓适度的形式美和神韵美。这样的元素符号运用不仅仅是视觉设计,也是一种东方式的生活美学。
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根据展示目的的不同,展示设计大致可分为会展展示设计、博物馆展示设计以及商业展示设计等。任何类型的展示都离不开它的主题,设计的要点就是对装饰手法进行定位,切合展示的主题,配合展示的内容,并且结合展品的样式、历史乃至文化内涵。对于展示设计而言,如何选用装饰符号,对展示空间进行装饰性设计是其重要环节。
(二)图形符号作为地域文化的标志
地域文化是在一定的地域范围内,经历漫长的时间考验形成的一种历史遗留,包括社会习俗、文化形态、生活方式以及生产方式等。在展示设计中,通过视觉形式的艺术化,将地域文化与展示的主题连接起来。在普遍的会展活动中,一些商家品牌的标志往往能够带来比较明确的视觉引导效果,但倘若扩大到世博会展示的范围,那么商家品牌的概念就可能附加了某个国家或者地区文化的内涵。任何一个国家或地区都有属于自己的地域文化,在这种文化中孕育提炼出来的符号手法将其文化精髓加以提炼,所以图形符号就是以它的简练、概括的特点才容易得到人们的认同。
(三)图形符号作为营造氛围的手段
图形符号是一种带有强烈特点的元素,文化性以及标志性是图形符号装饰作用的根源所在。图形符号具有很强的感染力,它作为一种强有力的烘托气氛的手段进入到展示空间,它也作为一种装饰手段,能够为展示空间带来立竿见影的分类效果以及浓烈的文化氛围。对于展示设计来说,在主题气氛的把握上要有宏观的认识,使观众一进入展馆,便可以立刻感受到一种强烈的主题氛围。图形符号作为一种重要的传播符号,设置在展馆的入口处,是展示其形象的重要手段,所以在设计此类图形符号的时候要突出展馆的特色。倘若仅仅靠一些单纯、简洁的通用形态,那么将很难给参观者留下深刻的印象,所以增添个性化的以图形符号为主的标识,将会使展示的主题更加丰富。
二、怎样充分发挥图形符号的作用
(一)创意与想象
展示效果成功与否,关键在于对视觉元素和视觉效果的处理,通过创意将继承与创新、主题理念与科技手段、展示表达与受众感知等因素的相互关系进行整合,将各种独具创意的视觉形式来表现人类的文明和文化,通过图形符号这种信息载体将人类社会的思想转换为可视的形象。图形符号作为展示设计其中一种传播媒介,目的在于有效传播信息,以期获得参观者生理或心理上的共鸣和反馈。在设计理念上,应将科学技术与艺术相融合,图形符号的精髓来源于对民族精神和地域文化元素的提炼,表现了不同历史时期的社会风尚、生活方式、美学追求和价值取向。所以文化的传承和发展是关键,这种趋势适应了全球化文化多元发展的需要。发掘积极向上的文化内涵,让现代的展示设计在满足精湛技术和新奇材料的同时,更加注重精神层面,使参展者深受启迪和震撼。
(二)色彩、材质、照明、新媒介技术等形式语言的运用
色彩是视觉传达中最具诱惑力的元素,它使展示活动变得更加生动,并且可强化展示活动的整体感和陈列对象的展示效果,在活跃参展者的情绪的同时也减弱其视觉上的疲劳感。这种氛围的营造为空间添加了神秘感,同时也起到引导的作用。如2005年日本爱知世博会的中国馆,在会馆外建筑的立面上出现了中国北方文化的剪纸生肖图以及标志性的红颜色,使参观者很容易就界定出中国独有的特色和魅力。材料质感方面,以前的展示设计以传统的天然材质为主,人工合成材质为辅,近年来,由于科技进步,新材料、新工艺的出现,高分子和纳米技术的新型材料的运用也逐渐成为展示工程用材发展的新趋势。另外,图形符号在外观上还可以通过印刷、浮雕等方式增强质感以达到增加效果的目的,如中国馆内的“华夏文明之旅”浮雕墙)通过《清明上河图》、兵马俑、《百家姓》等具有象征意义的中国符号语言,浓缩了中国历史悠久的五千年文明,同时也展现了现代城市的发展历程。因为图形符号本身就是一种标志性的纹样,所以极具历史感与归属感。展示设计的照明不仅仅是照亮物体,还能烘托展示气氛、表达思想情感,既满足了人们观看展品的要求,也使人们充分得到美的享受和心理的满足。灯光照明的运用能直接影响到参观者对展品的大小、形状、色彩以及材质的感知,巧妙地运用光和色能够加强图形符号的轮廓和色彩的特征,使参观者更能身临其境地感受其艺术氛围,在艺术效果的表现上,给展示空间的设计上带来了更多的活力。以影像和网络为主体的新媒介技术很大程度上扩大了资讯信息的容量,使观众通过展台的窗口接收到更为广泛的信息。由此现代展示设计逐渐向互动、动态的方向转变,出现了资源共享的新趋势,展示信息的容量不再受到空间范围的约束,既能节约展示空间的面积,又能增强信息传播的效果,使参观者成为展示活动真正的参与者。而虚拟现实技术创造了虚拟空间,它带给参观者前所未有的超越真实的心理体验,使展示效果更加生动。
(三)着眼于展陈方案的整体性,而不是独立分割
对于展示设计而言,突出其时间性、历史性以及价值性显得尤为重要,它不仅仅只是解释某一件展品的内容,还包括了这个展品的空间环境以及在此环境中的使用和作用等。在图形符号的运用上,要着眼于空间的整体性,使其成为一个一体化的过程。在对空间氛围的表现上要有宏观上的认识。展示设计的创作过程是由设计概念到形象表现的构思过程,具有相对的独立性,同时又必须与经济、文化、功能、技术、审美观念、社会环境等因素结合起来综合考虑。设计的理念是整个设计的中心思想,围绕这一中心思想,通过探索与融合技术美学、传承与创新地域文化、解读与表达艺术形式以及协调与整合社会环境,使得展示设计得以成为一个整体的系统。
三、以2010年上海世博会为例,进行分析探讨
(一)图形符号在国家馆建筑造型上的运用
1.“韩文”符号的韩国馆
韩国馆的最大特点是以韩国文字符号为基础作为馆体的外观设计,从远处看,展馆由几个巨大的韩文字母组合而成,而走近才发现,墙壁上布满了若干个凹凸有致的韩文字母。在展馆内部,用七彩的地砖铺设组成首都首尔的缩略图形,这种“符号化的空间”体现了韩国的传统文化,也加深了参观者对于这个国家文化的理解,这成为韩国馆的亮点
2.“剪纸”形状的波兰馆
波兰馆在世博会众多的馆中,以它抽象的外观,独特的折纸造型,镂空的剪纸图案十分引人夺目,将“剪纸”这一图形符号运用于建筑的外观中,源于波兰鲜明的传统文化元素。尤其到了夜晚,镂空的造型将透过表皮室内的光线照亮室外,呈现强烈的明暗对比,及传统又现代,呈现了独特的视觉效果。
3.“C”型的加拿大馆
加拿大馆的建筑外观整体呈现字母“C”的形状。其代表着加拿大的英文名称“Canada”的首字母,整个图形形状犹如一个张开双臂的怀抱,寓意着温暖的拥抱。其灵感来源于这个国家的地理和人文环境,加拿大的城市随着历史的发展在地图上形成了连续的半环状,这一简单又带有隐喻的表现手法,散发出了加拿大的风土人情以及独特的地域特征。
4.以“斗拱”为元素的中国馆
采用古建筑中“斗拱”元素的中国馆,其设计理念蕴含着丰富的中国文化元素。其斗冠造型,寓意“东方之冠,鼎盛中华”。在外侧的环廊立面上,用叠篆字体印出传统朝代的名称,在参观者休憩的设施表面,同时也篆刻着我们国家各省、市、区名。这34个字象征着祖国的地大物博,向参观者传递了中华民族的人文历史。综上所述,图形符号在上海世博会建筑造型上的运用都体现了一种民族传统以及地域文化,这些符号将内在的“含义”与外在的“表象”结合了起来。建筑独特的审美表达让身处在图形符号之中的参观者由静态变为与之互动。这些符号的元素大多源于本国的传统文化、传统建筑以及人文地理,因为图形符号更直观,更容易被视觉捕捉和吸收,它不是简单的文化符号的套用,而是设计师通过创意以及丰富的想象力将抽象的理念转化为独特的图形符号语言。
(二)图形符号在会徽上呈现的特征与内涵
会徽作为世博会的思想载体,尤其具有特定的文化意义,主题是会徽设计的依据,将图形元素加以简化、变形的抽象化表现,力求对于世博会主题与内容的表达更具的准确性、可读性、可视性。上海世博会会徽,以中国汉字“世”字图形为主体进行创意,会徽中三人合臂相拥,形似幸福美满,相携同乐的三口之家,可抽象概括为“你、我、他”,象征着世界人民同一家,表达了世博会“理解、沟通、欢聚、合作”的理念,同时也体现了“以人为本”的设计思想。基于图形语言的符号性很强,其简约、单纯的特点易于观众识别,色彩上采用象征和谐、可持续的绿色,富有生命的活力和激情;使用篆刻来表现图形的特征更加能够体现中国特有的文化底蕴和独特的审美价值,使整个图形符号具有很强的视觉冲击力。
(三)展示设计中运用图形符号时需要注意的事项
1.遵循“少即是多”的理念
因为越简洁的形式就越容易被人接受,所以在运用图形符号的时候力求以最简洁的形式表现最丰富的内涵,这就要求设计师在展示设计中尽可能地选择最富有代表性的图形符号,遵循“少即是多”的设计理念,不求使用次数的频繁,只求能够准确地进行空间的信息传达。
2.满足时代性、传达性、艺术性、文化性等基本需求
图形相对于文字更具象、更简明、更通俗易懂,具有深刻的社会属性和文化内涵,在使用时更应该注意其表义性和通用性,考虑它自身的时代性、传达性、艺术性、文化性等基本特征,通过精炼形象的视觉语言传递并展示空间的主旨概念,使展示的内涵更加丰富。
3.充分考虑受众人群的文化背景、民族风俗等因素
图形符号具有隐喻的特征,善于利用隐喻特征的多义性和模糊性,使展示设计中能准确传达信息的同时又具有独特的艺术感受,隐喻的基础必须是设计者对生活的感知。而来自不同民族、不同地区的参观群体由于不同的文化背景对图形符号的隐喻性认知也不同,这就要求在使用图形符号时必须考虑受众人群的文化背景以及民族风俗等因素,将其对于展示空间的作用最大限度地发挥出来。
4.重视图形符号营造民族地域特色的作用
展示设计中的图形符号主要包括“标志”和“标识”图形两个类别。标志能够加深观众对展示活动的印象,扩大展示活动的社会影响,并且有利于树立展示活动的形象;而标识被广泛地应用于展示环境中,方便观众在展示环境中参观浏览和获得服务帮助。鉴于它们在展示设计中的重要性,就应该更加重视借鉴、吸收传统文化中的一些纹饰符号,将具有代表民族地域标志性的事物、场景进行变形、抽象的概括,向人们传递传统文化的思想观念。
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(2)线。线通常分为水平线、垂直线、曲线、斜线、不规则线等几大类。不同类型的线能够表达出不同的情感。例如,细线通常给人感觉懦弱缺少勇气;直线给人一种稳定、强壮的感觉;折线多用来表达情绪上的波动。不同排列粗细的线能组成不同联结和韵律的图案。若把线理解为一种力,水平线与垂直线两者相结合能够诠释出一种张力平衡的矛盾原理。斜线,可以带给人一种方向感,有种悬而未决非常的不稳定的感觉。曲线,很容易就可以联想到自然态,对于一条的曲线来说,它能更为简明地表现出方向和比例关系,更有趋向与直线的“欲望”。
(3)面。通常人们把各种面按一定规则。例如,大小,形状,色彩,明度进行排列,形成秩序感。这种秩序感受视觉环境、光效应等影响。
(4)颜色。很多人都说色彩有“温度”,实际上是人在观察环境与物体的色彩时视觉神经细胞会相应的发生变化,观察红色系时,身体会出现体温发热现象,神经开始紧张,如果长时间持续下去就会产生狂躁现象。但如果观察蓝色系,人的体温会实际上降低,人们会感到凉快,但时间长了由于体温持续降低,人的大脑反映变慢,产生麻痹,使各种行为活动效率降低。而明度较高、灰度较高或中性的色彩,人的生理感觉平稳舒适。因此,在确定室内的色彩时,要求冷暖适宜,尽量不采用红蓝等原色,而用中性或淡雅色彩,以减弱色彩对人视觉的刺激,保证血液流通、脉搏搏动平稳。
(5)符号的运用。怎样是成功的室内设计风格呢?美国美学家苏珊•朗格讲过这样一句话“:一个符号总是以简化的形式来表现它的意义,这正是我们可以把握它的原因,不论一件艺术品是何等的复杂,深奥和丰富,它都远比真实的生活简单。”在进行室内设计时,应关注使用者情感的交流,为了营造艺术氛围,可以采取符号性手法进行设计。设计的元素和基本手段通常被看作室内设计符号。室内设计中点、线、面、体、色彩等与构成以及对这些元素的表现手段则是对室内的符号化表述。通过对这些符号的加工与整合,来表现设计师所想表达的设计理念。室内设计中的造型设计实质上也是对各种造型符号进行编码,表达其实际功能,并说明其品质特征。通过研究以下几个案例来分析如何取舍合理安排这些符号使其在空间中互相呼应配合形成一个完整的体系是本次所要研究的主要目的。
2案例分析
现代人尤其是我们中国人仍信奉中庸之道。在室内空间设计中庸之道体现在“适度”二字上,也可以称作平衡,使现代生活中不失传统的高贵典雅和丰厚的文化意蕴。室内空间是人们最重要的活动场所也是人们不可缺少的场所,将符号的造型方法、特点、规律以及所蕴含的文化含义运用在室内空间设计中是十分重要。俏江南餐厅的室内设计就突出了这些特点,这里列举几个不同分店的室内设计效果图,浅析一下符号在现代室内设计中的重要性。
(1)“圆形”符号。俏江南餐厅的设计师在为每一个分店做设计时都非常系统的运用符号,这种系统的运用手法使得室内视觉效果给人一种舒适的感觉。例如,俏江南北京国贸店随处可见的椭圆形符号,椅背,灯具,包厢,甚至是灯具的支架无不存在着圆形。而且元素搭配的很有意境。例如,吊顶处的水墨仙鹤与包厢的墙纸相呼应,在这种装饰效果下甚至会觉得餐巾的折法也像是仙鹤的翅膀,符号元素运用的非常巧妙。
(2)“矩形”符号。俏江南上海环球金融中心店墙体上的蝴蝶标本与吧台侧面的蝴蝶射灯,以及沙发上黑色类似蝴蝶翅膀纹路的花纹都是一种装饰符号,整体有一种规整的秩序感和韵律感。而且蝴蝶标本与大厅的树木形象使人不自觉地把二者联系起来,这种表面上看似不同的符号其实质也是存在着一些有逻辑的内在联系的。这些元素掺杂在一起使得柱体上的方形木条,吊顶处类似树叶的形象及蝴蝶这些符号组合在一起结合整个餐厅的纯白色系给人一种纯净的自然之美。
(3)“线”形符号。俏江南北京欧陆广场店运用了曲线这一装饰符号,看似杂乱其实整体上却是非常有秩序的,镂空屏风上的曲线与餐厅地面的曲线相呼应,避免杂乱又穿插了规整的垂直线来中和这种视觉感受,屏风上曲线组成的圆形与圆形的桌,圆形的盘,带有弧线的椅背,甚至带有圆弧造型的灯饰组合在一起一切看上去既合理又整体。
(4)具象元素抽象化符号。俏江南苏州李公堤店把“花瓶”“折扇”这两个形象作为一种符号进行装饰,沙发上陈列了一系列红色的花瓶,红色这一元素首先被运用到室内的各个地方,墙体,部分厅的地毯,沙发,部分灯体等等。其次部分灯的形象由灯笼改造成带有花瓶形态的造型的形象“;折扇”这一元素则被运用到吊顶的设计和小型包间的隔挡上。不仅于此设计师还提取部分曲线的元素运用在如沙发,座椅,包间的圆形顶,带有弧度的包间墙体。这些被肢解的符号在一起虽然不完全相同,但是经过变化后再次组合,画面既丰富又互相联系,而且元素的解构和拼合的装饰效果又十分有意境,中国风里带有一些现代感,有一种“中西合并”的感觉。这种装饰方法使传统符号在现代设计当中得以延伸发展,并创造了新的民族形式,就应该像俏江南的设计师一样在理解的基础上取其“形”,延其“意”,从而传其“神”。
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我国的民族文化与艺术为服装设计领域提供了极其丰富的表现形式和设计素材,如唐三彩、中国水墨画、青花瓷、园林景观、民间手工艺、少数民族服饰品及工艺品都可以激发设计师的灵感。例如“东北虎”打造的就是中国奢侈品牌服装,在设计中常常运用旗袍、唐装、汉服、折扇、书法、刺绣等民族文化元素,每次会都蕴含中国民族文化;“天意•粱子”的作品中,很多都是采用中国传统桑蚕丝面料,借鉴中国书法艺术、刺绣等设计元素体现本民族的形式美和神韵美;“玫瑰坊”郭培的设计常常借鉴中国宫廷服饰造型、青花瓷、吉祥图案、刺绣等民族文化元素,设计师在运用刺绣时强调色彩的配色、过渡、分割与合成等方面;而吉祥图案元素可以较自由地运用解构、移位、变形等方法,再将图案进行设计重组,形成新的独特效果。例如香港服装设计师张天爱曾运用鲜艳的晚清时期龙纹苏绣,在设计过程中龙纹仅仅是龙纹,不具有任何的象征意义,只是作为一种服装图案。因此,在运用民族文化元素时,必须从整体出发,考虑服装的款式、材料、色彩及服饰配件,包括化妆都要形成统一。从现代的审美情趣出发,把民族文化与时尚相融合,对这些设计作品的元素符号进行视觉设计的表达,展示东方式的生活美学。
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当前世界范围内,随着经济的发展,文化建设也得到了长足的进步,人们在满足基本生活需要的同时,对时尚的要求越来越高,对服饰的要求也越来越高。笔者结合工作实际,就时尚文化与服装设计这一重要议题展开讨论,重点介绍了时尚文化概论相关概念,分析了时尚文化与服装设计之间的共同性,并讨论了时尚文化与服装设计之间的相互影响,以期得出时尚文化与服装设计在文化方面、设计方面、灵感方面相互契合之处。
二、时尚文化概论
艺术设计在很大程度上充分迎合了人们在审美情趣上的要求,在精神世界上的诉求以及情感方面的需求,充分体现了文化的相关内涵,因而具有很大的影响力。从心理学的角度看,社会生活中积累的民众内部非正常行为的集合叫做时尚,时尚这一概念随着社会生产力水平,分配方式,生产关系,以及物质财富以及精神财富的变化而变化。一般来说,时尚文化是社会一小部分人(潮人、艺术家、非主流人群以及歌星、影星等社会知名人物)所创造和倡导的,迅速通过现代媒体的传播为社会大众所接受的现象。时尚涉及到生活的很多方面,比如说在情感方面、行为方式方面、生活方式方面等。
从某种角度看,时尚文化是当下最为流行的文化的精髓部分,能够得到社会大众的普遍认可,换句话说,时尚是当前社会风尚中的乡里巴人部分,不是艺术家所匿藏的阳春白雪。时尚文化能够将社会大众,特别是年轻人在思维方式方面、情感方面以及心理方面联系更为紧密。当前,年轻一代人(特别是八零后和九零后一代人)在期望获得社会认可方面以及在实现个人价值方面有很多的共同之处,他们的价值意思、个人成长规划上与老一辈人有着深刻的不同,很多观念上的差异以及行为上的诉求导致他们对于文化的理解有着很多的共同之处,而时尚文化成为他们生活总不可缺少的部分,而他们本身的思想、行为也构成了当前时尚文化的一部分。
在我国文化建设的大潮中,时尚文化很自然地成为文化建设的前沿阵地,要在维持整个社会文化健康成长的基础上,处理好传统与叛逆、古板与情趣、规矩和个性等方面的矛盾十分重要。时尚文化从某种角度上看,难以捉摸,但是确是切切实实地改变着这个社会。大家都知道,服装设计过程中设计到很多元素,其中艺术元素、文化元素的融入更是使服装设计成为大家追求时尚文化的有效载体,分析当前时尚文化和服装设计之间的关系就很有必要了。
三、时尚文化与服装设计的共同性
服装设计和时尚文化在很多方面有着共同性,而且在很多方面相互补充,相互借鉴,分析下来,主要有如下几点共同之处。
1.商业性
无论任何文化元素都需要必要的市场操作才能体现文化本身的商业价值,时尚文化也是如此。在当前市场经济充分发达的今天,众多的文化形式都需要通过各种文化衍生品实现商业价值的获取,而这些文化衍生商品由于有各种文化的嵌入,更能够满足社会大众在物质层面、精神层面、在情感方面的需求,从而激发了消费者的消费欲望,促进了商品的销售,而商品的销售又推动了文化元素在社会更为深入的推广。
在当前,时尚文化元素已经成为很多产业前进的内在动力,为这些产业带来了巨额的利润。比如说日本的漫画文化、泰国的人妖文化,已经成为推动这些国际经济发展的重要动力源。我们在将话题回归到服装设计上来,服装的设计工作最终是要为了服装的销售服务,因为服装产业的直接目的在与盈利而不是满足社会大众的需要,所以当前的服装设计师必然在设计时考虑服装的受欢迎度,以期望获得更为高额的商业利润。而消费者在购买服饰的同时,也满足了自己在生活品味上、在审美情趣上、在穿着功能上的要求。服装设计和时尚文化在商业价值的获取上找到了契合点。而另外一方面,时尚文化和服装设计融合的过程中,也存在着一定的风险,一旦流行元素选取失误,必然会导致服装在市场销售上的失败,导致巨额亏损。
2.时效性
时尚文化是某个时间段社会时尚元素的集合,会随着时间的流逝产生、发展、衰退和消亡。和传统文化相比,时尚文化就如昙花一现一般:来得快、影响大、消失快,有着内在的时效性。时尚文化没有所谓的“保质期”,它在一定时期内深刻地改变着人们的生活,但是很快就会被新的时尚元素所取代。很多过往的时尚文化或许在老一辈人心目中留下深刻印象,会被他们时常回忆,但是却不能取代当前的时尚文化。当前社会越来越快的生活节奏,加上文化多元化的不断加重,导致文化在表现形式上以及获利方式上更为功利。更新换代的速度也是越来越快。
服饰也是如此,具有很强的时效性。流行元素,时尚文化在服饰上的体现就是新颖元素的不断加入,老旧概念的迅速消亡。服装设计和服装概念对文化是十分敏感的,一旦过时,相应文化的服装产品就将迅速过时,失去了市场购买力。
从根源上看,时尚文化以及服装设计的时效性来源于社会大众内心无穷无尽的欲望。人们总是对未知的事物充满了好奇感,而这种好奇感驱使着人们不断追求新鲜事物,一旦他们成功,又会将注意力集中到新的事物上去。所以从社会学的角度看,人类是之所以是一种群居性生物,是社会性事物,根本原因除了对繁衍要求很高以外还有一个重要原因就是天生的好奇性,西方神话中夏娃吃禁果反映的就是这一观点,而人类无穷无尽的欲望正是推动我们整个社会前进的内在动力。
3.群体性
时尚文化具有着很强的群体性,能够很好地被人们所接受,进而不断被传播。社会群体的划分有很多角度,但是从文化取向角度出发,人们可以被分为很多群体。一旦新的时尚文化出现,按照对新的时尚文化接纳程度来看,可以将社会人群分为各种不同的群体。
从时尚文化接纳程度来看,对时尚文化接纳程度最高的是女性群体和青年群体,这个两个人群也是时尚文化的忠实支持者,是时尚文化产业的忠实支持者和消费者。这两个群体对时尚文化有着十分深刻的理解和认同,他们消费时尚文化衍生商品,并通过日常生活的演绎推动着时尚文化的普及,从而形成一个循环。服装设计具有很强的群体性,不同文化、不同民族、不同、不同风俗习惯的社会人群在服装设计上也各不相同。
四、时尚文化与服装设计的相互影响
时尚生活通过很多层面影响这人们生活的方方面面,也深刻的改变着服装设计,指引着服装设计的方向。另外一方面,服装作为社会消费品中的一个较大的门类,也在很大程度上改变着时尚文化,在一定程度上左右着时尚文化的流行趋势,两者相互影响,相互促进。
1.时尚文化催生这服装设计的风格定位
某个特定时期某个特定社会范围内,服装的设计理念、设计方法在很大程度上受到时尚文化的影响。从本质上说,这是由于这一时期内设计师本身会受到周围环境时尚文化的影响,会将时尚元素融入自己的设计中来;另外一方面,只有符合当前时尚文化风格的服饰产品才会受到社会大众的欢迎。
2.服装设计引领这时尚文化的潮流
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文献标识码:A
文章编号:1007-3973(2012)008-167-02
毕业设计(论文)是大学本、专科教学中最后一个教学环节,对于服装设计专业而言,毕业设计(论文)是提高学生在专业理论与实践中灵活运用所学知识的综合能力,是对学生必须具备的专业知识与专业技能的全面检验,也是学生对本专业所学知识深入研究、探索得到的感悟与体验。服装设计专业毕业设计(论文)不同于其它专业,它直接反映学生从整体策划、设计构思、服装板型设计、工艺设计及管理设计项目的能力。因此,毕业设计(论文)主要是在教学中,引导学生在设计内容方面必须围绕设计主题展开,同时根据当前的流行时尚以及市场需求,结合毕业设计(论文)主题方向,以多种表现形式,突出实践性、原创性的特点,从而为过渡成为未来的“准服装设计师”作好铺垫。
1 “服装专业毕业设计教学模块”的构成
“服装专业毕业设计”是对学生在毕业前进行综合训练阶段,也是服装高等教育中最重要的阶段。在多年的教学中,实施“模块式与过程监控相结合”的毕业设计教学模式,充分发挥了专业教师的主导作用和学生的主体作用。首先是将服装专业毕业设计(论文)教学的整个过程分成不同的教学模块。其次是按各教学模块的特点,确定学生完成的时间、内容和要求,专业教师将按每个模块的特点要求,进行相应的指导和训练。另外,在实施教学过程中,学校可根据各个模块要求,分别对指导教师和学生完成情况实时监控和考核。实践证明该教学模式是一套管理有序且实效性强的教学方式。如图1。
2 按服装专业教学模块分阶段教学,指导教师将对整个过程进行实时监控
2.1 服装专业毕业调研阶段
毕业调研是学生们收到老师下达毕业设计(论文)任务书后,针对毕业设计内容进行的前期准备工作,既是学生走向社会之前了解社会与市场的过程,也是为毕业设计(论文)收集资料、素材和寻求论据的过程。一般可以采用采访录音、问卷调查、参观交流等多种形式。毕业调研的地点根据不同选题来确定,例如到沿海城市调研服装市场动态与当前流行趋势,到知名服装企业调研服装设计、生产及企业管理制度,到服装零售市场调研橱窗展示、各类服装饰品的特点与销售及各类销售人员的服装消费观念,到面料市场调研当前的面料、辅料状况为后期制作做好准备等等。此过程中,专业教师一般采用定期集中或通过网络及时和学生进行沟通,指导学生如何现场进行调研,如何将调研的素材进行整归纳,最后形成一份具有充分依据的文字材料。调研结束后由学生上讲台主讲选择调研的过程,收集素材的情况进行总结,并提出下一步拟定选题的想法,此过程中教师和学生共同分析、结合学生自身的特点,提出建议和意见,在专业教师的引导与学生相互之间交流与互动中,专业教师的实践知识同样也得到了很好的拓展。
2.2 收集服装主题设计相关资料及选择论文选题阶段
服装专业毕业设计(论文)的过程是学生自觉参与专业理论研究与专业实践的过程。为了充分发挥学生的主体作用,要求学生首先明确自己的毕业设计(论文)方向,定位及整体规划。培养学生独立思考和分析问题的能力,亲自参与论题选择实践。此教学环节是在毕业调研过程中穿行,在实施选题方向之前,专业教师可提示出几个选题方向。即:(1)与国内外服装设计大赛主题相吻合的设计主题;(2)与企业合作进行成衣产品开发或流行趋势预测的设计主题;(3)研究新材料、新工艺、新技术的课题;(4)研究服装展示、品牌、企业形象及服装市场营销的课题;(5)研究民族、民间服饰文化的主题;(6)研究服装流行趋势、传播媒介信息网络、电子商务的课题;(7)研究服装CAD技术、人体计测与服装造型的课题。要求学生每人至少选一个课题,同时课题研究要求学生需尽可能的结合自己的设计实践进行选题。针对选题范围通过图书馆、网络及服装期刊等方面收集查找相关资料。毕业调研及收集资料阶段结束后,指导教师将组织学生讲解论文选题的思路,和学生共同分析、筛选适宜的选题,对选题进一步考察、论证,同时要求选题应具有典型性(理论研究与创作实践结合),最后确定选题;此过程既有利于调动学生的学习主动性、积极性和创新性,又利于深化学科知识和拓宽学生的知识面,同时促进了学生综合能力发展。
2.3 确定服装设计方案阶段
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探究服装设计专业实训基地的建设模式的新思路需要以务实求真为原则,坚持学以致用、活学活用才能让实训基地发挥出应有的作用,具体创新思路如下:
1.以培养适合社会需求的实用型人才为目标。服装设计专业实训基地创新思路之一在于培养目标的确定上,创新服装设计专业实训基地建设模式,始终应以培养适合社会需求的实用型人才为目标。高职院校的主要任务是培养人才,教书育人成功与否的关键体现在学生是否成才,是否能够运用所学的知识服务于自身、服务于家庭、服务于社会,而非是眼高手低,或者不具备创造性的庸才。当今高校毕业生在踏入工作岗位后,专业匹配率极低,排除学生本身不想从事和自己专业相关的工作,从某种程度上说明了高校毕业生未能学有所长、学有所用,这是高等教育领域需要重视的社会问题。社会与企业需要的并非是谨守理论和书本知识的员工,服装设计企业更是如此。服装企业经由设计开始,经过选料、制样、批量打版到最后批量生产和销售是一个环环相扣的过程。一位优秀的服装设计师,设计的服装不仅需要考虑到样式的时尚、实用,还需考虑到设计的服装是否能够量产,是否能够紧扣市场的节拍。这里需要的不仅是专业的设计知识,生产知识、服装面料的识别与特性,当前人们对服饰的偏爱与喜好,都是设计师需要考虑的因素。这些能力的培养如果仅仅通过校内的实训、简单粗浅的想象必定做不到,若希望学生在这些能力方面有所发展和提升就需要创新教学内容、教学方法,对于实训过程需要专业规范化的管理,更要紧密联系服装行业的真实需求,确保学生技能和创造性思想都是与社会需求紧密合拍的。
2.以务实求真为主要原则。服装设计专业实训基地创新思路之二在于创建实践基地需要坚持的原则——务实求真。高职院校的教学水平、教学设施均是一个高职院校竞争力的体现,也是一个长期累积进步的过程。国内开设服装设计专业的高职院校繁多,档次各有高低,作为服装设计专业教学主要部分的实训基地可最大化地彰显高职院校的真实实力。高等教育也是在竞争中进步的,实训基地建设的主要目的并非是彰显学校的形象,也并非面子工程,若是刻意为了美化学校的面貌而不去注重实际的管理与运行过程将是很大的错误。政府和教育部门给予高职院校的经费毕竟是有限的,所以,服装设计专业实训基地的建设尤其应时刻以务实求真为第一考量。只有切实地采用真场地、真设备,实训基地才实至名归,也只有秉持真项目真要求,实训基地才能称之为实践操作。政府与相关部门之所以特别强调高职院校各专业的实训基地建设,是为了更深入地推动高校教育改革,确保高校培养的人才是合格的,是尽可能符合企业用人标准的。务实求真的实训基地也将逐渐深化校企合作的力度,让国内的服装设计人才更好更快地走向专业的领域,走出校园,走进企业,走向国际化的职业舞台。
三、服装设计专业创新实训基地建设应重视的问题
创造性的思想在实施过程中必须要有科学的管理体制与运行机制,还需要同样符合要求的载体与推动力。创新服装设计专业实训基地建设的过程亦然。因此,要想创新实训基地的建设,应建立健全实训基地的管理体制;改革服装设计教学模式,以实践性教学为主要方式;逐步建立理论与实践兼备的师资队伍。
1.建立健全符合创新实训基地的管理体制与运行机制。服装设计专业创新实训基地建设应重视的首要问题是如何建立健全符合创新实训基地的管理体制与运行机制。服装设计专业所属的上级高职院校可能是综合类高职院校或专业的纺织与服装高职院校。根据规模的大小及高职院校的定位,专业实训基地的规模必定是不同的。本文所主张的创新实训基地建设,不论专业规模大小,均主张实训基地走出校园,采用企业与高职院校联合建立实训基地的方式。在这种情形下,要使实训基地充分的发挥作用,就需要建立科学的管理体制与运行机制。实训基地建设要从学校的实际出发,结合服装设计专业的社会需求统筹规划、合理布局,与企业合作实训项目需重点突出,尽量达到实训预设的目标。学生实训过程的时间较长,需要辗转的空间也较大,为了有效地管理学生的实训项目,实训基地需要具备科学的管理体制,保证学生能够顺利地进行实训操作,完成实训目标。实训的主要目标是给予学生了解自身真实操作能力的过程,也是教师观察学生知识技能水平的时机,学生与教师均需要真实地了解自身的优势与劣势。在实训的过程中,有企业的适量参与,无疑也可以很好的从第三方反映出高职院校教育过程中需要提升和改善的方面。这些目标的达成便需要实训基地具备顺畅有效的运行体制,保证各方搜集信息的真实与完全性。譬如,从教学课题的提出,经过教师的教学过程,接着申请学生实训项目,要求实训过程中邀请企业资深设计师参与实训指导,最后完成整个实训过程。这一系列的运行需要具备规范化的运行体制来监督确保实训活动的圆满完成。
2.改革服装设计专业课程体系及教学方式。服装设计专业创新实训基地建设应重视的第二个问题在于如何改革服装设计专业课程体系及教学方式。服装设计专业领域既已确立了实训基地的核心地位,那么改革传统的课程体系与教学方式便成为首选措施。为了将新的材料、新的技术、新的工艺、新的设计理念不断地充实进学生的教学内容,淘汰掉将远离专业能力需要、不具备实用性的课程,将其置换为适应现代化生产需要的课程。在服装设计专业,学生需要的是尽可能自由与开放的学风,不局限于有限的课堂教室,不仅仅采用文字输入式的教学方式,为学生创造产生灵感的空间。对于大多数学生来说,灵感的产生需要一个过程的累积,然后是一个突破的契机。当有灵感产生时,要保证学生能够很好地捕捉到这个灵感。多样化、开放式的教学方式是目前最适合服装设计专业学生的教学方式。譬如:观赏各式各样的服装秀;欣赏风格迥异的电影与音乐;带领学生走出课堂,走出校园,感受四季不同的自然风光,这对学生的知识增长、技能提高或者专业领悟有着其他教学方式所不能比拟的效果。开放式的教学要求教师具备统筹与管理能力,对课程的驾驭要较为纯熟,否则可能起不到理想的教学效果。设计师需要用笔记录下灵感与学习成果,需要细细感悟灵感产生的心路历程,所以,开放式的教育并非不需要学生及时完成作业,反而是需要教师有计划地收集、审阅并反馈学生的作业,促进学生的能力成长。
3.发展理论与实践兼备的师资队伍。服装设计专业创新实训基地建设应重视的第三个问题是如何发展理论与实践兼备的师资队伍。服装设计专业的学习过程跨越3~4年,传统的学习中只有在学生面临毕业的时候才放学生出教室、出校园进行实践活动。这种实践活动专业性较浅,不仅不能体现学生的成绩差压,对学生的能力亦得不到提高。究其原因,一是实践活动时间短暂;二是指导教师能力欠缺,方法单一。根据服装设计专业的特性,理论与实践课程的时间分配最好能够做到1‥1的比例,如此才可能最大化地保证学生的理论与实践学习均得到良好的效果。这也就需要教导学生的教师具备理论与实践兼备的能力,不仅在课堂上有效地教授学生理论知识,还可以在实践中科学指导学生的实践活动。在创新型的实训基地建设中,教师的实践指导能力占据了重要的地位。教师不仅应安排好学生各个实训项目的环节、掌握好进度;同时,还要发现并及时解决学生在实践过程中遇到的各种问题。教师肩负着帮助学生顺利地通过实训基地这座连接校园与企业的桥梁,一方面要完成自身的教学使命,另一方面也要保证输送的学生达到企业的用人标准。现今,大多数的服装设计专业教师均能做到理论与实践能力兼备,甚至是知名的服装设计师。他们了解当前服装行业的行情,能够根据每个学生的特性,较好地培养学生的特长技能,这也为创新实训基地建设奠定了基础。服装设计专业涉及的应用领域庞大无比,譬如根据不同的年龄阶段、不同的季节变化、不同的着装场合服装设计的发展方向选择性很强。只有具备足够理论与实践能力的教师,才能培养出符合服装设计专业发展需要的人才,才能培养出满足企业的个性化需求、满足最广泛市场需求的复合型专业设计人才。