引论：我们为您整理了13篇电影艺术的审美特征范文，供您借鉴以丰富您的创作。它们是您写作时的宝贵资源，期望它们能够激发您的创作灵感，让您的文章更具深度。
篇1
我们说电影艺术是各种艺术中综合性最强的一门艺术，这是因为电影几乎拥有着其它艺术的所有表现手段。在它的肌体中有文学、戏剧、舞蹈、音乐、绘画、雕塑等各种因素。而这种综合性应该体现在两个方面：一是，多种艺术的综合，并且，集各种艺术元素于一体。它汲取了各种艺术的表现特色。如：汲取了绘画对光、影、色、线条、体积的独特处理,以及如何运用二维平面去创造三维空间的艺术本领；汲取了音乐的韵律美、节奏美和音乐独特的听觉艺术元素；又如：将文学溶入电影艺术,主要在于汲取文学塑造人物形象与典型的方法,以及故事情节的结构安排,细节的描写方面等。二是，电影艺术与科学技术的综合。电影艺术是各种艺术中科技含量最高的一门艺术，它综合了光学、声学、电子学,计算机科学的最新研究成果。电影从无声片、有声片到现今的彩色片和立体电影，都是与科学技术的发展分不开的。
二、电影艺术反映现实的逼真性
我们知道电影最早被称为“活动的照相”。至于照相我们是清楚的，所谓的照相就是真实地记录生活中的原貌，所呈现出来的画面是静态的。而活动的照相也是真实地记录生活中的原貌，只不过是把可见的事物在运动中纪录下来，所呈现出来的画面是动态的。因此，二者具有一个共同特性――逼真性。谈到逼真性，照片的逼真在于人物、景物的真实；而电影的逼真性除此之外还在于，电影还能发出物体的声音和人的语言，它和活动的画面结合在一起，使电影具有了更强的逼真性。另外，电影还能够把生活中的颜色和色调逼真地反映在银幕上，使人们直接观赏到色彩艳丽的世界。这样，银幕上的生活由于运动的画面、声音和色彩三者的结合，就更加接近于现实生活了。这一点我们是很容易理解的，我们都看过电影。有些电影看过数边，甚至过了许多年我们依然喜爱，比如：《地道战》。究其原因，就在于影片的内容就是生活本身，它真实的反映了生活的本质，用镜头真实的纪录了生活。
电影艺术的逼真感还有另一个表现――蒙太奇――电影的独特表现手段。蒙太奇虽然来源于建筑学，但它与人们在日常生活中观察事物的经验却有着相似性。人们在观察事物时，总是不断地改变空间范围和视角。比如：有时远观、有时近取；有时从这个角度观察，有时从另一个角度观察；有时平视，有时斜视，有时仰视，有时俯视；有时固定地看一个事物的变化，有时则随着事物移动看一个事物的变化。人们正是通过观察点的变化以及从不同的观察点上所得的综合印象去了解事物的外貌。而电影正是根据这个特点产生了远景、全景、中景、近景、特写、大特写、平拍、斜拍、仰拍、俯拍等景别以及包括推、拉、摇、移、跟、升、降在内的各种移动镜头，并将各种景别、镜头连接在一起，使观众如同在现实生活中那样去观察反映在银幕上的生活，产生一种接近于现实生活的逼真感受。
三、电影艺术的视、听融合性
电影艺术是视觉与听觉为主的影像艺术。视觉、听觉以及视听融合性都是电影艺术的基本特性。要探讨电影艺术视、听的融合性，首先，来看看传统艺术。绘画艺术是用画面来塑造形象,但是缺少了音响效果；音乐艺术是用声音来塑造形象,但又缺少了画面，也就缺少了形象感。而电影艺术的出现，尤其是有声电影的出现,使艺术具有了音响与画面的高度融合。电影和戏剧又有所不同，电影和戏剧虽然都重视动作性，但电影更重视的是视觉动作而戏剧更重视的是言语动作。电影艺术不仅善于汲取绘画的特点,还要考虑画面的安排,关注画面美,同时还善于通过各种音响来构成节奏感与和谐美。音响和画面的高度融合性,使得形象更为真实,更为丰满,更具立体感。比如：《满城尽带黄金甲》中台的画面外传来令人荡气回肠的《台》的音乐,构成音响与画面渗透、情景交融的意境。
四、电影艺术时间空间的高度自由性
电影艺术是一种典型的时空综合的艺术。它作为一种全新的综合艺术，是在时间与空间上同时展开的。电影艺术的时间是指空间化了的时间,成为具体可闻可见的空间运动；电影艺术的空间是指时间化了的空间,它有一个时间的流动过程。电影既是在空间中展开的时间艺术，也是在时间上延续的空间艺术，它把时间艺术的表现性与空间艺术的造型性有机地结合了起来，而成为拥有时空自由的一门崭新的艺术。由于电影艺术的这种特性,它在时空结构上具有了极大的自由性。比如受众对一个时空统一的镜头的感受并不是纯粹用钟表来计算的,它还受到镜头中所包含的信息量的多少以及它的节奏的影响。信息量大,时间感就短，信息量少,时间感就长；节奏变化强烈,时间感就短,节奏变化缓慢,时间感就长。这里还涉及一个电影艺术时空的交错的问题。所谓时空交错指的是打破现实时间的自然顺序,将过去、现在和未来的时空场面进行交叉衔接,将联想、回忆、幻觉、梦境同现实融为一体,使时空呈现出跳跃性并获得多层次的展示。电影艺术似乎有一种不受物理空间和自然时间束缚的力量,与其他艺术相比,电影艺术更能摆脱时空的客观规定性,从而获得更大的自由。
通过以上四个方面的简单论述，我们对电影这门新兴的艺术的审美特征有了初步的了解。这不仅有利于电影艺术的创作，同时也有利于电影艺术的欣赏与评论。当然，要进一步的、深入的探究电影艺术的审美特征，不仅要对电影艺术本身进行深入的研究，而且还要对音乐、舞蹈、绘画、雕塑、建筑、摄影、电视、现代科学技术、受众以及审美心理学等多学科、多角度进行横向与纵向的研究与分析。以便更好的促进电影艺术的发展。
参考文献：
[1]杨 辛、甘 霖：《美学原理新编》，北京大学出版社，2004.6。
[2]莫•卡冈：《艺术形态学》，凌继尧译，三联书店，1986.12。
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[4]E•吉甘：《论电影艺术的特点》，见汪流等编，《艺术特征论》，文化艺术出版，1984。
篇2
一、电影音乐的审美特征
电影音乐的审美具有不同于其他音乐门类的特殊本质。它不具备传统音乐的自足性和独立性，必须时时刻刻明确地将其置于画面、音响和人声等系统元素的背景中进行体悟和考察，才能最大限度地获得艺术审美感受。
1 声音与画面相互结合相互渗透。
声音与画面的有机结合是电影音乐的最大特点。电影音乐与画面是一种你中有我、我中有你的关系。从传播学角度来考虑，电影音乐表达的内容是画面、文字、音响和人声等其他电影艺术元素所无法表达的东西，或情绪感受，或理性认识。电影画面给人以视觉上的美感，而音乐使人产生心灵上的共鸣，因此，只有在音乐与画面有机结合时，音乐才变得强而有力，才会激活了画面，促使画面与观众的情感互动，引起共鸣，使得音乐抽象化的表达与电影具象化的表达浑然一体。而另一方面，影片画面本身所具有的那种较强烈的客观性和具体性要求在音乐方面得到补充，使之获得一定的主观性和概括性；而纯音乐本身的那种“无对象性”、“不确定性”则要求从画面方面得到补充，使之获得一定的具体性和明确性，这里正体现了矛盾双方的相辅相成、相互渗透、相互联结的关系。
2 音乐表现内容具有确定性。
纯音乐的创作常常是创作者个人的某种情感的表现，可以是作曲家个人的自我表现。但是电影音乐的作者创作的音乐就不可能是个人的情感表现，必须受到规定情节和画面的制约。他在创作电影音乐时，必须跟着影片主人公的喜怒哀乐，必须与画面规定的情感相符，不能自作主张地表现与影片不相干的个人情感。从感受者的角度分析，电影音乐较之纯音乐更好懂，这是因为在欣赏电影音乐的同时，伴随着内容具体的画面，音乐的内容也有明确、具体的依据。因此，电影音乐具有很强的确定性。电影音乐可以帮助画面来完成影片所要表达的内容，并和影片所展示的内容相结合，推动剧情发展。
3 电影音乐的结构形态具有间断性。
由于电影中画面转换的关系，电影音乐往往会丧失其连贯性，并具有时间上的间断性，这也是电影音乐的主要特征之一。电影音乐的时间上的间断性，是影片画面的跳跃性以及音乐与画面相对应的从属关系造成的。电影作曲家必须跟随内容不断变化的画面，创作出不同内容不同节奏的音乐。也就是说，电影音乐的形式结构常常并不遵循通常的音乐发展的逻辑或程式，而是受到电影蒙太奇结构的直接制约。一部影片的音乐，有相对完整的段落，如片头音乐、片尾音乐，或为特定场面制作的音乐，但大多数情况下，音乐只是一个不长的段落，拉赫玛尼诺夫有时仅仅是一个短小的乐句，或是一个主导音乐动机甚至只是一个和弦。而情节内容的发展在时间、空间上的巨大灵活性，也必然造成传统音乐表演手段的丧失和音乐风格语言拉赫玛尼诺夫的丧失，而形成一种只有电影音乐才具有的多变性。这一切在电影音乐中是司空见惯的。
二、电影音乐的艺术性表现
电影音乐可以刻画人物性格，对塑造电影中的人物形象也起着关键作用。电影音乐准确地塑造人物形象、解释影片主题思想、参与剧作、确定影片风格、说明时间和环境等作用。音乐音响不仅能营造与影片贴切的气氛，还能诉说一些无从表达的心理纠葛，还能传递人物的心灵感受，强化和突出某种动作和动态。恰当的音乐呈现对观众理解电影的情感有巨大的促进作用。
1 对人物性格进行艺术性的塑造。
电影中的音乐一般对整个电影的剧情起着推动及调节作用，是影片情感的一种延伸，电影史上无数的经典影片都有经典的音乐伴随着，例如：法国名导卢贝松执导的科幻电影《第五元素》，为观众们带来了一场难以抗拒的美学及视觉盛宴。大部分看过本片的人，都为影片的景观惊叹，也为利落的剪接而惊喜，更多的人认为“第五元素”最令人印象深刻的部分，不是美学不是特效，而是它的配乐，古典歌剧变成动感十足舞曲的手法，配合蒙太奇剪辑，那段外星女郎唱歌的片段，成为电影史上的经典，完全展现出导演和配乐大师声气相通的默契。冯小宁导演的《黄河绝恋》、《红河谷》、《紫日》、《嘎达梅林》等影片，作曲家多创作庞大交响乐，表现侵略者铁蹄下不屈的民族英雄精神，影片《红河谷》中，战斗最惨烈的画面――人民反抗英国入侵者的战斗段落，嵌入优美绵长的藏歌(女声独唱)，使声音和画面形成了强烈的反差效果，接着是壮烈激愤的男声合唱，节奏渐快，从而表现了至死不渝的英雄气质。
2 艺术化地表现电影的主题思想。
每一部电影都有它所要表达的主题思想，而电影中音乐的恰当使用无疑对主题思想的艺术化表现提供了重要手段。电影音乐用音乐这一手段为深化影片的主题思想发挥自己独特的作用。在我国的电影音乐中，运用“主题歌”来概括一部影片主题思想的做法，有着优良的传统，不仅电影歌曲可以起到深化影片主题思想的作用，电影乐曲同样能起到这种作用，并且比用歌曲的时候多。这种用以表达影片主题思想、概括影片基本情绪或刻画主人公性格的主题音乐是影片音乐的核心，是全片音乐发展的基础。在一部影片里，往往在关键的时刻，用主题音乐对剧情或主要人物进行烘托、渲染，从而达到深化影片主题思想的作用。影片《人到中年》(导演王启民、孙羽，作曲吴大明)的主题音乐，对深化影片的主题思想起到了推波助澜的作用。动听的主题音乐，生动地勾画出女主人公对事业的追求，对人生的坚定信念，突出了这一代知识分子“位卑未敢忘忧国”的伟大人格力量。这一音乐主题以弦乐演奏为主，它所产生的震撼人心的艺术魅力，使无数观众深受感染，从而使它成为中国电影音乐史上的佳作。
3 对影片场景和气氛进行艺术化的描绘。
可以用音乐来渲染烘托电影画面的情绪及气氛，加强画面所表现的事物特征。用音乐对画面中富于动作性的事物或情景用独特的音响特征加以描绘，如鸟鸣、追逐、机器运转等，也 就是说用音乐手段为画面提供一种声音的造型。有的可以从听觉上强调和加快画面节奏，加强心理的紧张度；有的可以从视觉上拉慢画面的节奏，造成心理时间与实际时间的距离错觉，有的还可以对影片所表现的事物和情景作神似的描绘来表达感情，画面和声音是电影艺术形式的基本要素，一首优秀的电影歌曲，往往在承载它的影片已被人们淡忘，还因为动人的旋律、洗练的歌词、鲜明的思想而被传唱，成为一种挥之不去的情结，唤起许多沉睡的记忆。例如：当你在记忆中翻阅描写的影片时，《平原游击队》中鬼子进村的那段音乐可能是第一个浮现在脑海里的。铜管乐恢宏的气势、强力度、进行曲风格把日本鬼子鬼鬼祟祟的动作、小心翼翼的神态、阴森蛮横的行径，在滑稽而略带嘲讽的音乐声中被表现得绘声绘色、栩栩如生。利用音乐形象与视觉形象的相似性来解释画面，也是电影音乐中常见的一种，它的作用就在于对画面上呈现的视觉形象，通过相应的手段加以强调、渲染。例如：好莱坞著名电影《乱世佳人》这部影片中，情绪不同的音乐出现在不同的场景中，音乐充分发挥了艺术化的描绘功能。
4 以音乐抒情，艺术化的表现人物特征。
篇3
1、电影艺术所具有的审美特征
电影艺术作为一门独立的艺术，其本质被克拉考尔说成为“物质现实的复原”。电影艺术是一种运动的视觉艺术。首先它和摄影绘画一样具有最基本的物质元素光、影、色、形。电影艺术能够像戏剧、舞蹈艺术一样，可以通过视觉和听觉的功能，艺术地表现和再现出现实中的生活情景。
电影艺术所具有的审美特征是真实性、价值性和娱乐性。
电影艺术的真实性，真实，其实质是艺术的真实，是艺术对生活准确的提炼和概括。它包括有内容和形式两个方面的真实。内容的真实是艺术对社会生活内在规律的深刻反映，是社会生活本质规律的揭示。形式的真实是艺术对社会生活外在规律的反映，是社会生活外表的再现或是表现。我们通过所说的艺术源于生活，而又高于生活，就是这样一个意思。
电影艺术的价值性。电影艺术具有特有的观赏的艺术价值和净化心灵、移风易俗的教育价值。电影能让你亲临其境，亲身感受。进入到你想像中，或是未曾想到的世界中去体验，使你将你的全面情感投入到电影的情节和音乐中，你的思想感情都会随着影片中的思想情感和主人翁的命运，随着电影音乐的节拍而起伏变化。
电影艺术的娱乐性。电影艺术通过现代化的技术手段，依托现代化的音画设备，给人带来高级视听享受。使人倍感身心愉悦和畅快。
2、电影艺术所具有的知觉特征
电影艺术所具有的美感是它的知觉特征的集中体现。电影艺术的美感首先是电影的形式美，其中包括我们视听感受中的绘画和音乐美。还有电影艺术本身的电影语言美，即蒙太奇运动表现的美。在电影中往往是音乐和语言相结合，音乐和场景相结合，电影美术的声光色影相交织，通过这样一种综合艺术表现形式创造出电影艺术所特有的美来。其次是电影的内容美。电影通过故事内容深刻地揭示社会发展规律，反映广大人民群众善良愿望，或是批判现实，或是揭示丑恶的东西，或是颂扬美的东西，形成一种为大众所接受的批判现实主义的美。通过形式与内容最佳结合，让人感觉到一种意蕴深远的更高境界的美。
二、音乐美学的特征
1、音乐美学的审美特征
第一，音乐美学的艺术语言美。音乐是以声音为表现手段，以听觉为对象的声音的艺术，或叫听觉艺术，音乐艺术的声音，主要是由人们根据审美原则，加工创造出来的，而且由一系列乐音根据不同音高排列有序构成一个有机的整体，即音乐学中所讲的乐音体系。在音乐美学的乐音体系中，它依据自己特有的律动美的法则构成了音乐艺术语言美的形式。
第二，音乐旋律的运动的时间性。音乐主要是在时间中运动的一种时间艺术。由于音乐的物质材料是声音这一特点，这样又赋予了音乐美学的另一个审美特征，即音乐旋律的运动的时间性。对于音乐的审美欣赏，随音乐的演奏、演唱而开始而开始，结束而结束。
第三，音乐美学的抒情性。这种审美特征是真接区别于造型艺术的。造型艺术讲究以直接表现的手段再现外部现实生活，而音乐艺术，则是通过内心的表现，来反映人的感情、意志、命运等。
它的表现方式，既可以直接地抒发人的内心情感，也可以采取间接方式，借音乐的语言来描绘社会生活场景或自然景物来抒发人的感情和意志，表达人们对于生活及生命的思考和体验，造成一种音乐艺术特有的意境，塑造出特有的音乐艺术形象，《春江花月夜》、《汉宫秋月》等这些古典音乐就是采用了间接表达的手段。
2、音乐美学的表现手段
“情动于中，故形于声”，“声音”声之象也。2这是古人对于音乐美学的最初理解。音乐美学的表现手段，最基本的表现手段是声音，准确的来说应该是乐音。以乐音体系为载体，音乐美学才可以充分地表现和反映现实生活场景，抒感。声音有其特质，不同的声音可以表现不同的情感。音乐有着许多影响因素，民族、地方风格的不同，时代环境音调的不同，所表现出来的音乐也不同。这也就是音乐艺术塑造音乐形象，再现一定外部现实生活的特性。
三、音乐美学在电影艺术中的应用
1、音乐美学在电影艺术中的应用手段。
随着电影艺术的不断发展，音乐作为电影综合艺术的一种表现形式，在电影艺术中对于表现故事情节等许多方面发挥越来越重要的作用。电影中音乐的演奏通过现代技术处理，随电影放映而被观众所感知。电影音乐与对白、旁白、音响效果等其他声音因素结合后，如与画面配合得当，能使观众在接受视觉形象时，补充和深化对影片的艺术感受。电影音乐如脱离画面单独存在，则失去其视听统一的综合功能。在电影中，可以通过改变音乐的力度、密度、音色，突出某些乐器或增加立体感、增减混响程度等等，随着电影情节的发展而变化。所以音乐在电影中的作用不可忽视。
2、举例说明音乐美学在电影作品中如何与电影情节融为一体
篇4
论及中国美学与中国电影艺术的关系,首先应考察中国电影美学的文化属性。而中国电影美学的文化属性,当然是既打上了中国文化传统的深刻烙印,同时也包蕴着鲜明的时代精神和当下色彩。而这种时代精神和当下色彩本身,也是既体现着一定历史阶段主流文化的意志,又与电影形式与生俱来的西化倾向和不断变化着的工业文明息息相关的。它们间的互相整合形成了中国电影美学的独特个性,发展至今,则又在“全球化”思潮的策动下,出现了传统与现代、古典美学与消解主义、中国国情与西方浸润,既矛盾地碰撞,又苦涩地同处的所谓多元化格局。
二、当代审美受众的共通性与差异性审美文化心理是人类在审美活动过程中审美意识的积淀和凝聚,代表了审美文化系统中的核心部分,体现在特定的审美需要、审美理想、审美趣味以及审美价值标准等等。社会大众对文化的需求,不仅仅有满足消遣、娱乐的一面,还有陶冶情操、提升精神境界的一面。从美学角度看,受众需要的形成受到其自身审美文化心理的影响;与此同时,受众选择接受媒体过程中其审美文化心理包括审美趣味、审美理想、审美价值标准也在不断地发展。电影发展至今，商业化倾向已成世界性潮流。
篇5
具体而言，电影摄影的特征与要点，主要包括以下三大方面。
一、构图
众所周知，电影艺术是镜头艺术，或称画面艺术，而镜头与画面的要点就是构图。
所谓“构图”，原是绘画艺术的重要语言，指的是依据一定的美学原则和题材、主题、风格的要求，在平面上布置、安排所要表现的物象的各个部分与各种因素，使之成为一个完整的艺术画面和艺术形象。也可以说，构图就是画面的结构。电影艺术作为画面艺术，同样讲究构图，只不过它的构图是动态的、变化的。构图在电影中占有重要地位，美国电影理论家波布克在其所著的《电影的原素》一书中指出：“没有一个导演会以漫不经心的态度来对待画面构图。整部影片的构图往往取决于电影导演在构图上的眼力。”而摄影的构图则是导演构图的具体体现。电影摄影构图的要点，有以下几点：
1.构图的要素。电影的构图要素，分为主体、陪体、环境三部分：主体是画面的主要表现对象，处于中心位置；陪体是与主体构成一定关系、作为主体的陪衬而出现的对象；环境是围绕主体与陪体的景物，包括前景、后景两部分。
2.构图的类别。构图的类别也称“景别”，包括全景、远景、中景、近景、特写等。
3.构图的摄影方式。包括摄影焦距（标准镜头、长焦镜头、短焦镜头、变焦镜头等）、摄影方法（推、拉、摇、移、跟、降、升等）、摄影角度（平视镜头、俯视镜头、仰视镜头等）。
4.构图的风格。电影摄影的构图，分为封闭式构图与开放式构图两种风格。封闭式构图强调画面的风格化设计，主体、陪体、环境的安排较为严谨，达到均衡、对称、稳定的视觉效果。银幕似乎就是绘画的画框，所有的艺术信息都容纳于其中。例如电影大师伯格曼的电影画面构图，就具有封闭式构图的艺术风格。而开放性构图则不讲究画面的位置经营，构图比较朴实自然。
5.构图的流派。电影画面构图又分为两大流派：一种是绘画派，又称作“构成派”，顾名思义，这是借鉴绘画艺术的构图原则，追求画面的造型感、完整感、视觉感、绘画感的流派。例如影片《黄土地》、《黑炮事件》等，都属于绘画派构图。另一种是幻实派，该派强调画面的真实、自然、生活化，主张在运动中捕捉对象，在实拍中造型，具有鲜明的现场目击感。例如影片《偷自行车的人》、《一个都不能少》、《秋菊打官司》等，都属于纪实派构图。
二、色彩
色彩是电影的亮点之一，也是电影摄影的重要艺术元素。马克思曾指出：“色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式。”（陈兆金主编：《艺术鉴赏学导论》）前苏联爱森斯坦编剧、导演的影片《战舰波将金号》中，在黑白片中增添了红旗，成为引人瞩目的艺术亮点，开了彩色影片的先河。彩的出现，更使色彩成性为电影重要的艺术元素，也成为电影摄影的重要艺术语言。电影摄影彩色的要点，有以下两点：
1.以色彩营造基调。色彩基调是指色彩在画面中所表现出来的总的倾向与风格，它既是视觉造型，又是情绪氛围，既是色调，又是情调，甚至具有某种隐喻性、象征性、倾向性内涵与意蕴。例如《黄土地》中的黄色基调、《红高粱》中的红色基调，都有深刻而动人的内涵与意蕴。
2.以色彩形成构图。色彩常常作为画面构图的组成部分，例如影片《小花》中，其色彩基调是鲜艳明朗的暖色调，但其中的回忆画面则运用灰暗的冷色调，给人以“老照片”的感觉，形成鲜明的对比。
篇6
（一）抒感、传情达意
影视歌曲最重要的功能就是抒情，抒情性歌曲在影片中除了表现人物内心的喜、怒、哀、乐等情绪外，还善于刻画那些无法用语言表达的情感与心境。这使得歌曲在电影艺术的情感刻画与表达上发挥了重要的不可替代的作用。
（二）渲染气氛、烘托场景
影视歌曲的渲染功能主要是指电影歌曲渲染气氛的功能，也就是电影歌曲可以为影片营造一种特定的背景气氛，以达到深化视觉效果的作用。电影歌曲在发挥渲染气氛的功能时，既不着意描绘景物.也不特别表现剧中人物的情感和作者的主观态度及评价。
（三）描绘画面、视听合一
影视歌曲发挥描绘功能历史悠久可以上溯到无声电影时期。那时，为了弥补电影中缺乏听觉层面这一缺憾，影片被放映时，旁边总是有钢琴师或小型乐队作即兴伴奏，歌曲自始自终连绵不断地伴随着影片的画面，描绘画面内容。电影进入有声时期以后、歌曲的描绘功能在电影创作中经常被用到.有人把它称为说明性歌曲、解说性歌曲。
二、外语影视歌曲的审美特征
1.审美倾向性 ；2.审美连贯性；3.审美统一性；4.交互感染性
篇7
电视的的起源比电影足足晚了半个世纪，他没有经历过向电影一样的“伟大的哑巴”时期。但电视的发展速度几乎是其他传播媒介无法企及的，随着科技的发展，电视很快追上电影发展的速度。
两者从起源之初就作为同一门艺术的不同表现形式，共同为社会带来了巨大的影响。一部优秀的影视作品，可以让人从中获得丰富的社会历史知识和生活知识，可以提高人们观察生活、认识生活的能力，可以培养人们高尚的思想情操和健康的审美观念，并从中学会如何区别生活中的真伪、善恶、美丑。一部庸俗、低级趣味的影视作品，也会给社会尤其是青少年带来极坏的负面影响。
二、电影艺术和电视艺术在竞争中互补
电影艺术和电视艺术在出现那天起便处于不断的竞争当中，这主要表现在电视的出现对电影播放载体的严重冲击，而在现实生活中，当电视对电影的冲击没有造成必须解决的社会问题是，这一现象便不会引起太大的关注。因此，这一问题就日复一日的循环下去，然而，随着时间的发展，部分学者发现，电影院入座率的下降跟电视并不存在本质上的联系，之所以出现这一困难，主要是因为电影院的服务和环境不佳所造成的。
而这种竞争同时也造就了电影艺术和电视艺术的互补。主要表现在，首先，信息传输的互补策略。主要指电视对电影的信号传输。其次，技术、艺术的互补策略。最后，宣传上的互补。电影可以通过电视的影响力宣传自身，以强化电影宣传对电视的渗透，电影利用电视宣传可采用广告宣传、新闻宣传、专题宣传等等。
三、电影艺术和电视艺术是同一门艺术的不同形式
电影艺术和电视艺术属于不同的艺术表现形式，它们有着不同的表意符号体系，这种固有的差异使我们不同将电影艺术和电视艺术混为一谈。但这种差异并不能看成是本体的本质上的差别。
（一）电影艺术和电视艺术是同一门艺术
电影艺术和电视艺术属于同一门艺术，在本质上有很多相似性和共同性。下面，我们就两种艺术表现形式的内在联系加以讨论。
1.电影和电视都是由影像构成的视听艺术。首先，两者都是流通逼真的画面。画面是影视艺术的语言，影视艺术在再现生活的流程和客观事物的运动态势时，给观众以身临其境的感受。正因为如此，才有活动的照相之称。影视艺术的画面，与镜头的长短有及其密切的关系。其次，两者都有独特的蒙太奇结构。这不仅创造了影视艺术独特的时空，而且丰富了画面的内涵。最后，两者所二次传达的艺术形象的定型化。影视艺术形象与观众的当场反应没有直接的联系，影视艺术观众的鉴赏态度和鉴赏心理都不同于其他艺术。
2.电影艺术和电视艺术都是一种文化产业。与传统的小说、绘画的艺术不同，电影、电视不是那种仅仅靠个人的想象与创造就能完成的的作品。他们需要进行社会化的集体生产，需要大量的资金投入和标准化、规模化的播出、放映渠道。从根本上讲，电影和电视都是一种在既定的体制下进行的集体创作，任何个人的艺术想象只能被纳入整个生产体系中才能够真正完成。
3.从艺术语言上讲，电影和电视都属于一种语言符号，他们具备符号系统的一系列语言特征，它与音乐、绘画具有同质性。影像语言中的事物永远是单一的事物。
4.从传播学的范畴来讲，电影艺术和电视艺术都是一种大众传播媒介。他们不仅向人们展示重大事件，而更多的向人们奉献奇观、趣闻、妙事。电影和电视艺术通过大众影院向观众传输各种信息，满足他们的不同心理需要。于此同时，完成对大众的精神向导。目前，还没有比电影和电视更普及、更逼真、有效的传播方式能够将其取而代之。
（二）电影艺术和电视艺术的区别
从本体上看，电影艺术和电视艺术同样存在差异性。
1.从审美特性上来看。电影艺术和电视艺术有其各自的美学特性。从表现手段上来看，电影比较注重画面的视觉效果。声音处于从属地位。比较中注重画面和场地的描写。从欣赏上看，电影的观赏更正规、严谨，电影屏幕宽大、空间广阔，给人的感受强大，有震撼力。从内容结构上来看，电影选材广泛，不论是生活事件还是历史事件都能当成素材。从理论研究上看，电影成熟期较早，理论研究更专业更深刻。相比来讲，电视艺术则是一种“新的概念”它是一种独立饿艺术形式，所以更重要的是一具电视艺术的本体美学属性，以全新的方法、全新的概念，系统的研究阐述，全方位的探讨。电视艺术的创作，要给观众独特的审美享受。
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单纯从其审美特征和审美的表现形式来看，概括起来，有以下几个方面的变化：
一、表现手法多样化
尽管三维动画最初是应用在科技领域，并且最大的用途是用来仿真，但是在目前的三维动画却主要应用在艺术领域，尤其是在影视行业，出产了大量的作品，也创造了大量的财富。尽管三维动画可以模仿真实，但是这并不是动画的最高目标。三维动画的艺术性设计当然也秉承了动画的特质，夸张、变形、天马行空是许多好莱坞大型三维动画片的特点。但是，写实并不是动画的终极目标，而且从目前计算机图形学的研发趋势来看，三维动画的非照片真实性渲染技术正在成为焦点，水墨效果、油画效果、水粉效果、彩铅效果……
最新的科技正在把传统艺术和三维动画越来越紧密地结合到一起，形成了新的风格和审美特征，也丰富了动画的表现手法。从三维动画的表现手法看，可以分为以下几种：
(1)力求模拟现实世界，再现真实的角色的超级写实类型：代表作有《最终幻想》，这是传统二维动画永远无法实现的表现方式，一种接近电影全新的表现手法。作品往往采用动作捕捉来实现动画的关键帧的定位，比较好地解决了动画因为手动打帧而出现动作不流畅的弱点，而且动画制作的成本也大大降低。使动画师把大量精力放在角色的塑造上面，在建造自然场景的时候，往往采取拍摄与三维模型相结合的办法，使场景气氛尽可能真实。有时候采取真实的自然世界进行巧妙的贴图，达到模拟自然的目的。但是这类作品投资大，动画味道更弱，通常用在CG电影制作中间，比如电影《泰坦尼克号》中为了模拟沉船那一幕惊天动地的场景，采用了微模与计算机仿真结合的手法制作。
(2)在对现实世界模拟的基础上，进行加工和创造，无论是场景还是角色，都采取保留着传统动画特点的漫画类型，代表作有《冰河世纪》。漫画类型始终是动画的热点，多少年来，动画一直围绕这一风格进行发展变化，从二维走到三维，动画师们始终在努力保持动画的个性。绝大多数的三维动画都属于这一风格作品。
(3)采取二维与三维结合的手法进行处理，在三维场景中加入二维的角色，在三维软件中采用三维的制作手法制作角色和场景，然后采用二维的渲染输出，创造一种类三维的二维动画。例如《小马王》、《埃及王子》。这些动画在本质上不属于三维动画，却完全采用三维动画的制作手法制作。实际上也模糊了三维动画与二维动画之间的界限，而且这种手法正在被大多数人所接受，正在慢慢代替传统二维动画的制作方法。
(4)通过传统的手法和计算机结合的方法制作三维动画，例如采取手绘的方法和计算机制作的方法制作，或者采取传统的偶动画的方法制作主体，用计算机制作背景，然后再对二者进行合成处理等，这种方法正在收到众多的动画师的喜爱。代表作有《小鸡快跑》。
有一点值得我们注意：没有一部影片会单纯的属于其中某一类，都会多种处理手法来丰富影片的感染力。
二、场景的立体装饰化
尽管计算机的水平每天都在发展，尽管三维动画的写实技术每天都在进步，但无论人类怎样努力，他都用计算机无法创造出摄像机拍摄的电影。即使技术的发展，有一天真的有这样的技术，那么这个技术也是一钱不值，至少在电影这个领域是没有意义的，人类没有必要用计算机来替代摄像机，没有必要用手工制作来替代机器拍摄。那么我们再看看《玩具总动员》，看看《冰河世纪》，我们确实为他们叹为观止的模拟现实的计算机技术折服，这种奇迹会使我们感到计算机正在想赶上摄像机模拟自然能力。但是事实上无论技术多么发达，计算机创造的虚拟自然始终是一种人工的自然，这种真实是建立在人工处理的基础之上，人类不会仅仅满足用它来写实，人类会利用计算机对现实世界进行加工，规整化――是艺术家们用计算机做的最多的工作，我们总是用计算机把画面弄得很干净，很整齐。就像在现实社会中，我们把野草铲掉，种上单一的装饰性的花草一样，我们也在对三维动画的场景进行改造，这种改造不但提高了观众的兴趣，更重要的是：在计算机虚拟的世界里，整齐比杂乱要容易得多，去建造一个花园比建造一个天然草地要容易几百倍，所以三维动画画面最重要的一个新的审美特征――装饰性，有条理，有次序的装饰感，在每一部动画里都有充分地体现。也就是说，三维动画的画面都是通过设计者创作和计算机的处理产生的，没有一个元素并不是大自然的真正再现，所以我们看到了一种不同电影摄影的画面，虽然也充满了写实特征，但是在构成元素上却更加精致，更加艺术化，有更多的重复，更多人工化的特点。(图1)
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舞蹈与电影是两种不同的艺术形态，据艺术史学家考证，人类最早产生的艺术是舞蹈，与古老的舞蹈艺术相比，电影艺术是伴随工业化而逐渐形成的具有独立艺术范式的艺术形态，就两者的起源时间来看，两种艺术在时间上存在着巨大的差距。人类社会形成后，人类思想意识水平与生产力不断发展提升，文学、音乐、绘画、戏剧、建筑等越来越多的艺术通过人类对自然驾驭能力的提升而逐渐被人类创作和运用到生活当中，舞蹈也逐渐由远古单纯的图腾膜拜发展到具有审美价值的艺术形态，在电影还未发明之前，舞蹈艺术就已经走上舞台，形成门类齐全、表现丰富的社会化艺术形式。
电影作为一种独立的艺术形态在20世纪初诞生，电影艺术的产生是人类社会进步的重要标志，同时，电影艺术的诞生是人类创作艺术达到巅峰的代表。当古老的舞蹈艺术与年轻的电影艺术相碰撞的时候，舞蹈电影应运而生，成为电影艺术家族中具有独立艺术审美价值的电影类型。21世纪，舞蹈电影的意义早已超出了对舞蹈的单纯影音记录，舞蹈电影已经成为某种舞蹈行为和影像角度的独特观察，舞蹈电影在历史的发展中逐渐形成了比较系统的舞蹈电影拍摄技巧和拍摄原则。
舞蹈与电影两种不同的艺术范式在经历了近半个世纪左右的融合过程后，已经形成了比较成熟的舞蹈电影艺术范式。舞蹈艺术包括舞者、舞姿、舞台，舞蹈表现的不仅仅是舞者的舞姿，更有舞者对生命的解读，电影艺术追求的正是舞蹈艺术表现得更为深刻的艺术内涵，电影艺术通过舞蹈艺术形成舞蹈电影独特的审美方式，让舞蹈电影在21世纪成为炙手可热的电影拍摄热点。
二、舞蹈电影的发展历程
舞蹈电影最早出现在20世纪50年代，玛雅·黛伦拍摄的仅有十多分钟的《午后之网》被称为舞蹈电影的雏形，该部短片收录在一张名为《玛雅·黛伦的实验电影》的DVD中，起初，这部小成本短片电影作为实验电影对于舞蹈电影的发展并未产生直接的推动作用，但是该部短片电影在舞蹈电影发展的历程中却具有重要的位置，舞蹈电影由此被电影界所熟知，电影人开始拍摄大量的舞蹈电影。《午后之网》首次把舞蹈艺术作为电影拍摄的主旋律呈现给观众，虽然电影与舞蹈有着悠久的历史，如果追溯到电影诞生之初，很多影片中都有舞蹈的身影，但是其都以辅助的素材身份出现在电影中，而《午后之网》是把独立的舞蹈艺术作为电影的主体出现，玛雅·黛伦的《午后之网》开了先河。其后，很多类似舞蹈电影的实验电影开始尝试进入电影行业，舞蹈电影也不再单纯地以拍摄舞蹈为电影的全部内容，舞蹈作为人类精神家园的寄托，承载了更多的电影主题和内涵。
舞蹈录影是舞蹈与电影融合过程中较为重要的一种电影拍摄方式，某种意义上，舞蹈录影也是舞蹈电影的早期形式。舞蹈影像被称之为舞蹈不具备电影拍摄的一些基本要素，但是舞蹈录影却成就了舞蹈电影在后来的发展和成就，也为观众接受舞蹈电影奠定了观众基础。舞蹈录影波及的范围及其传播的快捷程度都远远超过了舞台表演形式，舞蹈录影通过电视、电影放映平台传播了舞台舞蹈，推广了现当代舞蹈，同时舞蹈录影也催生了舞蹈电影艺术的成熟。舞台上的艺术舞蹈不再是少数人的舞蹈，少数舞者也不再是舞台上的惟一舞者，越来越多的人走进剧场，走进街头巷尾，用自己的舞蹈来诠释舞者对人生和信仰的理解。伴随舞蹈的推广，业余舞者越来越多，反过来促进了舞蹈录影的发展，人们在拥有一种难忘的观赏经历之后又走进舞蹈录影去探索舞蹈更深层次的本质精神。
拍舞蹈影片的知名电影人泰利·狄眉的影片笔者有幸观赏，分别为Counter Phrases和Ma Mère LOye，泰利·狄眉拍摄的这两部舞蹈录影正是舞蹈界最为知名的狄基丝·玛嘉的舞蹈作品，前一部中文译名为《反阶段》，知名影评人迈克曾经对泰利·狄眉后来拍摄的舞蹈电影《阶段》做过比较中肯的评价，笔者认为该评价也可以作为《反阶段》的评价：“灵逸之气透着隽永的芬芳，基本的肢体动作是彻底的出发，简单的走位划下的既是道理也是哲理”。影片中舞者的舞蹈穿梭在山林、池塘、广场，其舞姿浑然天成，舞者跳舞的舞台又是那么清新自然。拍摄舞蹈录影的很多电影人主要是出于对舞蹈的热爱，他们试图通过电影艺术形式来表现舞蹈蕴涵的艺术魅力，此种阶段，舞蹈与电影还是两个不同的艺术形式，并没有因为舞蹈录影形式的出现而融合为一体，关键因素，电影导演并没有按照电影艺术的拍摄手法和营销手段去拍摄以舞蹈为主题的电影，舞蹈依然是舞者的舞蹈，舞者通过舞蹈表现自己对舞蹈的体会，电影导演只是通过摄影机记录舞者的舞姿。针对舞蹈电影的阐释，也有不同的看法。影评人迈克对舞蹈电影则定义为：“开宗明义跳跳跳，不理三七二十一，不讲婆婆妈妈的故事。更多时候，舞蹈电影其实是录像，与其把它们和第七艺术拉在一起，不如痛痛快快让它们和同声同气的音乐录影带挂钩，只是有时舞蹈电影却是纪录片……”这种看法，笔者认为有失偏颇，舞蹈电影并不是纪录片，纪录片有自己的规则和范畴，纪录片是以真实生活为创作素材，以真人真事为表现对象，并对其进行艺术的加工与展现的，以展现真实为本质，并用真实引发人们思考的电影或电视艺术形式。纪录片的核心为真实，而舞蹈电影多数并不是真实的，很多舞蹈电影都有明确的主题，都有戏剧的矛盾冲突等，舞蹈电影都是按照导演的意图来表现舞者的舞姿和对人生的追求。
21世纪最伟大的舞蹈电影，应当是《舞台人生》，该部舞蹈电影被迈克誉为舞蹈电影中的花中状元，这里边有迈克对萧菲·纪莲的偏爱，该部舞蹈电影不仅奠定了舞蹈电影在电影界的地位，也让一些舞蹈痴迷者惊奇地发现，其实舞蹈不仅仅在舞台上、练功房里，还可以有更为广阔的天地。它对传统舞蹈电影格局进行了重新的界定和阐释，舞蹈电影在场面、主题、拍摄技巧方面都获得了前所未有的尝试。让舞者通过舞蹈表现出对人生的追求，在沉寂的社会中，通过舞蹈发现新的天地。
三、舞蹈电影的发展现状
舞蹈电影作为世界电影的重要组成部分，受到世界电影总体发展趋势的影响。舞蹈电影诞生在20世纪中期，与世界电影发展的脉络相辅相成，尤其是80年代以后，舞蹈电影以好莱坞、宝莱坞、欧洲电影、东亚电影为多元的发展格局俨然形成。从外延因素考虑，推动世界电影进步的主要力量来自于技术革新和世界市场的融合和扩大，舞蹈电影中的舞蹈带有明显的过渡和民族的舞蹈艺术特征，虽然舞蹈已经没有国界，但是历史传统中的舞蹈艺术特征依然给舞蹈烙上了不同国家和民族的标签，就是同一个国家不同民族，舞蹈艺术特征也存在差异，欧洲的踢踏舞、日韩的街舞、南美的拉丁舞、中国云南的孔雀舞等，这些不同国家、民族的舞蹈通过舞蹈电影进入了全球化传播渠道，不同国家的电影都不同程度上尝试拍摄舞蹈电影，把舞蹈电影作为国家文化输出的一部分，进军世界电影市场。由于全球化是人类不断跨越空间、制度、文化等社会障碍在全球范围内实现充分沟通和达成更多共识与共同行动的过程，需要一个载体在不影响到政治和社会的前提下，去增进彼此之间的了解和联系，跨越空间、制度和文化，电影正是全球化下最为重要的一个载体，正因如此，世界电影才不断发展和壮大，成为世界经济的重要构成部分。
在世界电影迎合全球化的时代背景下，舞蹈电影以其独特的艺术审美特征赢得了各国电影界的关注，并拍摄了大量优秀的作品。20世50年代美国好莱坞拍摄了世界著名的也是最为精彩的舞蹈电影《雨中曲》，该电影男主角是吉恩·凯利，该部影片导演以舞蹈为表现故事的手段，通过舞蹈表现社会中形形的虚伪，把社会的丑陋描写得淋漓尽致，这部舞蹈电影中的舞蹈最大特点就是舞蹈的生活化，把舞蹈作为电影叙事的一种手段，舞蹈不再是单纯的情感抒发，更有一种叙事功能，主人公吉恩·凯利以灵活的舞步游弋在街头巷尾，他内心的激情与彷徨换做流程的舞步，在虚伪的社会中游走和诉说。美国好莱坞是世界舞蹈电影生产数量最多、影片质量最高的电影基地，在随后的几十年中，美国好莱坞生产了大量的舞蹈电影。
与美国好莱坞相比，印度宝莱坞舞蹈电影的艺术特征更为明显，印度宝莱坞一直以来以舞蹈作为电影的主体或者以舞蹈作为电影的亮点成为世界电影的一大特色。宝莱坞舞蹈电影的成功源于宝莱坞的电影虽然重视舞蹈，但是电影的主题却依然鲜明，情节依然连贯，不是以舞蹈为舞蹈，而是舞蹈为电影服务，所以严格意义来讲，印度舞蹈电影有着舞蹈与电影明显的界限。如《宝莱坞机器人之恋》等，主题是情感片，表达的是人的情感，机器人的情感，同时，也揭示出人性的丑恶和机器人的单纯，该片中舞蹈成分很多，舞蹈既有让影片更加诙谐，也有让情感更加炙热，但是舞蹈始终是作为影片辅助而出现的，并不是影片的核心。
中国舞蹈电影的标杆是《如果·爱》，该部电影主要就是围绕舞蹈和歌声，影片的故事围绕舞蹈展开。舞蹈伴随悠扬的歌声划破夜空的寂寞和情感的孤独，爱如此刻骨铭心，爱如此饱受煎熬，带有梦幻般的舞蹈场景，让舞者的舞蹈更具有表达情感的张力，让观众也深深受到舞蹈的影响。中国舞蹈电影有着历史渊源，“”期间的样板戏被搬上银幕具有舞蹈电影的显著特征，《白毛女》《智取威虎山》等。中国当代舞蹈电影受到美国好莱坞、印度宝莱坞的影响，在拥有五千年历史文明的中国，舞蹈不仅仅是一种单纯的艺术形态，更具有历史和民族的元素，挖掘中国舞蹈的价值，舞蹈电影不可或缺。
舞蹈电影伴随全球化的步伐将会越来越多参与到世界电影的发展潮流中来，电影借助镜头和银幕为手段将舞蹈从舞台搬到银幕，实现了舞蹈艺术在时空上的转移，同时，电影艺术的独特艺术表现形式让舞蹈电影有了独立的艺术秉性。舞蹈电影不再单纯的是电影类型的一种，舞蹈电影也是独特的舞蹈艺术表现形式，可以走出电影，成为舞蹈与电影融合的全新艺术形式。
[参考文献]
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一、电影音乐的审美特征
作为电影必不可少的一部分——电影音乐，它在电影中占据着绝对的优势，被赋予了深刻的使命。这一特征也就决定了电影音乐既具有音乐艺术的审美特征又具有电影的审美艺术特征。具体体现在：音乐的抒情性、表达性、表演性等；电影的蒙太奇性、画面性、交流性等。这种特殊的审美也就奠定了电影和音乐的融合，形成了独特的审美风格。
（一）电影音乐的审美定位
电影音乐的审美定位是电影音乐审美特征的最基本的特征，也是其他审美特征的前提。为此要想清楚地了解电音音乐的审美定位就有必要清楚一下内容：首先，电影音乐的审美属性就像我们之前提到的，电影音乐既具有音乐艺术的审美特征又具有电影的审美艺术特征。这个特殊的电影音乐审美属性也就决定了我们必须要重视电影音乐。其次，电影音乐的审美地位。电影是一门综合型性极强的艺术表现形式，尽展各种艺术的技巧，最终形成完整综合意义上的审美艺术。电影音乐和电影的结合可以看做是音乐和美术这两大艺术科目的结合，视听一体化的形成。电影音乐已不再是单纯意义上的电影附属品，可有可无，而是一种必需品。电影音乐的加入给画面以渲染，参与电影情节，赋予特殊意境。因此我们说电影音乐无论是在音乐界还是在影视界都有着重要的审美地位，不容忽视。再次电影音乐的审美形态。例如《黄土地》中民族化纯嗓音的原生态歌唱手法配合西洋器乐美声的唱法，正可谓是中西一体化，尽管众说纷纭，但其中的优劣也是大众所耳听的，是值得肯定的。因此对于电影音乐的审美形态的掌握还是很有必要的。
（二）电影音乐的审美关联性
纯音乐展现的是音乐本身的美好，不存在与其他艺术形式的融合。而加入电影的电影音乐就不仅仅是传达某种听觉上的情趣，它还在引起观众的视觉冲击力，引起观众的想象力，进而唤起人们对电影主题的认知和对人生的思考，以实现一种完整意义上的电影艺术审美的表达。音乐和电影在同一界面出现时，电影音乐的烘托和渲染使得电影画面和情节所表达的更加真实、亲切，获得观众的一致认同。人们根据电影画面和音乐的有机结合，一边观看画面，一边欣赏音乐，使得观众置身于电影氛围之中，尽情感受电影和音乐带来的美妙感。当音乐和电影同时出现时，观众还会很不自觉，情不自禁地把电影和音乐融合，自然地进行想象，加深对电影情节的理解和感受。例如电影《美丽人生》的音乐的出现把观众一次又一次地带入父爱的伟大之中，同时给人生深重的启迪。
（三）电影音乐的审美形态具有多样性
电影音乐的审美形态具有多样性，不管是声乐还是器乐，不管是外国的异国情调还是本国的民族音乐，只要被恰当的应用，融合电影人物和情节就会被赋予感彩，有了人的情感，打动观众。例如《恋爱通告》中古色古香的中国风——古筝曲，刘亦菲朴素的面容不失清纯，一曲古筝配以蝴蝶蹁跹，便使观众随着情节的跳动舞动思绪。再如电影《英雄》的配乐《风》，日本鼓的应用结合中国传统艺术的打法，使得音乐听起来动感十足，大有一种杀气在其间，撼动人的心弦，使人心绪不宁，随着英雄的心随之波动。
（四）电影音乐的审美指向性
电影音乐是为电影服务的，有一定的目的性，或烘托渲染气氛，或深化主题，或展现人物的心理。作为衬托电影的电影音乐很有必要完成电影的情感，或紧张，或欣喜等，也就是因为这种电影音乐的审美指向性，也就必须保持音乐和画面的一致。例如电影《与狼共舞》中，狼的叫喊打破原生文明的结束，同时也引发了观众对现代文明的深刻思考和反思，引人对未来的重新审视。
（五）电影音乐的乐段组合性
正如我们所了解的，电影是画面和声音的完美结合，也就是我们熟知的听觉和视觉上的享受。在电影中，电影音乐在众多声音影像中显得就极为重要了，电影音乐的一个重要价值就是它在电影的表现形式中具有时间的不连续性和不连贯性，也就意味着电影音乐的出现形式是间断的。随着电影情节和画面的变更，电影音乐也会随之变化，从某种意义上说，电影音乐是电影画面和情节的附属品或者可以称之为从属于电影情节和画面，受其制约。这也就决定了电影音乐是由诸多音乐的乐段组合而成的，但值得我们注意的是，这些乐段组合并不是随机或者杂乱成章的，而是紧密遵循电影情节和画面的内容、长短等方面来组合的，可以说这种组合有很大的人为因素和个人情感。
（六）电影音乐的审美效应产生的吸引力巨大
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齐白石真不愧为不朽的艺术大师，他用一句简单的“妙在似与不似之间”，就解决了多少年来艺术界一直争论不休的关与艺术创作的基本问题。在他看来，“太似则媚俗”，因为写生不是绘“标本”。如果认为仅是绘标本的话，艺术家就成了大自然的奴隶，放弃了对自然与生活的概括提炼，是对艺术的不负责任。“不似则欺世”，因为各类艺术也是对客观自然的一种反映，如果太不似则是对客观自然的一种歪曲，同样是一种不负责任的行为。它失去了艺术“真”的根本，是不会从根本上得到观赏者的共鸣的。齐白石的成功之处就是找到了“似与不似”的巧妙连接，为中国画的创造和发展作出了不朽的贡献。
笔者认为，“似与不似”这条美学原则不仅道出了绘画艺术的审美特质，而且也是对文学和电影的审美特质的精准概括。文学与电影都是作家或艺术家对热火朝天的、生机勃发的客观现实生活的反映，文学与电影之间存在着千丝万缕的联系。自从电影诞生的那一天起，就与文学结下了不解之缘。因为电影属于综合艺术范畴，它既包含了表演艺术(音乐、舞蹈等)，也包含了造型艺术(绘画、雕塑等)，更包含了语言艺术(电影文学剧本)。再者，文学与电影对生活的反映都必须共同遵守艺术创作的一般规律。它们在反映客观的社会生活时，都不能采取对生活作机械的自然主义的记录，亦即不能“太似”，而必须经过作家或艺术家对现实生活的概括和提炼，达到艺术上的真实。当然绝对不能“不似”了，不过这里的“似”是经过作家艺术家们按照艺术创作的规律，通过自己的艺术创造之后的“似”，是一种艺术上的“似”。只有经过这样的加工、提炼和再创造，才有可能塑造出既似曾相识但又并非相同的社会生活画面和“熟悉的陌生人”。对读者和观众来说，艺术形象是“熟悉的”，因为它“似”，因为它揭示了现实关系的某些本质的具有普遍意义的方面；艺术形象又是“陌生的”，因为它“不似”，因为它是作家或艺术家的一个发现、一种创造，是一个与众不同的“这个”。
它们之间虽有联系，但还是存在着明显的区别。文学的基本特点，在于它是一种语言艺术。高尔基说：“文学就是用语言来创造形象、典型和性格，用语言来反映现实事件、自然景象和思维过程。”“文学的根本材料，是语言――是给我们的一切印象、感情、思想等以形态的语言，文学是借语言来作雕型描写的艺术。”由此可见古今中外的一切文学作品，都是运用语言来塑造艺术形象反映社会生活的。文学作为语言艺术，它同其他艺术比较起来明显地具有自身的一些特点：首先是形象的间接性。意思是说文学的形象不能直接作用于欣赏者的感官，而必须经过语言的中介。语言是人类社会交际的工具，读者只有熟悉和掌握了某种语言，才能阅读用这种语言写成的文学作品，并借助这种语言感受到作品中所塑造的艺术形象。其次，文学可以借助语言多方面地反映生活。语言是一切思想的媒介，它可以灵活地表达客观世界的一切事物和人们的各种思想活动，因此从反映生活的容量和幅度上看，文学更少受时间、空间的限制，它可以从多方面用多种多样的方式来展示人与人之间的错综复杂的社会关系和人物内心的精神世界。由于语言艺术塑造的文学形象具有间接性的特点，因此它虽然不可能有强烈的直观性，但却能从更多的侧面来揭示形象的丰富内容，从而给欣赏者提供进行想象和再创造的广阔天地。因此，语言艺术塑造出的间接性的形象具有某种不确定性。因为它的形象要想在读者心里建立起来，必须经过每个读者的再创造，且因每个读者的主观条件(文化修养、生活经历、知识积累等)的不同，文学作品中的形象在每个读者的心目中生成的形象必然是不尽相同的，所谓“有一千个读者就会有一千个哈姆雷特”，就是这个道理。
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动画电影的发展经历了萌芽期、发展期、成熟期，到今天的繁荣期，动画形式已在社会中起到了重要作用。比较世界各国动漫的发展，中国动漫还存在一些差距。在欧美、日本和韩国，动漫已经成为一种主流文化。但像动画片《魔比斯环》这样的片子如何能抵抗《怪物史莱克》，关键就要看其叙事策略了。动画电影应有理性的解析，把握商业动画电影的基本元素，才能充分发挥动画艺术的优势。
一、从选材看动画电影的叙事策略
动画电影作为电影艺术的一种形式，在选材上应遵循电影艺术的一般原则，但动画电影由于其媒介、制作方式、制作材料、制作手段和方法等方面的独特性，而有别于其他电影艺术的选材。在选材上我们首先要确定产品的对象是谁，所要表达的意义是什么。例如，老少皆宜、雅俗共赏的动画题材最受欢迎，市场效益也最好，因为它受众面广，市场收益相应也会多。关于动画的选材也有侧重于儿童化的，有人认为动画就是给小孩看的，不适合表现深层次的题材。有人则认为，动画可以表现所有的题材，我们所谓的动画全民娱乐的时代已经到来。其实，动画隶属于电影中一个分支，在题材表达上必须符合动画本体特征。动画电影区别于实拍电影，最明显的特征是动画具有高度虚拟性。这一特征决定了动画不可能像实拍电影那样接近真实。在一些优秀的动画电影作品中，很少如实描写日常生活，相反的是尽力拉开与现实的距离。动画可以天马行空地讲述令人匪夷所思的故事，没人会对动画片中的老鼠为什么会打败猫而吹毛求疵。其次，动画电影的题材相对比较简单。在动画中，造型的线索简单、矛盾简单、人物关系简单，例如在中国四大名著中，《西游记》就比较容易被改编成优秀的动画作品，而《红楼梦》就非常不适合动画改编。在《红楼梦》中光是人物关系就已经十分复杂了，再加上场景之类的更是繁复。
动画表现的题材可以更加成人化。动画片早已不仅仅是孩子的专利，以成人为目标观众的动画片现在比比皆是。这样从商业价值上讲，单纯考虑儿童观众对动画产业的发展也是不利的。通常只为儿童制作的动画片仅仅能在电影院的下午和傍晚时间放映，而国家经常出台福利政策限制儿童电影的票价，这样一来票房收入也大打折扣。相反，如果动画电影观众扩展至成人范畴，那么就可以进入晚场时段放映并因此有获得更高票房收入的可能。①这样无论从商业价值还是发展价值上都是非常有利的，例如动画片《蓝皮鼠和大脸猫》，其后续的商业价值还是比较高的。
二、从主题看动画电影的叙事策略
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要正确、全面、及时地将影视音乐应用于当前的声乐教学之中，首先必须正确、全面、及时地解读影视音乐应用于声乐教学的重要价值，其中主要有以下几点。
（一）创新性
艺术的生命与灵魂就是创新。“艺术创作是人类一种高级的、特殊的、复杂的精神生产活动。艺术的生命就在于创造和创新。没有创造，没有创新，就没有艺术。这就意味着艺术家必须不断地超越前人，超越同时代人，以及不断地超越自己”。
影视音乐的诞生，带有先天的创新性艺术基因。众所周知，电影艺术从无声电影（默片）到有声电影的重要标志，就是电影音乐：1927年，第一部有声电影诞生于美国，片名为《爵士歌王》，就是在无声电影中加进4支歌、一些台词和音乐伴奏，从此开始了电影史上的一个崭新的时代。据此可以说，电影艺术的创新是以电影音乐的创新为发端和载体的。
而声乐教学，同样应以创新为生命与灵魂，换言之，声乐教学的创新，应当与影视音乐的创新相同步。
（二）现代性
影视音乐与整个影视艺术一样，现代性是其本体美学特征之一，也是它的美学价值之所在。例如我国电视连续剧《北京人在纽约》中的片头曲《千万次地问》，歌曲中英语“Timeandagainyouaskne”“Laskmyself”与汉语的混搭、歌曲的现代风格、演唱的流行音乐流派等，都是十足的现代音乐。又如美国大片《泰坦尼克号》中的歌曲《我心永恒》，词、曲、演唱、音乐伴奏等，也都是典型的现代音乐。
而现代的声乐教学本身，就应当以现代性为其题中应有之义，也就是说，现代的声乐教学也是与影视音乐的现代性相匹配的，声乐教学应当借助影视传媒现代性的翅膀，在现代化的道路上飞得更高、更远。
（三）实用性
实践是检验真理的唯一标准。实践证明，影视音乐已成为音乐艺术中被受众，尤其是青年受众追捧与青睐的音乐形式。很多影视歌曲，都已成为大受群众欢迎的歌曲，例如美声歌曲《我爱你，中国》（影片《海外赤子》的插曲）、《滚滚长江东逝水》（电视剧《三国演义》片头曲）；民族歌曲《我的祖国》（影片《上甘岭》插曲）、《谁不说俺家乡好》（影片《红日》插曲）、《九九艳阳天》（影片《柳堡的故事》插曲）、通俗歌曲《渴望》（电视剧《渴望》主题歌）、《青藏高原》（电视剧《天路》片头曲）；外国影视歌曲《友谊地久天长》（美国影片《魂断蓝桥》插曲）、《我心永恒》、《拉兹之歌》（印度影片《流浪者》插曲）等等，都是其中的代表作。
声乐教学必须充分考虑到广大音乐受众的审美需求与学生的学习热望，把这些影视歌曲引进到课程中，从而使声乐教学适应现实的需要，适应文化市场的需要，适应受众与学生的需要。总而言之，影视音乐在声乐教学中的应用，具有多方面的重要价值。
二、影视音乐在声乐教学中应用的主要内容
影视音乐在声乐教学中的应用，应以下列内容为主：
（一）以影视歌曲为教学曲目
要在以往教学曲目中，删减部分过于陈旧的曲目，增加一些影视歌曲。
（二）以经典影视歌曲为重点曲目
要优中选优，选用词曲创作与演唱艺术高超的影视歌曲精品，作为声乐教学的重点曲目。
（三）内容多样化
要选择各种题材、各种主题、各种情感、各种风格、各种乐派的影视歌曲作为教学曲目，包括中国和外国的、现代与当代的、严肃与轻松的等等，形成多元化的格局，以彰显影视音乐本身的丰富多彩的美学特质。
三、影视音乐在声乐教学中应用的必要方法
“方法虽然是手段，但对于实现目的具有重要甚至是决定性作用。……要实现教学目的，确保教学质量，就必须采用各种先进的、科学的教学方法。”声乐教学应用影视音乐，应采取的必要方法主要有以下几种：
（一）互动法
教师要与学生进行互动，充分发挥学生学习的主体作用，例如在教学曲目的选用上，要充分尊重学生的意见，选择学生喜欢的影视曲目，以收到事半功倍的教学效果。
（二）研究讨论法
对于所选用的影视歌曲，事先要全面研究讨论，对歌曲的题材、主题、风格、情感、演唱艺术的点亮、动情点、支点、点、重点、难点等等，都要在充分讨论研究的基础上再进行具体教学。
