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艺术教育在国民素质教育中扮演重要角色，在西方自古希腊以来无不受到高度重视，被视为公民自由教育不可或缺的组成要素。但如今中国的艺术教育却存在两个极端：一是将艺术教育完全等同于职业教育；二是认为艺术教育可有可无，漠然视之。这两个极端都阻碍了中国公民素质的提高。所以，本文通过意大利文艺复兴艺术教育的经验总结，探讨我国艺术教育的改革之路，以期有所助益。
一、意大利文艺复兴艺术教育的特点
现代艺术教育脱胎于意大利文艺复兴艺术教育。这一教育分为两个层次：一个是素质教育；一个是职业教育。所谓素质教育，是一种追求人格全面发展的教育，也称审美教育，这一教育形成于公元前450年之后的雅典学校教育，此后在希腊化时期得到了全面实践。到意大利文艺复兴时期，也依然延续。意大利上流社会认为，所谓真正的才能，是“支配一切艺术的艺术，是机智”[1]，并把懂得欣赏艺术作为文雅高尚生活的一种点缀和有教养者的一种标志，所以，上层教育的目标是培养一个品味高雅、深谙艺术、具有相当鉴识力和具有合理利用艺术家能力的合格消费者或赞助人，而非艺术家。上层贵族艺术教育意在全面培养国家管理者的素质和能力。但这并不意味着贵族为自身的长期统治忽视全民教育，施行愚民政策。古希腊素质教育其实是面向全体自由民的，尤其是在梭伦和伯里克利执政期间，为使雅典城邦成为一个坚实的统一体，统治者以希腊宗教艺术为媒介，实施了卓有成效的全民艺术教育。至文艺复兴时期，按城邦施政模式治理国家的意大利各政治实体，为了在斗争剧烈的政治环境中，保住统治地位，也继承了古希腊城邦共和国实施全民艺术教育的做法。其中，最重要的措施就是将艺术纳入“自由艺术”的学科，使之成为学校人文教育的一个重要组成部分，在各级学校全面执行。此外，意大利商业显贵、政府和教廷还积极赞助艺术，并建立向全民开放的博物馆，以寓教于乐的形式提高公民素养、增加国家荣誉感。和素质教育相比，意大利职业艺术教育具有如下两个特点：
1.专业化。社会分工促使职业走向专业化是职业确定自身竞争优势的必然趋势。在文艺复兴时期，意大利艺术教育十分强调技艺的专业化，专业化的强调使得意大利文艺复兴时期的艺术教育显得非常严格，一个画家要成为师傅很不容易，需要经过严格的考试才能获得独立开业的师傅资格。正源自这种严格的人才培养和选拔制度，造就了伟大的文艺复兴艺术。
2.服务对象化。所谓服务对象化，实际上也就是满足需求的对象化。在意大利文艺复兴时期，有三个主流消费群体推动着满足需求的对象化过程的实现，这就是商业显贵、教会和政府。其中，商业显贵的需求满足的对象化过程可分为两个阶段：前期因为基督教将获利的商业行为视为对上帝的不敬和犯罪，所以，为求内心的安宁，商人便将财富慷慨地馈赠给教会或用于赞助学术、艺术等公共事业；后期发生变化，人们将消费艺术视为维持荣誉、展示身份、炫耀财富、纪念或颂扬个人与家族荣誉，甚至是资本投资的一种手段。
二、目前中国艺术教育的弊端
我国的艺术教育是从苏联模式演变而来的。苏联模式只注重基础教育，而不关心创造能力和自我营销能力的培养，所以，长期以来，我国培养的学生适应社会和市场的能力严重不足。虽然这一局面近二十余年来有所改变，但依然弊端重重，这些弊端主要表现在以下几个方面：审美教育的技能化；审美教育的功利化；职业教育机构的企业化；职业教育课题设置的混乱化。以上中国艺术教育的弊端目前已经全面地呈现出来了，并有越演越烈、积重难返的趋势。这一趋势与中国的教育体制不合理有关。因体制改革殊为不易，所以，要革除上述弊端还有很长的路要走。
三、中国艺术教育的改革方向
文艺复兴艺术教育实际上是意大利城邦共和国为取得竞争优势而实施的一种政治策略，它远远超越了一般的知识教育和营生教育的层次，而与国家之间的竞争紧密关联。但在目前的中国，不少人简单地将艺术教育理解为一种提高年轻人审美品味的知识教育和作为生存手段的营生教育，远未将艺术教育的作用和意义上升到提高国家软实力的高度来制定艺术教育的发展策略，令人十分忧虑。
目前，中国艺术教育亟待调整的改革方向包括如下五个方面：
1.素质教育的荣誉化。素质教育的目的是实现人的全面发展，但目前中国的素质教育却是一种被动的只关涉知识的灌输教育，而灌输教育的最大弊害在于容易使被灌输者失去主动性，造成只有知识而缺乏智慧和判断力的教条人格。因此，我国必须实施卓有成效的荣誉教育，使受教育者在主动寻求荣誉和自尊的内在动机中，接受素质教育。至于艺术教育更是如此：它不仅只是琐碎的知识教育，还是一种确立鉴赏眼光、高雅品味和选择能力的方法教育，更是一种通过艺术品鉴力培养获得他人尊重的荣誉教育。其中，荣誉化的艺术教育以国家荣誉、民族荣誉和传统文化荣誉的培养为重中之重。
2.素质教育的全民化。素质教育是一种着眼于提高国民整体素质即软实力的教育，而非选拔教育。将素质教育的实施对象局限于学龄期青少年，是一种极其短视的应急性教育措施，达不到整体提高国民素质的长远目标。唯有实施全面的全民素质教育，改造民族性格，才能宏观调整和挽救因逐利的欲望泛滥而导致的道德沦落，实现国家和民族的长远发展目标。
3.素质教育的战略化。素质教育不能直接作用于GDP的增长，但卓有成效的素质教育却是维持国家经济持续高速发展的重要保证。一个素质低下的民族在逐利动机的推动下可以维持一时的高速发展，但决不可能维持长期可持续的高速发展，因为素质低下的民族所推动的经济发展是一种高成本的粗放发展，难以为继。所以，素质教育必须以提高国家和民族竞争力为规划目标。其中，素质教育层面的艺术教育在国家战略的设计中，应纳入战略手段的行列，发挥其塑造民族竞争力的重要作用。
4.审美教育和职业教育的界限明晰化。审美教育和职业教育最大区别在于，前者不是服从社会分工而是强化国家竞争力的产物，后者是服从社会分工和强化个人竞争力的产物。鉴于此，审美教育和职业教育不可按同一尺度执行，必须分开，按不同的原则和规律行事，取得两相合宜的效果。
5.职业教育的层级化。职业教育的最基本功能是在服务对象化过程中强化个人竞争力。由于个人竞争力的塑造分为基础层次、创新层次和自我营销层次三个阶段，因此，职业教育在强化学生个体竞争力的过程中，须按层级化要求，缺一不可地逐级培养基本技能、创新能力和自我营销的能力，建立和完善教育程序，使学生成为合格的专业人才。
在激烈的国际竞争中，教育的目的不仅在于使人获得全面发展，更在于提高国家竞争力，鉴于此，以上改革方向是中国教育包括艺术教育的必由之路，能否及时调整，将是关系国家命运的大事。
意大利文艺复兴艺术教育奠定了现代艺术教育的基本模式，这一模式采用的实际上是双轨制：一条轨道只要求受教育者具备欣赏、品味和鉴别艺术以及明辨美与丑的能力，而不要求受教育者接受系统训练，掌握专业技能；另一轨道则要求受教育者服从社会分工原则，接受严格、系统的专业化训练，成为合格的专业人才，为社会服务。前者无差别地指向公民人格的全面发展，后者却是基于人的不同天赋对个体特长的发展。这两条轨道并行不悖。然而，令人忧虑的是，我国的艺术教育重心往往指向少数人才有机会享受的职业教育，而忽视完善绝大多数国民之人格的素质教育，最终导致我国的国民素质难有大的提高，艺术专业人才的培养也受到很大限制。因此，为提高我国的公民素质和艺术人才的专业素养，我们需要借鉴文艺复兴艺术教育的成功经验，将审美教育和职业教育分开，同时归回到全体德性生命的陶养和艺术专业人才的培养这两种不同的轨道上，使之并行发展。
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一、历史背景
了解一个时期的艺术或是建筑应该首先了解当时的历史背景。15世纪初期，一场称为“文艺复兴”的文化运动开始在意大利的佛罗伦萨，而到该世纪结束时，它的影响已蔓延到整个意大利半岛。16世纪前半叶，是文艺复兴运动最辉煌的时期，那时，罗马已取代了佛罗伦萨成为最主要的艺术活动中心。不久便扩展到法国 德国 尼德兰 西班牙 英国等地。同时运动的影响开始和席卷欧洲，掀起一场全面的文艺革命。
从1500年代开始，法国 文艺复兴建筑逐渐兴起。德国西班牙和英国采用文艺复兴式建筑，打破根深蒂固的哥特式传统风格，要比法国的文艺复兴建筑晚一些。这些国家的所谓文艺复兴式建筑，不像意大利那样典型，大多数都是在意大利建筑式样中，加进其固有的建筑风格。文艺复兴时期的建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。十五世纪产生于意大利后传播到欧洲其它地区，形成带有各自特点的各国文艺复兴建筑。文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和是世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素
二、与古罗马建筑比较
古罗马建筑能满足各种复杂的功能要求，主要依靠很高的拱券结构，从而获得宽阔的内部空间，公元一世纪中叶出现了十字拱，它覆盖方形的建筑空间，把拱顶上的重量集中在四角的墩子上，无需连续的承重墙空间因此更为开敞。把几个十字拱同筒形拱，能够覆盖复杂的内部空间。罗马帝国的皇家浴场就是这种组合的代表作。古罗马建筑：古罗马建筑的木结构技术已有相当高的水平，能够区别拉杆和压杆。公元一世纪建造的罗马大角场，可容纳五万观众，只用了五六年的时间就建成了，它建在一个填没的湖上，但是低级竟然没有明显的沉陷。古罗马建筑艺术成就很高，大型建筑物的风格雄浑凝重，构图和谐统一形式多样，罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。 其中比较重要的是创新了拱券覆盖下的内部空间，有庄严的万神庙的单一空间，有层次多，变化多的皇家浴场的序列组合空间，还有巴西利卡的单向纵深空间。有些建筑内部空间艺术处理的重要性超过了外部形体。
文艺复兴时期建筑艺术形态对之后的建筑艺术影响非常深刻，相比较而言古罗马时期建筑更加侧重于承重结构的变化上，而建筑艺术外观形态外观变化有所缺失。文艺复兴时期建筑中还结合了当时先进的科学技术与最大化的创新，并且与文艺复兴时期的人文思想相结合，更加具有深远意义。
三、文艺复兴时期建筑特点
文艺复兴时期建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊，古罗马时期的柱式结构要素，建筑的主题是由宗教走向人生，由寺院变为宫室，建筑风格的特点是追求整体的和协和稳定，力求对称，并将设计与美感效果建立在数学和透视学的基础上。
采用古希腊，古罗马时期的柱式结构，窗户和门为方形或半圆拱，不再是尖拱形。空间不再用装饰图案和镶边塞满，而是故意让他空着，给人朴实大方简洁的感觉。另外，文艺复兴时期建筑多数推崇基本的几何形体，进而由这些几何形体的倍数关系的增减来创造出理想的比例，在建筑设计及建造中大量采用古罗马的建筑主题，不同高度使用不同的柱式。梁柱系统与拱券结构混合应用；大型建筑外墙用石材，内部用砖，或者下层用石、上层用砖砌筑；在方形平面上加鼓形座和圆顶；穹窿顶采用内外壳和肋骨；这些，都反映出结构和施工技术达到了新的水平。故意留下粗糙的砍凿痕迹，有些门窗边也采用这种做法。文艺复兴时期建筑结构，建筑风格是全新的，突破了风格风格主义的常规，创造出一种新颖而又生动的活力。
建筑师一方面采用古典柱式，一方面又灵活变通，大胆创新，甚至将各个地区的建筑风格同古典柱式融合一起。他们还将文艺复兴时期的许多科学技术上的成果，如力学上的成就、绘画中的透视规律、新的施工机具等等，运用到建筑创作实践中去。
城市的改建往往追求庄严对称。典型的例子如佛罗伦萨、威尼斯、罗马等。文艺复兴晚期出现一些理想城市的方案，最有代表性的是V.斯卡莫齐的理想城。广场在文艺复兴时期得到很大的发展。按性质可分为集市活动广场、纪念性广场、装饰性广场、交通性广场。按形式分，有长方形广场、圆形或椭圆形广场，以及不规则形广场、复合式广场等。广场一般都有一个主题，四周有附属建筑陪衬。早期广场周围布置比较自由，空间多封闭，雕像常在广场一侧；后期广场较严整，周围常用柱廊，空间较开敞，雕像往往放在广场中央。
四、总结
在文艺复兴时期，建筑类型、建筑形制、建筑形式都比以前增多了。建筑师在创作中既体现统一的时代风格，又十分重视表现自己的艺术个性。总之，文艺复兴建筑，特别是意大利文艺复兴建筑，呈现空前繁荣的景象，是世界建筑史上一个大发展和大提高的时期。
意大利以外地区的文艺复兴建筑的形成和延续呈现着复杂、曲折和参差不一的状况。建筑史学界对其它各国文艺复兴建筑的性质和延续时间并无一致的见解。尽管如此，建筑史学界仍然公认 ，以意大利为中心的文艺复兴建筑，对以后几百年的欧洲及其他许多地区的建筑风格都产生了广泛持久的影响。
参考文献：
[1]外国建筑史(第二版)[M].中国建筑工业出版社.
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一、德国文艺复兴的产生
在欧洲建筑史上，文艺复兴是继哥特式建筑之后，于15世纪产生的另一种建筑风格。自意大利兴起，这种建筑风格广泛传播，产生了巨大的影响，在欧洲地区形成了各具特色的文艺复兴建筑。
15世纪下半叶，德国产生了文艺复兴的思潮，“一些大学开始流行文艺复兴的“新学问”。西塞罗（Cicero）、维吉尔（Vergilius）、霍勒斯（Horace）、李维（Levi）和特伦斯（Terence）等古典学者，或受邀到大学讲座或作为家庭教师，广受学生的追捧。他们选取日常生活的题材来改编以往的古典作家的作品。”同意大利的文艺复兴略有不同，德国早期的人文主义学者多数是语言学家和哲学思想家而非文学家；文艺复兴的主要活动中心在大学而非宫廷；其主题是对宗教、道德、哲学等敏感问题的探讨而非复兴古代的文学艺术作品。
二、德国文艺复兴的建筑装饰风格
“发源于12世纪的法国，兴盛于中世纪中后期，哥特式建筑的整体风格为高耸削瘦、带尖状。这种高超的建筑艺术被广泛的运用于教堂建筑，表现了神秘、哀婉和崇高的感情。”哥特式强调神学至高无上的统治力，而之后出现的文艺复兴风格则更倾向于人性。在哥特式建筑中，设计者往往采用尖的形态，如尖塔、尖、尖拱，都表达了痛楚和不和谐的宗教意义，给人一种摆脱凡尘一切重负的感觉；而文艺复兴惯用的形态――罗马柱，则更加象征着一种人文主义的关怀。这种尖与圆之间的强烈对比被设计者巧妙的运用到了建筑的各个细节之中。
德国最初的文艺复兴建筑始于16世纪下半叶，设计师们最初在原有哥特式建筑的基础上增添具有文艺复兴建筑风格的构件与装饰，如古典柱式、山墙、雕像等。具体代表建筑有海得堡宫和海尔布隆市政厅。17世纪始，德国陆续受到意大利北部文艺复兴思潮的影响，吸取了其开朗、宏伟的风格，并将民族特色融入其中。文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。可以说文艺复兴视是对哥特式的继承和批判。中世纪的德国虽已趋向繁荣，但由于当时社会的分裂，经济与政治中心始终不能建立，使得其文艺复兴略为迟滞，一些建筑或有哥特式晚期的风格，又带着意大利文艺复兴的印记。
德国的文艺复兴建筑具有一定的地域差异性。由于处在欧洲中心，德国西边的文艺复兴思潮受到法国的影响，南部受到意大利的影响。而北部则因其气候寒冷，多采用高坡屋顶和大窗户的设计。另外，由于建筑材料的不同，也导致了建筑装饰风格上呈现的各自不用点。北部地区大多选用转料作为建筑材料，其他地区还采用石材和木材。同样是文艺复兴建筑，因生活环境及时代心理多种因素的不同，自然呈现为各具特色的清晰表现。如果南方意大利文艺复兴风格以追求和谐性为美的标准，那么位于北方潮湿德国则突出表现一种强烈有力的充满奇异思想的真实性。在建筑物的装饰方面，所呈现出则是一种荒诞的艺术特点。
三、德国文艺复兴的多样性
德国的文艺复兴建筑在其它国家也有所影响。比如我国青岛火车站候车大楼屋顶双坡陡峭、尖塔高耸，钟楼的基座、窗框、门框及山墙和塔顶的装饰线均用花岗岩砌成，都体现了德国文艺复兴建筑风格。
德国的文艺复兴建筑装饰风格整体来说其实是一个杂糅的状态，巴洛克、文艺复兴、哥特式风格混合在其中，大部分文艺复兴的装饰都建立的富丽堂皇，点缀着栩栩如生的雕像和色彩缤纷的绘画。工匠个人风格的不同、资本家的利益驱使与对科学的追求，这些都在一定程度上促进了文艺复兴时期艺术的发展。
四、典型的建筑案例
德国文艺复兴时期的建筑是由哥特式、巴洛克和文艺复兴等风格混合而成的，这种混合式的风格大部分都用在了世俗建筑上。例如海德堡城堡，兴建于13世纪，坐落在国王宝座山顶，庭院四周不规则的分布着文艺复兴时期的房屋群和看守塔。从其建筑形式来看大致可分为两部分，前部的爱奥尼式和柯林斯式的壁柱和半柱式，具有典型的威尼斯文艺复兴风格；在后面的建筑中，格子窗在底层群集，与之前的威尼斯文艺复兴风格又大为不同。
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在雕塑艺术发展的这些时期中，对我影响最深的就是文艺复兴时期的雕塑艺术。从14世纪到16世纪中叶的三百五十年，是西方从封建主义向资本主义过渡的历史阶段，被称为“文艺复兴时期”。它突破了长达千年的中世纪禁欲主义的束缚，以人文主义思想为宗旨，重新肯定了人类的生存价值和个人的意义。它不仅是古代文化艺术的复活与再生，而且是全面的新文化的诞生与繁荣，并且具有一种新兴和蓬勃的时代特点。它虽然以复兴古典文化为基础，但却超越了古希腊罗马文化的影响，将人本身作为自己的美学象征和表现对象，在包括雕塑在内的各个艺术领域，创造出前所未有的辉煌。
意大利的佛罗伦萨在文艺复兴初期具有无可替代的重要地位，产生了一大批著名的雕塑家。以后又由于热心艺术事业的美蒂奇家族的兴起，更为雕塑家提供了施展艺术才华的广阔空间。在这一时期，最早涌现的重要雕塑家有安德烈·皮萨诺、卡姆比奥、吉贝尔蒂、奎尔查和班科等。其中最著名的作品当推吉贝尔蒂为佛罗伦萨洗礼堂创作的两扇铜门浮雕，他为这两座大型浮雕总共耗费了38年的时间，其中的第二扇铜门曾被其后的米开朗基罗称誉为“天堂之门”，给予了极高的评价。奎尔查为波洛尼亚彼得大教堂制作的大门浮雕同样是一件杰出的作品，正是这件雕塑，开创了文艺复兴时期宏伟风格的先河。
被称为“文艺复兴之父”的多纳太罗，是文艺复兴时期公认的第一位雕塑大师。他的雕塑作品显示出比任何前辈雕塑家更具活力的个人主义的艺术手法。他的《大卫》塑像，大胆表现了，不仅使他建立了自然主义的风格，而且也为以后雕塑家们颂扬的风气开创了先河。他创造了一个理想与现实相结合的英雄形象，表现了一种庄严与高贵的气质。多纳太罗还培养出许多优秀的雕塑家，如韦罗基奥，作品富有现实主义风格，作品格调精美优雅，文艺复兴时期的绘画大师达·芬奇和波提切利都是他的学生。韦罗基奥与多纳太罗一样，也制作了一尊《大卫》塑像和一件大型的骑马塑像《科莱奥尼骑马像》，其艺术成就完全可与他的老师相媲美。
米开朗基罗是文艺复兴盛期意大利最伟大的雕塑家，也是西方雕塑史上一座无法超越的巅峰。尽管他在雕塑、绘画、建筑等诸多艺术领域都取得举世瞩目的成就，但他始终声称自己是一位雕塑家。米开朗基罗用石头来表达思想，用艺术超越自然，使自然服从于他的力量与观念的表现，利用变形以产生更强烈的艺术效果，米开朗基罗的《大卫》，以融真实与理想为一体的完美的男子，形象化地体现了捍卫者战无不胜的精神，身姿动态与紧张的情绪极为相等，而且整个姿态保持着悬念，令人有所期待，更增加了内涵无穷的艺术魅力。在整体结构上艺术家作了某些艺术上的夸张处理，以加强巨人的感觉，如手关节较大，大腿较长等。但他的每一细节的解剖结构都是无懈可击的，而且显示出米开朗基罗惊人的艺术才能。1564年2月18日，一代雕塑巨匠与世长辞。他的去世，也意味着意大利文艺复兴由盛而衰的开始。
从16世纪20年代起，一批追随米开朗基罗的新一代雕塑家以追求风格自居，逐渐形成讲究形式的美学倾向，被称为“样式主义”。样式主义的雕塑的特点是人体夸张变形，人物动态复杂，主题思想隐晦，并且打破了以往仅从有限视角范围观赏雕塑的传统，而追求能从各种不同角度全视角欣赏雕塑作品。其重要人物是切利尼和波洛尼亚。切利尼的《柏修斯与梅杜萨》，波洛尼亚的《墨丘利》和《萨平妇女被劫》，是样式主义雕塑的代表作，它们可从任何角度观看，随视点的变换，雕塑的外轮廓也不断变化并始终呈现出流畅的线条和优美的形式感。
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引子：中国绘画的传统精神在文人画中得到了概括和体现，明清时代的文人画已经进入鼎盛期。当时的西方世界正处在文艺复兴的文化巅峰时期。油画的出现完善并实现了西方绘画审美的形式成熟。通过对比中国明清文人画和西方文艺复兴时期的绘画（主要是油画），兴许能有不同的感悟和收获。
世界的美术是同时发展的，在中国美术源远流长的同时，世界各地的美术都欣欣向荣。这其中最具有代表性的是西方美术。西方美术的发达是于西方经济的繁荣分不开的，而西方经济的繁荣，从文艺复兴时期开始萌芽。文艺复兴时期的艺术，正是这种经济基础的反映。那么，在西方绘画艺术发展的每个重要时期，中国处在哪个朝代，哪个阶段，又有哪些特点呢？让我们看看以下表格，从宏观上了解一下中西美术发展史的时代对比。
一、从西方视角看美术发展几个重要时期的中国
西方美术有三个高峰，首先是古希腊-罗马艺术，接着是文艺复兴艺术，最后是现代艺术。古希腊-罗马时期的中国美术形式以青铜器、玉器等雕塑为主，出现帛画，但不成熟。文艺复兴时期的中国美术，有两个分支，一个是市民艺术的繁荣，一个是文人艺术的发展。现代艺术之后的中国美术，一直没有走出西方模式的怪圈。
这三个高峰中，前两个距离我们较为遥远，我们很难直观地认识。由于其中文艺复兴时期是艺术较为成熟的阶段，因此我具体对比这一时期的中西美术。
二、具体比较
（一）具体分析-文艺复兴西方绘画与当时中国文人画比较（异）
A、绘画材料不同
西洋画主要分为素描、壁画、油画、版画等种类。每个不同的种类所用材料也不同。
1、素描材料主要有：木炭条、铅笔、钢笔、白纸等；
2、壁画分为三个阶段，三种壁画运用不同的材料：
干壁画：干壁画是壁画的一种类型，主要指在已经干透的壁面上用混合颜料绘制而成的壁画。一般是先要把墙面磨得很平，然后刷上一层石灰浆，干燥后再在上面作画。因为壁面是干的，一般画面不变形，相对比较简单。
湿壁画：湿壁画（Fresco）的原意是“新鲜”的意思，是一种十分耐久的壁饰绘画。制作时先在墙上涂一层粗灰泥，再涂上一层细灰泥，然后将大型的草图描上去，再涂第三层更细的灰泥，这就是壁画的表层。由于灰泥会干掉，因此涂的面积以一日的工作量为限。然后将溶于水或石灰水的颜料，画在湿的灰泥上，由于颜料干了以后会变淡，因此着色时要斟酌浓度。这种技法兴起于13世纪的意大利，而16世纪趋于圆熟，15世纪之前马萨乔的壁画便属于湿壁画，到了拉菲尔之前其技法已经完全成熟。
坦培拉：坦培拉是英语 Tempera 的音译，来源于古意大利语，意为“调和”“搅拌”，后泛指一切由水溶性、胶性颜料及结合剂组成的绘画，也常单用于鸡蛋等乳性胶结合剂组成的绘画。
3、油画名称的来源与其材料有关：
油画材料有：油性颜料、松节油、调色油、上光油、木制画框、亚麻布、底料、油画笔、刮刀等 （未考证16世纪具体工具形态，找现代图）
创始人：凡・埃克兄弟是指14世纪到15世纪尼德兰画家胡伯特・凡埃克(1370―1426年)和扬・凡埃克(1385/90―1441年)兄弟。1415年根特市长约多库斯・威德向胡伯特・凡埃克订制祭坛画，他画了10年，未完成就去逝了，后由弟弟扬・凡埃克继续完成，安置在根特圣贝文教堂。这是一组具有里程碑意义的划时代巨作，它标志着一个新时代的到来和人文主义艺术的诞生，并奠定了尼德兰文艺复兴艺术的基础。由于《根特祭坛画》是运用油调颜色绘制而成，因此凡埃克兄弟成为欧洲油画的创始人。
4、欧洲版画
欧洲版画起源大约在十四、五世纪初期。当时开始出现将图片印u在木版上的情形。这种现象的a生与中国造纸术西传并进而普及欧洲有密切的关S。其种类和材料与中国版画类似，在后面具体说明。
国画（广义）有几个种类，所用材料也不同。
1、壁画（敦煌胶彩画）
敦煌壁画也称胶彩画它是以胶为素材媒介，混合天然矿物的粉末，与水调和后绘制在岩壁上。日本研制后发展为胶彩画，称为日本画。
2、帛画
帛画，中国古代画种。因画在帛上而得名。帛是一种质地为白色的丝织品，在其上用笔墨和色彩描绘人物、走兽、飞鸟及神灵、异兽等形象的图画，约兴起于战国时期，至西汉发展到高峰。
3、宣纸水墨画
主要材料是文房四宝，笔、墨、纸、砚。
笔
以兽毛制成的笔。初用兔毛，后亦用羊、鼬、狼、鸡等动物毛。笔管以竹或其它质料制成。头圆而尖，用于传统的书写和图画。目前实物发现，最早的为 战国 时期。
它不同与油画的排笔，笔头成锥形，行笔时垂直于纸面。
墨
墨的主要原料是烟料、胶以及中药等。通过砚用水研磨可以产生用于毛笔书写的墨水。
纸
对宣纸的记载最早见于《历代名画记》、《新唐书》等。起于唐代，历代相沿。宣纸的原产地是安徽省的泾县。此外，泾县附近的宣城、太平等地也生产这种纸。到宋代时期，徽州、池州、宣州等地的造纸业逐渐转移集中于泾县。当时这些地区均属宣州府管辖，所以这里生产的纸被称为“宣纸”，也有人称泾县纸。由于宣纸有易于保存，经久不脆，不会褪色等特点，故有“纸寿千年”之誉。
砚
砚是中国书法的必备用具。砚台不仅是文房用具，由于其性质坚固，传百世而不朽，又被历代文人作为珍玩藏品之选。砚台的材料丰富多样，除端石、歙石、洮河石、澄泥石、松花石、红丝石、砣矶石、石外，还有玉砚、玉杂石砚、瓦砚、漆沙砚、铁砚、瓷砚等，共几十种。砚用于研墨，盛放磨好的墨汁和掭笔。
4、中国版画
中国版画的起源，有汉朝说、东晋说、六朝以至隋朝说。现存中国最早的版画，有款刻年月的，是举世闻名的咸通本《金刚般若波罗密经》卷首图，根据题记，作于公元868年。
明清两朝是中国版画的高峰时期，在许许多多文人、书商、刻工的共同努力下，版刻出现了各种流派，创作出大量优秀作品，呈现出欣欣向荣的局面。不仅宗教版画在明代达到顶点，欣赏性的版画也在明代大大兴起。画谱、小说、戏曲、传记、诗词等，一时佳作如雪，不胜枚举。尤其是文学名著的刻本插图，版本众多，流行广泛，影响深远。
B、选择题材不同
欧洲文艺复兴绘画选题有三方面：
1、基督教：
例如：提香的《伊赛克的祭献》取材于圣经《旧约》：人类遭大洪水灾难后，挪亚家族繁衍世界各地，其中有位叫亚伯兰的闪族人，被上帝看中，要他在人间代替上帝行道，令他改名为亚伯拉罕，99岁得一爱子名为伊赛克(一译以撒)，视如掌上明珠。一天，上帝命他将爱子牺牲献于上帝，笃信上帝的亚伯拉罕毫不犹豫，带着爱子和祭具到摩利亚山顶行祭。亚伯拉罕按着爱子的头正欲行祭时，天使突然飞临挡住他的刀，告诉他这是上帝对他的忠诚考验。画家描绘的这一惊心动魄的情节。
乔托的《犹大之吻》是《圣经》故事之一， 拉菲尔的《西斯庭圣母》，画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母怀抱圣婴，脚踩祥云，徐徐而来。还有许多类似的名画，不胜枚举。
2、古希腊神话故事、
提香的《达那厄》、《维纳斯和阿东尼斯》等等都取自美丽浪漫的神话故事。从中，我们可以看出西方绘画重故事性的特点。
3、世俗生活（重人物画）
文艺复兴之前的画家，很少表现世俗生活场景。漫长的中世纪绘画，都在宗教的笼罩下度过。随着人文主义的兴起，画家开始把目光转向世俗，转向平民，转向身边的平凡之美。美术三杰笔下的圣家族，无一不是显露出世俗的神情，农民的日常生活，也成为了画家乐于表现的主题。许多肖像画家开始接受贵族的定单。最著名的有凡爱克兄弟和荷尔拜因。
中国文人画取材喜好梅、兰、竹、菊四君子、高山、渔隐 （山水、花鸟画为主）等。
梅，傲而不俗。兰，幽而不病。竹，轻而不佻。菊，丽而不娇。 高山、渔隐，则表明了文人心系天下却超凡脱俗的态度。
C、表现手法不同
欧洲文艺复兴绘画的表现手法有：
1、造型写实，采用浓烈色彩；
2、以面的塑造为主，强调立体感；
3、重视透视的研究，力求创造三维纵深的效果；
4、此时的色彩是跟着造型的立体要求走的，目的是再现实体，给人真实感。
中国文人画表现手法特点是：
1、重在意境，墨色淡雅。
2、以线的构成为主，营造平面的氛围和意境；
3、“散点透视”对透视的表现顺其自然，点到为止。更注重表现而不是再现。
4、墨分五色，概括，细腻。
D、形式美感不同
欧洲文艺复兴绘画之美重在场面大、色彩重、造型结实有力，给人以雄浑、宏伟、震撼、崇高的视觉冲击。
中国文人画之美在于取材纯、色彩雅、高度概括的形体走势将观众带入作画者灵魂深处神妙的意境。
E、文化背景不同
文艺复兴的背景：1、经济：资本主义萌芽，新兴力量发展。人性解放之声唱响。2、文化：从中世纪基督教文化中渐渐解放，带有人文主义思想。而这些都使得那时的西方绘画带有积极入世的倾向。
中国元末-清初：1、经济：封建制度不断僵化，中原文化蹒跚而行。2、文化：中国传统儒、释、道思想的结合，具有超脱的意味。这样的背景使得中国当时的文人画带有消极出世的情绪。
西方文化背景最深层次的是――基督教。因此，文艺复兴绘画仍然是基督教绘画的一脉相传。
而中国古代传统文化的背景，也直接影响了文化画的创作。中国传统文化是儒、释、道三家的融合，而这任何一家的精神，都与美术――图式符号有着不可分割的关系。
儒家的面貌，就是一张静止的太级图。人们看到它，可以清楚地了解到何为阴，何为阳，何为阴阳次序。它的主旨，就在于理清宇宙人生的条理秩序，让人们在天人合一的伦理中，有序地生存。
释家思想，主要指佛教的理念。而大乘佛教，是佛教理念的集大成者。佛教，不是宗教，而是佛陀的教育。大乘佛教的核心是“空”。其实“空”，便是一张飞速旋转的阴阳鱼图。“色即是空，空即是色。”“有即是无，无即是有。”与其说它是在解释世界，不如说是在描述宇宙人生的状态。图中有阴，有阳，有黑，有白，有色，有别，这是“有”。然而，当整个真实世界光阴飞速流转，万物瞬息万变时，这所有的“有”形，就化为了一片混沌和“无”形了。到最后，大千世界，融化为不可察觉的千变万化之中。
F、对后世影响不同
文艺复兴绘画：建立了西方写实主义绘画的科学体系。为后世西方美术教学提供了理论依据和实物典范。其审美规则到目前仍然是世界许多国家油画教学的学院派基础。
中国文人画：完美地图式了中国传统文化思想内涵。成为后代国画的临摹范本。给西方近现代绘画大师以创作灵感。
（二）具体分析-文艺复兴绘画与中国文人画比较（同）
1、当时这两类艺术家对待绘画作品的态度都是严肃的。
2、文艺复兴绘画和中国文人画都具有抗争性，生命张力。
两个画家可作为对比，一位是米开朗琪罗，一位是徐渭。米开朗琪罗的“力量”体现在他所刻画人物的肌肉上，而徐渭的“力量”则体现在他画中花草的构图，黑白空间的分布，以及墨色浓淡的节奏上。米开朗琪罗的“力量”是表面的，而徐渭的“力量”则是深刻的，隐藏的，安静的。
3、都在形式上继承院体典范，在内容上还原人性，具有人文关怀。其过程是一种艺术的解放。
4、都在其所在的文化圈内，成为了后世美术教学的楷模。且造就了难以超越的艺术品质。
三、结语
14-17世纪的中西绘画艺术，在艺术的风格上大相径庭，却在艺术的价值上殊途同归。是民族的，才是世界的。伟大的艺术最终都是相通的。也正是如此，继承本民族的传统文化才显得如此重要。同时，我们又要具有广阔的视野和开阔的胸襟，与世界丰富的文化成果相融合。
篇7
一、文艺复兴运动中的温情主义
自西罗马帝国灭亡至文艺复兴文艺复兴运动开始的这一千多年被称为“中世纪”，是欧洲的封建社会时期。宗教，是此时期封建统治阶级的有力统治手段，是人们生活的精神支柱。封建统治阶级对于精神文明的垄断控制，使得欧洲人民生活在封建集权和宗教神权的压制下。文艺复兴前期，随着手工劳动中技术的不断革新，生产力水平的提高，人们的物质生活有了很大的改善，城市人口明显增加。“城市市民比农村农民的生活愈显富足而开明，农村封建自然经济渐渐以市场交换为主的城市手工业经济所压倒。经济基础的改变必然导致上层建筑领域的大变革……”[1]。生活上逐渐富裕的欧洲人开始追求精神上的“富足”，关注人生享乐和生活美好，人文思想开始萌芽，人们走出了黑暗漫长的“中世纪”阴影。
与此同时，新的科学技术、思想认识不断地更新。哥白尼、伽利略、牛顿等科学新秀们的科学成果，使人们更加理性的认识了他们所生活的世界。特别是航海家麦哲伦、哥伦布等成功的环球航行以及发现新大陆，证实了地球是圆的，使中的一些邪说无法站稳脚跟，给宗教势力以沉重的打击，为自然科学的发展铺平了道路。文艺复兴的形成不是突发式的，是在一定的社会历史积淀下逐渐形成的。
文艺复兴时期的核心思想是人文主义，是新资产阶级的思想，以人为中心，号召人们把思想、感情、智慧从宗教中解放出来，提倡“人权”“人性”“个性自由”。“概括起来人文主义思想的主要特征是：1.以人为中心，强调个人才能和自我奋斗，赞扬英雄史观；2.肯定现实世界，鼓吹享乐和名利，反对禁欲和修行，批判经院哲学；3.否认对教皇和教会的绝对服从，反对封建特权和等级制；4.提倡理性，追求知识和技术，重视实验科学，探索自然，推崇资产阶级的文学艺术。”[2]人文主义充分表现了对人本身，对世俗生活，对现实社会，对自然空间的一种温柔的感情，体现出一种关注，这样的感情这种关注即是一种温情主义，在绘画创作中艺术家们常通过绘画作品的内容来表达自身的这种感情和关注。
二、人文主义在绘画作品中的表现
这一时期的绘画作品，将对现实生活的热爱，对世俗生活的关注都注入到了绘画艺术中，冲破了神学桎梏，唤醒了个人的自我意识，在宗教绘画作品中，讴歌人性的崇高，表达了艺术家的人道主义思想，表现出对现实生活真实性的理解以及对人生价值的思考与肯定，具有极高的审美价值，为后来启蒙思想的出现打下了坚实的基础。
如，乔托的《哀悼基督》，这幅画是乔托为意大利帕多瓦的阿雷纳礼拜堂所作的装饰壁画之一。这是一副结合了人性与神性的画，通过这幅画通过复活表现一种对未来的期望，人性固然软弱但终会屈服于神性，善的必将成为至善，而死亡是获救的缘由，因为我们的罪已与基督一起被埋葬了。如此体现了一个基督徒的人生观：坚信天主，满怀希望不断悔改，爱天主及爱人如己。
乔托是刻画人物感情的能手，画面中的各种形象不仅处于不同姿势和动态之中，脸部的细腻表情、身体动态和手势，因身份、性格等的不同而做出不同的反应，但他们却能共同的流露出悲痛之情。前倾凝视耶稣的圣约翰，在绝望与悲痛中向后伸展双臂，表示心中的绝望。女圣徒们的手轻轻地握着耶稣带着的双手和双脚，神情充满哀伤。这种写实场面所流露出来失去亲人的悲情更深刻感人。
“乔托绘画主题更多是传奇人物的生活本身，想要唤起观看者本身的内心体验，让他们参与神圣历史的情感体验。以人物形象的真实生动，来体现对人和世界的新看法，以展示人本身和现实生活之美，来反对宗教神学贬低人性的观点。这就是文艺复兴时代的人文主义思想。乔托艺术的现实主义表现同时也揭示了新艺术的现实主义手法和人文主义思想内容的紧密结合。”[3]
文艺复兴时期的绘画作品非常重视艺术的精神内涵，把技艺、精神、形象、情感相柔和。在文艺复兴时期绘画的探究对象是人，而且是对人的灵魂和人生更加深层意义的探究。这种对人自身进行深入认识和探究的行为，是人类进步的表现。文艺复兴时期绘画虽然以宗教、神灵以及虚无缥缈的天国为出发点，来探讨神和人的关系，但实际上却落脚于现实社会，探究的仍是现实中人。神灵不过是理想化了的现实生活中人的形象。在宗教绘画作品中所描绘的内容是把实现人理想化了，体现行善、互相帮助、不偷窃、不妄语、不贪、言行一致等戒律，这些都是与社会道德标准相一致的，是对现实人生的思考。艺术家的这种思想感情与意志愿望常常寄寓在具体的形象之中。在宗教绘画中形象性将教义、人物、故事融为一体。这种宗教艺术为非的欣赏者们也同样提供了广阔自由的想象空间，具有很高的审美价值。如，皮耶罗・德拉・弗朗切斯卡的《复活》，画家描述的是基督的复活，画家把在画面中直挺站着的基督形象画成一般人的样子，让基督融入到本不是很协调的主题之中，克制的姿势带有一种紧张感，仿佛已经准备好自己走出坟墓，去唤醒沉睡的世界。天空飘着清晨的条状卷云，这是一天的清晨时刻，四个守护者和整个世界都沉浸在沉睡中。基督超脱的表情，毫无审判之意，似乎有意让世人来评判自己。他按理想的人体形象来表现基督，在背景中呈现出一种优雅的美感。
皮耶罗・德拉・弗朗切斯卡的作品精彩地诠释了艺术、几何、神学、哲学以及社会现实等。弗朗切斯卡的一生和他的作品中，都彰显着那个时代的知识和精神价值，体现出传统与现代、宗教与人文、理性与美学等社会多方面因素对他的影响。
人文主义思想作为文艺复兴运动的核心思想，广泛表现在这一时期的艺术作品中，本文简单举例分析了人文关怀在绘画作品中的体现，剖析了文艺复兴时期绘画作品的特点，该时期的绘画作品不仅奠定了欧洲现实主义艺术的基础，而且还以其深厚的精神内涵和精湛的艺术技巧，给人留下不可磨灭的印象，该时期的绘画对欧洲乃至整个世界艺术的发展均产生了巨大的影响。
【注释】
篇8
《欧洲文艺复兴史》（十二卷本）已由人民出版社出版，从2001年选题立项到2010年11月全部出版，历经十载。它的出版凝聚了编委会、各卷作者和出版社各级领导及编辑的集体智慧和创造力，也是出版社在学术领域发挥创新性作用的一个例证。本文以此为案例谈谈编辑工作的艰辛以及编辑群体的主动性和创造性问题。
一、选题的策划和立项
2001年，时任中国“世界中世纪学会”会长的刘明翰教授在与我的谈话中提起，同志在一个非正式场合指出，要弄清明以后中国逐渐落后的历史，弄清西方经济科技文化发展到今天的历程，都应抓住文艺复兴这个历史阶段。20世纪90年代国内有关文艺复兴的专著和译著不多，更没有对文艺复兴各方面的成果进行系统总结的图书。
了解了上述情况之后，人民出版社立即组织相关力量调研并写了《关于组织撰写和出版〈欧洲文艺复兴史〉的策划报告》，开始了《欧洲文艺复兴史》的选题策划和出版立项工作。
在领导的支持下，我们将这套书定位在力求反映国外最新的研究成果和国内最高研究水平。要求作者广泛收集材料，尽可能遍阅国外研究文艺复兴的名著和文艺复兴时期流传至今的作品，提出新论点，并着重对其思想和制度进行考察，完善我国世界史学者关于欧洲文艺复兴史的理论体系，同时发挥史学的经世致用功能，为我国现代化建设提供借鉴。
欧洲文艺复兴虽然是波及全欧洲的一场思想、文化、科学等各方面的革新运动，但主要活动和成果产生在意大利，意、德、法、英等国参与程度深、成果多。对于大国，我国国内研究人员相对较多，对于小国，国内几乎无人问津。为了防止按国别设卷出现此重彼轻、卷与卷之间篇幅极不均衡，经与主编刘明翰先生讨论，拟将这套书分政治卷、经济卷、文学卷、艺术卷、法学卷、教育卷、哲学卷、科学技术卷、城市与社会生活卷、史学卷共十卷（后来增加了总论卷和宗教卷）。
在提交这个选题报告的时候，我们心中仍存有疑虑。虽然文艺复兴研究在西方是一个比较成熟的学科分支，也是学术研究持续的热点和重点，但大部头的全面宏观的著作并不多，1999年美国出版的《文艺复兴百科全书》是该领域唯一的全面宏观的大部头图书。我国的研究基础薄弱，微观的专题研究成果也不多，现在出版这套宏观的大部头图书，是不是为时过早？再者，我国专门研究文艺复兴的人员不多，是否能找到合适的作者？
对于上述疑虑，时任编辑室主任现为我社副总编的乔还田同志谈了他的看法。他认为，西方学术路径跟我们有区别，西方习惯于微观、实证研究，也许会出现“进得去、出不来”，只见树木不见森林的窘境。我国在此领域已有一些成果，加上我们有自己观察历史、研究历史的方法，宏观研究与微观研究同步推进，完全可以从中总结出一些规律性的东西；而且，支持这样一个重要的出版工程符合人民出版社的定位，人民出版社除了要出版高质量的马列主义经典著作、党和国家重要文件文献，维护主流意识形态外，还应该出版原创性的学术著作。关于专业研究队伍缺乏的问题，他认为可以采取以时间换空间的办法解决，给以七八年的时间，以选题为龙头，带领与之相近领域的学者参与其中，以培养中青年学者为主，壮大文艺复兴研究队伍。
由于定位准确，目标明确，特别是选题自身所具有的价值意义，选题很快被社里批准。该选题在我社立项两年后，又被国家社科规划办列为社科基金资助项目。
如果说，我们当初提出这样的选题是一种大胆创新，甚至有一点冒险，那么，当我们知道文艺复兴的发源地意大利同行也有这样的“冒险”想法并付诸实施后，就会感觉这乃事物发展的必然。2010年11月我社全套十二卷本书完整出版之时，意大利一家出版社也出版了十二卷本《欧洲文艺复兴史》的前六卷。而且我们进一步得知：这家出版社也是在2001年前后策划了十二卷本的欧洲文艺复兴史的图书。他们这十二卷的卷名分别是：《总论》、《人文主义和教育》、《生产和技术》、《商业和商业文化》、《科学》、《地点、空间和建筑》、《仪式和生活方式》、《政治》、《艺术品的流通》、《宗教和精神生活》、《哲学》、《文艺复兴与欧洲以外的世界》。他们的分类与我们的分类大体相同。这说明我们在这个领域的创新不是空中楼阁，这种按专题分卷来研究文艺复兴的方法是研究成果积累到一定程度后的必然选择。虽然当时我国在这一领域的微观研究、实证研究还落后于西方，但我们有自己观察历史、研究历史的方法，完全可以宏观研究与微观研究同步推进，总结一些规律性的东西，从而增强我国学者在这一学术领域的国际话语权。
二、全程跟踪写作过程
十年磨一剑。书稿的写作和编辑无疑是艰辛的。为了确保书稿的学术质量，我社提议成立了五人编委会，主编刘明翰教授是前任中国世界中世纪研究会理事长，有大量的学术研究成果，有极强的组织能力。其他四人分别是：文艺复兴研究大家、北大教授朱龙华，在文艺复兴史和比较史学方面研究成绩显著的天津师大教授庞卓恒，对欧洲近代早期和文艺复兴研究著述丰富、多年留学德国和美国的北京大学教授朱孝远，以及国内文艺复兴史研究基地的领军人物、曾在哈佛研修的四川大学教授王挺之。他们都是文艺复兴研究领域卓有成果的教授，由他们负责把关书稿学术质量。之后，由编委会推举，出版社研究决定，最终从全国大学中遴选出25位作者参与编写。
写作队伍建好了，关键是要拧成一股绳、劲往一处使，才能确保写作的质量并按要求顺利推进。为此，我社相关部门与中世纪学会多次举行这套书的编写工作会议，对书稿写作方案、写作体例规范、学术委员会分工、材料收集、写作进度等等具体细节进行详细商讨、推进。
为了充分调动各卷第一作者的积极性，加快写作进度，我们与主编签订约稿合同，确定其对书稿质量把关，还与每卷第一作者签订图书出版合同，将著作权权益明确给予书稿的第一作者。
在图书写作过程中，编辑能否创造性地发挥主观能动性，与作者进行有效的学术交流，直接影响书稿的写作质量。我们与作者一道调研国外有关文艺复兴运动研究的图书市场，在此基础上策划引进外国文艺复兴研究著名学者的著作，出版了“文艺复兴经典译丛”四部，即彼得・伯克的《意大利文艺复兴时期的文化与社会》、《欧洲文艺复兴：中心与边缘》，克里斯泰勒的《文艺复兴的思想与艺术》，玛格丽特・金的《文艺复兴时期的妇女》等。我还参与其中一部书的翻译。这对于进一步提高作者和责编自身的学术素养有很大帮助，特别是有效地提高了责编对文艺复兴史方面书稿的审稿水平。
我们还利用在京的有利条件将最新翻译著作提供给作者。2006年，我们先后将由山东画报出版社出版的中译本《反思文艺复兴――遍布欧洲的勃艮第艺术品》和由中国建筑工业出版社出版的《文艺复兴在罗马》寄送给艺术卷的相关作者，为作者提供相应的参考资料。
认真审读书稿，提出修改意见并与作者沟通，完善书稿是编辑的基本功，也是编辑创造性劳动的重要体现。对于十二卷本《欧洲文艺复兴史》这样一个庞大规模的书稿来说，我们审稿关键抓住两点：一是看书稿内容是否真正实现了选题策划意图；二是结构体例是否符合统一的规范要求。
这套书按专题有十二卷，每一卷均包括总序、导论、正文、参考文献、后记五个部分，其中总序是全套书各卷通用的，由主编拟稿，编委会定稿。总序是整套书的灵魂，读者从总序中就能知道这套书的大致水平，一定要精益求精，编辑要非常重视并反复研读、把关。我们提出两点要求：一是要反映近一个世纪国内外的研究状况；二是谈谈本套书要在哪方面有突破。为此我们约请两位老专家撰写总序。其中朱龙华先生的总序对西方文艺复兴研究“正、反、合”的辩证发展过程，即充分肯定、否定再到综合分析的过程作了概说，点明本书要对西方由弱变强、中国明清之际由强变弱进行探讨。主编刘明翰教授在此基础上进一步补充完善，最后形成了总序的定稿。这篇总序比较符合我们的设想：第一部分阐述文艺复兴的性质，对其核心思想人文主义进行概说；第二部分简单梳理了学术史；第三部分点明本套书的主旨：寻找中西落差的原因，指明先进文化在历史进程中的作用。
篇9
一、文艺复兴时期羹育观的特点
1美育思想核心和美育教育目标
人文主义是当时美育教育思想的核心．其思想精髓是对现世人生的重视把个性自由人生幸福，甚至感官快乐看成是人性的理想。人们提倡人性人权和个性 自由，要求文学艺术表现人的情感科学 为人生谋 福利、教育发展人的个性提出一切以人为本一切为了人的利益自由” 平等博爱等口号．赞美人、歌颂人和培 养全知全 能的完美的人是当时文学艺术美学和教育的中心内容与主要职责。人们逐渐认识到，只有不断提高人类自身的素质，不断提升和完善自我并顺应自然本性生活才能达到幸福的境界，一系列的思考带来了哲学思想和文学艺术创作的繁荣。
2 美育教育途径和方式
(1)注重文学艺术作品的美育功能该时期的作家 、艺术家以及 思想家 、理论家深切感 受到文艺 的强烈美 感教育 作用 并善 于运 用文学艺术 的特 点来宣传和培育人文主义思想 代表作有 《巨人传》《抒情诗集》《十日谈》《愚神颂》《堂吉珂德》等这些作 品有 的鞭挞 了经 院教 育 思想 的 弊端 ，有的热情歌 颂了大 自然以及 人世间真挚美 好 的情感 ，有的塑 造 了 向往 自由世界 ，具有斗争精神 的青年形象 ，很 好地浸染 了人们 的心灵 。西班 牙现 实主义作 家塞万 提斯认为，艺术作品应该既有趣又有益．既可以娱人又可以教人它们应该是人生 的 镜 鉴风俗的范型和真理的假象”。莎士比亚的系列作品则更是创造了人类文 学艺 术史 的高峰．他通过诗歌及悲、喜剧等多种形式尽情抒发对美的感受以及人类高 尚而美好 的情感 。
(2)把文艺的认识、教益作用融合于”和娱乐、消遣之中德智体美结合采用直观生动、适合儿童特点的教育方式。他们认为悲剧有和“净化”作用指出诗是模仿的艺术．是一种指向教益的娱乐，能够娱情悦性 。他们注意教学的吸引力和学生的兴趣尽可能调动儿童的积极思维能力，让儿童在游戏中进行学习，并注重儿童的个性发展和培养 ，认为学习音乐、舞蹈等知识和技能尽管看不出直接的使用价值．却可以给人们带来奇特的享乐，并得到丰硕的成果，也即有着潜移默化的教育作用。
二．文艺复兴时期美育思想的现实启示
1 美育教育是以人为本”思想的体现
笔者认为，进行美育教育本身就是以人为本．学校教育 日益提升美育教育的地位 ，体现 了人们对生命的珍视对自身价值的认识 、对推进社 会发展的深刻而又全面的哲学认识 。如果说几百年前的文艺复兴提出人文主义是对人性的复苏和回归，那么现在的以人为本就是这一思想的成熟和发展。如我国的政治教材 中已明确提 出：努力促进人的全面发展是建设社 会主义新社会的本质要求。
2 音乐教育是艺术教育的重要一环是美育的重要途径
艺术教育的效应主要在两个方面，即个体素质的全面发展和提高、社会文明的进步和建设，可以看出其与文艺复兴思想的渊源关系。艺术教育因其比其他事物的审美含量充盈、集中而成为实施美育的最根本或主要的形式它涉及人生的各个层面和人文社会的各个领域。文艺复兴时期的思想家、教育家中有不少对音乐教育有着较高的评价和认识。维多里诺就非常重视音乐的美育教育作用．认为音乐的旋律和节奏对提高感觉和知性的能力都有好处维尔吉利奥则认为音乐这类学问是超脱 于实际的利益而自身成为自由的科学，弗莱佛认为．音乐舞 蹈对发展人的身心健美有重要意义今天的音乐教育越来越多地 强调以审美为核心让生活变得非富多彩，人类变得文雅和充满爱心的内在目的．它从感性入手，以情动人．以美感人重视教育的潜效应和教育的愉悦性，随着音乐教育研究的推进和改革的实施日益发挥更大的社会作用。
三．对音乐教育方式和理念的再思考
1注重学科的交叉 、融合和渗透文艺复兴时期的音乐教育中人文主义倾向十 分明显，教育内容及教育形式都出现了多元化 、自由化 、分工化发展的新趋势同时音乐教育与社会科学及自然科学的联系更加紧密 。美国著名音乐教育学家 雷默提出了综合艺术教育的观点。他认为音乐教育只有和其他姐妹 艺术结 盟 ，才能够朝学校的核心课程迈进，更好 地发 挥美育教育的作用。美育教育也离不开艺术之外的其他 学科的养料 ，这一点文艺复兴时期的思想家已给我们启示。例如他们认为音乐与数之间有着紧密的联系，达 ·芬奇 丢勒等 艺术家们把艺术作为～门科 学来进行研究。历代音乐流派众多很多都得益于 其他 学科 或是 人文哲学思想 的启示．如德 彪西 创立的印象主义音乐风 格来 自于 印象主义 诗歌 和绘画的启示：中国古琴艺术讲究 清、微 ．淡远的意境有着深刻的哲学内涵。今天环境音乐医疗音乐等概念的出现也证明了不同学科领域间的融合渗透，不仅具有理论意义而且具有 实用性 。
2 寓教于乐”的同时注重创造性是 美育工作者不懈追求的 目标 文艺复兴的教育思想是我们今天“寓教于乐思想的前身，同时，我们今天讲求寓教于乐也是以人为本思想在教学中的体现。国际音乐教育学会在审视音乐课程价值时指出音乐课程能有效开发个体潜能，激发创造冲动．升华精神境界．提高生活质量作为人类的巨大潜能，当今世界创造潜能的开发被日益得到 重视，人们的教育思想和方式也随之而发 生着改变。创造能力与美育教育之间有着相辅相成的关系，～方面美育教育能开发创造潜能，创新能力需在感受和创造性实践中培养，另方面好的文学艺术作品又有待于人们将时代精神给予创新性的运用不断创造出新的、好的艺术作品，使人们从中汲取营养、升华心灵，并从中获得灵感 ，进一步激发人的创造力。文艺复兴距今已经过去了3o0多年的时间．但它的美育思想精华却至今仍影响着人们值得我们不断去思索继承和创新运用。
参考文献：
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[中图分类号]：J2[文献标识码]：A
[文章编号]：1002-2139(2011)-18-0128-01
一、对古典主义油画的概述
古典的绘画，发源于古希腊和古罗马的绘画艺术，欧洲艺术史上曾经历过三次学习古典艺术的浪潮:第一次是文艺复兴时期，第二次是17世纪学院派绘画，第三次是18世纪末――19世纪的法国新古典主义。作为西方近代史上一次伟大的思想文化运动的文艺复兴，人文主义者以发掘古典文化，研究希腊、罗马的朴素唯物主义思想，追求科学求实精神的思想为先导，古典主义大放光彩。达・芬奇、米开朗基罗、拉斐尔都创作出感人的古典主义作品，被奉为古典绘画的鼻祖，特别是拉斐尔，被后世画家奉为不可逾越的偶像。16世纪末文艺复兴的艺术出现了衰退现象，到17世纪初，意大利学院派艺术、巴洛克艺术和卡拉瓦乔画派成为了主要的艺术流派。学院派绘画主张继承先辈大师的艺术传统，并强调绘画中的最高标准便是文艺复兴的古典主义绘画写实的特点，深深地影响了古典主义的发展。17世纪的法国古典主义，崇尚古典精神，以希腊、罗马的艺术为典范表现出严正、高贵、酷爱秩序的特点，推动了古典绘画和学院派的发展。整个18世纪艺术几乎都是在古典主义思潮影响下度过的。欧洲各国纷纷效仿法国建立美术学院，学院派成了正统艺术。到了18世纪中叶，古典主义艺术思想被庞贝古城的发掘和温克尔曼《古代艺术史》的发表所激励，欧洲对古代美术的兴趣又掀起了一阵。这又为西方古典主义艺术的普及，奠定了坚实的社会基础。18世纪，法国绘画在造型艺术中取得了压倒一切的地位。新古典写实绘画以历史上的古希腊、罗马作为借鉴，狂热地崇拜古典艺术。
二、拉斐尔与安格尔绘画艺术中的绘画语言特点
拉斐尔(Raphael Sanzio，1483―1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推崇的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
作为新古典主义的代表人物、拉斐尔的崇拜者安格尔，在其绘画形式和绘画语言上，既固守了古典主义的传统，又有了新的突破。向文艺复兴早期艺术家学习的时候，安格尔并没有完全追随。他认为早期艺术家们没有看到中间调子，没有观察到亮部和阴影里面的一切细微之处。他认为必须使人物形象能够转动，对安格尔来说，浮雕效果是通过在物体表面的所有部分巧妙细致地上阴影的办法达到的。同时，在用色上，他不画透明的阴影，而是把阴影涂得比较厚，并且在阴影里加了白色，例如从现藏卢浮宫的油画《瓦平松的浴女》上我们可以看到他用色就比较厚。他油画上很少用当时流行那种有光泽的褐色，并且当油画表面上的调色油被光线吸收后，就去掉了那种发紫的反光，呈现出一种金黄色的调子，同文艺复兴最出色的作品十分相似。随着时间的流逝，这些画益发美丽。这些油画技法从他一系列的宫女作品中我们可以清楚地看到。
三、拉斐尔与安格尔绘画艺术中的绘画观念异同
在拉斐尔的绘画生涯中，当时的题材即是历史插曲，是对现实中一个片段的描绘。可是，在安格尔看来，题材、自然、模特儿，都只是进行独特创作的依托而已。在一幅安格尔的作品里，题材不是轶事，而是构图。1842年安格尔的《路易十三的誓言》一画受到官方的赞赏，他对古希腊罗马的艺术和文艺复兴时期大师的作品倍加推崇，不惜直接借鉴其构图和形式。安格尔对政治、宗教不感兴趣，他把对美感形式的追求代替了对事件的关注。
四、总结
虽然安格尔直接师承大卫，但是在他的画面中有更多拉斐尔的情调，拉斐尔笔下的圣母是美丽的世俗妇女形象，在她们身上体现出慈爱、善良、温顺的优良品质，还略带几分贵族的高贵气质，如他的《西斯廷圣母》，就像一首优美的颂歌，将圣母的端庄和世俗的爱融为一体。拉斐尔的画面上始终洋溢着明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感。拉斐尔的优美、诗一样的绘画语言启蒙了安格尔，并且这种风格影响了安格尔的一生。安格尔的绘画风格与拉斐尔如出一辙，画面上洋溢着的也是明镜的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感，如上文提到的《瓦平松的浴女》。安格尔在罗马期间认真研究文艺复兴时期大师们的作品，在这些绘画大师的基础上，安格尔绘画中的线条更加简练和概括，从而更多的呈现出独特的艺术个性。
参考文献：
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1 古代希腊风格
古希腊的建筑以神庙为主，其次是公共建筑。神庙的结构，从正面看分为屋顶、柱子、台阶三个部分。屋顶包括横眉、回檐、破风，柱子包括柱头、柱身、柱础，回檐上有装饰浮雕，破风上有圆彤或浮雕，风格典雅、浪漫。
室内装饰以植物叶子如莨菪叶和涡卷为装饰；同时也用古瓶、竖琴、花环等装饰室内。室内有装饰浮雕。室内立柱的柱头以陶立克式、爱奥尼亚式、科林斯式为三种样板，体现了庄重、典雅、浪漫的风格：室内的家具也以植物或动物为装饰图案，家具形状单纯而优美二在室内色彩设计上古希腊人善于使用黑色与红色。希腊的传统文化对古代欧洲影响深远。
2 古罗马风格
古罗马文化受古希腊文化的影响，在此基础上又有所创新。古罗马人好战，征服了欧亚非大陆的众多国家，同时也吸收了古埃及和东方波斯的艺术，室内设计风格艳丽奢华。
在室内装饰色彩上，古罗马人用红、黑、绿、金等色彩表现了华丽的风格。墙上绘有壁画。还能用色彩模拟大理石的效果，在墙上用细致的笔触画出窗口及窗外的风景。家具有大理石家具、木制家具和佥属家具，家具上装饰有植物、动物、人物纹样。古罗马人创造了穹窿顶式建筑，内部空间稳定、宏伟。古罗马建筑中运用柱式与拱券相结合的方法，使建筑空间更加丰富，对后来的欧洲建筑有很大影响。柱子及柱头的造型式样比希腊的柱身及柱头更加丰富，但又过于奢华。
3 哥特式风格
产生于12-13世纪欧洲的德国东部，14世纪中叶流传于整个欧洲。这种风格其实是基督教的建筑风格，其建筑以尖拱、尖塔、飞扶壁等为结构，外形上显示出纤细而高耸的特征，有种向上升腾飞跃的气势。建筑细部的窗格花式、彩色玻璃、柱头、亚麻布装饰等都营造了一种神秘的宗教气氛。
4 文艺复兴风格
14世纪意大利人文主义精神冲破了欧洲宗教一统天下的局面，15～16世纪达到盛期。在这之后欧洲国家有不同形式的文艺复兴。意大利文艺复兴要复兴古希腊、古罗马的文化，反映在艺术上以古希腊罗马风格为基础，同时掺进东方和哥特式艺术来装饰建筑外部与室内。室内陈设单纯，细部装饰糅合进了莨菪、植物蔓藤、天使、怪兽、假面等雕饰作为家具的装饰，在庄重中有优雅华丽的特点。文艺复兴风格虽具有古代的装饰特点，但通过重新的组织，变为一种新的设计式样。而法国、英国的文艺复兴风格又有各自的特点。
5 巴洛克风格
篇12
篇13
这期间人文主义的语言哲学，艺术哲学，道德哲学，自然哲学各派学说对近代哲学都有很大影响。由于中世纪教会不注重文学艺术的价值，文艺复兴则肯定了文学艺术同哲学一样。如达奇芬就把诗和画都看作是哲学，把文学艺术比作镜子，反映现实，创造第二自然，能给人以真理。因此，人文主义艺术创作也达到了顶峰，是最辉煌的年代。例如绘画、雕塑、建筑、音乐等，他们在艺术创作中和反思中获得了哲学的意义。艺术作品体现了人的非凡创造能力；肯定了感性的作用；反映了自然的和谐；抬高了人的价值；贬低了神的地位。以人为中心的世界观。
人文主义思想反传统、反神学、反经院，认为其是教条主义与宗教专制主义。人文主义的艺术观涉及到自然观、认识论、人论、价值观等方面。由于文艺复兴运动对“自然”的发现，导致近代哲学与自然科学联盟，自然科学为近代哲学提供了新的理论模式，新的思维方式和新的文化氛围。如果没有自然科学带来的那种新的变化，文艺复兴时期的其它理论成果也不会被吸收进近代哲学之中。
文艺复兴时期的自然科学思想，深深地影响了近代哲学。有些问题虽不属于自然科学，但哲学家们也试图以自然科学的方法加以解释。如笛卡儿的形上学；斯宾诺沙的伦理学；休谟的人性论。人们不再相信演绎推理是探索知识的唯一途征，则认识到经验与数学的重要性。
